Película muda

A medida que las películas aumentaban gradualmente su duración, se hizo necesario reemplazar al intérprete de sala que explicaba partes de la película al público. Dado que las películas mudas no tenían sonido sincronizado para los diálogos, se utilizaban intertítulos en pantalla para narrar puntos clave de la historia, presentar diálogos importantes e incluso, en ocasiones, comentar la acción para el público. El guionista de títulos se convirtió en un profesional clave del cine mudo y a menudo trabajaba de forma independiente del guionista que creaba la historia. Los intertítulos (o títulos , como se les llamaba generalmente en aquella época) «a menudo eran elementos gráficos en sí mismos, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentaban la acción». ^{[ 12 ] [ 13 ]}

Las proyecciones de películas mudas casi siempre incluían música en vivo, comenzando con la primera proyección pública de películas a cargo de los hermanos Skladanowsky el 1 de noviembre de 1895 en Berlín, quienes compusieron e interpretaron una banda sonora a alto volumen para ahogar el ruido de su proyector. ^{[ 14 ]} Esto se consolidó en 1896 con la primera exhibición cinematográfica en los Estados Unidos en el Koster and Bial's Music Hall de la ciudad de Nueva York. En este evento, Edison sentó el precedente de que todas las exhibiciones debían estar acompañadas por una orquesta. ^{[ 15 ]} Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, contribuyendo a la atmósfera y brindando al público señales emocionales vitales. Los músicos a veces tocaban en los sets de filmación durante el rodaje por razones similares. Sin embargo, dependiendo del tamaño del lugar de exhibición, el acompañamiento musical podía variar drásticamente en escala. ^{[ 4 ]} Los cines de pueblos pequeños y barrios generalmente contaban con un pianista . A partir de mediados de la década de 1910, los grandes cines de las ciudades tendían a tener organistas o conjuntos de músicos. Los enormes órganos de teatro , diseñados para cubrir el vacío entre un simple pianista solista y una orquesta más grande, contaban con una amplia gama de efectos especiales. Órganos teatrales como el famoso " Mighty Wurlitzer " podían simular algunos sonidos orquestales junto con diversos efectos de percusión, como bombos y platillos, y efectos de sonido que iban desde silbatos de trenes y barcos hasta bocinas de automóviles y cantos de pájaros;  algunos incluso podían simular disparos de pistola, teléfonos sonando, el sonido de las olas, cascos de caballos, cerámica rompiéndose, truenos y lluvia. ^{[ 16 ]}

Las partituras musicales de las primeras películas mudas eran improvisadas o recopiladas de música clásica o del repertorio teatral. Sin embargo, una vez que los largometrajes se hicieron comunes, la música se recopilaba a partir de la música de la película por el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio cinematográfico , que incluía una hoja de indicaciones con la película. Estas hojas solían ser extensas, con notas detalladas sobre los efectos y los estados de ánimo a tener en cuenta. A partir de la partitura mayormente original compuesta por Joseph Carl Breil para la épica de D. W. Griffith, El nacimiento de una nación (1915), se hizo relativamente común que las películas de mayor presupuesto llegaran a los cines con partituras originales compuestas especialmente. ^{[ 17 ]} Sin embargo, las primeras partituras completas designadas se habían compuesto en 1908, por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa , ^{[ 18 ]} y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin .

Cuando los organistas o pianistas utilizaban partituras, podían añadir toques de improvisación para intensificar el dramatismo en pantalla. Incluso cuando los efectos especiales no estaban indicados en la partitura, si un organista tocaba un órgano de teatro capaz de producir un efecto de sonido inusual, como el de "caballos al galope", este se utilizaba durante las escenas de persecuciones a caballo.

En el apogeo del cine mudo, las películas eran la principal fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en Estados Unidos. Sin embargo, la llegada del cine sonoro, sumada al inicio casi simultáneo de la Gran Depresión , fue devastadora para muchos músicos.

Varios países idearon otras formas de incorporar sonido a las películas mudas. El cine primitivo de Brasil , por ejemplo, presentaba fitas cantatas (películas cantadas), operetas filmadas con cantantes actuando detrás de la pantalla. ^{[ 19 ]} En Japón , las películas no solo tenían música en vivo, sino también el benshi , un narrador en vivo que proporcionaba comentarios y voces para los personajes. El benshi se convirtió en un elemento central del cine japonés, además de proporcionar traducciones para películas extranjeras (principalmente estadounidenses). ^{[ 20 ]} La popularidad del benshi fue una de las razones por las que las películas mudas persistieron hasta bien entrada la década de 1930 en Japón. Por otro lado, como las películas narradas por benshi a menudo carecían de intertítulos, al público actual a veces le puede resultar difícil seguir las tramas sin subtítulos especializados o comentarios adicionales.

Pocas partituras de películas mudas han sobrevivido intactas, y los musicólogos aún se enfrentan a interrogantes al intentar reconstruir con precisión las que se conservan. Las partituras utilizadas en las reediciones o proyecciones actuales de películas mudas pueden ser reconstrucciones completas de composiciones originales, composiciones nuevas para la ocasión, recopilaciones de bibliotecas musicales preexistentes o improvisaciones espontáneas al estilo de los músicos de teatro de la época muda.

El interés por la música para películas mudas cayó en cierto modo en desuso durante las décadas de 1960 y 1970. En muchos programas de cine universitarios y salas de cine de repertorio, se creía que el público debía experimentar el cine mudo como un medio puramente visual, sin distracciones musicales. Esta creencia pudo haber sido fomentada por la mala calidad de las pistas musicales que se encontraban en muchas reediciones de películas mudas de la época. Desde alrededor de 1980, ha resurgido el interés por presentar películas mudas con bandas sonoras de calidad (ya sea reelaborando partituras de la época o hojas de referencia, o componiendo partituras originales adecuadas). Un ejemplo temprano de este tipo fue la restauración de Kevin Brownlow en 1980 de Napoléon ( 1927) de Abel Gance , con música de Carl Davis . Una versión ligeramente reeditada y acelerada de la restauración de Brownlow fue distribuida posteriormente en Estados Unidos por Francis Ford Coppola , con una partitura orquestal en vivo compuesta por su padre, Carmine Coppola .

En 1984, se estrenó una restauración editada de Metrópolis (1927) con una nueva banda sonora de rock compuesta por el productor y compositor Giorgio Moroder . Si bien la banda sonora contemporánea, que incluía canciones pop de Freddie Mercury , Pat Benatar y Jon Anderson de Yes , fue controvertida, se abrió la puerta a un nuevo enfoque en la presentación de las películas mudas clásicas.

Hoy en día, un gran número de solistas, conjuntos musicales y orquestas interpretan partituras tradicionales y contemporáneas para películas mudas a nivel internacional. ^{[ 21 ]} El legendario organista de teatro Gaylord Carter continuó interpretando y grabando sus partituras originales para películas mudas hasta poco antes de su muerte en 2000; algunas de esas partituras están disponibles en reediciones en DVD. Otros promotores del enfoque tradicional incluyen organistas como Dennis James y pianistas como Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model y William P. Perry . Otros pianistas contemporáneos, como Stephen Horne y Gabriel Thibaudeau, a menudo han adoptado un enfoque más moderno para la composición musical. Ben Model, en particular, aboga por la composición ambientada en la época —«mantener el sonido dentro de ese mundo para que la imagen se reproduzca como debe»— en lugar de paletas sonoras contemporáneas. ^{[ 22 ]}

Directores de orquesta como Carl Davis y Robert Israel han escrito y recopilado partituras para numerosas películas mudas; muchas de ellas se han emitido en Turner Classic Movies o se han lanzado en DVD. Davis ha compuesto nuevas partituras para dramas mudos clásicos como The Big Parade (1925) y Flesh and the Devil (1927). Israel ha trabajado principalmente en la comedia muda, componiendo la música de las películas de Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase y otros. Timothy Brock ha restaurado muchas de las partituras de Charlie Chaplin , además de componer nuevas.

Los conjuntos de música contemporánea están ayudando a acercar las películas mudas clásicas a un público más amplio a través de una amplia gama de estilos y enfoques musicales. Algunos intérpretes crean nuevas composiciones utilizando instrumentos musicales tradicionales, mientras que otros añaden sonidos electrónicos, armonías modernas, ritmos, improvisación y elementos de diseño de sonido para enriquecer la experiencia visual. Entre los conjuntos contemporáneos de esta categoría se encuentran Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima y el Caspervek Trio, RPM Orchestra . Donald Sosin y su esposa Joanna Seaton se especializan en añadir voces a películas mudas, particularmente cuando hay canto en pantalla que se beneficia de escuchar la canción real que se está interpretando. Las películas de esta categoría incluyen Lady of the Pavements de Griffith con Lupe Vélez , Evangeline de Edwin Carewe con Dolores del Río y El fantasma de la ópera de Rupert Julian con Mary Philbin y Virginia Pearson .

El Archivo de Sonido y Música de Cine Mudo digitaliza la música y las hojas de indicaciones escritas para películas mudas y las pone a disposición de intérpretes, académicos y aficionados. ^{[ 23 ]}

Los actores del cine mudo enfatizaban el lenguaje corporal y la expresión facial para que el público pudiera comprender mejor lo que un actor sentía y representaba en pantalla. Gran parte de la actuación en el cine mudo puede parecer simplista o exagerada para el público actual . El estilo de actuación melodramático era, en algunos casos, un hábito que los actores habían transferido de su experiencia teatral. El vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores estadounidenses del cine mudo. ^{[ 4 ]} La omnipresente presencia de actores de teatro en el cine fue la causa de este exabrupto del director Marshall Neilan en 1917: «Cuanto antes se vayan los actores de teatro que han entrado en el cine, mejor para el cine». En otros casos, directores como John Griffith Wray exigían a sus actores expresiones exageradas para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a manifestar su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. ^{[ 25 ]}

Las películas mudas se volvieron menos vodevilescas a mediados de la década de 1910, a medida que se hicieron evidentes las diferencias entre el teatro y el cine. Gracias al trabajo de directores como DW Griffith , la cinematografía se volvió menos teatral y los primeros planos permitieron una actuación sobria y realista. Lillian Gish ha sido llamada la "primera actriz verdadera" del cine por su trabajo en el período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de actuación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación teatral y la cinematográfica. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur comenzaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron de inmediato la actuación naturalista y discreta; incluso en 1927, todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metrópolis . ^{[ 25 ]} Greta Garbo , cuya primera película estadounidense se estrenó en 1926, se haría conocida por su actuación naturalista.

Según Anton Kaes, estudioso del cine mudo de la Universidad de California, Berkeley, el cine mudo estadounidense comenzó a experimentar un cambio en las técnicas de actuación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas del cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la llegada de emigrantes de la República de Weimar , «incluidos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y escenografía, así como actores y actrices». ^{[ 26 ]}

Hasta la estandarización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para películas sonoras entre 1926 y 1930, las películas mudas se filmaban a velocidades variables (o " velocidades de fotogramas ") que iban desde 12 hasta 40  fps, dependiendo del año y del estudio. ^{[ 27 ]} A menudo se dice que la "velocidad estándar de las películas mudas" es de 16  fps como resultado del Cinématographe de los hermanos Lumière , pero la práctica de la industria variaba considerablemente; no había un estándar real. William Kennedy Laury Dickson , un empleado de Edison, optó por la asombrosa velocidad de 40 fotogramas por segundo. ^{[ 4 ]} Además, los camarógrafos de la época insistían en que su técnica de giro era exactamente de 16 fps, pero el examen moderno de las películas muestra que esto es un error y que a menudo giraban más rápido. A menos que se muestren cuidadosamente a sus velocidades previstas, las películas mudas pueden parecer anormalmente rápidas o lentas. Sin embargo, algunas escenas se filmaron intencionalmente a menor velocidad para acelerar la acción, especialmente en comedias y películas de acción. ^{[ 27 ]} 

La proyección lenta de una película con base de nitrato de celulosa conllevaba riesgo de incendio, ya que cada fotograma se exponía durante más tiempo al intenso calor de la lámpara de proyección; pero existían otras razones para proyectar una película a mayor velocidad. A menudo, los proyeccionistas recibían instrucciones generales de los distribuidores en la hoja de indicaciones del director musical sobre la velocidad a la que debían proyectarse determinados rollos o escenas. ^{[ 27 ]} En raras ocasiones, generalmente para producciones de mayor envergadura, las hojas de indicaciones elaboradas específicamente para el proyeccionista proporcionaban una guía detallada para la presentación de la película. Los cines también —para maximizar las ganancias— a veces variaban la velocidad de proyección según la hora del día o la popularidad de una película, ^{[ 28 ]} o para ajustarla a un horario preestablecido. ^{[ 27 ]}

Todos los proyectores de cine requieren un obturador móvil para bloquear la luz mientras la película se mueve; de ​​lo contrario, la imagen se difumina en la dirección del movimiento. Sin embargo, este obturador provoca que la imagen parpadee , y las imágenes con bajas tasas de parpadeo son muy desagradables a la vista. Los primeros estudios de Thomas Edison para su Kinetoscopio determinaron que cualquier tasa inferior a 46  imágenes por segundo "cansa la vista" ^{[ 27 ]} , y esto también se cumple para las imágenes proyectadas en condiciones normales de cine. La solución adoptada para el Kinetoscopio fue reproducir la película a más de 40 fotogramas/segundo, pero esto resultaba caro para la película. Sin embargo, al usar proyectores con obturadores de doble y triple hoja, la tasa de parpadeo se multiplica por dos o tres veces por encima del número de fotogramas de la película, ya que cada fotograma se muestra dos o tres veces en la pantalla. Un obturador de tres hojas que proyecta una  película de 16 fps superará ligeramente la cifra de Edison, ofreciendo al público 48 imágenes por segundo. Durante la era del cine mudo, los proyectores solían estar equipados con obturadores de tres hojas. Desde la introducción del sonido con su velocidad estándar de 24 fotogramas/segundo, los obturadores de dos hojas se han convertido en la norma para  los proyectores de cine de 35 mm, aunque los obturadores de tres hojas han seguido siendo estándar en los proyectores de 16  mm y 8  mm, que se utilizan frecuentemente para proyectar grabaciones amateur filmadas a 16 o 18 fotogramas/segundo. Una  velocidad de fotogramas de película de 35 mm de 24  fps se traduce en una velocidad de película de 456 milímetros (18,0 pulgadas) por segundo. ^{[ 29 ]} Un rollo de 1000 pies (300 m) requiere 11 minutos y 7 segundos para proyectarse a 24 fps, mientras que una proyección a 16 fps del mismo rollo tomaría 16 minutos y 40 segundos, o 304 milímetros (12,0 pulgadas) por segundo. ^{[ 27 ]}     

En la década de 1950, muchas conversiones de telecine de películas mudas con velocidades de fotogramas totalmente incorrectas para la televisión abierta pudieron haber alienado a los espectadores. ^{[ 30 ]} La velocidad de la película suele ser un tema controvertido entre los académicos y cinéfilos en la presentación de películas mudas en la actualidad, especialmente cuando se trata de lanzamientos en DVD de películas restauradas , como el caso de la restauración de Metropolis en 2002. ^{[ 31 ]}

Debido a la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la era del cine mudo frecuentemente se sumergían en tintes y se teñían de varios tonos y matices para indicar un estado de ánimo o representar una hora del día. El teñido manual se remonta a 1895 en Estados Unidos con el lanzamiento por parte de Edison de copias seleccionadas teñidas a mano de Butterfly Dance . Además, los experimentos con película en color comenzaron ya en 1909, aunque la industria tardó mucho más en adoptar el color y desarrollar un proceso eficaz. ^{[ 4 ]} El azul representaba escenas nocturnas, el amarillo o ámbar el día. El rojo representaba el fuego y el verde una atmósfera misteriosa. De manera similar, el virado de la película (como la generalización común del virado sepia en el cine mudo ) con soluciones especiales reemplazaba las partículas de plata en el material fílmico con sales o tintes de varios colores. Una combinación de teñido y virado podía usarse para lograr un efecto impactante.

Algunas películas fueron coloreadas a mano, como Annabelle Serpentine Dance (1894), de Edison Studios . En ella, Annabelle Whitford , ^{[ 32 ]} una joven bailarina de Broadway, está vestida con velos blancos que parecen cambiar de color mientras baila. Esta técnica fue diseñada para capturar el efecto de las actuaciones en vivo de Loie Fuller , a partir de 1891, en las que las luces del escenario con geles de colores convertían sus vestidos y mangas blancas y fluidas en movimiento artístico. ^{[ 33 ]} El coloreado a mano se usó a menudo en las primeras películas de "trucos" y fantasía de Europa, especialmente las de Georges Méliès . Méliès comenzó a colorear a mano su trabajo ya en 1897 y Cendrillion (Cenicienta) de 1899 y Jeanne d'Arc (Juana de Arco) de 1900 proporcionan ejemplos tempranos de películas coloreadas a mano en las que el color era una parte crítica de la escenografía o mise-en-scène ; Este preciso teñido se realizaba en el taller de Elisabeth Thuillier en París, donde equipos de artistas femeninas añadían capas de color a cada fotograma a mano, en lugar de utilizar el proceso más común (y menos costoso) de estarcido. ^{[ 34 ]} Una versión recientemente restaurada de Viaje a la Luna de Méliès , estrenada originalmente en 1902, muestra un uso exuberante del color diseñado para añadir textura e interés a la imagen. ^{[ 35 ]}

Los comentarios de un distribuidor estadounidense en un catálogo de suministros cinematográficos de 1908 subrayan aún más el dominio continuo de Francia en el campo del coloreado manual de películas durante la primera era del cine mudo. El distribuidor ofrece a la venta, a precios variables, películas de "alta calidad" de Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film y Selig . Varias de las películas más largas y prestigiosas del catálogo se ofrecen tanto en blanco y negro estándar como en color pintado a mano. ^{[ 36 ]} Una copia en blanco y negro, por ejemplo, de la película Ben Hur de 1907 se ofrece por 120 dólares ( 4300 dólares estadounidenses actuales), mientras que una versión en color de la misma película de 1000 pies y 15 minutos cuesta 270 dólares ( 9675 dólares estadounidenses ) incluyendo el cargo adicional de 150 dólares por el coloreado, que ascendía a 15 centavos más por pie. ^{[ 36 ]} Si bien las razones del cargo adicional citado probablemente eran obvias para los clientes, el distribuidor explica por qué las películas en color de su catálogo alcanzan precios significativamente más altos y requieren más tiempo de entrega. Su explicación también ofrece una perspectiva del estado general de los servicios de coloración de películas en los Estados Unidos en 1908:

El coloreado de películas es un trabajo que no se puede realizar satisfactoriamente en Estados Unidos. Debido a la enorme cantidad de trabajo que implica, que requiere pintar a mano cada una de las dieciséis imágenes por pie, o 16 000 imágenes por cada 1000 pies de película, muy pocos coloristas estadounidenses aceptan el trabajo, independientemente del precio. Dado que el coloreado de películas ha progresado mucho más rápidamente en Francia que en cualquier otro país, todo nuestro trabajo de coloreado lo realiza la mejor empresa de coloreado de París, y hemos comprobado que obtenemos mejor calidad, precios más bajos y entregas más rápidas, incluso al colorear películas estadounidenses, que si el trabajo se realizara en otro lugar. ^{[ 36 ]}

A principios de la década de 1910, con la llegada de los largometrajes, el uso del color se convirtió en un recurso para crear ambiente, tan común como la música. El director D. W. Griffith mostró un interés constante por el color y lo empleó como efecto especial en muchas de sus películas. Su épica de 1915, El nacimiento de una nación, utilizó diversos colores, como ámbar, azul, lavanda y un llamativo tono rojo para escenas como el incendio de Atlanta y la cabalgata del Ku Klux Klan en el clímax de la película. Posteriormente, Griffith inventó un sistema de color en el que luces de colores parpadeaban en áreas de la pantalla para lograr un color determinado.

Con el desarrollo de la tecnología de sonido en película y su aceptación por parte de la industria, se abandonó por completo el tintado, ya que los tintes utilizados en el proceso de tintado interferían con las bandas sonoras presentes en las tiras de película. ^{[ 4 ]}

Aunque los intentos de crear películas con sonido sincronizado se remontan al laboratorio de Edison en 1896, no fue hasta principios de la década de 1920 que estuvieron disponibles las tecnologías básicas, como los amplificadores de válvulas y los altavoces de alta calidad. Los años siguientes fueron testigos de una carrera por diseñar, implementar y comercializar varios formatos de sonido rivales , tanto en disco como en película , como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone (1927) y RCA Photophone (1928).

Warner Bros. fue el primer estudio en aceptar el sonido como un elemento de la producción cinematográfica y utilizar el Vitaphone, una tecnología de sonido en disco, para ello. ^{[ 4 ]} El estudio estrenó entonces El cantante de jazz en 1927, que marcó la primera película sonora de éxito comercial , pero las películas mudas seguían siendo la mayoría de los largometrajes estrenados tanto en 1927 como en 1928, junto con las llamadas películas con glándulas de cabra : películas mudas con una subsección sonora insertada. Por lo tanto, se puede considerar que la era moderna del cine sonoro alcanzó su predominio a partir de 1929.

Para consultar una lista de películas destacadas de la era del cine mudo, véase la Lista de años del cine para los años comprendidos entre los inicios del cine y 1928. La siguiente lista incluye únicamente películas producidas en la era del cine sonoro con la intención artística específica de ser mudas.

• Chica de ciudad , FW Murnau , 1930
• La Tierra , Aleksandr Dovzhenko , 1930
• El enemigo silencioso , HP Carver, 1930 ^{[ 39 ] [ 40 ]}
• Límite , Kenneth Macpherson , 1930
• Luces de la ciudad , Charlie Chaplin , 1931
• Tabú , FW Murnau, 1931
• Nací, pero... , Yasujirō Ozu , 1932
• Un capricho pasajero , Yasujirō Ozu, 1933
• La Diosa , Wu Yonggang , 1934
• Una historia de algas flotantes , Yasujirō Ozu, 1934
• La caída de Osen , Kenji Mizoguchi , 1935
• Legong , Henri de la Falaise , 1935
• Una posada en Tokio , Yasujirō Ozu, 1935
• La felicidad , Aleksandr Medvedkin , 1935
• Viaje cósmico , Vasili Zhuravlov, 1936

Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la era muda, incluyendo a Charlie Chaplin con Tiempos modernos (1936), Orson Welles con Demasiado Johnson (1938), Jacques Tati con Las vacaciones del señor Hulot (1953), Pierre Etaix con El pretendiente (1962) y Mel Brooks con Película muda (1976). El aclamado drama Tres veces (2005) del director taiwanés Hou Hsiao-hsien es mudo durante su tercio central, con intertítulos incluidos; Los impostores de Stanley Tucci tiene una secuencia inicial muda al estilo de las primeras comedias mudas. El festín de Margarette (2003) del cineasta brasileño Renato Falcão es mudo. El escritor y director Michael Pleckaitis le da su propio toque al género con Mudo (2007). Aunque no son mudas, la serie de televisión y las películas de Mr. Bean han utilizado la naturaleza poco habladora del personaje principal para crear un estilo de humor similar. Un ejemplo menos conocido es La fille du garde-barrière (1975) de Jérôme Savary , un homenaje a las películas de la era del cine mudo que utiliza intertítulos y mezcla comedia, drama y escenas de sexo explícito (lo que provocó que la Junta Británica de Clasificación de Películas le negara el certificado de exhibición en cines ).

En 1990, Charles Lane dirigió y protagonizó Sidewalk Stories , un homenaje de bajo presupuesto a las comedias mudas sentimentales, en particular a El chico de Charlie Chaplin .

La película alemana Tuvalu (1999) es mayormente muda; la poca cantidad de diálogo es una extraña mezcla de lenguas europeas, lo que aumenta la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje a las películas mudas de la era soviética con su cortometraje El corazón del mundo, después del cual realizó un largometraje mudo, ¡ Marca en el cerebro! (2006), que incorporó artistas de Foley en vivo , narración y orquesta en proyecciones selectas. La sombra del vampiro (2000) es una representación altamente ficcionalizada del rodaje de la clásica película muda de vampiros de Friedrich Wilhelm Murnau , Nosferatu (1922). Werner Herzog rindió homenaje a la misma película en su propia versión, Nosferatu: El fantasma de la noche (1979).

Algunas películas establecen un contraste directo entre la era del cine mudo y la del cine sonoro. Sunset Boulevard muestra la desconexión entre ambas épocas a través del personaje de Norma Desmond , interpretada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson , y Cantando bajo la lluvia trata sobre la adaptación de los artistas de Hollywood al cine sonoro. La película Nickelodeon de Peter Bogdanovich , de 1976 , aborda la agitación del cine mudo en Hollywood a principios de la década de 1910, hasta el estreno de la épica El nacimiento de una nación (1915) de D. W. Griffith .

En 1999, el cineasta finlandés Aki Kaurismäki produjo Juha en blanco y negro, que captura el estilo de una película muda, utilizando intertítulos en lugar de diálogos hablados. Se produjeron copias de lanzamiento especiales con títulos en varios idiomas diferentes para la distribución internacional. ^{[ 41 ]} En India, la película Pushpak (1988), ^{[ 42 ]} protagonizada por Kamal Haasan , fue una comedia negra completamente desprovista de diálogo. La película australiana Doctor Plonk (2007), fue una comedia muda dirigida por Rolf de Heer . Las obras de teatro se han inspirado en estilos y fuentes del cine mudo. Los actores y escritores Billy Van Zandt y Jane Milmore llevaron a escena su comedia slapstick Off-Broadway Silent Laughter como un homenaje en vivo a la era de la pantalla muda. ^{[ 43 ]} Geoff Sobelle y Trey Lyford crearon y protagonizaron All Wear Bowlers (2004), que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy y luego evolucionó para incorporar secuencias de películas mudas a tamaño real de Sobelle y Lyford que saltan entre la acción real y la pantalla grande. ^{[ 44 ]} La película animada Fantasía (1940), que es ocho secuencias de animación diferentes con música, puede considerarse una película muda, con solo una escena corta que incluye diálogo. La película de espionaje El ladrón (1952) tiene música y efectos de sonido, pero no diálogo, al igual que Vase de Noces de Thierry Zéno (1974) y El ángel de Patrick Bokanowski (1982 ).

En 2005, la Sociedad Histórica de H. P. Lovecraft produjo una versión muda del relato de Lovecraft, La llamada de Cthulhu . Esta película mantuvo un estilo de filmación fiel a la época y fue recibida como "la mejor adaptación de HPL hasta la fecha" y, refiriéndose a la decisión de hacerla muda, como "una idea brillante". ^{[ 45 ]}

La película francesa El artista (2011), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius , se desarrolla como una película muda y está ambientada en Hollywood durante la era del cine mudo. También incluye segmentos de películas mudas ficticias protagonizadas por sus personajes. Ganó el Premio Óscar a la Mejor Película . ^{[ 46 ]}

La película japonesa de vampiros Sanguivorous (2011) no solo está realizada al estilo de una película muda, sino que incluso realizó una gira con acompañamiento orquestal en vivo. ^{[ 47 ] [ 48 ]} Eugene Chadbourne ha sido uno de los que ha interpretado música en vivo para la película. ^{[ 49 ]}

Blancanieves es una película española muda de drama fantástico en blanco y negro de 2012 escrita y dirigida por Pablo Berger . ^{[ 50 ]}

La película muda estadounidense Silent Life , cuyo rodaje comenzó en 2006 y cuenta con las actuaciones de Isabella Rossellini y Galina Jovovich , madre de Milla Jovovich , se estrenó en 2013. La película se basa en la vida del ícono del cine mudo Rudolph Valentino , conocido como el primer "Gran Amante" de Hollywood. Tras una cirugía de emergencia, Valentino pierde el contacto con la realidad y comienza a ver los recuerdos de su vida en Hollywood desde la perspectiva de un coma, como una película muda proyectada en un palacio del cine, el portal mágico entre la vida y la eternidad, entre la realidad y la ilusión. ^{[ 51 ] [ 52 ]}

The Picnic es un cortometraje de 2012 realizado al estilo de los melodramas y comedias mudas de dos rollos. Formó parte de la exposición No Spectators: The Art of Burning Man, una exposición de 2018-2019 comisariada por la Renwick Gallery del Smithsonian American Art Museum . ^{[ 53 ]} La película se proyectó dentro de un palacio de cine Art Deco en miniatura de 12 asientos sobre ruedas llamado The Capitol Theater , creado por el colectivo artístico Five Ton Crane de Oakland, California .

Right There es un cortometraje de 2013 que rinde homenaje a las comedias del cine mudo.

La Sociedad Estadounidense de Órganos de Teatro rinde homenaje a la música del cine mudo, así como a los órganos de teatro que la interpretaban. Con más de 75 delegaciones locales, la organización busca preservar y promover los órganos de teatro y la música como forma de arte. ^{[ 54 ]}

El Globe International Silent Film Festival (GISFF) es un evento anual que se centra en la imagen y la atmósfera en el cine, que se lleva a cabo cada año en una universidad o entorno académico de renombre y es una plataforma para mostrar y juzgar películas de cineastas activos en este campo. ^{[ 55 ]} En 2018, el director de cine Christopher Annino rodó el ahora galardonado internacionalmente largometraje mudo Silent Times . ^{[ 56 ] [ 57 ] [ 58 ]} La película rinde homenaje a muchos de los personajes de la década de 1920, incluyendo al oficial Keystone, interpretado por David Blair; Enzio Marchello, quien interpreta a un personaje de Charlie Chaplin. Silent Times ganó el premio a la mejor película muda en el Festival de Cine de Oniros. Ambientada en un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, la historia se centra en Oliver Henry III (interpretado por Geoff Blanchette, originario de Westerly), un delincuente de poca monta convertido en dueño de un teatro de vodevil. Desde sus humildes comienzos en Inglaterra, emigra a los Estados Unidos en busca de felicidad y dinero fácil. Entabla amistad con personas de toda condición social, desde artistas de burlesque, mimos y vagabundos hasta elegantes chicas flapper, a medida que su fortuna crece y su vida se descontrola cada vez más. En 2021, el director Malte Wirtz estrenó su película muda Gender Crisis en los cines alemanes, que ahora está disponible en línea en todo el mundo. La película narra la antigua historia de Sansón y Dalila de una manera moderna. ^{[ 59 ]}

Aunque las películas de animación El Apóstol (1917) y Las aventuras del príncipe Achmed (1926) se consideran mudas, han utilizado sonido y música sincronizados sin diálogos (solo para balbuceos y sonidos de emociones) para sus respectivas películas, en líneas similares a películas de animación nominadas al Premio de la Academia como Shaun the Sheep Movie (2015), La tortuga roja (2016) y Robot Dreams de Berger (2023), así como la película de animación ganadora del Premio de la Academia Flow (2024).

Dawson City , en el territorio canadiense del Yukón , fue en su día el punto final de la distribución de muchas películas. En 1978, se descubrió un alijo de más de 500 rollos de película de nitrato durante la excavación de un solar baldío que antiguamente albergaba la Asociación Atlética Amateur de Dawson, la cual había comenzado a proyectar películas en su centro recreativo en 1903. ^{[ 65 ] [ 66 ]} Entre las obras encontradas figuraban trabajos de Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks y Lon Chaney , entre otros, así como numerosos noticieros. Los títulos se almacenaron en la biblioteca local hasta 1929, cuando el nitrato inflamable se utilizó como relleno en una piscina clausurada. Tras haber permanecido 50 años bajo el permafrost del Yukón, los rollos se conservaron en un estado excepcionalmente bueno. Debido a su peligrosa volatilidad química, ^{[ 67 ]} el hallazgo histórico fue trasladado por transporte militar a la Biblioteca y Archivos de Canadá y a la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su almacenamiento (y transferencia a una película de seguridad ). Un documental sobre el hallazgo, Dawson City: Frozen Time , se estrenó en 2016. ^{[ 68 ] [ 69 ]}