arte francés

El arte merovingio es el arte y la arquitectura de la dinastía merovingia de los francos , que perduró desde el siglo V hasta el siglo VIII en lo que hoy es Francia y Alemania . El advenimiento de la dinastía merovingia en la Galia durante el siglo V trajo consigo importantes cambios en las artes. En arquitectura, desapareció el deseo de construir edificios robustos y armoniosos. La escultura retrocedió hasta convertirse en poco más que una simple técnica para la ornamentación de sarcófagos , altares y mobiliario eclesiástico. Por otro lado, el auge de la orfebrería y la iluminación de manuscritos propiciaron un resurgimiento de la decoración celta , que, junto con las contribuciones cristianas y de otras culturas, constituye la base del arte merovingio. La unificación del reino franco bajo Clodoveo I (465-511) y sus sucesores coincidió con la necesidad de construir iglesias. Los planos para estas probablemente se copiaron de las basílicas romanas . Lamentablemente, estas estructuras de madera no han sobrevivido debido a la destrucción causada por el fuego, ya sea accidental o provocado por los normandos en el momento de sus incursiones.

El arte carolingio abarca aproximadamente 120 años, desde el 750 hasta el 900, durante los reinados de Carlos Martel , Pipino el Joven , Carlomagno y sus herederos directos, conocido popularmente como el Renacimiento carolingio . La época carolingia constituye el primer período del movimiento artístico medieval conocido como prerrománico . Por primera vez, los reyes del norte de Europa patrocinaron las formas artísticas clásicas romanas mediterráneas, fusionando las formas clásicas con las germánicas, creando innovaciones completamente nuevas en el dibujo de figuras y sentando las bases para el auge del arte románico y, posteriormente, del arte gótico en Occidente.

De este período se conservan manuscritos iluminados, trabajos en metal, esculturas de pequeño formato, mosaicos y frescos. Los carolingios también emprendieron importantes campañas de construcción arquitectónica en numerosas iglesias de Francia. Entre ellas se incluyen las de Metz , Lyon , Vienne , Le Mans , Reims , Beauvais , Verdún , Saint-Germain en Auxerre , Saint-Pierre en Flavigny y Saint-Denis , así como el centro de la ciudad de Chartres . La abadía de Centula de Saint-Riquier ( Somme ), terminada en 788, fue un logro importante de la arquitectura monástica. Otro edificio importante (en su mayor parte perdido hoy en día) fue la "Villa de Teodulfo" en Germigny-des-Prés .

Con el fin del dominio carolingio alrededor del año 900, la producción artística se detuvo durante casi tres generaciones. Tras la caída del Imperio carolingio, Francia se dividió en varias provincias enfrentadas, sin un mecenazgo organizado. El arte francés de los siglos X y XI fue producido por monasterios locales para fomentar la alfabetización y la piedad; sin embargo, los estilos primitivos que se produjeron no alcanzaron el mismo nivel de sofisticación que las técnicas del período carolingio anterior.

Se desarrollaron múltiples estilos regionales a partir de la disponibilidad fortuita de manuscritos carolingios como modelos para copiar y de la presencia de artistas itinerantes. El monasterio de Saint Bertin se convirtió en un importante centro bajo el abad Odbert (986-1007), quien creó un nuevo estilo basado en formas anglosajonas y carolingias. La cercana abadía de Saint Vaast (Pas-de-Calais) también produjo varias obras importantes. En el suroeste de Francia, se produjeron varios manuscritos hacia el año 1000 en el monasterio de Saint Martial en Limoges , así como en Albi , Figeac y Saint-Sever-de-Rustan en Gascuña . En París, se desarrolló un estilo único en la abadía de Saint-Germain-des-Prés . En Normandía , surgió un nuevo estilo en 975. A finales del siglo X, con el movimiento reformista de Cluny y un renovado entusiasmo por el concepto de Imperio, se reanudó la producción artística.

El arte románico se refiere al arte de Europa Occidental durante un período de ciento cincuenta años, desde aproximadamente el año 1000 d. C. hasta el surgimiento del estilo gótico , que apareció a mediados del siglo XII en Francia. El arte románico se caracterizó por un renovado interés en las técnicas de construcción romanas. Por ejemplo, los capiteles del siglo XII del claustro de Saint-Guilhem-le-Désert adoptan un motivo de hojas de acanto y el uso decorativo de perforaciones, comunes en los monumentos romanos. Otros edificios románicos importantes en Francia incluyen la abadía de Saint-Benoît-sur-Loire en Loiret , las iglesias de Saint-Foy en Conques de Aveyron , Saint-Martin en Tours , Saint-Philibert en Tournus de Saône-et-Loire , Saint-Remi en Reims y Saint-Sernin en Toulouse . En particular, Normandía experimentó una importante campaña de construcción en las iglesias de Bernay , Mont-Saint-Michel , la catedral de Coutances y Bayeux .

La mayor parte de la escultura románica se integró en la arquitectura eclesiástica, no solo por razones estéticas, sino también estructurales. La escultura de pequeño formato durante el período prerrománico estuvo influenciada por la escultura bizantina y paleocristiana . Otros elementos se adoptaron de diversos estilos locales de los países de Oriente Medio. Los motivos derivaban de las artes de los pueblos primitivos, como las figuras grotescas, las bestias y los patrones geométricos, que constituyeron importantes aportaciones, especialmente en las regiones al norte de los Alpes. Entre las obras escultóricas más importantes de la época se encuentran las tallas de marfil del monasterio de San Galo . La escultura monumental rara vez se practicaba de forma independiente de la arquitectura en el período prerrománico. Por primera vez tras la caída del Imperio Romano, la escultura monumental surgió como una forma de arte significativa. Las fachadas cubiertas de las iglesias , las puertas y los capiteles aumentaron de tamaño e importancia, como en el tímpano del Juicio Final de Beaulieu-sur-Dordogne y el Profeta de pie de Moissac . Puertas monumentales, pilas bautismales y candelabros, frecuentemente decorados con escenas bíblicas, se fundían en bronce, lo que atestigua la destreza de los metalúrgicos de la época. Los frescos adornaban las bóvedas y los muros de las iglesias. Se producían cada vez más ricos textiles y objetos preciosos de oro y plata, como cálices y relicarios, para satisfacer las necesidades de la liturgia y servir al culto de los santos. En el siglo XII, la escultura en piedra a gran escala se extendió por toda Europa. En las iglesias románicas francesas de Provenza , Borgoña y Aquitania , las esculturas adornaban las fachadas y las estatuas se incorporaban a los capiteles.

El arte y la arquitectura góticos fueron producto de un movimiento artístico medieval que duró aproximadamente trescientos años. Se originó en Francia, desarrollándose a partir del período románico a mediados del siglo XII. A finales del siglo XIV, evolucionó hacia un estilo más secular y naturalista conocido como gótico internacional , que perduró hasta finales del siglo XV, cuando evolucionó aún más, dando lugar al arte renacentista . Los principales medios artísticos góticos fueron la escultura , la pintura sobre tabla , las vidrieras , los frescos y los manuscritos iluminados .

La arquitectura gótica nació a mediados del siglo XII en Île-de-France , cuando el abad Suger construyó la abadía de Saint-Denis , hacia 1140, considerada el primer edificio gótico, y poco después, la catedral de Chartres , hacia 1145. Antes de esto, no existía tradición escultórica en Île-de-France, por lo que se trajeron escultores de Borgoña , quienes crearon las revolucionarias figuras que sirven de columnas en el portal occidental (real) de la catedral de Chartres ( véase la imagen ). Fue una invención completamente nueva en el arte francés y serviría de modelo para toda una generación de escultores. Otras iglesias góticas notables en Francia incluyen la catedral de Bourges , Notre-Dame de Laon , Notre-Dame de París , la catedral de Reims , la catedral de Amiens y la Sainte-Chapelle de París .

Las denominaciones de los estilos en la arquitectura gótica francesa son las siguientes: gótico temprano, gótico alto, radiante y gótico tardío o flamígero . La división en estas categorías es efectiva, pero discutible. Dado que las catedrales góticas se construyeron a lo largo de varios períodos sucesivos, y los artesanos de cada período no necesariamente siguieron los deseos de los períodos anteriores, el estilo arquitectónico dominante a menudo cambió durante la construcción de un edificio en particular. En consecuencia, es difícil declarar que un edificio pertenece a una época determinada de la arquitectura gótica. Es más útil usar los términos como descriptores de elementos específicos dentro de una estructura, en lugar de aplicarlos al edificio en su conjunto  : el portal occidental de la catedral de Chartres es un ejemplo de gótico temprano, mientras que los portales del transepto oeste y norte, que datan de principios del siglo XIII, son típicos del gótico alto.

Las ideas francesas se difundieron. La escultura gótica evolucionó desde el estilo inicial, rígido y alargado, aún parcialmente románico, hacia un tratamiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del XIII. Arquitectos y escultores franceses trabajaron en el extranjero, en Inglaterra, España y el Sacro Imperio Romano Germánico: las esculturas góticas de la Puerta del Sarmental en la catedral de Burgos , en España, fueron realizadas por artistas franceses, mientras que se presume que el escultor alemán anónimo del siglo XIII, conocido como el Maestro de Naumburg, era de origen francés. Las influencias de las esculturas griegas y romanas antiguas que se conservan se incorporaron al tratamiento de los pliegues de la vestimenta, la expresión facial y la pose del escultor neerlandés-borgoñón Claus Sluter , y el gusto por el naturalismo marcó el fin de la escultura gótica, evolucionando hacia el estilo clasicista renacentista a finales del siglo XV.

París, por aquel entonces la ciudad más grande del mundo occidental , se convirtió en un centro destacado para la producción de objetos de lujo en los siglos XIII y XIV, especialmente pequeñas esculturas de marfil y cofres de marfil con escenas de amor cortés (como el Cofre con Escenas de Romances en el Museo de Arte Walters ). París también se convirtió en uno de los centros más exuberantes para la producción de joyería y relicarios preciosos, como el Relicario de la Santa Espina, realizado para Juan, duque de Berry , o el Goldenes Rössl de Altötting , realizado para Carlos VI , rey de Francia.

• Arte gótico francés
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  Capitel del portal sur de la catedral de Bourges , circa 1160-1170.
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  Portal del Juicio Final de la fachada oeste de la catedral de Amiens , 1220-1230.
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  Ángel sonriente de la catedral de Reims , 1236-1245
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  Vidrieras de las rosetas ojivales occidentales de la catedral de Chartres , mediados del siglo XII.
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  Cofre con escenas de novelas románticas, circa 1310–1330
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  Escenas de la vida de San Benito , relieve en piedra, 1250-1260

La pintura en un estilo que podría denominarse «gótico» no apareció hasta alrededor del año 1200, casi cincuenta años después del inicio de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no está claramente definida, pero se puede apreciar el comienzo de un estilo más sombrío, oscuro y emotivo que el del período anterior. Esta transición se produce primero en Inglaterra y Francia alrededor del año 1200, en Alemania alrededor del año 1220 y en Italia alrededor del año 1300. La pintura, la representación de imágenes sobre una superficie, se practicaba durante el período gótico en cuatro disciplinas principales: frescos , pinturas sobre tabla , iluminación de manuscritos y vidrieras . Los frescos continuaron utilizándose como la principal técnica narrativa pictórica en las paredes de las iglesias del sur de Europa, como continuación de las tradiciones paleocristianas y románicas. En el norte, las vidrieras y la iluminación de manuscritos siguieron siendo la forma de arte dominante hasta el siglo XV.

A finales del siglo XIV y durante el siglo XV, las cortes principescas francesas, como las de los duques de Borgoña, el duque de Anjou o el duque de Berry, así como el papa y los cardenales de Aviñón, emplearon a pintores de renombre, como los hermanos neerlandeses Limbourg , Barthélemy d'Eyck y Jean Hey, y los pintores franceses Enguerrand Quarton , Jean Fouquet o Nicolas Froment, quienes desarrollaron el llamado estilo gótico internacional que se extendió por Europa e incorporó la nueva influencia flamenca y, posteriormente, las innovaciones de los artistas italianos del primer Renacimiento. Escultores de Flandes y los Países Bajos —entonces en su mayoría parte de los Países Bajos borgoñones, ya que estaban gobernados por los duques de Borgoña, una rama cadete de los Valois— también trabajaron extensamente para los duques Felipe el Atrevido y Juan el Intrépido , como Claus Sluter , quien creó el pozo de Moisés en Dijon, y Claus de Werve . Renovaron la escultura gótica con un nuevo sentido de la expresión y un estilo más naturalista, y posteriormente se les unieron el español Jean de la Huerta y el francés Antoine Le Moiturier . El norte de Francia fue también el principal centro europeo de producción de manuscritos iluminados . Estos manuscritos constituyen el registro más completo de la pintura gótica, ofreciendo un testimonio de estilos en lugares donde no se conservan otras obras monumentales.

Los manuscritos completos más antiguos con ilustraciones góticas francesas datan de mediados del siglo XIII. ^{[ 10 ]} Muchos de estos manuscritos iluminados eran biblias reales, aunque los salterios también incluían ilustraciones; el Salterio de San Luis de París , que data de 1253 a 1270, presenta 78 iluminaciones a página completa en témpera y pan de oro. ^{[ 11 ]}

Los manuscritos iluminados florecieron especialmente en el siglo XV, gracias a las numerosas cortes ducales que ascendieron al poder en Francia en aquella época. En el siglo XV, estos valiosos libros pintados solían ser realizados por pintores flamencos de los Países Bajos borgoñones o por pintores franceses al servicio de las principales cortes principescas (la corte del rey en París, pero también las cortes ducales de Borgoña, Anjou, Berry, Borbón, Orléans y Bretaña). El rey de Sicilia y duque de Anjou, René , era él mismo escritor de novelas de amor cortés y encargó a los mejores artistas que decoraran sus escritos con elaboradas pinturas, como el Livre du cœur d'Amour épris iluminado por Barthélémy d'Eyck. Los hermanos Limbourg fueron los responsables de las Très riches heures du duc de Berry , considerada la obra maestra de los manuscritos góticos internacionales, realizada para el duque de Berry, hermano del rey Carlos V.

• Arte gótico francés
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  Jean Fouquet , Virgen con el Niño rodeada de ángeles , ala derecha del Díptico de Melun , circa 1452.
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  Tríptico de marfil, Escenas de la infancia y la Pasión de Cristo , París, finales del siglo XIII.
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  Dios el geómetra , manuscrito iluminado, circa 1220-1230
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  Crucero de la catedral de Albi , 1474–1483
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  Jean Fouquet , Crucifixión , circa 1452-1460, a partir de un manuscrito iluminado.
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  Vidriera de la catedral de Chartres , rosetón sur, 1221–1230

El siglo XVII marcó una época dorada para el arte francés en todos los ámbitos, ya que el país se recuperaba de las Guerras de Religión y se consolidaba como la principal potencia política europea bajo los reinados de Enrique IV , Luis XIII y Luis XIV . A principios del siglo XVII, las tendencias manieristas tardías y barrocas tempranas continuaron floreciendo en la corte de María de Médici y su hijo Luis XIII. El arte de este período muestra influencias tanto del norte de Europa, concretamente de las escuelas holandesa y flamenca, como de los pintores romanos de la Contrarreforma . Los artistas franceses debatían frecuentemente sobre los méritos contrapuestos de Peter Paul Rubens , con su barroco flamenco, sus líneas y colores voluptuosos, frente a Nicolas Poussin, con su control racional, su proporción y su estilo barroco clasicista romano. Otro defensor del clasicismo que trabajó en Roma fue Claude Gellée , conocido como Le Lorrain, quien definió la forma del paisaje clásico.

Muchos jóvenes pintores franceses de principios de siglo viajaron a Roma para formarse y pronto asimilaron la influencia de Caravaggio , como Valentin de Boulogne y Simon Vouet . A este último se le atribuye la introducción del barroco en Francia y, a su regreso a París en 1627, fue nombrado primer pintor del rey. Sin embargo, la pintura francesa pronto se alejó de la extravagancia y el naturalismo del barroco italiano, y pintores como Eustache Le Sueur y Laurent de La Hyre , siguiendo el ejemplo de Poussin, desarrollaron un estilo clasicista conocido como aticismo parisino , inspirado en la Antigüedad y centrado en la proporción, la armonía y la importancia del dibujo. Incluso Vouet, tras su regreso de Italia, cambió su estilo por uno más mesurado, pero igualmente decorativo y elegante.

Pero al mismo tiempo, seguía existiendo una fuerte escuela caravaggista, representada por las asombrosas pinturas a la luz de las velas de Georges de La Tour , quien desarrolló su actividad principalmente en su Lorena natal , aunque también trabajó durante un breve período en París. Los desdichados y los pobres aparecían representados con un estilo casi holandés en las pinturas de los tres hermanos Le Nain . En las pinturas de Philippe de Champaigne se encuentran tanto retratos propagandísticos del primer ministro, el cardenal Richelieu , como otros retratos más contemplativos de miembros de la secta católica jansenista .

En arquitectura, arquitectos como Salomon de Brosse , quien construyó el Palacio de Luxemburgo en París, François Mansart y Jacques Lemercier contribuyeron a definir la forma francesa del barroco . Desarrollaron la fórmula del hôtel particulier urbano , que influiría en toda Europa y se diferenciaba notablemente de su equivalente italiano, el palazzo . Muchos castillos aristocráticos fueron reconstruidos en el nuevo estilo clásico-barroco, entre los que destacan las Maisons de Mansart y Cheverny , caracterizadas por sus altos tejados «a la francesa» y una forma que conservaba el modelo medieval del castillo adornado con imponentes torres, ahora convertidas en elegantes pabellones.

Desde mediados hasta finales del siglo XVII, el arte francés se conoce más a menudo como «clasicismo», término que implica una adhesión a ciertas reglas de proporción y sobriedad, atípicas del barroco, tal como se practicaba en la mayor parte del resto de Europa durante ese mismo período. Bajo el reinado de Luis XIV , el barroco, tal como se practicaba en Italia, no era del agrado de los franceses; por ejemplo, la famosa propuesta de Bernini para rediseñar el Louvre fue rechazada por Luis XIV. Mediante propaganda , guerras y grandes obras arquitectónicas, Luis XIV impulsó un vasto programa destinado a la glorificación de Francia y de su propio nombre. El Palacio de Versalles , inicialmente un pequeño pabellón de caza construido por su padre, fue transformado por Luis XIV en un magnífico palacio para fiestas y celebraciones, bajo la dirección de los arquitectos Louis Le Vau (quien también construyó el castillo de Vaux-le-Vicomte ) y Jules Hardouin Mansart (quien construyó la iglesia de los Inválidos en París), el pintor y diseñador Charles Le Brun , y el paisajista André Le Nôtre, quien perfeccionó la forma racional del jardín francés que desde Versalles se extendió por toda Europa. En la pintura de retratos, surgieron dos figuras en la década de 1680: los retratistas Hyacinthe Rigaud y Nicolas de Largillière , cuyos retratos teatrales pero psicológicamente refinados establecieron un nuevo modelo para el siglo XVIII.

La escultura francesa del siglo XVII se alejó del Manierismo tardío para adoptar un estilo más sofisticado, clásico y grandioso en la década de 1630, gracias a figuras como Jacques Sarazin , Simon Guillain y los hermanos Anguier . La gran cantidad de castillos, mansiones, retablos y monumentos funerarios construidos durante el siglo propició una alta demanda de escultura y el florecimiento de numerosos artistas talentosos. La escultura francesa también encontró su propio camino distintivo en la búsqueda del clasicismo, especialmente durante el reinado de Luis XIV, que resultó ser un momento crucial para el desarrollo de la escultura gracias a la protección que el rey brindó a artistas como Pierre Puget (quien también desarrolló su actividad en Italia), François Girardon , Antoine Coysevox y Nicolas Coustou . Todos ellos crearon esculturas para los jardines de Versalles y posteriormente para Marly y los Inválidos , donde ambiciosos programas decorativos involucraron a decenas de escultores, y también trabajaron extensamente para la alta nobleza. En Roma, adonde muchos jóvenes escultores franceses fueron enviados a estudiar la Antigüedad y el Renacimiento, Pierre Legros el Joven , que trabajaba en un estilo más barroco, fue uno de los escultores más influyentes de finales de siglo junto con Pierre-Étienne Monnot .

Fuera de París y otros centros importantes, el siglo XVII fue testigo de una intensa actividad en la redecoración de edificios religiosos en las provincias, con la creación de innumerables retablos y retablos elaborados en piedra o madera, obras que combinaban arquitectura, pintura y escultura. Estos fueron producidos por talleres locales en un estilo decididamente más barroco y decorativo que el que estaba en boga en la corte. Algunos de estos talleres gozaron de gran éxito durante varias generaciones y desarrollaron estilos vernáculos que se extendieron por diversas regiones. Este fue el caso de los fabricantes de retablos de Laval , una ciudad cercana a la cual se descubrieron canteras de mármol negro y rojo, y cuyo estilo se extendió a las provincias de Maine, Anjou, Tourraine y Bretaña oriental, con artistas como Pierre Corbineau y Tugal Caris , quienes a menudo eran arquitectos y escultores. En Bretaña occidental, los artistas locales desarrollaron un género diferente, basado en altares de madera y pintura muy elaborados y ricamente tallados. En el sur de Francia, las dinastías de escultores y arquitectos fueron muy activas en los Pirineos , como la dinastía Ferrère, conocida por sus retablos, y en la Provenza, donde escultores altamente cualificados como Christophe Veyrier o los miembros de la familia Péru en Aviñón desarrollaron su actividad construyendo palacios, iglesias, fuentes y retablos.

El siglo XVII también presenció una importante renovación en el arte del grabado, convirtiéndose Francia (especialmente París y el Ducado de Lorena) en uno de los principales centros de grabado y aguafuerte. A principios de siglo, Jacques Bellange trabajó en Lorena con un estilo refinado, aún influenciado por el manierismo, produciendo aguafuertes expresivos, llenos de emoción y con una elegante feminidad. Otro de los principales grabadores de la época también era de Lorena: Jacques Callot . Realizó importantes avances técnicos en el grabado, desarrollando el échoppe , un tipo de aguja de aguafuerte con una sección ovalada inclinada en el extremo, que permitía a los aguafuertes crear líneas onduladas, como las que realizaban los grabadores. Produjo más de 1400 aguafuertes que retrataban la vida de su época, con soldados, bufones, borrachos, gitanos, mendigos y escenas de la vida cortesana, como en su serie Las desgracias y desgracias de la guerra (1632-1633). Abraham Bosse , uno de los devotos de Callot , desarrolló su actividad en París. Difundió las innovaciones de Callot por toda Europa con el primer manual de grabado publicado. Su combinación de interiores grandiosos representados con gran detalle con temas domésticos relativamente triviales fue original y de gran influencia en el arte francés. También afincado en París, Claude Mellan era conocido por el virtuosismo técnico de sus grabados, gracias a una técnica peculiar en la que, en lugar de crear sombras mediante tramado cruzado, utilizaba un sistema de líneas paralelas; un ejemplo famoso es su Rostro de Cristo (1649), creado a partir de una única línea en espiral que comienza en la punta de la nariz de Jesús. Finalmente, en la segunda mitad del siglo surgió Robert Nanteuil , considerado el maestro indiscutible del grabado de retratos francés.

En las artes decorativas, Francia siguió una política impulsada por el Estado que favorecía las nuevas fábricas estatales o supervisadas para competir con las producciones italianas, flamencas y holandesas: las fábricas de loza de Nevers y Rouen , aunque privadas, recibieron monopolios reales en 1603 y 1647 respectivamente. Producían fina cerámica inspirada en estilos italianos y asiáticos y, bajo el reinado de Luis XIV, trabajaron extensamente para la corona francesa. La Manufactura de Gobelins en París, fundada en 1601 con el apoyo de Enrique IV , fue adquirida por el ministro Jean-Baptiste Colbert en nombre de la corona francesa en 1662 y reorganizada. Pronto produjo los tapices más refinados de Europa, mientras que Francia también se convirtió en el principal centro europeo de ebanistería y producción de muebles gracias a los ebanistas André-Charles Boulle (quien inventó el estilo Boulle de ebanistería, una incrustación de carey, latón y peltre en ébano) y Pierre Gole , quien ayudó a establecer el estilo Luis XIV , tan de moda .

• Arte francés del siglo XVII
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  François Girardon , Apolo servido por las ninfas , 1667-1675
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  Simon Vouet , Venus y Adonis , c. 1642
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  Claude Lefèbvre , Retrato de Jean-Baptiste Colbert , 1666
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  Jacques Stella , Salomón adorando ídolos , 1647
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  Jean Baptiste de Champaigne y Nicolas de Plattemontagne , Doble retrato de ambos artistas , 1654
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  André-Charles Boulle , mueble de marquetería, c. 1670 - 1675
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  Manufactura de Gobelins , Tenture des Mois ou des Maisons Royales, el mes de abril de 1668 - 1683 , diseñado por Charles Le Brun
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  Jarras de vino de loza de Nevers , c. 1685 , que representan El rapto de Europa de François Chauveau.

Rococó y Neoclasicismo son términos que describen las artes visuales, plásticas y la arquitectura en Europa desde principios hasta finales del siglo XVIII. En Francia, la muerte de Luis XIV en 1715 dio paso a un periodo de libertad conocido como la Regencia . Versalles fue abandonado entre 1715 y 1722, y el joven rey Luis XV y el gobierno, encabezado por el duque de Orleans, residieron en París. Allí surgió un nuevo estilo en las artes decorativas, conocido como rocaille  : se conservó la asimetría y el dinamismo del barroco, pero renovados en un estilo menos retórico y con efectos menos pomposos, una búsqueda más profunda de la artificialidad y el uso de motivos inspirados en la naturaleza. Esta manera, empleada para decorar habitaciones y muebles, también existió en la pintura. La pintura rocaille se volcó hacia temas más ligeros, como las fiestas galantes , los escenarios teatrales, agradables narraciones mitológicas y el desnudo femenino. La mayoría de las veces, se omiten los aspectos moralizantes de los mitos o las pinturas históricas, y se pone el énfasis en el aspecto decorativo y agradable de las escenas representadas. Las pinturas de este período muestran un mayor énfasis en el color que en el dibujo, con pinceladas evidentes y escenas muy coloridas, reflejo de los debates en la Real Academia de Pintura, que finalmente ganó la facción rubenista a principios de siglo. Entre los pintores franceses importantes de este período se encuentran Antoine Watteau , considerado el inventor de la fête galante , Nicolas Lancret y François Boucher , conocidos por sus delicadas escenas pastorales y galantes (especialmente sus pastorales ), y Jean-Marc Nattier , admirado por sus gráciles y encantadores retratos al óleo de damas en la corte de Luis XV. La pintura de retrato al pastel se puso particularmente de moda en Europa en ese momento, y Francia fue el principal centro de actividad para los pastelistas, con figuras prominentes como Maurice Quentin de La Tour , Jean-Baptiste Perronneau y el suizo Jean-Étienne Liotard . Otros artistas importantes en el género de la pintura histórica durante la primera mitad del siglo fueron François Lemoyne (quien pintó la bóveda del Salón de Hércules en el palacio de Versalles), Jean-François de Troy , Carle Van Loo y Charles-Joseph Natoire .

El estilo decorativo de Luis XV , aunque ya evidente al final del último reinado, era más ligero, con colores pastel, elaborados paneles de madera, habitaciones más pequeñas, menos dorado y menos brocados; predominaban las conchas, las guirnaldas y, ocasionalmente, motivos chinos. Los fabricantes de Chantilly , Vincennes y luego Sèvres produjeron algunas de las porcelanas más finas de la época. En la segunda mitad del siglo, la manufactura de Limoges , establecida en 1771, fue la primera en Francia en producir porcelana de pasta dura. Los ebanistas , altamente cualificados y afincados principalmente en París, crearon elaborados muebles con preciosos ornamentos de madera y bronce que fueron muy elogiados e imitados en toda Europa. Los más famosos son Jean-François Oeben , quien creó el escritorio del rey Luis XV en Versalles, Bernard II van Risamburgh , Jean-Henri Riesener , Martin Carlin y los fabricantes de sillas Georges Jacob y Jean-Baptiste-Claude Sené . Artistas altamente cualificados, llamados ciseleur-doreurs , se especializaban en ornamentos de bronce para muebles y otras piezas de artes decorativas; los más famosos fueron Pierre Gouthière y Pierre-Philippe Thomire . Plateros talentosos como Thomas Germain y su hijo François-Thomas Germain crearon elaborados servicios de plata que fueron muy elogiados por las distintas casas reales de Europa. Las habitaciones en los castillos y mansiones eran más íntimas que durante el reinado de Luis XIV y estaban decoradas con boiseries de estilo rocalla (paneles de madera tallada que cubrían las paredes de una habitación) concebidas por arquitectos como Germain Boffrand y Gilles-Marie Oppenord u ornemanistas (diseñadores de objetos decorativos) como Juste-Aurèle Meissonnier .

Los arquitectos más destacados de la primera mitad del siglo fueron, además de Boffrand, Robert de Cotte y Ange-Jacques Gabriel , quienes diseñaron plazas públicas como la Place de la Concorde en París y la Place de la Bourse en Burdeos , con un estilo conscientemente inspirado en el de la época de Luis XIV. Durante la primera mitad del siglo, Francia reemplazó a Italia como centro artístico y principal influencia artística en Europa, y muchos artistas franceses trabajaron en otras cortes del continente (como los pintores Pierre Subleyras para el Papa Benedicto XIV en Roma, Antoine Pesne para el rey de Prusia en Berlín, Jean Ranc y Louis-Michel van Loo para el rey de España en Madrid, Philippe Jacques de Loutherbourg en Londres, los escultores Étienne Maurice Falconet para Catalina la Grande en San Petersburgo y Louis-François Roubiliac en Londres, o el herrero Jean Tijou en Inglaterra).

Los escultores más destacados de la primera mitad del siglo fueron Guillaume Coustou el Viejo , famoso por su último encargo real, los Caballos de Marly (1743-1745), y su hijo Guillaume Coustou el Joven ; Robert Le Lorrain , célebre por su relieve de los Caballos del Sol en el Hôtel de Rohan de París (1737); y Edmé Bouchardon , precursor del neoclasicismo, cuyo principal encargo público fue la Fuente de las Cuatro Estaciones (1739-1745) en París. También fue reconocido por sus bustos de mármol de miembros de la alta nobleza, que evocan la Antigüedad.

• Arte francés de 1700-1750
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  Antoine Watteau , El embarque hacia Citera , 1718.
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  François Boucher , La comida de la tarde , 1739.
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  François Lemoyne , techo pintado del Salón de Hércules , Palacio de Versalles, 1733-1736.
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  Jean Siméon Chardin , Burbujas de jabón , 1733-1735.
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  Juste-Aurèle Meissonnier , Sopera cubierta sobre soporte ( Pot-à-oille couvert ), 1735-1738.
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  Bernard II van Risamburgh , Cómoda, c. 1740–45.
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  Jean-Baptiste Oudry , Naturaleza muerta con tres pájaros muertos, grosellas rojas, cerezas e insectos , 1712.
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  Guillaume Coustou el Joven y Pierre Vernet, Altar mayor de la iglesia de Saint-Saint-Paul-Saint-François-Xavier en Burdeos , 1741-1748.
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  El Pavillon Français del Palacio de Versalles de Ange-Jacques Gabriel , 1750.

En la segunda mitad del siglo, los principales escultores franceses fueron el retratista Jean-Baptiste Lemoyne , conocido por sus expresivos bustos, tanto en mármol como en terracota, que capturaban los matices de la expresión y transmitían una sensación de movimiento; Jean-Baptiste Pigalle , célebre por su impresionante monumento funerario de Mauricio de Sajonia en Estrasburgo (1753-1765) y su estatua desnuda de Voltaire retratado como un filósofo antiguo (1776); Étienne Maurice Falconet , quien creó el monumental monumento ecuestre del Jinete de Bronce en San Petersburgo para Catalina la Grande (1768-1782); y Clodion , conocido por sus delicados e íntimos relieves de terracota.

En la última parte del reinado de Luis XV, los escultores comenzaron a prestar mayor atención a los rostros y a adoptar los principios del neoclasicismo. Los principales exponentes de este nuevo estilo fueron Jean-Antoine Houdon , conocido por sus bustos de célebres autores y estadistas y por sus bronces de líneas limpias, que combinaban el alargamiento del cuerpo propio del Manierismo con el rigor más frío del Neoclasicismo (como en su alegoría del Invierno ), Augustin Pajou y Pierre Julien .

Durante la segunda mitad del siglo XVIII, Francia continuó dominando Europa, especialmente en las artes y las ciencias, y se esperaba que los miembros de las cortes europeas hablaran francés . El sistema académico francés siguió produciendo artistas, pero algunos, como Jean-Honoré Fragonard y Jean-Baptiste-Siméon Chardin , exploraron nuevos estilos pictóricos, cada vez más impresionistas, caracterizados por pinceladas gruesas. Si bien la jerarquía de géneros se mantuvo oficialmente, la pintura de género , el paisaje , el retrato y la naturaleza muerta gozaron de gran popularidad. Chardin y Jean-Baptiste Oudry fueron aclamados por sus naturalezas muertas, aunque oficialmente este género se consideraba el de menor categoría dentro de la jerarquía pictórica.

También se encuentra en este período un aspecto prerromántico . Las imágenes de ruinas de Hubert Robert , inspiradas en las pinturas de capriccio italianas , son típicas en este sentido, así como la imagen de tormentas y marinas a la luz de la luna de Claude Joseph Vernet y los desnudos alegóricos de Pierre-Paul Prud'hon , quien adoptó un toque vaporoso inspirado en Leonardo da Vinci y Correggio, lo que atestigua el surgimiento de una sensibilidad romántica en oposición al rigor de la línea neoclásica. Así también el cambio del jardín francés racional y geométrico de André Le Nôtre al jardín inglés , que enfatizaba la naturaleza artificialmente salvaje e irracional, como en el jardín que Richard Mique creó para María Antonieta en los terrenos del Petit Trianon , en Versalles, que incluye un lago artificial, una colina y una gruta. En algunos de estos jardines también se encuentran curiosas ruinas de templos, llamadas "locuras arquitectónicas", como el neoclásico Templo del Amor , también en los jardines del Petit Trianon.

La segunda mitad del siglo XVIII presenció en Francia un giro hacia el Neoclasicismo , es decir, un uso consciente de las formas e iconografía griegas y romanas . Este movimiento fue impulsado por intelectuales como Diderot, en reacción a la artificialidad y la esencia decorativa del estilo rococó . En la pintura, el máximo representante de este estilo es Jacques-Louis David , quien, imitando los perfiles de los jarrones griegos, enfatizó el uso del perfil. Su temática a menudo giraba en torno a la historia clásica, como la muerte de Sócrates y Bruto. La dignidad y la temática de sus pinturas se inspiraron en gran medida en las obras de Nicolas Poussin del siglo XVII. Poussin y David, a su vez, influyeron notablemente en Jean Auguste Dominique Ingres , quien inició su carrera en el último año del siglo. Otros pintores neoclásicos importantes de la época son Jean-Baptiste Greuze , célebre por su pintura de género moralizante, Joseph-Marie Vien y, en el género del retrato, Élisabeth Louise Vigée Le Brun , una de las favoritas de María Antonieta. Louis-Léopold Boilly comenzó su actividad a finales de la década de 1770 y pintó escenas de género que documentaban la vida social de la burguesía francesa y la Revolución Francesa, pequeños retratos y trampantojos con un estilo de gran precisión y meticulosidad. El neoclasicismo también influyó en las artes decorativas y la arquitectura.

Arquitectos como Ledoux y Boullée desarrollaron un estilo radical de arquitectura neoclásica basado en formas geométricas simples y puras, con una búsqueda de la simetría y la armonía, elaborando proyectos visionarios, como por ejemplo el complejo de las Salinas de Arc-et-Senans de Ledoux, un modelo de fábrica ideal desarrollado a partir de los conceptos racionales de los pensadores de la Ilustración .

• Arte francés, 1750-1800
• 
  Élisabeth Vigée Le Brun , La barona de Crussol , 1785.
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  El tocador de la reina, de Pierre Rousseau, con el escritorio cilíndrico de María Antonieta de Riesener , Palacio de Fontainebleau , 1786.
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  Manufactura de Porcelana de Sèvres , Jarrón de popurrí en forma de barco ( Vase potpourri à vaisseau ), 1764.
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  Augustin Pajou , Jean-Baptiste Lepaute y Étienne Martincourt, Reloj de sobremesa, 1780-1790.
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  Fuente de Neptuno de Barthélemy Guibal con herrería de Jean Lamour, Place Stanislas , Nancy, 1751-1755.
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  Christophe-Gabriel Allegrain , Diana , 1777-1778.
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  Jacques-Louis David , La muerte de Marat , 1793.
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  Casa del director de las Salinas Reales de Arc-et-Senans, obra de Claude Nicolas Ledoux (1775-1779).
• 
  Hubert Robert , Proyecto de transformación de la Grande Galerie du Louvre , 1796.

La Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas provocaron grandes cambios en las artes en Francia. El programa de exaltación y creación de mitos que acompañaba al emperador Napoleón se coordinó estrechamente en las pinturas de David, Gros y Guérin. En arquitectura y artes decorativas, el estilo Imperio fue creado para las residencias imperiales por los arquitectos Pierre Fontaine y Charles Percier , inspirándose en gran medida en la Antigüedad romana y egipcia. El ebanista Jacob Desmalter creó muebles originales de estilo Imperio, empleando principalmente chapas de caoba con pesados ​​apliques de bronce dorado. Los asientos, hechos de caoba cuando no estaban pintados ni dorados, se inspiraban en los diseños de asientos y tronos de la Antigüedad, derivados de detalles de relieves antiguos y jarrones griegos. Jean-Auguste-Dominique Ingres fue la figura principal del neoclasicismo en la pintura hasta la década de 1850 y un destacado maestro, que priorizó el dibujo sobre el color. Mientras tanto, el orientalismo , los motivos egipcios, el antihéroe trágico , el paisaje salvaje, la novela histórica y las escenas de la Edad Media y el Renacimiento —todos estos elementos del Romanticismo— crearon un período vibrante que desafía una fácil clasificación. El pintor romántico más importante de la época fue Eugène Delacroix , quien tuvo una exitosa carrera pública y fue el principal oponente de Ingres. Antes que él, Théodore Géricault abrió el camino al Romanticismo con su monumental La balsa de la Medusa, expuesta en el Salón de 1819. Camille Corot intentó escapar de la forma convencional e idealizada de la pintura de paisaje influenciada por el clasicismo para ser más realista y, al mismo tiempo, sensible a las variaciones atmosféricas.

Las tendencias románticas perduraron a lo largo del siglo; tanto la pintura paisajista idealizada como el realismo tienen sus raíces en el Romanticismo. La obra de Gustave Courbet y la escuela de Barbizon son desarrollos lógicos derivados de este, al igual que el simbolismo de finales del siglo XIX de pintores como Gustave Moreau , profesor de Henri Matisse y Georges Rouault , así como Odilon Redon .

La pintura académica desarrollada en la École des Beaux-Arts fue la de mayor éxito entre el público y el Estado: pintores altamente cualificados como Jean-Léon Gérôme , William Bouguereau y Alexandre Cabanel pintaron escenas históricas inspiradas en la antigüedad, siguiendo los pasos de Ingres y los artistas neoclásicos. Aunque criticados por su convencionalismo por los jóvenes pintores de vanguardia y la crítica, los pintores académicos más talentosos renovaron el género histórico, inspirándose en múltiples culturas y técnicas como Oriente, y en los nuevos encuadres que posibilitó la invención de la fotografía.

Para muchos críticos que escribieron sobre el siglo XIX y la idea de la modernidad, Édouard Manet es la figura clave que impulsó el surgimiento de un movimiento de vanguardia, opuesto al academicismo y la pintura oficial (al igual que Charles Baudelaire lo fue para la poesía en aquella época). Su redescubrimiento de la pintura española del Siglo de Oro, su disposición a mostrar el lienzo sin pintar, su exploración del desnudo sin tapujos y sus pinceladas radicales constituyen los primeros pasos hacia el impresionismo. El impresionismo llevaría a la escuela de Barbizon un paso más allá, rechazando definitivamente un estilo recargado y el uso de colores mezclados y el negro, en favor de los frágiles y transitorios efectos de la luz, capturados al aire libre bajo una luz cambiante (inspirados en parte por las pinturas de J.M.W. Turner y Eugène Boudin ). Esto dio paso a Claude Monet con sus catedrales y pajares, a Pierre-Auguste Renoir con sus primeros festivales al aire libre y su posterior estilo etéreo de desnudos rojizos, y a Edgar Degas con sus bailarinas y bañistas. Otros impresionistas importantes fueron Frédéric Bazille , Alfred Sisley , Camille Pissarro y Gustave Caillebotte .

Tras cruzar ese umbral, los siguientes treinta años se convirtieron en una sucesión de experimentos asombrosos. Vincent van Gogh , nacido en los Países Bajos pero residente en Francia, abrió el camino al expresionismo . Georges Seurat , influenciado por la teoría del color, ideó una técnica puntillista que marcó el experimento impresionista y que fue seguida por Paul Signac . Paul Cézanne , un pintor para pintores, intentó una exploración geométrica del mundo que dejó indiferentes a muchos de sus colegas. Paul Gauguin , banquero, encontró simbolismo en Bretaña junto con Émile Bernard , y luego exotismo y primitivismo en la Polinesia Francesa . A estos pintores se les conocía como postimpresionistas . Les Nabis , un movimiento de la década de 1890, que incluía a pintores como Paul Sérusier , Pierre Bonnard , Édouard Vuillard y Maurice Denis , se vio influenciado por el ejemplo de Gauguin en Bretaña: exploraron un arte decorativo en llanuras planas con el enfoque gráfico de una estampa japonesa. Predicaban que una obra de arte es el producto final y la expresión visual de la síntesis que el artista hace de la naturaleza mediante metáforas y símbolos estéticos personales. Henri Rousseau , el cartero autodidacta y aficionado, se convirtió en el modelo de la revolución ingenua.

• Pintura francesa del siglo XIX
• 
  Jean-Auguste-Dominique Ingres , La bañista de Valpinçon , 1808.
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  Théodore Géricault , La balsa de la Medusa , 1818-1819.
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  Eugène Delacroix , La libertad guiando al pueblo , 1830.
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  Édouard Manet , Olimpia , 1863.
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  Georges Seurat , Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte , 1884-1886.
• 
  Edgar Degas , Después del baño, mujer secándose el cuello , 1895-1898.
• 
  Paul Cézanne , Naturaleza muerta con jarra de leche y frutas , c. 1890.
• 
  Paul Gauguin , El Cristo Amarillo , 1889.
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  Auguste Rodin , Las puertas del infierno , 1880-1917.

Los primeros años del siglo XX estuvieron marcados por la experimentación con el color y el contenido que el impresionismo y el postimpresionismo habían impulsado. Las obras del Lejano Oriente también aportaron nuevas influencias. Casi al mismo tiempo, los fauvistas ( Henri Matisse , André Derain , Maurice de Vlaminck , Albert Marquet , Raoul Dufy , Othon Friesz , Charles Camoin , Henri Manguin ) irrumpieron con una explosión de color, al igual que el expresionismo alemán .

El descubrimiento de máscaras tribales africanas por Pablo Picasso , un español residente en París, lo inspiró a crear Las señoritas de Aviñón en 1907. Trabajando de forma independiente, Picasso y Georges Braque retomaron y perfeccionaron la manera en que Cézanne comprendía racionalmente los objetos en un medio plano. Sus experimentos con el cubismo también los llevaron a integrar en sus obras todos los aspectos y objetos de la vida cotidiana: collages de periódicos, instrumentos musicales, cigarrillos, vino y otros objetos. El cubismo, en todas sus fases, dominaría la pintura europea y americana durante los siguientes diez años. (Véase el artículo sobre el cubismo para un análisis completo).

La Primera Guerra Mundial no detuvo la dinámica creación artística en Francia. En 1916, un grupo de inconformistas se reunió en un bar de Zúrich, el Cabaret Voltaire , y creó el gesto más radical posible: el antiarte del dadaísmo . Al mismo tiempo, Francis Picabia y Marcel Duchamp exploraban ideas similares. En una exposición de arte en Nueva York en 1917 , Duchamp presentó un urinario de porcelana blanca ( Fuente ) firmado por R. Mutt como obra de arte, convirtiéndose así en el padre del ready-made .

Cuando el dadaísmo llegó a París, fue recibido con entusiasmo por un grupo de jóvenes artistas y escritores fascinados por los escritos de Sigmund Freud , en particular por su concepto del inconsciente . El espíritu provocador del dadaísmo se vinculó a la exploración del inconsciente mediante la escritura automática , las operaciones aleatorias y, en algunos casos, los estados alterados de conciencia. Los surrealistas pronto se volcaron a la pintura y la escultura. El impacto de elementos inesperados, el uso del frotado , el collage y la decalcomanía , así como la representación de paisajes misteriosos e imágenes oníricas, se convertirían en las técnicas clave durante el resto de la década de 1930.

Inmediatamente después de la guerra, el panorama artístico francés se bifurcó en dos direcciones principales. Por un lado, estaban quienes continuaron con los experimentos artísticos de antes de la guerra, especialmente el surrealismo, y por otro, quienes adoptaron el nuevo expresionismo abstracto y la pintura de acción neoyorquina, plasmándolos en un estilo francés, como el tachismo o el arte informal . Paralelamente a estas dos tendencias, Jean Dubuffet dominó los primeros años de la posguerra, explorando dibujos infantiles, grafitis y caricaturas en diversos medios.

École de Paris

Entre las dos guerras mundiales, floreció un movimiento artístico conocido como la École de Paris (Escuela de París). Centrado en París, el movimiento dio origen a una forma única de arte expresionista . Incluyó a muchos artistas extranjeros y franceses, muchos de ellos judíos ; estos artistas se concentraron principalmente en Montparnasse . ^{[ 12 ]} Estos artistas judíos desempeñaron un papel significativo en la École de Paris; varios habían buscado refugio en París huyendo de la persecución y los pogromos de Europa del Este. ^{[ 13 ]} Figuras prominentes como Marc Chagall , Jules Pascin , Chaïm Soutine , Isaac Frenkel Frenel , Amedeo Modigliani y Abraham Mintchine fueron algunos de los contribuyentes notables al movimiento en Francia y en el extranjero. ^{[ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]} Estos artistas a menudo representaban temas judíos en su obra, dotándola de intensos tonos emocionales. ^{[ 17 ]}

El término «l' École de Paris », acuñado en 1925 para contrarrestar la xenofobia , reconocía a los artistas extranjeros, a menudo judíos. Sin embargo, la ocupación nazi provocó la trágica pérdida de artistas judíos durante el Holocausto , lo que resultó en el declive de la Escuela de París, ya que algunos artistas se marcharon o huyeron a Israel o a Estados Unidos . ^{[ 13 ] [ 18 ] [ 14 ] [ 12 ]}

(ordenado alfabéticamente por ciudad)

• Museo Faure en Aix-les-Bains
• Museo Granet en Aix-en-Provence
• Museo Toulouse-Lautrec de Albi
• Museo de Picardía en Amiens
• Museo de antigüedades de Arles y de la Provenza en Arles
• Museo del Pequeño Palacio de Aviñón
• Fundación Calvet en Aviñón
• Museo Albert-André en Bagnols-sur-Cèze
• Museo Bonnat en Bayona
• Museo de Bellas Artes y Arqueología de Besançon en Besançon
• Museo Fernand Léger en Biot, Alpes Marítimos
• Museo de Bellas Artes de Burdeos en Burdeos
• Museo de Bellas Artes de Caen en Caen
• Museo de Goya en Castres
• Museo de Arte Moderno de Céret en Céret
• Museo de arte Roger-Quilliot en Clermont-Ferrand
• Museo Unterlinden en Colmar
• Museo de Bellas Artes de Dijon en Dijon
• Museo departamental de arte antiguo y contemporáneo de Épinal
• Museo Jacquemart-André en Fontaine-Chaalis
• Museo de Grenoble en Grenoble
• Museo Arqueológico de Grenoble en Grenoble
• Museo Matisse en Le Cateau-Cambrésis
• Museo de Bellas Artes André-Malraux en Le Havre
• Palacio de Bellas Artes de Lille en Lille
• Museo de Bellas Artes de Lyon en Lyon
• Museo Gallo-Roman de Lyon
• Museo de Bellas Artes de Marsella en Marsella
• Museo Cantini de Marsella
• Museos de Metz en Metz
• Centro Pompidou-Metz en Metz
• Museo Ingres en Montauban
• Museo Fabre en Montpellier
• Castillo de Montsoreau - Museo de Arte Contemporáneo de Montsoreau
• Museo de Bellas Artes de Nancy en Nancy
• Museo de la Escuela de Nancy en Nancy
• Museo Lorrain en Nancy
• Museo de Bellas Artes de Nantes en Nantes
• Museo de Bellas Artes de Niza
• Museo Nacional Mensaje Bíblico Marc Chagall en Niza
• Museo Arqueológico de Nimes en Nimes
• Museo Camille Claudel en Nogent-sur-Seine
• Museo de Bellas Artes de Reims en Reims
• Palacio del Tau en Reims
• Museo de Bellas Artes de Rennes en Rennes
• Museo de Bellas Artes de Rouen en Rouen
• Museo de arte moderno de Saint-Étienne en Saint-Étienne
• Fundación Maeght en Saint-Paul, Alpes Marítimos
• Museo de Bellas Artes de Estrasburgo en Estrasburgo
• Museo de arte moderno y contemporáneo de Estrasburgo en Estrasburgo
• Museo de la Oeuvre Notre-Dame de Estrasburgo
• Museo de Artes Decorativas de Estrasburgo en Estrasburgo
• Museo de los Agustinos de Toulouse
• Museo Saint-Raymond en Toulouse
• Fundación Bemberg en Toulouse

(ordenado alfabéticamente por ciudad)

• Museo de Bellas Artes de Brest en Brest
• Museo Théodore Deck et des pays du Florival en Guebwiller
• Museo Histórico de Haguenau en Haguenau
• Museo Eugène Boudin en Honfleur
• Museo Crozatier en Le Puy-en-Velay
• Museo de Bellas Artes de Libourne en Libourne
• Museo Girodet en Montargis
• Museo de Bellas Artes de Mulhouse en Mulhouse
• Museo de Bellas Artes de Nimes en Nimes
• Museo de Bellas Artes de Pau en Pau
• Museo Hyacinthe Rigaud en Perpiñán
• Museo de Bellas Artes de Pont-Aven en Pont-Aven
• Museo de la Piscina en Roubaix
• Museo Paul-Dupuy en Toulouse
• Museo de Bellas Artes de Valenciennes en Valenciennes