Cabello (musical)

Hair: The American Tribal Love-Rock Musical es un musical de rock con libreto y letras de Gerome Ragni y James Rado y música de Galt MacDermot . La obra refleja las observaciones de sus creadores sobre la contracultura hippie y la revolución sexual de finales de la década de 1960, y varias de sus canciones se convirtieron en himnos del movimiento contra la guerra de Vietnam . El lenguaje soez del musical, su representación del consumo de drogas ilegales, su tratamiento de la sexualidad , su irreverencia hacia la bandera estadounidense y su escena de desnudo causaron controversia.^[¹^] La obra abrió nuevos caminos en el teatro musical al definir el género del "musical de rock", utilizar un elenco racialmente integrado e invitar al público al escenario para un final " Be-In ".^[²^]

Hair narra la historia de la "tribu", un grupo de hippies de pelo largo y políticamente activos de la " Era de Acuario " que viven una vida bohemia en Nueva York y luchan contra el reclutamiento para la guerra de Vietnam . Claude, su amigo Berger, su compañera de piso Sheila y sus amigos se debaten entre sus jóvenes vidas, sus amores y la revolución sexual, y su rebeldía contra la guerra, sus padres conservadores y la sociedad. Finalmente, Claude debe decidir si resistirse al reclutamiento , como han hecho sus amigos, o servir en Vietnam, comprometiendo sus principios pacifistas y arriesgando su vida.

Tras su debut fuera de Broadway el 17 de octubre de 1967 en el Public Theater de Joseph Papp , y una temporada en el club nocturno Cheetah desde diciembre de 1967 hasta enero de 1968, el espectáculo se estrenó en Broadway en abril de 1968 y se representó durante 1750 funciones. Poco después, se realizaron producciones simultáneas en ciudades de Estados Unidos y Europa, incluyendo una producción en Londres que se representó durante 1997 funciones. Desde entonces, se han realizado producciones en todo el mundo, generando decenas de grabaciones, incluyendo la grabación original del elenco de Broadway , que vendió 3 millones de copias . Algunas de las canciones se convirtieron en éxitos del Top 10 , y en 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica. En 2009 se estrenó una reposición en Broadway, que recibió excelentes críticas y ganó el premio Tony y el premio Drama Desk a la Mejor Reposición de un Musical. En 2008, Richard Zoglin escribió en Time que «Hoy Hair parece, si cabe, más audaz que nunca». ^[³^]

Historia

Los actores James Rado y Gerome Ragni comenzaron a escribir Hair juntos a finales de 1964. ^{[ 4 ]}^{[ 5 ]} Los personajes principales eran autobiográficos: Claude, interpretado por Rado, era un romántico reflexivo, y Berger, interpretado por Ragni, un extrovertido. Su estrecha relación, incluyendo su volatilidad, se reflejó en el musical. Rado dijo: «Éramos grandes amigos. Era una relación apasionada que canalizamos en creatividad, en la escritura, en la creación de esta obra. Llevamos el drama entre nosotros al escenario». ^{[ 6 ]}

Rado describió la inspiración para Hair como "una combinación de algunos personajes que conocimos en las calles, gente que conocíamos y nuestra propia imaginación. Conocíamos a un grupo de chicos del East Village que abandonaban los estudios y evitaban el servicio militar , y también había muchos artículos en la prensa sobre cómo expulsaban a los chicos de la escuela por dejarse crecer el pelo". ^{[ 2 ]} Recordó: "Había tanta emoción en las calles, los parques y las zonas hippies, y pensamos que si podíamos transmitir esa emoción al escenario sería maravilloso... Salíamos con ellos, íbamos a sus Be-Ins y nos dejábamos crecer el pelo". ^{[ 7 ]} Muchos miembros del reparto ( Shelley Plimpton en particular) fueron reclutados en la calle. ^{[ 2 ]} Rado dijo: "Era muy importante históricamente, y si no lo hubiéramos escrito, no habría ejemplos. Se podía leer sobre ello y ver fragmentos de películas, pero nunca se experimentaría . Pensamos: 'Esto está pasando en las calles', y queríamos llevarlo al escenario". ^{[ 8 ]} Según el obituario de Rado en The New York Times , el título se inspiró en "una pintura de un mechón de pelo del artista pop Jim Dine . Su título era Hair ". ^{[ 9 ]}^{[ 10 ]}

Rado y Ragni provenían de diferentes ámbitos artísticos. En la universidad, Rado escribió revistas musicales y aspiraba a ser compositor de Broadway en la tradición de Rodgers y Hammerstein . Posteriormente estudió actuación con Lee Strasberg . Ragni era miembro de The Open Theater , uno de los varios grupos que desarrollaban técnicas de teatro experimental , ^{[ 11 ]} incluyendo roles teatrales no tradicionales, difuminando las líneas entre dramaturgo, director y actor. Para 1967, teatros como The Living Theatre , La MaMa Experimental Theatre Club y The Open Theatre creaban obras a partir de escenas improvisadas elaboradas en el espacio de ensayo en lugar de seguir un guion tradicional. ^{[ 12 ]} Ragni introdujo a Rado a los estilos y métodos de teatro moderno que se desarrollaban en The Open Theater. ^{[ 13 ]} En 1966, mientras ambos desarrollaban Hair , Ragni actuó en la producción de The Open Theater de la obra Viet Rock de Megan Terry , sobre jóvenes desplegados en la guerra de Vietnam. ^[¹⁴^] Viet Rock empleó los ejercicios de improvisación que se utilizaban en el teatro experimental. ^[⁵^]^[¹⁵^] Las escenas se conectaban de forma "prelógica": una escena podía construirse a partir de una tangente de la escena anterior, en contrapunto a ella, o conectada psicológicamente. ^[¹²^] Los actores cambiaban de rol en medio de la función, en medio de la escena, o interpretaban a otros actores. Terry escribió: "Las transformaciones... deben ser abruptas y totales". ^[¹²^] Hair se diseñó de forma muy similar; los actores interpretan diferentes personajes a lo largo de la obra y, como en el viaje psicodélico de Claude en el Acto 2, a veces durante la misma escena. Como en Viet Rock , los actores rompen frecuentemente la " cuarta pared " para interactuar con el público. ^[¹²^]

Rado y Ragni llevaron sus borradores del programa al productor Eric Blau , quien, a través de un amigo común, Nat Shapiro , los puso en contacto con el compositor canadiense Galt MacDermot. ^{[ 16 ]} MacDermot ya había ganado dos premios Grammy a la Mejor Composición Instrumental y a la Mejor Composición Original de Jazz en 1961 por su "Vals Africano" (grabado por Cannonball Adderley ). ^{[ 17 ]} El estilo de vida del compositor contrastaba marcadamente con el de sus co-creadores: "Tenía el pelo corto, una esposa y, en ese momento, cuatro hijos, y vivía en Staten Island ". ^{[ 7 ]} "Nunca había oído hablar de un hippie". ^{[ 8 ]} Pero compartía su entusiasmo por hacer un programa de rock and roll. ^{[ 8 ]} "Trabajamos de forma independiente", dijo MacDermot en mayo de 1968. "Lo prefiero así. Me dan el material. Yo le pongo música". ^{[ 18 ]} MacDermot escribió la primera partitura en tres semanas, ^{[ 6 ]} comenzando con "I Got Life", "Ain't Got No", "Where Do I Go" y la canción que da título al álbum. ^{[ 2 ]} Primero escribió "Aquarius" como una pieza artística poco convencional, pero luego la reescribió como un himno inspirador. ^{[ 6 ]}

Producciones Off-Broadway

Los creadores presentaron el espectáculo a productores de Broadway y recibieron muchos rechazos. Finalmente, Joe Papp , quien dirigía el Festival Shakespeare de Nueva York , decidió que quería que Hair inaugurara el nuevo Public Theater (aún en construcción) en el East Village de la ciudad de Nueva York . Hair fue la primera obra de autores vivos que produjo Papp. ^{[ 19 ]} El director, Gerald Freedman , director artístico asociado del teatro, decidió que Rado, a los 35 años, era demasiado mayor para interpretar a Claude, aunque accedió a que Ragni, de 32 años, interpretara a Berger. ^{[ 9 ]} La producción no transcurrió sin problemas:

El proceso de ensayos y selección de reparto fue confuso, y el material en sí resultó incomprensible para muchos miembros del personal del teatro. [Freedman] se retiró frustrado durante la última semana de ensayos y presentó su renuncia. Papp la aceptó, y la coreógrafa Anna Sokolow se hizo cargo del espectáculo. ... Tras un desastroso ensayo general final, Papp telegrafió al Sr. Freedman en Washington, donde se había refugiado: «Por favor, regresa». El Sr. Freedman regresó. ^{[ 20 ]}

Hair se estrenó fuera de Broadway en el Public Theatre el 17 de octubre de 1967 y se mantuvo en cartelera durante seis semanas. Los papeles principales fueron interpretados por Walker Daniels como Claude, Ragni como Berger, Jill O'Hara como Sheila, Steve Dean como Woof, Arnold Wilkerson como Hud, Sally Eaton como Jeanie y Shelley Plimpton como Crissy. ^{[ 21 ]} El diseño de escenografía estuvo a cargo de Ming Cho Lee , el diseño de vestuario de Theoni Aldredge y, aunque Anna Sokolow comenzó los ensayos como coreógrafa, Freedman recibió el crédito de coreógrafo. ^{[ 22 ]} La producción tuvo una "recepción crítica tibia" pero fue popular entre el público. ^{[ 20 ]} Se lanzó un álbum del elenco en 1967. ^{[ 23 ]}

El empresario de Chicago Michael Butler planeaba postularse al Senado de los Estados Unidos con una plataforma antibelicista. Después de ver un anuncio de Hair en The New York Times que le hizo creer que la obra trataba sobre nativos americanos , vio la producción del Public varias veces ^{[ 7 ]} y se unió a Papp para reproducir la obra en otro local de Nueva York después de que cerrara en el Public. Papp y Butler trasladaron primero la obra a la discoteca The Cheetah en el centro de la ciudad, donde se estrenó el 22 de diciembre de 1967, ^{[ 24 ]} y se representó durante 45 funciones. ^{[ 2 ]} No hubo desnudos ni en la producción del Public Theater ni en la de Cheetah. ^{[ 1 ]}

Revisión para Broadway

Hair sufrió una revisión completa entre su cierre en el Cheetah en enero de 1968 y su estreno en Broadway tres meses después. El libreto de Off-Broadway, que ya tenía una trama sencilla, se simplificó aún más ^{[ 25 ]} y se hizo más realista. ^{[ 26 ]} Se añadieron trece canciones nuevas , ^{[ 25 ]} incluyendo "Let the Sun Shine In", para hacer el final más optimista. ^{[ 6 ]}

Antes de trasladarse a Broadway, el equipo creativo contrató al director Tom O'Horgan , quien se había forjado una reputación dirigiendo teatro experimental en La MaMa ETC ^{[ 27 ]} Había sido la primera opción de los autores para dirigir la producción del Public Theater, pero se encontraba en Europa en ese momento. ^{[ 28 ]} Newsweek describió el estilo de dirección de O'Horgan como "sensual, salvaje y completamente musical ... [él] desintegra la estructura verbal y a menudo rompe y distribuye la narrativa e incluso el personaje entre diferentes actores. ... Disfruta del bombardeo sensorial". ^{[ 29 ]} O'Horgan y los escritores reorganizaron escenas para aumentar los aspectos experimentales. ^{[ 12 ]} En los ensayos, O'Horgan utilizó técnicas transmitidas por Viola Spolin y Paul Sills que implicaban juegos de rol e improvisación, muchos de los cuales se incorporaron al guion de Broadway. ^{[ 30 ]} O'Horgan y la nueva coreógrafa Julie Arenal fomentaron la libertad y la espontaneidad en sus actores, introduciendo "un estilo de puesta en escena orgánico y expansivo" que nunca antes se había visto en Broadway. ^{[ 8 ]} La inspiración para incluir desnudez surgió cuando los autores vieron una manifestación antibélica en Central Park en la que dos hombres se desnudaron como expresión de desafío y libertad. ^{[ 8 ]} O'Horgan había utilizado la desnudez en muchas de las obras que dirigió, y ayudó a integrar la idea en la estructura del espectáculo. ^{[ 2 ]}

Papp rechazó llevar a cabo una producción de Broadway, así que Butler produjo el espectáculo él mismo. Por un tiempo parecía que no podría conseguir un teatro de Broadway, ya que los Shubert , los Nederlander y otros dueños de teatros consideraban el material demasiado controvertido. Pero Butler tenía conexiones familiares y conocía gente importante; persuadió al dueño del Teatro Biltmore, David Cogan, para que pusiera su local a su disposición. ^{[ 31 ]} El diseño del escenario era completamente abierto, sin telón y con la zona de tramoya y la rejilla expuestas al público. El arco del proscenio estaba delimitado por andamios listos para escalar. La escenografía minimalista estaba pintada en tonos grises, con grafitis callejeros estampados en el escenario. El escenario estaba inclinado , y una torre de andamios abstractos en la parte trasera del escenario fusionaba un tótem nativo americano y una escultura moderna de un árbol con forma de crucifijo. Este andamio estaba decorado con objetos encontrados que el elenco recogió en las calles de Nueva York, incluyendo un conductor de autobús de papel maché de tamaño natural , una cabeza de Jesús y un letrero de neón del cine Waverly en Greenwich Village . ^{[ 32 ]} Los trajes se basaban en la ropa callejera hippie, pero con un toque más teatral gracias al realce del color y la textura. Algunos incluían partes de uniformes militares, pantalones acampanados con bordados ucranianos, camisetas teñidas con la técnica tie-dye y un abrigo con flecos rojos, blancos y azules. ^{[ 32 ]}

Sinopsis

Acto I

Claude se sienta en el centro del escenario mientras la "tribu" se mezcla con el público. Sheila, estudiante de la Universidad de Nueva York y activista política , y Berger, un espíritu libre e irreverente, cortan un mechón del cabello de Claude y lo queman. Tras converger lentamente hacia el escenario, la tribu comienza su celebración como hijos de la Era de Acuario ("Acuario"). Berger se quita los pantalones para revelar un taparrabos. Interactuando con el público, se presenta como un "oso de peluche psicodélico... buscando a mi Donna" ("Donna").

La tribu recita una lista de productos farmacéuticos, legales e ilegales ("Hachís"). Woof, un alma bondadosa, exalta las prácticas sexuales ("Sodomía"). Ama las plantas, a su familia y al público, diciéndoles: "Todos somos uno". Hud, un afroamericano militante, es llevado cabeza abajo en un poste. Se declara "presidente de los Estados Unidos del Amor" ("Espada de color"). Con un falso acento inglés, Claude dice que es "la bestia más hermosa del bosque" de " Manchester , Inglaterra". Un miembro de la tribu le recuerda que es de Flushing , Nueva York ("Manchester, Inglaterra"). Hud, Woof y Berger declaran su color ("Soy negro"), mientras que Claude replica que es "invisible". La tribu enumera una lista de cosas que les faltan ("No tengo nada"). Los miembros afroamericanos de la tribu enumeran señales de la calle en secuencia simbólica ("Callejón sin salida"). Sheila es llevada al escenario ("Creo en el amor") y lidera a la tribu en un cántico de protesta. Jeanie, una joven excéntrica, aparece con una máscara de gas debido a la contaminación ("Aire"). Está embarazada y enamorada de Claude, deseando que el bebé fuera suyo, ya que "quedó embarazada de un loco adicto a las anfetaminas". La tribu relaciona a LBJ , el FBI , la CIA y el LSD ("Iniciales"). Miembros de la tribu aparecen vestidos como los padres de Claude, reprendiéndolo por sus transgresiones: no tiene trabajo y acumula "montañas de papel" con recortes y notas. Le dicen que no le darán más dinero y que "el ejército te convertirá en un hombre", entregándole su aviso de reclutamiento . En un acto de desafío, Claude lidera a la tribu en la celebración de su vitalidad ("Tengo vida").

Berger reparte píldoras imaginarias a los miembros de la tribu, diciendo que son para personas de alto perfil como Richard Nixon , el Papa y " Alabama Wallace ". Relata cómo fue expulsado de la escuela secundaria. Tres miembros de la tribu se visten como directores de escuela con bigotes de Hitler y brazaletes con esvásticas, burlándose del sistema educativo estadounidense. Berger y la tribu los desafían, cantando "Going Down". Claude regresa después de pasar su examen físico de la junta de reclutamiento . Simula quemar su tarjeta de reclutamiento de la Guerra de Vietnam, que Berger revela que es una tarjeta de biblioteca. Claude se angustia por qué hacer con respecto a ser reclutado. Dos miembros de la tribu vestidos de turistas llegan para preguntar a la tribu por qué tienen el pelo largo . Claude y Berger guían a la tribu en la explicación del significado (" Pelo "). La mujer dice que los niños deberían "ser libres, sin culpa" y "hacer lo que quieran, siempre y cuando no lastimen a nadie". Observa que el pelo largo es natural ("Mi Convicción"). Abre su abrigo para revelar que es un hombre travestido . Cuando la pareja se marcha, la tribu la llama Margaret Mead .

Sheila le da a Berger una camisa amarilla. Él hace payasadas y la rompe en dos. Sheila se lamenta de que a Berger le importe más la "multitud sangrante" que ella (" Es fácil ser duro "). Jeanie resume los enredos románticos de todos: "Estoy obsesionada con Claude, Sheila con Berger, Berger está obsesionado con todo. Claude está obsesionado con una cruz entre Sheila y Berger". Berger, Woof y otro miembro de la tribu rinden un homenaje satírico a la bandera estadounidense mientras la doblan ("No la bajes"). La tribu se une al público, invitándolos a un Be-In . Después de que la joven e inocente Crissy describe a "Frank Mills", un chico que está buscando, la tribu participa en el "Be-In". Los hombres queman sus tarjetas de reclutamiento . Claude mete su tarjeta en el fuego, cambia de opinión y la saca. Pregunta: "¿Dónde está ese algo, dónde está ese alguien, que me dice por qué vivo y muero?" ("¿Adónde voy?"). La tribu aparece desnuda, entonando "cuentas, flores, libertad, felicidad".

Acto II

Algunos miembros de la tribu tienen la "Blues Eléctrica". La tribu entra adorando en un intento de invocar a Claude ("Oh Gran Dios del Poder"). Claude regresa del centro de reclutamiento, y los miembros de la tribu representan una conversación imaginaria de su entrevista de reclutamiento, con Hud diciendo "el reclutamiento es gente blanca enviando gente negra a hacer la guerra contra la gente amarilla para defender la tierra que robaron a la gente roja". Claude le da a Woof un póster de Mick Jagger ; Woof está emocionado con el regalo, ya que está enamorado de Jagger. Tres mujeres blancas de la tribu dicen por qué les gustan los "chicos negros" ("los chicos negros son deliciosos"), y tres mujeres negras de la tribu, vestidas como The Supremes , explican por qué les gustan los "chicos blancos" ("los chicos blancos son tan guapos").

Berger le da a Claude un porro con un alucinógeno . Claude empieza a alucinar mientras la tribu representa sus visiones ("Walking in Space"). Alucina que está saltando en paracaídas desde un avión hacia las selvas de Vietnam. Berger aparece como el general George Washington y le ordenan retirarse debido a un ataque indígena . Los indígenas disparan a todos los hombres de Washington. El general Ulysses S. Grant aparece y comienza a pasar lista: Abraham Lincoln (interpretado por una mujer negra miembro de la tribu), John Wilkes Booth , Calvin Coolidge , Clark Gable , Scarlett O'Hara , Aretha Franklin , el coronel George Custer . Todos bailan un minué hasta que los curanderos africanos los matan, excepto Lincoln, quien dice: "Soy uno de ustedes". Después de que los africanos cantan sus alabanzas, Lincoln recita una versión alternativa del Discurso de Gettysburg ("Abie Baby"). Booth dispara a Lincoln, pero Lincoln le dice: "¡Mierda! No voy a morir por ningún hombre blanco". Mientras las visiones continúan, aparecen monjes budistas . Uno vierte un bidón de gasolina sobre otro monje, quien es prendido fuego (recordando la autoinmolación de Thích Quảng Đức ) y huye gritando. Tres monjas católicas estrangulan a los tres monjes budistas restantes. Tres astronautas disparan a las monjas con pistolas de rayos . Tres chinos apuñalan a los astronautas. Tres nativos americanos matan a los chinos con arcos y tomahawks. Tres boinas verdes matan a los nativos americanos con ametralladoras y luego se matan entre sí. Aparece un sargento con dos padres que sostienen un traje en una percha, hablándole al traje como si fuera su hijo del que están muy orgullosos. Los cuerpos se levantan y juegan como niños. El juego se intensifica hasta que todos mueren de nuevo. Se levantan otra vez y comentan sobre las bajas en Vietnam: "Es una guerra pequeña y sucia" (" Tres-Cinco-Cero-Cero "). Al final de la secuencia, dos miembros de la tribu cantan, sobre los cadáveres, el himno de Shakespeare a la nobleza del hombre ("What A Piece of Work Is Man").

Después del viaje, Claude dice: "No puedo soportar vivir en la calle momento a momento... Quiero ser... invisible". Mientras "miran la Luna", Sheila y los demás disfrutan de un momento ligero (" Buenos días, estrella brillante "). La tribu rinde homenaje a un viejo colchón ("La cama"). Claude se va mientras la tribu entra envuelta en mantas durante una tormenta de nieve. Comienzan un cántico de protesta y luego llaman a Claude. Claude entra vestido con un uniforme militar, con el pelo corto, pero la tribu no lo ve porque es un espíritu invisible. Claude dice: "Les guste o no, me atraparon". La tribu canta "Fracasos de la carne". Se colocan frente a Claude y comienzan a cantar "Deja que entre el sol"; al salir, Claude queda tendido en el centro. Durante la ovación final, la tribu repite "Deja que entre el sol" y sube a miembros del público al escenario para bailar.

(Nota: Este resumen de la trama se basa en el guion original de Broadway. El guion ha variado en producciones posteriores ) .

Reparto principal

Primeras producciones

Broadway

El musical Hair se estrenó en Broadway en el Teatro Biltmore el 29 de abril de 1968. La producción fue dirigida por O'Horgan y coreografiada por Arenal, con diseño de escenografía de Robin Wagner , vestuario de Nancy Potts e iluminación de Jules Fisher . El elenco original de Broadway incluía a Rado y Ragni como Claude y Berger, Lynn Kellogg como Sheila, Lamont Washington como Hud, Eaton, Plimpton y Dyson retomando sus papeles de Off-Broadway como Jeanie, Crissy y el solista de "Aquarius", Melba Moore como Dionne, Steve Curry como Woof, y Paul Jabara y Diane Keaton en el coro (tanto Moore como Keaton interpretaron posteriormente a Sheila). ^{[ 33 ]} Otros reemplazos durante la temporada original de Broadway fueron Ben Vereen , Keith Carradine , Barry McGuire , Ted Lange , Meat Loaf , La La Brooks , Mary Seymour (de Musique ), Joe Butler , Peppy Castro (de los Blues Magoos ), Robin McNamara , Eddie Rambeau , Vicki Sue Robinson , Beverly Bremers , Bert Sommer , Dale Soules y Kim Milford . ^{[ 33 ]} Fue el primer espectáculo de Broadway en tener un precio de entrada regular de $50, con 12 de los asientos a este precio a la venta para grandes corporaciones desde julio de 1968. El precio máximo cuando se estrenó fue de $11. ^{[ 36 ]}

El equipo de Hair pronto se vio envuelto en una demanda con los organizadores de los Premios Tony . Después de asegurar al productor Michael Butler que comenzar las funciones previas el 3 de abril de 1968 garantizaría la elegibilidad para los Tony de 1968, la Liga de Teatros de Nueva York declaró a Hair no elegible, cambiando la fecha límite al 19 de marzo. Los productores demandaron ^{[ 37 ]} pero no pudieron obligar a la Liga a reconsiderar. ^{[ 38 ]} En los Tony de 1969 , Hair fue nominado a Mejor Musical y Mejor Director , pero perdió ante 1776 en ambas categorías. ^{[ 39 ]} La producción se mantuvo en cartelera durante cuatro años y 1750 funciones, cerrando el 1 de julio de 1972. ^{[ 33 ]}

Primeras producciones regionales

La versión de la Costa Oeste se presentó en el Teatro Aquarius de Los Ángeles aproximadamente seis meses después del estreno en Broadway y se mantuvo en cartelera durante dos años, un logro sin precedentes. El elenco de Los Ángeles incluía a Rado, Ragni, Vereen (quien interpretó a Hud y luego reemplazó a Ragni), Ted Neeley (quien reemplazó a Rado), Willie Weatherly (quien interpretó a Berger y Claude), Meat Loaf, Gloria Jones , Táta Vega , Jobriath , Jennifer Warnes y Dobie Gray . ^{[ 4 ]}

Pronto hubo nueve producciones simultáneas en ciudades de EE. UU., seguidas de giras nacionales. ^{[ 4 ]}^{[ 40 ]} Los intérpretes en estas incluyeron a Joe Mantegna , André DeShields , Charlotte Crossley y Alaina Reed (Chicago), ^{[ 41 ]} David Lasley , David Patrick Kelly , Meat Loaf y Shaun Murphy ( Detroit ), ^{[ 42 ]} Kenny Ortega y Arnold McCuller (gira), ^{[ 43 ]} Bob Bingham ( Seattle ) ^{[ 44 ]} y Philip Michael Thomas (San Francisco). ^{[ 45 ]} El equipo creativo de Broadway trabajó en Hair en Los Ángeles, Chicago y San Francisco, ya que la puesta en escena de Broadway sirvió como un modelo aproximado para estas y otras primeras producciones regionales. En Los Ángeles, Tom Smothers fue coproductor. ^{[ 46 ]} Los elencos regionales consistían principalmente en actores locales, aunque algunos miembros del elenco de Broadway repitieron sus papeles. ^{[ 47 ]} O'Horgan o los autores a veces tomaban ideas nuevas e improvisaciones de un espectáculo regional y las traían de vuelta a Nueva York, como cuando arrojaron pollos vivos al escenario en Los Ángeles. ^{[ 47 ]}

Era raro que tantas producciones se presentaran simultáneamente durante una temporada inicial en Broadway. Butler, quien había calificado a Hair como "la declaración antibélica más contundente jamás escrita", afirmó que la razón por la que estrenó tantas producciones fue para influir en la opinión pública en contra de la guerra y ponerle fin lo antes posible. ^{[ 48 ]}

West End

Hair se estrenó en el Shaftesbury Theatre de Londres el 27 de septiembre de 1968, bajo la dirección del mismo equipo creativo que la producción de Broadway. El estreno se retrasó hasta la abolición de la censura teatral en Inglaterra, según la Ley de Teatros de 1968, para que el espectáculo pudiera incluir desnudos y lenguaje soez. ^{[ 49 ]} Al igual que otras producciones tempranas, la versión londinense incorporó alusiones locales y otras pequeñas diferencias con respecto a la versión de Broadway. ^{[ 50 ]}

El elenco original de Londres incluía a Sonja Kristina , Peter Straker , Paul Nicholas , Melba Moore, Annabel Leventon , Elaine Paige , Paul Korda , Marsha Hunt , Floella Benjamin , Alex Harvey , Oliver Tobias , Richard O'Brien y Tim Curry . Este fue el primer papel de Curry como actor de teatro a tiempo completo, donde conoció a O'Brien, quien más tarde colaboraría en Rocky Horror Show . ^{[ 51 ]} La temporada de Hair en Londres superó a la de Broadway, con 1997 representaciones ^[⁵⁰^] hasta que el techo del teatro se derrumbó en julio de 1973. ^[⁵²^]

Primeras producciones internacionales

Bertrand Castelli , socio de Butler y productor ejecutivo del espectáculo de Broadway, dirigió las producciones en lengua extranjera. ^{[ 53 ]} Castelli era un escritor/productor conocido en los círculos artísticos parisinos. Butler lo llamó un "showman loco... el tipo con el traje de negocios y las cuentas". ^{[ 54 ]} Castelli decidió hacer el espectáculo en el idioma local de cada país en un momento en que los espectáculos de Broadway siempre se hacían en inglés. ^{[ 53 ]} Las traducciones siguieron fielmente el guion original, y se utilizaron las puestas en escena de Broadway. Cada guion contenía referencias locales. Castelli produjo compañías en Francia, Alemania, México y otros países, a veces también dirigiendo las producciones. ^{[ 53 ]} La primera producción europea, después de Londres, se estrenó en Estocolmo , Suecia, el 20 de septiembre de 1968, con un elenco que incluía a Ulf Brunnberg y Bill Öhrström , ^{[ 55 ]} producida y dirigida por Pierre Fränckel ^{[ 56 ]} y coreografiada por Arenal. ^{[ 57 ]} Se representó durante 134 funciones hasta marzo de 1969. ^{[ 58 ]}

Una producción alemana, dirigida por Castelli, ^{[ 53 ]} se estrenó un mes después en Múnich ; ^{[ 59 ]} la tribu incluía a Donna Summer , Liz Mitchell y Donna Wyant . Una producción de París se estrenó el 1 de junio de 1969. ^{[ 60 ]} La producción australiana original debutó en Sídney el 6 de junio de 1969, producida por Harry M. Miller y dirigida por Jim Sharman , quien también diseñó la producción. La tribu incluía a Keith Glass y luego a Reg Livermore como Berger, John Waters como Claude y Sharon Redd como El Mago. Redd fue una de las seis afroamericanas traídas a Australia para proporcionar una tribu racialmente integrada. ^{[ 61 ]}^{[ 62 ]} La producción rompió récords de taquilla locales y se mantuvo en cartelera durante dos años, pero debido a algunas de las palabras en el espectáculo, el álbum del elenco fue prohibido en Queensland y Nueva Zelanda. La producción se trasladó a Melbourne en 1971 y luego tuvo una gira nacional. Marcó el debut teatral de Marcia Hines . ^{[ 62 ]} En México, la producción fue prohibida por el gobierno después de una noche en Acapulco. ^{[ 63 ]} Sônia Braga, de 18 años, apareció en la producción brasileña de 1969. ^{[ 64 ]}

Una producción en Belgrado , Yugoslavia , en 1969, fue la primera producción de Hair en un país comunista. ^{[ 65 ]} El espectáculo, traducido al serbio, fue dirigido por Mira Trailović en el teatro Atelje 212. ^{[ 66 ]}^{[ 67 ]} Contó con la participación de Dragan Nikolić , Branko Milićević , Seka Sablić y Dušan Prelević . ^{[ 68 ]} Durante cuatro años, la producción tuvo 250 funciones y contó con la asistencia del presidente Tito . ^{[ 66 ]} Las referencias locales en el guion incluían críticas dirigidas a Mao Zedong , así como a Albania , el rival tradicional de Yugoslavia. ^{[ 53 ]}

Para 1970, Hair era un gran éxito financiero, y se habían realizado 19 producciones fuera de Norteamérica, incluyendo Escandinavia, Sudamérica, Italia, Israel, Japón, Canadá, los Países Bajos, Suiza y Austria. ^{[ 40 ]} Según Billboard , las producciones recaudaban casi un millón de dólares cada diez días, y se cobraban regalías por 300 grabaciones diferentes de las canciones del espectáculo, lo que la convertía en "la banda sonora más exitosa de la historia, así como la más interpretada jamás escrita para Broadway". ^{[ 69 ]}

Temas

Hair explora muchos temas del movimiento hippie de la década de 1960. El crítico teatral Scott Miller escribió:

[Las protestas juveniles de la década de 1960 se referían al] racismo, la destrucción ambiental, la pobreza, el sexismo y la represión sexual, la violencia doméstica y la guerra de Vietnam, la despersonalización derivada de las nuevas tecnologías y la corrupción política. ... Los hippies sentían un gran respeto por Estados Unidos y creían ser los verdaderos patriotas. ... El cabello [largo] era la bandera de los hippies, su símbolo no solo de rebelión, sino también del rechazo a la discriminación y a los roles de género restrictivos. ... La ropa de trabajo monótona (vaqueros, camisas de trabajo, abrigos de marinero) representaba un rechazo al materialismo. La ropa del Tercer Mundo y de los nativos americanos representaba su conciencia de la comunidad global y su rechazo al imperialismo y al egoísmo estadounidenses. ... Los tejidos naturales eran un rechazo a los sintéticos, un retorno a lo natural. ... Las chaquetas antiguas de la Segunda Guerra Mundial o de la Guerra Civil [incorporaron] los símbolos de la guerra a su nueva filosofía de no violencia. ^{[ 27 ]}

Raza y tribu

Extendiendo los precedentes establecidos por Show Boat (1927) y Porgy and Bess (1935), Hair abrió el musical de Broadway a la integración racial; un tercio del elenco era afroamericano. ^{[ 70 ]} Excepto por la sátira en los sketches, los papeles de los miembros de la tribu negra los retrataban como iguales, rompiendo con los roles tradicionales de las personas negras en el entretenimiento como esclavos o sirvientes. ^{[ 71 ]} Un artículo de Ebony calificó el espectáculo como la mayor plataforma para actores negros en la historia del teatro estadounidense. ^{[ 70 ]} Varias canciones y escenas del espectáculo abordan temas raciales. ^{[ 27 ]} "Colored Spade", que presenta al personaje Hud, un hombre negro militante, es una larga lista de insultos raciales ("conejo de la jungla... pequeño Sambo negro"). ^{[ 72 ]} "Dead End", cantada por miembros de la tribu negra, es una lista de señales de calle que simbolizan la frustración y la alienación de los negros. ^{[ 71 ]} "Black Boys/White Boys" es un reconocimiento exuberante de la atracción sexual interracial; ^{[ 73 ]} La Corte Suprema de los Estados Unidos no había anulado las leyes que prohibían el matrimonio interracial hasta 1967. ^{[ 74 ]} "Abie Baby" es parte de la secuencia del "viaje" del Acto 2: cuatro curanderos africanos, que acaban de matar a varios personajes históricos, culturales y ficticios estadounidenses, cantan las alabanzas de Abraham Lincoln, interpretado por una mujer negra miembro de la tribu, a quien deciden no matar. ^{[ 75 ]} La primera parte de la canción contiene lenguaje estereotipado que los personajes negros usaban en películas antiguas, como "He terminado... desplumando a sus pollos" y "Ahora soy libre gracias a ustedes, Maestro Lincoln". El personaje de Lincoln recita una versión modernizada del Discurso de Gettysburg mientras una mujer blanca miembro de la tribu lustra sus zapatos con su cabello rubio. ^{[ 71 ]}

Las numerosas referencias del guion a los nativos americanos forman parte del enfoque anticapitalista y naturalista del movimiento hippie y de Hair . A los personajes se les denomina la "tribu", tomando prestado el término para las comunidades nativas americanas. ^{[ 27 ]} El elenco de cada producción elige un nombre tribal. Miller escribió: "La práctica no es meramente cosmética... todo el elenco debe trabajar en conjunto, deben llevarse bien... Todo el sentido de familia, de pertenencia, de responsabilidad y lealtad inherente a la palabra 'tribu' debe ser sentido por el elenco". ^{[ 27 ]} Para potenciar este sentimiento, O'Horgan sometió al elenco a ejercicios de sensibilidad basados en la confianza, el contacto físico, la escucha y un examen exhaustivo que derribó las barreras entre el elenco y el equipo y fomentó la unión. ^{[ 30 ]}

Desnudez, libertad sexual y consumo de drogas

La breve escena de desnudo al final del Acto I fue objeto de controversia y notoriedad. ^{[ 1 ]}^{[ 76 ]} "Mucho se ha escrito sobre esa escena... la mayor parte es una tontería", escribió Gene Lees en High Fidelity . ^{[ 77 ]} Durante "Where Do I Go?", quienes eligieron participar en la escena se quitaron la ropa detrás de una tela . Al sonar la música, "[permanecieron] desnudos e inmóviles, sus cuerpos bañados" por tenues proyecciones de motivos florales, cantando. ^{[ 78 ]}^{[ 79 ]} Duró 20 segundos. ^{[ 80 ]} La escena provocó amenazas de censura e incluso reacciones violentas en algunos lugares. ^{[ 7 ]} También se convirtió en material para chistes de la cultura pop. Jack Benny bromeó en un preestreno en Londres: "¿Se dieron cuenta de si alguno de ellos era judío?" ^{[ 79 ]} Groucho Marx bromeó: "Iba a ir a verla... [Para ahorrarme el precio de la entrada de 11 dólares], entré en mi baño, me quité toda la ropa y me miré en el espejo de cuerpo entero". ^{[ 81 ]}

La desnudez era opcional para los intérpretes. El elenco francés era "el más desnudo" de los grupos extranjeros, mientras que al elenco londinense "le resultó más difícil lograr la desnudez". ^{[ 67 ]} En Copenhague , la tribu consideró que la desnudez era demasiado recatada y decidió caminar desnudos por el pasillo durante el preludio del espectáculo. ^{[ 53 ]} En algunas de las primeras representaciones, los alemanes representaban su escena detrás de una gran sábana con la etiqueta "CENSURADO". ^{[ 53 ]}^{[ 67 ]} Miller escribe: "La desnudez era una parte importante de la cultura hippie, tanto como un rechazo a la represión sexual de sus padres como una declaración sobre el naturalismo, la espiritualidad, la honestidad, la apertura y la libertad. El cuerpo desnudo era hermoso, algo para celebrar y apreciar. ... Veían sus cuerpos y su sexualidad como regalos". ^{[ 27 ]} Según Melba Moore, "No significa nada excepto lo que tú quieres que signifique. ... Es como tantas otras cosas por las que la gente se pone tensa". ^{[ 82 ]} Donna Summer, que participó en la producción alemana, dijo que "no pretendía ser sexual. ... Nos mostramos desnudas para comentar el hecho de que la sociedad le da más importancia a la desnudez que al asesinato". ^{[ 6 ]}

Hair glorifica la libertad sexual de diversas maneras. Además de aceptar la atracción interracial, el estilo de vida de amor libre de los personajes actúa como una actualización sexual y políticamente cargada de La bohème ; como explicó Rado, "El elemento amoroso del movimiento por la paz era palpable". ^{[ 8 ]} En la canción "Sodomía", Woof exhorta a todos a "unirse a la sagrada orgía del Kama Sutra ". ^{[ 83 ]} Hacia el final del Acto 2, los miembros de la tribu revelan sus tendencias de amor libre cuando bromean sobre quién se acostará con quién esa noche. ^{[ 84 ]}

Las drogas ilegales consumidas por los personajes incluyen un alucinógeno durante la secuencia del viaje. ^{[ 27 ]} La canción "Walking in Space" inicia la secuencia, declarando "cómo se atreven a intentar acabar con esta belleza... en esta inmersión redescubrimos la sensación... nuestros ojos están abiertos, bien abiertos, bien abiertos, bien abiertos". De manera similar, en "Donna", Berger canta: "Estoy evolucionando a través de las drogas que me das". ^{[ 85 ]} Generalmente, la tribu prefiere drogas alucinógenas o que "expanden la mente", como el LSD y la marihuana. ^{[ 86 ]}

Pacifismo y ecologismo

La oposición a la guerra que impregna la obra se unifica mediante el hilo argumental que avanza a lo largo del libro: el dilema moral de Claude sobre si quemar o no su tarjeta de reclutamiento . ^{[ 27 ]} El pacifismo se explora a lo largo de la extensa secuencia del viaje en el Acto 2. La letra de " Three-Five-Zero-Zero ", cantada durante esa secuencia, evoca los horrores de la guerra ("desgarrado por una explosión de metal"). ^{[ 87 ]} La canción se basa en el poema de Allen Ginsberg de 1966 " Wichita Vortex Sutra ", en el que el general Maxwell D. Taylor informa con orgullo a la prensa el número de soldados enemigos muertos en un mes, repitiéndolo dígito por dígito para enfatizar: "Three-Five-Zero-Zero". La canción comienza con imágenes de muerte y agonía y se convierte en un número de baile frenético, que refleja la alegría de Maxwell al informar sobre las bajas enemigas. ^{[ 27 ]} La canción también plantea el problema de la pérdida desproporcionada y el trato desigual de los militares negros en cuanto a "condecoraciones, ascensos y asignaciones de servicio" en la Guerra de Vietnam, con la frase repetida "Prisioneros en Niggertown/ Es una guerra sucia". ^{[ 71 ]}^{[ 88 ]}

«Don't Put It Down» satiriza el patriotismo acrítico de las personas que están «locas por la bandera estadounidense». ^{[ 89 ]} «Be In (Hare Krishna)» elogia el movimiento por la paz y eventos como los Be-Ins de San Francisco y Central Park . ^{[ 90 ]} A lo largo del espectáculo, la tribu corea eslóganes populares de protesta como «¿Qué queremos? ¡Paz! ¿Cuándo la queremos? ¡Ahora!» y «No entren al centro de reclutamiento». ^{[ 71 ]} La optimista «Let the Sun Shine In» es un llamado a la acción, a rechazar la oscuridad de la guerra y cambiar el mundo para mejor. ^{[ 27 ]}

Hair también satiriza la contaminación. ^{[ 27 ]} Jeanie aparece con una máscara de gas y canta la canción "Aire": "Bienvenido, dióxido de azufre. Hola, monóxido de carbono. El aire... está en todas partes", sugiriendo que la contaminación acabará matándola: "vapor y humo en la piedra de mi tumba, respirando como un perfume lúgubre". ^{[ 91 ]} En un tono cómico y ecologista, Woof se presenta explicando que "cultiva cosas", y Berger incorpora imágenes de la naturaleza en la canción que da título al álbum. ^{[ 92 ]}

Religión y astrología

La religión, en particular el catolicismo, aparece tanto abierta como simbólicamente a lo largo de la obra y a menudo es objeto de bromas. ^{[ 27 ]} Berger canta sobre buscar a "mi Donna", dándole el doble significado de una mujer que busca y la Virgen María . ^{[ 93 ]} Durante "Sodomía", un himno a todo lo "sucio" del sexo, el elenco adopta posiciones religiosas evocadoras: la Piedad y Cristo en la cruz. ^{[ 93 ]} Antes de la canción, Woof recita un rosario modificado . En el Acto II, cuando Berger les da píldoras imaginarias a figuras famosas, ofrece "una píldora para el Papa ". ^{[ 71 ]} En "Bajando", después de ser expulsado de la escuela, Berger se compara con Lucifer : "Como el ángel que cayó / Desterrado para siempre al infierno / Hoy he sido expulsado / Del cielo de la escuela secundaria". ^{[ 94 ]} Claude se convierte en una figura clásica de Cristo en varios momentos. ^{[ 95 ]} En el Acto I, dice: «Soy el Hijo de Dios. Desapareceré y seré olvidado», y luego bendice a la tribu y al público. Sufre de indecisión y, en su Getsemaní al final del Acto I, pregunta: «¿Adónde voy?». El texto alude a que Claude está en una cruz y, al final, es elegido para dar su vida por los demás. ^{[ 95 ]} Berger es una figura similar a Juan el Bautista , preparando el camino para Claude. ^{[ 27 ]}

Fragmento de "Acuario"

Armonía y comprensión. Simpatía y confianza en abundancia. No más falsedades ni burlas. Sueños dorados y vívidos de visiones. Revelación mística cristalina. Y la verdadera liberación de la mente. Acuario

Canciones como "Good Morning, Starshine" y "Aquarius" reflejan el interés cultural de la década de 1960 en conceptos astrológicos y cósmicos. ^{[ 96 ]} "Aquarius" fue escrita después de que Rado investigara su propio signo astrológico . ^{[ 97 ]} La astróloga de la compañía, Maria Crummere, fue consultada sobre el reparto: ^{[ 98 ]} Sheila solía ser interpretada por una Libra o Capricornio y Berger por un Leo . ^{[ 97 ]} Crummere también fue consultada sobre cuándo se estrenaría el espectáculo en Broadway y en otras ciudades. ^{[ 63 ]} Playbill informó que ella eligió el 29 de abril de 1968 para el estreno en Broadway.

El 29 fue propicio... porque la luna estaba alta, lo que indicaba que la gente asistiría en masa. La posición de los "creadores de la historia" ( Plutón , Urano , Júpiter ) en la décima casa hizo que el espectáculo fuera único, poderoso y rentable. Y que Neptuno estuviera en ascenso presagiaba que Hair desarrollaría una reputación relacionada con el sexo. ^{[ 99 ]}

En México, donde Crummere no eligió la fecha de estreno, el gobierno clausuró el espectáculo después de una sola noche. ^{[ 63 ]} Le disgustó la fecha del estreno en Boston (donde los productores fueron demandados por el contenido del espectáculo), ^{[ 100 ]}^{[ 101 ]} diciendo: «Júpiter estará en oposición al travieso Saturno , y el espectáculo se estrena el mismo día del eclipse solar . Terrible». ^{[ 102 ]}

Temas literarios y simbolismo

Hair hace muchas referencias a las obras de Shakespeare y, a veces, toma material lírico directamente de Shakespeare. ^{[ 27 ]} Por ejemplo, la letra de la canción "What a Piece of Work Is Man" es de Hamlet ( II: escena 2 ), y partes de "Flesh Failures" ("el resto es silencio") son de las últimas líneas de Hamlet. En "Flesh Failures/Let the Sun Shine In", la letra "¡Ojos, mirad por última vez!/ ¡Brazos, dad vuestro último abrazo! Y labios, oh vosotros/ Las puertas del aliento, sellad con un beso justo" es de Romeo y Julieta (V: iii). ^{[ 103 ]} Según Miller, la imaginería del suicidio de Romeo pone de manifiesto que, con nuestra complicidad en la guerra, nos estamos matando a nosotros mismos. ^{[ 27 ]} La indecisión de Claude, especialmente su resistencia a quemar su tarjeta de reclutamiento, que finalmente causa su muerte, es paralela a Hamlet , "el hippie melancólico". ^{[ 104 ]} Este simbolismo se traslada a la última escena, donde Claude aparece como un espíritu fantasmal entre sus amigos vistiendo un uniforme militar, en un eco irónico de una escena anterior, donde dice: "Sé lo que quiero ser... invisible". El director artístico del Public Theater, Oskar Eustis, dijo:

Tanto [ Hair como Hamlet ] se centran en hombres brillantes e idealistas que luchan por encontrar su lugar en un mundo asolado por la guerra, la violencia y la política corrupta. Perciben tanto las luminosas posibilidades como las más duras realidades de la condición humana. Al final, incapaces de combatir eficazmente el mal que los rodea, sucumben trágicamente. ^{[ 105 ]}

Otras referencias literarias incluyen la canción "Three-Five-Zero-Zero", basada en el "Wichita Vortex Sutra" de Ginsberg, ^{[ 106 ]} y, en la secuencia del viaje psicodélico, la representación de Scarlett O'Hara de Lo que el viento se llevó y el poeta activista afroamericano LeRoi Jones . ^{[ 71 ]}

Música

Después de estudiar la música de los bantúes en la Universidad de Ciudad del Cabo , ^{[ 27 ]} MacDermot incorporó ritmos africanos a la partitura de Hair . ^{[ 11 ]} Escuchó "lo que [los bantúes] llamaban quaylas ... [que tienen] un ritmo muy característico, muy similar al rock. Mucho más profundo, sin embargo... Hair es muy africano: muchos de [los] ritmos, no tanto las melodías". ^{[ 11 ]} Las quaylas enfatizan los ritmos en sílabas inesperadas, y esta influencia se puede escuchar en canciones como "What a Piece of Work Is Man" y "Ain't Got No Grass". ^{[ 107 ]} MacDermot dijo: "Mi idea era hacer un espectáculo de funk total. Dijeron que querían rock & roll, pero para mí eso se traducía en 'funk'". ^{[ 108 ]} La influencia del funk es evidente en toda la partitura, especialmente en canciones como "Colored Spade" y "Walking in Space". ^{[ 108 ]} Pero MacDermot dijo que las canciones "no pueden ser todas iguales. Tienes que tener diferentes estilos ... Me gusta pensar que todas son un poco diferentes". ^{[ 8 ]} La música en Hair varía desde la sensibilidad rockabilly de "Don't Put It Down" hasta los ritmos folk rock de "Frank Mills" y "What a Piece of Work Is Man", pasando por el rhythm and blues en " Easy to Be Hard " y los himnos de rock de protesta , como "Ain't Got No" y "The Flesh Failures". El rock ácido de "Walking in Space" y "Aquarius" se equilibra con el pop comercial de "Good Morning Starshine". ^{[ 109 ]} Miller vincula la música de Hair con los temas políticos de los hippies:

Los hippies ... estaban decididos a crear arte del pueblo y su forma de arte elegida, la música rock/folk, era por definición populista. ... La música de los hippies solía ser muy airada, su ira dirigida a quienes prostituirían la Constitución, quienes venderían a Estados Unidos, quienes traicionarían los ideales de Estados Unidos; en otras palabras, dirigida a sus padres y al gobierno. ^{[ 27 ]}

La música no resonó con todos. Leonard Bernstein dijo: "Las canciones son solo listas de la compra" ^{[ 110 ]} y abandonó la producción. ^{[ 111 ]} Richard Rodgers solo podía oír el ritmo y la llamó "música de un tercio". ^{[ 110 ]} John Fogerty dijo: " Hair es una versión tan diluida de lo que realmente está sucediendo que no puedo apoyarla en absoluto". ^{[ 112 ]} Para High Fidelity , Gene Lees escribió que John Lennon encontró el espectáculo "aburrido" y "No conozco a ningún músico que piense que es bueno". ^{[ 77 ]} El historiador de teatro John Kenrick replicó:

La explosión de proclamaciones revolucionarias, blasfemias y hard rock de Hair sacudió los cimientos del teatro musical. La mayoría de la gente del mundo del teatro y los votantes de los premios Tony intentaron ignorar la importancia de Hair , excluyéndolo de cualquier galardón. Sin embargo, algunos insistían en que era hora de un cambio. El crítico del New York Times, Clive Barnes, se deshizo en elogios, afirmando que Hair era "el primer musical de Broadway en mucho tiempo que tenía la auténtica voz de hoy, en lugar de la de anteayer". ^{[ 113 ]}

Canciones

La partitura tenía muchas más canciones que los espectáculos típicos de Broadway de la época. ^{[ 4 ]} La mayoría tenía entre seis y diez canciones por acto; el total de Hair ronda las treinta. ^{[ 114 ]} Esta lista refleja las canciones que se incluyeron con mayor frecuencia durante la temporada original de Broadway. ^{[ 115 ]}

El espectáculo estuvo en constante revisión. Se añadieron trece canciones entre la producción en el Public Theater y Broadway. ^{[ 115 ]} Otras fueron eliminadas; " What a piece of work is a man " y "Hashish" eran originalmente habladas, pero se musicalizaron para Broadway. ^{[ 115 ]} Las producciones posteriores han incluido o eliminado otras. ^{[ 115 ]}^{[ 116 ]}^{[ 117 ]}

Grabaciones

La primera grabación de 1967 presentó al elenco de Off-Broadway. La grabación original del elenco de Broadway recibió un premio Grammy en 1969 a la Mejor Banda Sonora de un Álbum de un Espectáculo con Elenco Original ^{[ 118 ]} y vendió casi 3 millones de copias en los EE. UU. para diciembre de 1969. ^{[ 63 ]} Alcanzó el número 1 en la lista Billboard 200 , el último álbum de un elenco de Broadway en lograrlo (hasta 2024), y se mantuvo en el número 1 durante 13 semanas en 1969. ^{[ 119 ]} El álbum alcanzó el número 2 en Australia en 1970. ^{[ 120 ]} Según The New York Times , "El álbum del elenco de Hair era ... un artículo imprescindible para las clases medias. Su exótica portada naranja y verde se imprimió instantáneamente e indeleblemente en la psique ... [Se] convirtió en un clásico del pop-rock [con] un atractivo que trasciende los gustos particulares por género o época". ^{[ 20 ]} En 2019, la Biblioteca del Congreso agregó el álbum del elenco original de Broadway al Registro Nacional de Grabaciones . ^{[ 121 ]}

Un álbum de estudio de 1969, DisinHAIRited , contiene 19 canciones escritas para el espectáculo pero no incluidas en grabaciones anteriores, algunas de las cuales nunca se incluyeron en producciones teatrales. Algunas se cortaron entre las producciones del Public y Broadway o se dejaron fuera de los álbumes del elenco original debido a la falta de espacio. ^{[ 115 ]} Producciones en Inglaterra, Alemania, Francia, Suecia, Japón, Israel, Países Bajos, Australia y otros lugares lanzaron álbumes del elenco, ^{[ 122 ]} Se prestó tal atención a las grabaciones de Hair que, después de una guerra de ofertas sin precedentes, ABC Records pagó una cantidad récord por la siguiente adaptación de Broadway de MacDermot, Two Gentlemen of Verona . ^{[ 123 ]} La grabación del reestreno de 2009 debutó en el número 1 en la lista "Top Cast Album" de Billboard y en el número 63 en el Top 200 , convirtiéndose en el álbum con el debut más alto en la historia de Ghostlight Records . ^[¹²⁴^] El álbum del elenco de la reposición londinense de 1993 contiene música nueva incorporada a la versión de alquiler estándar. ^[²⁷^]

Se han grabado más de 1000 interpretaciones de canciones individuales de Hair . ^{[ 40 ]}^{[ 125 ]} El lanzamiento de " Aquarius/Let the Sunshine In " de The 5th Dimension en 1969 ganó el premio a Grabación del Año en 1970 ^[¹²⁶^] y encabezó las listas durante seis semanas. La grabación de The Cowsills de la canción principal "Hair" subió al número 2 en el Billboard Hot 100 , ^[¹²⁷^] mientras que "Good Morning Starshine" de Oliver llegó al número 3. ^[¹²⁸^] "Easy to Be Hard" de Three Dog Night llegó al número 4. ^[¹²⁹^] El popurrí de Nina Simone de 1968 de " Ain't Got No, I Got Life " llegó al top 5 en la lista de sencillos del Reino Unido . ^[¹³⁰^] ASCAP confirmó que "Aquarius" fue la canción más reproducida en la radio y la televisión de EE. UU. en 1970. ^[¹³¹^] Entre otros artistas que grabaron canciones de Hair ^[¹³²^] están Shirley Bassey , Barbra Streisand y Diana Ross . ^[¹³³^] "Good Morning Starshine" fue cantada en un episodio de Sesame Street de 1969 por Bob McGrath , ^[¹³⁴^] y se han grabado versiones por artistas como Sarah Brightman , Petula Clark y Strawberry Alarm Clock . ^[¹³⁵^] Liza Minnelli y The Lemonheads grabaron "Frank Mills", ^[¹³⁶^] y Andrea McArdle , Jennifer Warnes y Sérgio Mendes hicieron cada uno versiones de "Easy to Be Hard". ^[¹³⁷^] Run DMC sampleó "Where Do I Go" en su sencillo de 1993 " Down with the King ", que llegó al número 1 en la lista de rap de Billboard y alcanzó el top 25 en la lista Billboard Hot 100.^[¹³⁸^]^[^{139 ]} Hairayudó a lanzar las carreras discográficas de Meat Loaf, Dobie Gray, Jennifer Warnes,Jobriath,Bert Sommer, Ronnie Dyson, Donna Summer y Melba Moore.^{[ 69 ]} En 2004, "Aquarius",de la versión cinematográfica de 1979, ocupó el puesto número 33 en la lista delas 100 canciones de los 100 años del AFI.^{[ 140 ]}

Recepción crítica temprana

La recepción del estreno de Hair en Broadway fue abrumadoramente positiva. Clive Barnes escribió en The New York Times : "Creo que es simplemente que es muy agradable. Tan nuevo, tan fresco y tan modesto, incluso en sus pretensiones". ^[⁸⁴^] John J. O'Connor de The Wall Street Journal dijo que el espectáculo era "exuberantemente desafiante y la producción explota en cada rincón del Teatro Biltmore". ^[¹⁴¹^] Richard Watts Jr. del New York Post escribió que "tiene un encanto sorprendente, aunque quizás involuntario, su gran espíritu es contagioso y su entusiasmo juvenil hace que sea difícil resistirse". ^[¹⁴²^] Allan Jeffreys de ABC TV dijo que los actores eran "los hippies más talentosos que jamás verás ... dirigidos de una manera maravillosamente salvaje por Tom O'Horgan". ^[¹⁴³^] Leonard Probst de NBC dijo: " Hair es el único concepto nuevo en los musicales de Broadway en años y es más divertido que cualquier otro esta temporada". ^[¹⁴⁴^] John Wingate de WOR TV elogió la "partitura dinámica" de MacDermot que "explota y se eleva", ^[¹⁴⁵^] y Len Harris de CBS dijo: "Finalmente encontré el mejor musical de la temporada de Broadway ... es ese musical de rock tribal, desaliñado, vulgar y magnífico, Hair ". ^[¹⁴⁶^]

Una crítica disidente en Variety calificó el espectáculo de "loco" y "sin historia, forma, música, baile, belleza ni arte ... Es imposible saber si [el elenco tiene] talento. Quizás el talento sea irrelevante en este nuevo tipo de negocio del espectáculo". ^{[ 147 ]} En Newsweek , Jack Kroll escribió: "No se puede negar el impulso cinético puro de este nuevo Hair ... hay algo duro, agarrador, ligeramente corrupto en el virtuosismo de O'Horgan, como Busby Berkeley enfurecido". ^{[ 148 ]} Un crítico de Time escribió que aunque el espectáculo "vibra con vitalidad, [está] paralizado por ser un musical sin libreto y, como un pez sin espinas, va a la deriva cuando debería nadar". ^{[ 149 ]}

Cuando Hair se estrenó en Londres, el crítico Irving Wardle de The Times escribió: «Su honestidad y pasión le otorgan la calidad de una verdadera celebración teatral: el sonido alegre de un grupo de personas que le dicen al mundo exactamente lo que sienten». En el Financial Times , BA Young escribió que Hair fue «no solo una velada tremendamente entretenida, sino también profundamente moral». En su última reseña antes de jubilarse, WA Darlington, de 78 años, de The Daily Telegraph, escribió que se había «esforzado mucho» pero que la velada le había parecido «un completo aburrimiento: ruidosa, fea y bastante desesperadamente divertida». ^{[ 150 ]} Sobre tales críticas, Miller escribió en 2001: «Algunas personas no pueden ver más allá de la apariencia de caos y aleatoriedad para descubrir la brillante construcción y las sofisticadas imágenes que subyacen», ^{[ 27 ]} y agregó: «No solo muchas de las letras no rimaban, sino que muchas de las canciones no tenían realmente un final, solo una disminución de la velocidad y una parada, por lo que el público no sabía cuándo aplaudir. ... El espectáculo rechazó todas las convenciones de Broadway [y] del teatro tradicional». ^{[ 27 ]}

Cambio social

Fragmentos de la canción principal "Hair"

Lo dejo volar con la brisa y que se enrede en los árboles, dándoles un hogar a las pulgas de mi cabello. Un hogar para pulgas, una colmena para abejas, un nido para pájaros, no hay palabras para la belleza, el esplendor, la maravilla de mi cabello. ... Déjalo fluir, muéstralo, mientras Dios lo haga crecer, mi cabello. ... Oh, dime, ¿puedes ver mis ojos? Si puedes, entonces mi cabello es demasiado corto. ... Se quedarán boquiabiertos en el Go Go cuando me vean con mi toga, mi toga hecha de cabello rubio, brillante, bíblico. Mi cabello como el que usó Jesús, aleluya, lo adoro. ...

El cabello desafió muchas de las normas de la sociedad occidental en 1968. El nombre en sí fue una reacción a las restricciones de la civilización y el consumismo, y una preferencia por el naturalismo. ^{[ 151 ]} Rado recordó que el cabello largo "era una forma visible de consciencia en la expansión de la conciencia. Cuanto más largo era el cabello, más expansiva era la mente. El cabello largo era impactante, y dejarse crecer el cabello era un acto revolucionario. Era una especie de bandera, en realidad". ^{[ 10 ]}

El musical causó controversia. Fue la primera vez que un espectáculo de Broadway tuvo artistas totalmente desnudos, ^{[ 1 ]} y el espectáculo fue acusado de profanación de la bandera estadounidense y uso de lenguaje obsceno . ^{[ 7 ]}^{[ 152 ]} Estas controversias, y el tema anti-guerra de Vietnam, atrajeron amenazas y violencia ocasionales durante los primeros años del espectáculo y se convirtieron en la base de acciones legales. Dos casos finalmente llegaron a la Corte Suprema de los Estados Unidos . ^{[ 153 ]} En ciudades de Indiana, a los productores se les negó la contratación, tuvieron dificultades para conseguir un teatro, ^{[ 154 ]} o la producción fue objeto de piquetes por parte de grupos religiosos. ^{[ 155 ]} Las producciones en los Estados Unidos se enfrentaron frecuentemente con el cierre de teatros por parte del jefe de bomberos . ^{[ 156 ]} La negativa de Chattanooga en 1972 a permitir que Hair se presentara en el Auditorio Memorial, propiedad de la ciudad, ^{[ 157 ]}^{[ 158 ]} fue posteriormente considerada por la Corte Suprema como una restricción previa ilegal . ^{[ 159 ]}

Las impugnaciones legales contra la producción de Boston fueron apeladas ante la Corte Suprema de los Estados Unidos. ^{[ 160 ]} El Jefe de la Oficina de Licencias dijo: "cualquiera que profane la bandera debería ser azotado en Boston Common ". ^{[ 100 ]} Aunque la escena fue retirada antes del estreno, el Fiscal de Distrito alegó que se estaban llevando a cabo acciones "obscenas y lascivas" en el escenario. Hair obtuvo una orden judicial del Tribunal Superior contra el enjuiciamiento penal, ^{[ 161 ]} y el Fiscal de Distrito apeló ante el Tribunal Supremo Judicial de Massachusetts . A petición de ambas partes, varios de los magistrados vieron la producción; el tribunal dictaminó que "el elenco [debe] estar vestido en una medida razonable". El elenco desafió a la escena y la interpretó desnudo más tarde esa noche, diciendo que el fallo era vago sobre cuándo entraba en vigor. ^{[ 100 ]} Al día siguiente, la producción cerró. Después de que un tribunal federal de apelaciones revocara el fallo del tribunal de Massachusetts, el Fiscal de Distrito apeló el caso ante la Corte Suprema de los Estados Unidos. En una decisión de 4-4, el Tribunal confirmó la revocación, permitiendo que Hair reabriera. ^{[ 101 ]}

Una producción de Acapulco , México, de 1969 se presentó por una sola noche. ^{[ 53 ]} El teatro, frente a un popular burdel, fue clausurado por el gobierno, que calificó la producción de "perjudicial para la moral de la juventud". ^{[ 99 ]} El elenco fue arrestado y accedió a abandonar el país, pero debido a complicaciones legales se escondieron. ^{[ 162 ]} Fueron expulsados de México días después. ^{[ 163 ]}^{[ 164 ]} En Bergen , Noruega, los ciudadanos formaron una barricada humana para intentar impedir la función. ^{[ 53 ]} En St. Paul , Minnesota, un clérigo que protestaba soltó ratones en el vestíbulo, con la esperanza de asustar al público. ^{[ 47 ]} Jim Lovell y Jack Swigert , después de nombrar al módulo lunar del Apolo 13 "Aquarius" en honor a la canción, abandonaron la producción en el Biltmore en protesta por lo que consideraban antiamericanismo y falta de respeto a la bandera. ^[¹⁶⁵^] En abril de 1971, se lanzó una bomba contra HairTeatro de Cleveland , Ohio, rebotando en la marquesina; la explosión destrozó las ventanas del edificio y los escaparates cercanos. ^{[ 166 ]} Ese mismo mes, las familias de un miembro del elenco y del director de escena murieron en un incendio en el hotel de Cleveland donde se alojaban miembros de la compañía del espectáculo. ^{[ 167 ]}^{[ 168 ]} La noche de estreno de la producción de Sídney , Australia, fue interrumpida por una amenaza de bomba en 1969. ^{[ 169 ]}

Hair marcó efectivamente el fin de la censura escénica en el Reino Unido . ^{[ 150 ]} El censor escénico de Londres, el Lord Chambelán , se negó a autorizar el musical, y el estreno se retrasó hasta que el Parlamento aprobó un proyecto de ley que le quitaba su poder de autorización. ^{[ 150 ]} La gran población hippie de San Francisco consideró el espectáculo una extensión de sus actividades callejeras, difuminando la barrera entre el arte y la vida al meditar frecuentemente con el elenco y unirse a ellos en el escenario durante la función. ^{[ 47 ]} La princesa Ana, de 18 años, bailó en el escenario en Londres. ^{[ 170 ]} En Múnich, las autoridades amenazaron con cerrar la producción si la escena de desnudo permanecía, pero después de que un portavoz de Hair dijera que sus familiares habían sido llevados desnudos a Auschwitz , las autoridades cedieron. ^{[ 53 ]} La producción de París encontró poca controversia, ya que el desnudo era común en los escenarios de París. ^{[ 171 ]} Pero incluso en París hubo oposición ocasional, como cuando un miembro del Ejército de Salvación usó un altavoz portátil para exhortar al público a detener la presentación. ^{[ 53 ]}^{[ 172 ]}

Producciones posteriores

De los años 70 a los años 90

La primera producción universitaria tuvo lugar en 1970 en la Universidad Estatal de Memphis , Tennessee, dirigida por Keith Kennedy. ^{[ 173 ]}^{[ 174 ]} El elenco participó en el Festival Internacional de Pop de Atlanta en 1970. ^{[ 175 ]} WMC-TV produjo un documental en 1971 que narraba la producción. ^{[ 176 ]}

En 1977, una reposición de Hair en Broadway , producida por Michael Butler y dirigida por O'Horgan, se presentó durante 43 funciones en el Teatro Biltmore. El elenco incluía a Ellen Foley , Annie Golden , Loretta Devine , Cleavant Derricks y Kristen Vigard . ^{[ 177 ]} Las críticas fueron generalmente negativas, y los críticos acusaron al musical de "mostrar sus canas". ^{[ 178 ]} Una producción de 1985 en Montreal fue, según se informó, la 70.ª producción profesional. ^{[ 40 ]} Un concierto benéfico del 20.º aniversario se llevó a cabo en mayo de 1988 en la Asamblea General de las Naciones Unidas . ^{[ 179 ]} El evento fue patrocinado por la Primera Dama Nancy Reagan y presentado por Barbara Walters . ^{[ 180 ]} Rado, Ragni y MacDermot se reunieron para escribir nueve nuevas canciones para el concierto. El elenco de 163 incluía a antiguas estrellas de producciones de todo el mundo, Moore, Vereen, Williams y Summer, así como a los artistas invitados Bea Arthur , Frank Stallone y la Dra. Ruth Westheimer . Los precios de las entradas oscilaban entre $250 y $5,000, y las ganancias se destinaron al Comité de Estados Unidos para UNICEF y al Fondo para Niños con SIDA de la Sociedad Creo. ^{[ 180 ]} En noviembre de 1988, Butler produjo Hair en el Teatro Vic de Chicago . La producción fue bien recibida y se mantuvo en cartelera hasta febrero de 1989. ^{[ 180 ]}

De 1990 a 1991, Pink Lace Productions realizó una gira nacional estadounidense de Hair . ^{[ 180 ]} Una producción de "autobús y camión" de 1990 realizó una gira por Europa durante más de 3 años. ^{[ 181 ]} Incluso después de la muerte de Ragni en 1991, MacDermot y Rado continuaron escribiendo nuevas canciones para reposiciones a lo largo de la década de 1990. Hair Sarajevo, AD 1992 se estrenó durante el asedio de Sarajevo como un llamado a la paz. ^{[ 40 ]} Rado dirigió una gira nacional estadounidense del 25 aniversario en 1994 que contó con la participación del actor Luther Creek ; MacDermot regresó para supervisar la música. ^{[ 181 ]} Rado también dirigió varias producciones europeas de 1995 a 1999. ^{[ 116 ]} Una producción se presentó en Australia en 1992, ^{[ 182 ]} y una reposición en Londres protagonizada por John Barrowman y Paul Hipp se estrenó en el Old Vic en 1993, dirigida por Michael Bogdanov . ^{[ 183 ]}^{[ 184 ]} Una reseña de The Guardian sugirió que su fracaso se debió a un elenco de " hijos de Thatcher que realmente no lo entendieron". ^{[ 185 ]} Las producciones sudafricanas comenzaron solo después de la erradicación del apartheid . ^{[ 186 ]} En 1996, Butler escenificó una reposición en Chicago, simultáneamente con la Convención Nacional Demócrata de 1996 , haciendo eco de la última vez que la DNC estuvo en Chicago: 1968 . ^{[ 187 ]} Una producción Off-off Broadway del 30 aniversario se presentó en Third Eye Repertory, dirigida por Shawn Rozsa. ^{[ 188 ]}

Décadas de 2000 y 2010

En 2001, la compañía Reprise Theatre Company de Los Ángeles presentó Hair en el Wadsworth Theatre , protagonizada por Steven Weber como Berger, Sam Harris como Claude y Jennifer Leigh Warren como Sheila. ^{[ 189 ]} Encores! presentó una producción de 2001 en el City Center, protagonizada por Luther Creek, Idina Menzel y Tom Plotkin , con MacDermot tocando los teclados. ^{[ 190 ]} Un beneficio del Actors' Fund de la obra se presentó por una noche en el New Amsterdam Theater de la ciudad de Nueva York en 2004. ^{[ 191 ]}

En 2005, se estrenó en Londres una producción en el Gate Theatre , dirigida por Daniel Kramer . Rado aprobó una actualización del guion del musical para situarlo en el contexto de la Guerra de Irak . ^{[ 192 ]} En la interpretación modernizada de Kramer, la desnudez evocaba imágenes de Abu Ghraib . ^{[ 193 ]} En 2006, Rado colaboró con el director Robert Prior en una producción de CanStage en Toronto . ^{[ 194 ]} Una reposición producida por Pieter Toerien realizó una gira por Sudáfrica en 2007, dirigida por Paul Warwick Griffin. ^{[ 195 ]} De septiembre a diciembre de 2007, Hair se presentó en el MET Theatre de Los Ángeles, producida por Butler y dirigida y coreografiada por Bo Crowell, con dirección musical de Christian Nesmith . ^{[ 196 ]}^{[ 197 ]} Ganó el premio LA Weekly Theater Award al Musical del Año. ^{[ 198 ]}

Cuando lo hicimos, era un espectáculo sobre el presente. Ahora es un espectáculo sobre el pasado, pero sigue hablando del presente.

— James Rado , 2008 ^[¹⁰^]

Durante tres noches en septiembre de 2007, Joe's Pub y el Public Theater presentaron una producción del 40.º aniversario en el Teatro Delacorte en Central Park. Esta versión de concierto, dirigida por Diane Paulus , contó con MacDermot en los teclados y con Jonathan Groff como Claude, Karen Olivo como Sheila y Will Swenson como Berger. ^{[ 199 ]} Actores de la producción original de Broadway se unieron al elenco en el escenario durante el bis de "Let the Sun Shine In". La demanda del espectáculo fue extraordinaria. ^{[ 200 ]} El Public presentó una producción completa de Hair en el Delacorte de julio a septiembre de 2008. ^{[ 201 ]} Paulus dirigió nuevamente, con coreografía de Karole Armitage . Groff y Swenson regresaron como Claude y Berger, con otros del elenco del concierto. ^{[ 202 ]} Caren Lyn Manuel interpretó a Sheila, y Christopher J. Hanke reemplazó a Groff como Claude el 17 de agosto. ^{[ 203 ]} Las críticas fueron generalmente positivas, y Ben Brantley de The New York Times escribió: "Esta producción establece el espectáculo como algo más que una vivaz pieza de época". ^{[ 204 ]} La revista Time escribió: " Hair ... ha sido revitalizado y reivindicado como uno de los grandes hitos en la historia del teatro musical... Hoy Hair parece, si cabe, más audaz que nunca". ^{[ 3 ]}

Reposición en Broadway en 2009 y gira nacional por Estados Unidos en 2010.

La producción del Public Theater se trasladó a Broadway en el Teatro Al Hirschfeld , comenzando las funciones previas el 6 de marzo de 2009, con un estreno oficial el 31 de marzo de 2009. Paulus y Armitage volvieron a dirigir y coreografiar, y la mayoría del elenco regresó de la producción en el parque. Se realizó una lotería de boletos antes de la función cada noche para boletos de palco de $25. ^{[ 205 ]} El elenco de apertura incluyó a Gavin Creel como Claude, Swenson como Berger, Caissie Levy como Sheila, Megan Lawrence como Madre y Sasha Allen como Dionne. ^{[ 206 ]} Los diseñadores incluyeron a Scott Pask (escenografía), Michael McDonald (vestuario), Kevin Adams (iluminación) y Acme Sound Partners (sonido). ^{[ 207 ]} La respuesta de la crítica fue casi uniformemente positiva. ^{[ 208 ]} El New York Daily News elogió la dirección, la coreografía "coloridamente cinética" y las características técnicas, escribiendo, "como una celebración de la vida y la libertad que provoca sonrisas, [ Hair ] es altamente comunicativa" y advirtiendo: "Si estás sentado en el pasillo, cuenta con que [el elenco] estará en tu cara o en tu regazo". ^{[ 209 ]} El New York Post escribió sobre la producción "triunfal": En estos días, la nación está menos centrada en la guerra y más en la economía. Como resultado, las escenas que más resuenan son aquellas en las que los niños rechazan exultantemente la carrera de ratas". ^{[ 210 ]} Variety se entusiasmó, "Paulus y su elenco prodigiosamente talentoso... fueron directos al corazón del musical de rock de 1967, generando una tremenda energía. ... Si esta explosiva producción no te conmueve... revísate el pulso." ^{[ 211 ]} El Boston Globe discrepó, diciendo que el reestreno "se sentía artificial" y "exagerado" y "se siente insoportablemente ingenuo e imperdonablemente superficial". ^{[ 212 ]} Ben Brantley, escribiendo para The New York Times , reflejó la opinión de la mayoría:

Este emotivo y rico reestreno... transmite... la intensa y pura alegría y angustia de ese estado bipolar llamado juventud. ... La alegre coreografía hippie de Armitage, con sus manoseos grupales y contorsiones masivas, parece improvisada. Pero hay una forma inteligente dentro de la aparente falta de forma. ... [Paulus encuentra] profundidades de carácter y sentimiento en [el espectáculo de 1968 sobre niños] asustados por cómo el futuro los va a cambiar. ... Después del espectáculo no podía dejar de pensar en lo que les pasaría a [los personajes]. La música del Sr. MacDermot... se mantiene maravillosamente, cobrando vida de forma contagiosa gracias a las... voces sabrosamente combinadas del elenco. ^{[ 213 ]}

El Public Theater tuvo dificultades para conseguir el presupuesto para la transferencia a Broadway. Paulus ayudó a mantener los costos bajos utilizando una escenografía económica, y el espectáculo se vendió bien. ^{[ 214 ]} El 30 de abril de 2009, en el Late Show with David Letterman , el elenco recreó una actuación en el mismo escenario del Ed Sullivan Theater por la tribu original. ^{[ 215 ]} La producción ganó el premio Tony a la Mejor Reposición de un Musical ^{[ 216 ]} y el premio Drama Desk a la Reposición Sobresaliente de un Musical . ^{[ 217 ]} Para agosto, la reposición había recuperado su inversión de 5.760.000 dólares, convirtiéndose en uno de los musicales de recuperación más rápida en la historia de Broadway. ^{[ 218 ]} Su álbum del elenco fue nominado al premio Grammy 2010 al Mejor Álbum de Espectáculo Musical. ^{[ 219 ]} Cuando el elenco de Broadway se trasladó a Londres para la reposición del West End de 2010, un grupo mayoritariamente nuevo tomó el relevo en Broadway el 9 de marzo de 2010, incluyendo a Ace Young como Berger, Diana DeGarmo como Sheila, Kyle Riabko como Claude, Annaleigh Ashford como Jeanie, Wallace Smith como Hud y Vanessa Ray como Chrissie. Rachel Bay Jones interpretó más tarde a la Madre y otros papeles. ^{[ 220 ]} Las ventas disminuyeron y la reposición cerró el 27 de junio de 2010, después de 29 preestrenos y 519 funciones regulares. ^{[ 221 ]}^{[ 222 ]}

Una gira nacional estadounidense de la producción comenzó el 21 de octubre de 2010, protagonizada por Steel Burkhardt como Berger, Paris Remillard como Claude y Caren Lyn Tackett como Sheila. ^{[ 223 ]} La gira recibió críticas mayoritariamente positivas. ^{[ 219 ]} El espectáculo regresó a Broadway en el St. James Theatre del 5 de julio al 10 de septiembre de 2011. Después de eso, la gira se reanudó, ^{[ 224 ]} finalizando el 29 de enero de 2012. ^{[ 225 ]}

Reposición en el West End en 2010

La producción de Broadway de 2009 se replicó en el Teatro Gielgud del West End de Londres . Los preestrenos comenzaron el 1 de abril de 2010, con el estreno oficial el 14 de abril. Los productores fueron el Public Theater, junto con Cameron Mackintosh y Broadway Across America . Casi todo el elenco de Nueva York se trasladó, pero Luther Creek interpretó a Woof. ^{[ 226 ]}^{[ 227 ]} La reposición finalizó el 4 de septiembre de 2010. ^{[ 228 ]}

Una reseña de Michael Billington de The Guardian la describió como "una pieza vibrante y alegre de teatro vivo", escribiendo: "celebra un período en el que la alegría de vivir se enfrentó a las fuerzas de la intolerancia y al poder destructivo del complejo militar-industrial ". ^{[ 229 ]} Charles Spencer en The Daily Telegraph coincidió: "Este es un resurgimiento oportuno e irresistiblemente vital del más grande de todos los musicales de rock". ^{[ 230 ]} Michael Coveney de The Independent escribió que Hair es "uno de los grandes musicales de todos los tiempos, y un fenómeno que, me alivia descubrir, se mantiene como una obra de época". ^{[ 231 ]} En The Times , Benedict Nightingale comentó que "es estimulante, además de extrañamente conmovedor, cuando un elenco multicolor... corre hacia el escenario mientras ofrece ese saludo melodioso a una era de Acuario que todavía se resiste a amanecer". ^{[ 232 ]}

2014–present

En agosto de 2014, Hair se presentó durante tres noches en el Hollywood Bowl . Dirigida por Adam Shankman , el elenco incluyó a Kristen Bell como Sheila, Hunter Parrish como Claude, Benjamin Walker como Berger, Amber Riley como Dionne, Jenna Ushkowitz como Jeanie, Sarah Hyland como Crissy, Mario como Hud, Jonah Platt como Woof, y Beverly D'Angelo y Kevin Chamberlin como los padres de Claude. ^{[ 233 ]}^{[ 234 ]}

Una producción de 2016 en Manchester , Inglaterra, en el Hope Mill Theatre , dirigida por Jonathan O'Boyle, protagonizada por Robert Metson como Claude, Laura Johnson como Sheila y Ryan Anderson como Berger, obtuvo críticas positivas. ^{[ 235 ]} En 2017, el 50 aniversario del musical, la puesta en escena se repitió Off West End en el teatro The Vaults en Londres, con Metson y Johnson repitiendo sus papeles y Andy Coxon como Berger. ^{[ 236 ]} La producción ganó el premio WhatsOnStage a la Mejor Producción Off-West End. ^{[ 237 ]} Una gira nacional por el Reino Unido de la producción comenzó en marzo de 2019, protagonizada por Jake Quickenden como Berger, Daisy Wood-Davis como Sheila, Paul Wilkins como Claude y Marcus Collins como Hud. ^{[ 238 ]}

éxito internacional

Hair se ha representado en la mayoría de los países. ^{[ 186 ]} Tras la caída del Muro de Berlín , el espectáculo viajó por primera vez a Polonia, Líbano, la República Checa y Sarajevo (apareció en Nightline de ABC , cuando Phil Alden Robinson visitó la ciudad en 1996 y descubrió una producción de Hair allí en medio de la guerra). ^{[ 186 ]} En 1999, Butler y el director Bo Crowell ayudaron a producir Hair en Rusia en el Teatro Stas Namin del Parque Gorki de Moscú . La producción provocó una reacción similar a la original 30 años antes porque los soldados rusos estaban luchando en Chechenia en ese momento. ^{[ 239 ]}^{[ 240 ]}

Rado escribió en 2003 que los únicos lugares donde no se había presentado el espectáculo eran "China, India, Vietnam, los continentes Ártico y Antártico, así como la mayoría de los países africanos". ^{[ 186 ]} Desde entonces, se ha montado una producción india. ^{[ 241 ]}

Adaptaciones

Película

En 1979 se estrenó una adaptación cinematográfica musical . Dirigida por Miloš Forman, con coreografía de Twyla Tharp y guion de Michael Weller , la película está protagonizada por John Savage , Treat Williams y Beverly D'Angelo , con Golden, Moore, Dyson, Foley, Dorsey Wright , Don Dacus , Nell Carter y Cheryl Barnes . Fue nominada a dos Globos de Oro : Mejor Película - Musical o Comedia , y Nueva Estrella del Año en una Película (para Williams), y Forman fue nominado a un Premio César . ^[²⁴²^]

Se eliminaron varias canciones, y la trama romántica más convencional de la película se aleja mucho del musical. Claude es reescrito como un recluta inocente de Oklahoma , recién llegado a Nueva York para unirse al ejército, y Sheila es una debutante de la alta sociedad que llama su atención. La amigable tribu adopta al chico de granja en Central Park y, liderada por Berger, intenta facilitar el romance. Durante el entrenamiento básico de Claude, llevan a Sheila para una cita con Claude, sustituyendo a Berger en su barracón con la placa de identificación de Claude. Un error hace que Berger sea llevado a Vietnam en lugar de Claude, donde muere. ^{[ 243 ]} Si bien la película recibió críticas generalmente positivas, Ragni y Rado dijeron que su representación cómica de la tribu no logró capturar la esencia de Hair al retratar a los hippies como "bichos raros" sin ninguna conexión con el movimiento por la paz. ^{[ 242 ]}

Cultura popular

El New York Times señaló en 2007 que " Hair fue uno de los últimos musicales de Broadway en saturar la cultura como lo hacían regularmente los espectáculos de la época dorada". ^{[ 20 ]} Canciones del musical han aparecido en películas y episodios de televisión. Por ejemplo, en la película de 2005 Charlie y la fábrica de chocolate , el personaje Willy Wonka dio la bienvenida a los niños con la letra de "Good Morning Starshine". ^{[ 244 ]} "Aquarius" se interpretó en el último episodio de Laverne y Shirley en 1983, donde el personaje Carmine se muda a la ciudad de Nueva York y audiciona para Hair . ^{[ 245 ]} "Aquarius/Let the Sun Shine In" también se interpretó en la escena final de la película Virgen a los 40 , ^{[ 125 ]} y la grabación de Three Dog Night de "Easy to Be Hard" apareció en la película Zodiac de David Fincher . ^[²⁴⁶^] En el episodio de Los Simpson " The Springfield Files ", los habitantes del pueblo cantan "Good Morning Starshine". ^[²⁴⁷^] El episodio " Hairography " de Glee incluye una mezcla de las canciones "Hair" y " Crazy in Love " de Beyoncé . ^[²⁴⁸^] Head of the Class presentó un episodio de dos partes en 1990, titulado "Hair to Eternity", en el que el jefe del departamento de inglés está decidido a interrumpir la representación escolar de Hair . ^[²⁴⁹^]

Hair sigue siendo una opción popular para producciones de escuelas secundarias, universidades ^{[ 40 ]} y amateur. ^{[ 250 ]} En 2002, Peter Jennings presentó una producción de una escuela secundaria de Boulder, Colorado , en su serie documental de ABC In Search of America . ^{[ 251 ]} Una producción de teatro comunitario de 2006 en Red Bank, Nueva Jersey , fue destacada por Butler como "una de las mejores Hair que he visto en mucho tiempo". ^{[ 252 ]} Una producción de Mountain Play se presentó en el Anfiteatro Cushing Memorial de 4000 asientos en el Parque Estatal Mount Tamalpais en Mill Valley, California , en 2007. ^{[ 253 ]}

Legado

Hair fue el primer musical conceptual "completamente realizado" de Broadway , una forma que dominó el teatro musical de los años setenta. ^{[ 254 ]} Si bien el desarrollo del musical conceptual fue una consecuencia inesperada de la permanencia de Hair en Broadway, la esperada revolución de la música rock en Broadway resultó ser menos que completa. ^[²⁵⁴^]

MacDermot continuó con tres bandas sonoras de rock sucesivas: Two Gentlemen of Verona (1971); Dude (1972), una segunda colaboración con Ragni; y Via Galactica (1972). Mientras que Two Gentlemen of Verona encontró un público receptivo y un Tony al Mejor Musical, Dude fracasó después de solo dieciséis funciones, y Via Galactica fracasó después de un mes. ^{[ 255 ]} Según Horn, estos y otros "fracasos similares pueden haber sido el resultado de que los productores simplemente confiaron en la etiqueta 'musical de rock' para atraer al público sin tener en cuenta la calidad del material presentado". ^{[ 255 ]} A finales de la década de 1970, el género se había agotado. ^{[ 255 ]} Los gustos del público en la década de 1980 se inclinaron hacia los megamusicales con bandas sonoras pop. ^{[ 256 ]} Algunos musicales de rock posteriores, como Rent (1996) y Spring Awakening (2006), así como musicales con canciones de rock, como We Will Rock You (2002) y Rock of Ages (2009), han tenido éxito. Pero el musical de rock no llegó a dominar rápidamente el escenario del teatro musical después de Hair . El crítico Clive Barnes comentó: "Ningún músico de rock importante jamás hizo una partitura de rock para Broadway. ... Tommy ... nunca fue concebido como un espectáculo de Broadway. ... Y se puede ver por qué. Hay mucho más dinero en los discos y los conciertos de rock". ^{[ 255 ]}^{[ 257 ]} La continua popularidad de Hair en el siglo XXI se ve en su puesto número diez en una encuesta de oyentes de BBC Radio 2 de 2006 sobre los "Musicales esenciales número uno [del Reino Unido]". ^{[ 258 ]}

Por otro lado, Hair tuvo un profundo efecto no solo en lo que era aceptable en Broadway, sino también como parte de los mismos movimientos sociales que celebraba. Por ejemplo, en 1970, Butler, Castelli y los diversos elencos de Hair contribuyeron a la recaudación de fondos para la Asamblea Mundial de la Juventud . ^{[ 259 ]} La Asamblea permitió que 750 jóvenes representantes de todo el mundo se reunieran en Nueva York en julio de 1970 para discutir temas sociales. ^{[ 260 ]}^{[ 261 ]} Durante aproximadamente una semana, los miembros del elenco de todo el mundo recolectaron donaciones en cada función para el fondo. Hair recaudó alrededor de $250,000 y terminó siendo el principal financiador de la Asamblea. ^{[ 262 ]} El elenco y el equipo también contribuyeron con el salario de un día, y Butler contribuyó con las ganancias de un día de estas producciones. ^{[ 259 ]}^{[ 260 ]} Además, como señaló Ellen Stewart , fundadora de La MaMa ETC:

Hair llegó con vaqueros, ropa cómoda, colores, colores hermosos, sonidos, movimiento. ... Y [ahora todos] llevan vaqueros. ... Puedes ir a donde quieras y [ver] lo que hizo Hair . ... Una especie de emancipación, una emancipación espiritual que surgió de la puesta en escena de [O'Horgan]. ... Hair, hasta la fecha, ha influido en todo lo que ves... en cualquier parte del mundo, verás elementos de las técnicas experimentales que Hair llevó no solo a Broadway, sino al mundo entero. ^{[ 263 ]}

Premios y nominaciones

Producción original de Broadway

Reposición en Broadway en 2009

Véase también

Referencias

Notas

1 2 3 4 Horn, págs. 87–88
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Enlaces externos

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Cabelloen labase de datos de Broadway en Internet
El cabelloen elarchivo de Playbill
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Blog oficial de HAIR de Michael Butler , el productor original del musical.
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