Fundación Solomon R. Guggenheim

Solomon R. Guggenheim , miembro de una acaudalada familia minera, comenzó a coleccionar obras de los grandes maestros en la década de 1890. Se retiró de su negocio en 1919 para dedicar más tiempo al coleccionismo de arte. En 1926, a los 66 años, conoció a la artista Hilla von Rebay , a quien la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild, le había encargado pintar su retrato. ^{[ 5 ]} Rebay le introdujo en el arte de vanguardia europeo , en particular en el arte abstracto que, según ella, tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no figurativo ). ^{[ 5 ]} Guggenheim cambió por completo su estrategia de coleccionismo. ^{[ 6 ]} En 1930, ambos visitaron el estudio de Wassily Kandinsky en Dessau , Alemania, y Guggenheim comenzó a adquirir obras de Kandinsky. Ese mismo año, Guggenheim comenzó a exhibir la colección al público en su apartamento del Hotel Plaza en la ciudad de Nueva York. Las adquisiciones de Guggenheim continuaron con obras de Rudolf Bauer , Fernand Léger , Robert Delaunay y grandes artistas que no pertenecían a la escuela no figurativa, como Marc Chagall , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Pablo Picasso y László Moholy-Nagy . ^{[ 5 ] [ 6 ]} Las piezas de la colección se exhibieron por primera vez fuera de la ciudad de Nueva York en 1936, cuando el Museo de Arte Gibbes en Charleston , Carolina del Sur, exhibió 128 de las pinturas de la colección. ^{[ 7 ]}

En 1937, Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim para fomentar la apreciación del arte moderno . ^{[ 6 ]} El primer espacio de la fundación para la exhibición de arte se llamó "Museo de Pintura No Objetiva". Abrió sus puertas en 1939 bajo la dirección de Rebay, su primer curador, en una antigua sala de exposición de automóviles en la calle 54 Este en el centro de Manhattan . ^{[ 8 ]} En 1947, se trasladó a otro espacio alquilado en el número 1071 de la Quinta Avenida . ^{[ 6 ]} Bajo la guía de Rebay, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento, como Composición 8 (1923) de Kandinsky, Contraste de formas (1913) de Léger y Ventanas simultáneas (2.º motivo, 1.ª parte) (1912) de Delaunay. ^{[ 9 ]}

A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que la necesidad de un edificio permanente para albergar la colección de arte se hizo evidente. ^{[ 10 ]} En 1943, Guggenheim y Rebay encargaron al arquitecto Frank Lloyd Wright el diseño del edificio del museo. ^{[ 11 ]} Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de ver las piezas modernas de la colección. ^{[ 12 ]} En 1948, la colección se amplió enormemente mediante la compra del patrimonio del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas . ^{[ 9 ]} Para entonces, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . ^{[ 3 ] [ 9 ]} Guggenheim murió en 1949, y el museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. La fundación amplió sus actividades de exhibición con una serie de exposiciones itinerantes. ^{[ 13 ]}

Tras la muerte de Guggenheim, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte del consejo de administración de la fundación tuvieron diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella renunció a su cargo como directora del museo. ^{[ 13 ]} No obstante, legó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluyendo obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder , Gleizes, Piet Mondrian y Kurt Schwitters . ^{[ 3 ]}

En 1953, los límites de la colección de la fundación se extendieron aún más bajo su nuevo director, James Johnson Sweeney . Sweeney rechazó el desprecio de Rebay por la pintura y la escultura "objetivas", y pronto adquirió Adán y Eva (1921) de Constantin Brâncuși , seguido de obras de otros escultores modernistas, incluidos Jean Arp , Alexander Calder , Alberto Giacometti y David Smith . ^{[ 9 ]} Sweeney fue más allá del siglo XX para adquirir Hombre con los brazos cruzados (c. 1899) de Paul Cézanne . ^{[ 9 ]} En 1953, la fundación recibió una donación de 28 obras importantes del legado de Katherine S. Dreier , fundadora de la primera colección de Estados Unidos en ser llamada museo de arte moderno, la Société Anonyme . Dreier había sido colega de Rebay. Las obras incluían Niña francesa (1914–18) de Brâncuși, una naturaleza muerta sin título (1916) de Juan Gris , una escultura de bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919–21) del dadaísta alemán hannoveriano Schwitters. También incluía obras de Calder, Marcel Duchamp , El Lissitzky y Mondrian. ^{[ 3 ]} Entre otros, Sweeney también adquirió obras de Alberto Giacometti , David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . ^{[ 14 ]} También estableció los Premios Internacionales Guggenheim en 1956. Sweeney supervisó los últimos seis años de la construcción del edificio del museo, durante los cuales tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente en lo que respecta a los problemas de iluminación del edificio. ^{[ 15 ] [ 16 ]}

El singular edificio cilíndrico, más ancho en la parte superior que en la inferior, con una rampa en espiral que asciende suavemente desde el nivel del suelo hasta la claraboya superior, resultó ser la última obra importante de Wright, ya que el arquitecto falleció seis meses antes de su inauguración. ^{[ 17 ]} El edificio abrió sus puertas en octubre de 1959 ante una gran multitud ^{[ 18 ]} y polarizó instantáneamente a los críticos de arquitectura, ^{[ 17 ] [ 19 ]} aunque hoy en día es ampliamente elogiado. ^{[ 20 ]} Algunas de las críticas se centraron en la idea de que el edificio eclipsa las obras de arte expuestas en su interior, ^{[ 10 ]} y que resulta difícil colgar adecuadamente las pinturas en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. Antes de su inauguración, veintiún artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su obra en un espacio así. ^{[ 17 ]} Tras su apertura, el museo recibió una respuesta mayoritariamente favorable del público, a pesar de las dudas iniciales: «en general, el diseño de Wright fue, y sigue siendo, admirado por ser muy personal y acogedor». ^{[ 21 ]}

Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció en el cargo durante 27 años, el mandato más largo de cualquier director de las principales instituciones artísticas de la ciudad. ^{[ 22 ]} Cuando Messer asumió el cargo, la capacidad del museo para presentar arte aún estaba en duda debido a los desafíos que presentaba la galería de rampa espiral continua, inclinada y con paredes curvas. ^{[ 23 ]} Casi de inmediato, en 1962, se arriesgó a organizar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas cedidas por el Museo Hirshhorn . ^{[ 23 ]} La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar tal exposición en un museo que guarda un parecido tan cercano con la geografía circular del infierno ", donde cualquier objeto vertical parece inclinado en un "balanceo ebrio" porque la pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podían combinarse para producir desconcertantes ilusiones ópticas. ^{[ 24 ]}

Resultó que la combinación podía funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero, Messer recordó que en ese momento, "estaba asustado. Casi sentí que esta sería mi última exposición". ^{[ 23 ]} Messer tuvo la previsión de prepararse organizando una exposición de escultura más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio construyendo pedestales especiales en un ángulo particular, de modo que las piezas no estaban en vertical verdadera pero lo parecían. ^{[ 24 ]} En la exposición de escultura anterior, este truco resultó imposible para una pieza, un móvil de Alexander Calder cuyo cable inevitablemente colgaba en vertical perfecta , "sugiriendo alucinación" en el contexto desorientador del suelo inclinado. ^{[ 24 ]}

Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del marchante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente de la fundación. ^{[ 25 ]} Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas , postimpresionistas y del arte moderno francés, entre las que destacan importantes obras de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso . ^{[ 3 ] [ 26 ]}

Peggy Guggenheim , sobrina de Solomon, coleccionó y exhibió arte desde 1938. ^{[ 27 ]} A instancias de Messer, donó su colección de arte y su casa en Venecia, el Palazzo Venier dei Leoni , a la fundación en 1976. ^{[ 28 ]} Tras su muerte en 1979, la colección de más de 300 obras fue reabierta al público como la Colección Peggy Guggenheim en 1980 por la fundación, que entonces estaba bajo la dirección de Peter Lawson-Johnston. ^{[ 29 ] [ 30 ]} Incluye obras de principios del siglo XX de destacados modernistas estadounidenses y futuristas italianos . Las piezas de la colección abarcan el cubismo , el surrealismo y el expresionismo abstracto . Algunos de los artistas notables son Picasso, Dalí , Magritte , Brâncuși (incluida una escultura de la serie Pájaro en el espacio ), once obras de Pollock, Braque , Duchamp , Léger , Severini , Picabia , de Chirico , Mondrian , Kandinsky, Miró, Giacometti , Klee, Gorky , Calder, Max Ernst y la hija de Peggy Guggenheim, Pegeen Vail Guggenheim . ^{[ 3 ] [ 27 ]}

Desde 1985, Estados Unidos ha seleccionado a la fundación para gestionar el Pabellón de EE. UU. de la Bienal de Venecia , una exposición que se celebra cada dos veranos. En 1986, la fundación adquirió el pabellón de estilo palladiano, construido en 1930. ^{[ 30 ] [ 31 ]}

Thomas Krens , director de la fundación de 1988 a 2008, dirigió una rápida expansión de las colecciones de la fundación. ^{[ 32 ]} En 1991, amplió los fondos de la fundación al adquirir la Colección Panza. Reunida por el conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd , y pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman , así como una variedad de arte posminimalista , conceptual y perceptivo de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, en particular ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. ^{[ 3 ] [ 33 ]} En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe donó 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaban toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También incluía construcciones de técnica mixta y su conocido Autorretrato de 1998. La adquisición dio inicio al programa de exposiciones fotográficas de la fundación. ^{[ 3 ]}

También en 1992, el edificio del museo de Nueva York amplió el espacio de exhibición y otros espacios con la adición de una torre rectangular adyacente, más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. ^{[ 34 ]} Ese mismo año, la fundación abrió el pequeño Museo Guggenheim SoHo en el barrio SoHo del centro de Manhattan, diseñado por Arata Isozaki , y albergó exposiciones que incluyeron Marc Chagall y el Teatro Judío , Paul Klee en el Museo Guggenheim , Robert Rauschenberg: Una Retrospectiva y Andy Warhol: La Última Cena . ^{[ 35 ]} Este espacio se mantuvo después de la reapertura del museo principal, pero cerró en 2002 debido a una recesión económica. ^{[ 36 ]} Para financiar estas iniciativas, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar 47 millones de dólares, lo que generó considerables críticas por intercambiar maestros por artistas "de moda" que llegaron tarde. En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "llevaron más allá de las reglas aceptadas de desincorporación de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". ^{[ 37 ]} Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo, incluyendo la expansión de su colección internacional y el fortalecimiento de su "colección de posguerra hasta alcanzar la solidez de nuestros fondos de preguerra" ^{[ 33 ]} y señaló que tales ventas son una práctica habitual en los museos. ^{[ 37 ]}

Una de las iniciativas más significativas de Krens fue expandir la presencia internacional de la fundación. ^{[ 38 ]} El Museo Guggenheim Bilbao abrió sus puertas en 1997. Diseñado por Frank Gehry , el Guggenheim Bilbao, construido en titanio, vidrio y piedra caliza, es una pieza central de la revitalización de la ciudad vasca de Bilbao , España. ^{[ 39 ]} El edificio fue recibido con elogios entusiastas por parte de la crítica arquitectónica. ^{[ 40 ]} El gobierno vasco financió la construcción, mientras que la Fundación adquirió las obras de arte y gestiona las instalaciones. ^{[ 39 ]} La colección permanente del museo incluye obras de artistas vascos y españoles modernos y contemporáneos como Eduardo Chillida , Juan Muñoz y Antonio Saura , así como obras de la fundación, y ha organizado diversas exposiciones comisariadas por el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. ^{[ 41 ]}

También en 1997, la fundación abrió una pequeña galería en el barrio de Unter den Linden de Berlín, Alemania, llamada Deutsche Guggenheim , en colaboración con el Deutsche Bank. ^{[ 10 ]} El Deutsche Guggenheim presentaba cuatro exposiciones al año, complementadas con programas educativos, y encargaba anualmente una, o en ocasiones dos, nuevas obras o series a artistas contemporáneos, que luego se exhibían en el museo en una exposición especial. ^{[ 42 ]} Tras 14 años de funcionamiento, el Deutsche Guggenheim cerró sus puertas a finales de 2012. ^{[ 43 ]}

Bajo la dirección de Krens, la fundación organizó algunas de sus exposiciones más populares: «África: El arte de un continente» en 1996; «China: 5000 años» en 1998; «Brasil: Cuerpo y alma» en 2001; y «El imperio azteca» en 2004. ^{[ 44 ]} Entre las exposiciones más inusuales se incluyeron instalaciones de arte comercial de trajes y motocicletas de Giorgio Armani . Hilton Kramer, de The New Criterion , condenó tanto «El arte de la motocicleta» ^{[ 45 ]} como la retrospectiva de la obra del diseñador de moda Armani. ^{[ 46 ]} Otros discreparon. ^{[ 47 ]} Una retrospectiva de Frank Lloyd Wright en 2009 en el edificio original de Nueva York presentó al arquitecto en el 50 aniversario de la inauguración del edificio y fue la exposición más popular del museo desde que comenzó a registrar la asistencia en 1992. ^{[ 10 ]}

En 2001, la fundación inauguró dos nuevos museos en Las Vegas: el Guggenheim Las Vegas y el Museo Guggenheim Hermitage , ambos diseñados por el arquitecto Rem Koolhaas . Los museos exhibieron lo más destacado de las colecciones, respectivamente, de la fundación y del Museo Hermitage en San Petersburgo , Rusia. ^{[ 48 ] [ 49 ]} El primero y más grande de los dos albergó una exposición: "El arte de la motocicleta", antes de cerrar en 2003. ^{[ 50 ]} El segundo albergó diez exposiciones de obras maestras de artistas destacados de los últimos seis siglos, incluyendo a Van Eyck , Tiziano , Velázquez , Van Gogh , Picasso , Pollock y Lichtenstein . El Museo Guggenheim Hermitage cerró en 2008. ^{[ 48 ]}

En 2001, la fundación también estableció el Centro Sackler para la Educación Artística en el campus del edificio original de Nueva York. ^{[ 51 ]} Ese mismo año, la fundación recibió una donación de la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección son Pierre Huyghe , Sophie Calle y Jac Leirner . ^{[ 5 ]} La fundación planeó un gran museo Guggenheim en la zona portuaria del bajo Manhattan y contrató a Frank Gehry como arquitecto. Sus diseños para el edificio se exhibieron en 2001 en el museo de la Quinta Avenida, ^{[ 52 ]} pero estos planes se vieron interrumpidos por la crisis económica de principios de la década de 2000 y los ataques del 11 de septiembre de 2001 , que impulsaron la reconsideración de cualquier plan en el bajo Manhattan. ^{[ 53 ]} Se consideraron otros proyectos pero no se completaron en Río de Janeiro , Vilna , Salzburgo , Taichung ^{[ 54 ]} y Guadalajara ^{[ 55 ]}

El 19 de enero de 2005, el filántropo Peter B. Lewis renunció a su cargo como presidente de la fundación, expresando su oposición a los planes de Krens para una mayor expansión global de los museos Guggenheim. Lewis había sido el mayor donante en la historia del Guggenheim. ^{[ 56 ]} Sin embargo, las tensiones continuaron y, el 27 de febrero de 2008, Krens renunció a su cargo en la fundación. No obstante, permaneció como asesor de asuntos internacionales. ^{[ 57 ]} Durante sus dos décadas al frente de la fundación, Krens fue criticado no solo por la desincorporación de obras antiguas del museo ^{[ 37 ]} sino también por su estilo empresarial y su percibido populismo y comercialización. ^{[ 47 ] [ 58 ]} Un escritor comentó: «Krens ha sido tanto elogiado como vilipendiado por convertir lo que antes era una pequeña institución neoyorquina en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional. ... Krens transformó el Guggenheim en una de las marcas más conocidas en el mundo de las artes». ^{[ 59 ]}

Richard Armstrong se convirtió en el quinto director de la fundación el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh , Pensilvania, durante 12 años, donde también se desempeñó como curador jefe y curador de arte contemporáneo. ^{[ 60 ]} Además de sus colecciones permanentes, que continúan creciendo, ^{[ 5 ]} la fundación administra exposiciones temporales y coorganiza exposiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. ^{[ 61 ]}

En 2006, Abu Dabi , la capital de los Emiratos Árabes Unidos, anunció un acuerdo con la Fundación Guggenheim para construir un nuevo museo, el " Guggenheim Abu Dabi ". Gehry diseñó la estructura, ^{[ 62 ]} que, de completarse, será con diferencia el museo más grande de la fundación. ^{[ 63 ]} La construcción comenzó en el extremo noroeste de la isla Saadiyat , ^{[ 30 ]} donde se han construido un centro de artes escénicas y otros museos. ^{[ 64 ]} La fecha de finalización se ha pospuesto repetidamente. ^{[ 65 ] [ 66 ]} Se espera que el museo albergue colecciones modernas y contemporáneas centradas en el arte contemporáneo de Oriente Medio y que presente exposiciones especiales de la colección principal de la fundación. ^{[ 30 ]}

En 2011, la ciudad de Helsinki , Finlandia, encargó a la fundación un estudio sobre la viabilidad de construir un museo allí . ^{[ 63 ]} El estudio recomendó construir el museo en el Puerto Sur de Helsinki. En 2012, la propuesta fue rechazada por la junta municipal, y en 2013, la fundación presentó una propuesta revisada. ^{[ 67 ]} La tarifa de licencia del Guggenheim sería financiada por fuentes privadas; un periodista calificó las estimaciones de costos e ingresos de la Fundación como "especulativas en el mejor de los casos". ^{[ 68 ]} Un concurso internacional de arquitectura solicitó diseños para el museo, ^{[ 69 ]} y en 2015, se eligió un diseño. ^{[ 70 ]} En 2016, el consejo municipal de Helsinki votó en contra del plan. ^{[ 71 ]}

Armstrong dejó el museo a finales de 2023. ^{[ 72 ] [ 73 ]} En junio de 2024, Mariët Westermann , anteriormente vicerrectora de la Universidad de Nueva York en Abu Dabi , se convirtió en la primera directora del Guggenheim. ^{[ 74 ] [ 75 ]}

Antes de decidirse por el emplazamiento actual del Museo Solomon R. Guggenheim en la Quinta Avenida, entre las calles 88 y 89, Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en el barrio de Riverdale del Bronx, con vistas al río Hudson . ^{[ 93 ]} Guggenheim consideró importante la proximidad del emplazamiento a Central Park; el parque ofrecía un respiro del ruido, la congestión y el cemento de la ciudad. ^{[ 94 ]} La naturaleza también sirvió de inspiración para el museo. ^{[ 93 ]} El edificio encarna los intentos de Wright de «plasmar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura». ^{[ 95 ]} El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación en la ciudad obligó a Wright a diseñar el edificio en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus obras rurales anteriores. ^{[ 94 ]}

El concepto original de Wright se denominó " zigurat " invertido, debido a su parecido con los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . ^{[ 94 ]} Su diseño prescindió del enfoque convencional de la distribución de los museos, en el que los visitantes son guiados a través de una serie de salas interconectadas y obligados a desandar sus pasos al salir. ^{[ 95 ]} El plan de Wright consistía en que los visitantes del museo subieran a la cima del edificio en ascensor, descendieran a un ritmo pausado por la suave pendiente de la rampa continua y contemplaran el atrio del edificio como la última obra de arte. La rotonda abierta ofrecía a los visitantes la posibilidad única de ver varias secciones de obras en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con los visitantes en otros niveles. ^{[ 96 ]} El diseño en espiral recordaba la concha de un nautilo, con espacios continuos que fluían libremente de uno a otro. ^{[ 97 ]}

Aunque abrazaba la naturaleza, el diseño de Wright también expresa su visión de la rígida geometría de la arquitectura modernista. ^{[ 97 ]} Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó: «Estas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo y sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad». ^{[ 98 ]} Las formas se hacen eco unas de otras en todo el edificio: las columnas ovaladas, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el leitmotiv, desde la rotonda hasta el diseño incrustado de los suelos de terrazo. ^{[ 93 ]}

La visión de Wright tardó 16 años en hacerse realidad. En marcado contraste con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, el edificio del Museo Solomon R. Guggenheim abrió sus puertas en octubre de 1959. Incluso antes de su inauguración, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura. ^{[ 17 ] [ 19 ]} Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. ^{[ 10 ] [ 99 ] [ 100 ]} «Por el contrario», escribió el arquitecto, «el diseño convierte al edificio y a la pintura en una sinfonía hermosa e ininterrumpida como nunca antes había existido en el mundo del arte». ^{[ 99 ]} Otros críticos, y muchos artistas, consideraron que era incómodo colgar adecuadamente las pinturas en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. ^{[ 17 ]} Sin embargo, el edificio fue ampliamente elogiado ^{[ 20 ] [ 91 ] [ 101 ]} e inspiró a muchos otros arquitectos. ^{[ 94 ]}

La superficie del edificio se hizo de hormigón para reducir el coste, inferior al acabado de piedra que Wright había deseado. ^{[ 102 ]} La pequeña rotonda (o «edificio Monitor», como la llamaba Wright) junto a la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en su lugar se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. ^{[ 103 ]} En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para exhibir la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se entregó por completo como espacio de exposición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor a uno de los legados más importantes al museo. ^{[ 104 ]} El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras. Sin embargo, como parte de la restauración, los arquitectos Gwathmey Siegel and Associates analizaron los bocetos originales de Wright para diseñar la torre rectangular de piedra caliza de 10 pisos, que se encuentra detrás del edificio espiral original y es más alta que este (reemplazando una estructura mucho más pequeña), la cual cuenta con cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". ^{[ 34 ] [ 96 ]} Además, en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometió los efectos de iluminación cuidadosamente articulados por Wight. Esto cambió en 1992 cuando el tragaluz fue restaurado a su diseño original. ^{[ 102 ]} La financiación para las modificaciones se obtuvo en parte a través de la controvertida venta de obras maestras por parte de la fundación en 1991. ^{[ 102 ]}

En 2001, el museo abrió al público el Centro Sackler para la Educación Artística, que formaba parte del diseño original de Wright para el edificio, gracias a una donación de la familia Mortimer D. Sackler. Ubicado justo debajo de la gran rotonda, este centro educativo de 8200 pies cuadrados ofrece clases y conferencias sobre artes visuales y escénicas, así como oportunidades para interactuar con las colecciones y exposiciones especiales del museo a través de sus laboratorios, espacios de exposición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis. ^{[ 51 ]} Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y ^{[ 105 ]} modernizar sistemas y detalles exteriores. ^{[ 106 ]} La artista Jenny Holzer pintó un homenaje, Para el Guggenheim , en honor a Peter B. Lewis, un importante benefactor del proyecto de restauración. ^{[ 107 ]} El museo fue registrado como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. ^{[ 108 ]}

Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni en 1948 para albergar y exhibir su colección al público, y residió allí durante treinta años. ^{[ 109 ] [ 110 ]} Aunque a veces se confunde con un edificio moderno, ^{[ 111 ]} es un palacio del siglo XVIII diseñado por el arquitecto veneciano Lorenzo Boschetti. ^{[ 110 ]} El edificio quedó sin terminar y tiene una elevación inusualmente baja en el Gran Canal. El sitio web del museo describe su "larga y baja fachada, hecha de piedra de Istria y que contrasta con los árboles del jardín trasero que suavizan sus líneas, forma una bienvenida "cesura" en la majestuosa marcha de los palacios del Gran Canal desde la Accademia hasta la Salute ". ^{[ 112 ]}

La Fundación tomó el control del edificio en 1979 tras la muerte de Guggenheim y tomó medidas para ampliar el espacio de las galerías. Para 1985, "todas las salas de la planta principal se habían convertido en galerías... la fachada de piedra blanca de Istria y la singular terraza del canal habían sido restauradas", y un ala de arcadas saliente, llamada barchessa, había sido reconstruida por el arquitecto Giorgio Bellavitis. ^{[ 113 ]} Desde 1985, el museo ha estado abierto todo el año. ^{[ 112 ]} En 1993, la fundación convirtió los apartamentos adyacentes al museo en un anexo ajardinado, una tienda y más galerías. ^{[ 113 ]} En 1995, se completó el Jardín de Esculturas Nasher, ^{[ 113 ]} Desde 1993, el museo ha duplicado su tamaño, de 2000 a 4000 metros cuadrados. ^{[ 30 ]} y fue renovado en 2012. ^{[ 114 ]}

En 1991, el gobierno vasco propuso a la fundación financiar la construcción de un museo Guggenheim en Bilbao . ^{[ 115 ] [ 116 ]} La fundación seleccionó a Frank Gehry como arquitecto, y su director, Thomas Krens , lo animó a diseñar algo audaz e innovador. ^{[ 117 ]} Las curvas del exterior del edificio pretendían parecer aleatorias; el arquitecto afirmó que «la aleatoriedad de las curvas está diseñada para captar la luz». ^{[ 118 ]} El interior «está diseñado en torno a un gran atrio luminoso con vistas al estuario de Bilbao y a las colinas circundantes del País Vasco». ^{[ 30 ]}

Cuando el Museo Guggenheim Bilbao abrió sus puertas al público en 1997, fue aclamado de inmediato como uno de los edificios más espectaculares del mundo, una obra maestra del siglo XX. ^{[ 119 ]} El arquitecto Philip Johnson lo describió como "el edificio más grande de nuestro tiempo", ^{[ 120 ]} mientras que el crítico Calvin Tomkins , en The New Yorker , lo caracterizó como "un fantástico barco de ensueño de forma ondulante en un manto de titanio ", cuyos paneles brillantemente reflectantes también recuerdan a las escamas de los peces. ^{[ 119 ]} Herbert Muschamp elogió su "brillo mercurial" en The New York Times Magazine . ^{[ 121 ]} The Independent llama al museo "una asombrosa hazaña arquitectónica". ^{[ 30 ]}

El museo se integra a la perfección en el contexto urbano, desplegando sus formas interconectadas de piedra, vidrio y titanio en un terreno de 32.500 metros cuadrados a lo largo del río Nervión , en el antiguo corazón industrial de la ciudad; aunque modesto desde el nivel de la calle, resulta más impresionante visto desde el río. ^{[ 115 ] [ 121 ]} Once mil metros cuadrados de espacio de exposición se distribuyen en diecinueve galerías, diez de las cuales siguen una planta ortogonal clásica que se puede identificar desde el exterior por sus acabados de piedra. Las nueve galerías restantes tienen forma irregular y se pueden identificar desde el exterior por sus formas orgánicas sinuosas y revestimiento de titanio. La galería más grande mide 30 metros de ancho y 130 metros de largo. ^{[ 116 ] [ 121 ]} Desde 2005, alberga la monumental instalación de Richard Serra , «La materia del tiempo». ^{[ 122 ] [ 123 ]}

El Deutsche Guggenheim, en Berlín, abrió sus puertas un mes después del Museo Guggenheim Bilbao, en 1997. ^{[ 124 ]} Diseñado por el arquitecto estadounidense Richard Gluckman en un estilo minimalista, la modesta galería berlinesa ocupaba una esquina de la planta baja del edificio de piedra arenisca del Deutsche Bank , en el bulevar Unter der Linden , construido en 1920. ^{[ 30 ] [ 125 ]} Cerró en 2013. ^{[ 126 ]}

El museo de Abu Dabi está planeado para ser la instalación más grande de la fundación con diferencia. ^{[ 63 ] [ 127 ]} El diseño de Gehry incluye galerías de exposiciones, espacio para la educación y la investigación, un laboratorio de conservación, un centro para la cultura árabe, islámica y de Oriente Medio contemporánea, y un centro para "arte y tecnología". ^{[ 128 ]} Inspirado en los patios cubiertos y las torres de viento tradicionales de Oriente Medio, utilizados para enfriar las estructuras expuestas al sol del desierto, los grupos de galerías horizontales y verticales del museo, de varios tamaños, están conectados por pasarelas y planificados alrededor de un patio central cubierto, incorporando elementos naturales destinados a maximizar la eficiencia energética del edificio. Las galerías más grandes ofrecerán una escala grandiosa para la exhibición de grandes instalaciones de arte contemporáneo. ^{[ 128 ]} Partes del edificio tendrán cuatro pisos de altura, con "grupos de galerías conectadas en forma de bloque y cono aparentemente apiladas unas sobre otras". ^{[ 30 ] [ 129 ]} El museo está destinado a ser una pieza central en el plan de la isla para el arte y la cultura contemporáneos". ^{[ 130 ]}

El nuevo museo comenzó a construirse en una península en el extremo noroeste de la isla Saadiyat, adyacente a Abu Dhabi. ^{[ 128 ] [ 131 ]} Gehry comentó: «El sitio en sí, prácticamente sobre el agua o cerca del agua por todos lados, en un paisaje desértico con el hermoso mar y la calidad de la luz del lugar sugirió parte de la dirección». ^{[ 129 ]} La fecha de finalización se pospuso de 2011 a al menos 2017. ^{[ 66 ]} En marzo de 2011, más de 130 artistas anunciaron un plan para boicotear el museo de Abu Dhabi, citando informes de abusos a trabajadores extranjeros, incluyendo la retención arbitraria de salarios, condiciones de trabajo inseguras y la falta de pago de honorarios de contratación a los trabajadores por parte de las empresas. ^{[ 132 ]} El progreso continuo depende de la aprobación de las solicitudes y contratos de construcción por parte de la Compañía de Desarrollo e Inversión Turística (TDIC). ^{[ 133 ]} A principios de 2016, no se había avanzado en la construcción, y la Fundación Guggenheim confirmó que "TDIC aún no ha adjudicado un contrato". ^{[ 134 ]}

El concurso de diseño del Guggenheim Helsinki en 2014-2015 fue el primer concurso arquitectónico internacional abierto de la Fundación Solomon R. Guggenheim. Recibió 1715 propuestas de 77 países, un récord para un concurso de diseño de museos. ^{[ 135 ]} El diseño elegido para un propuesto museo Guggenheim de 130 millones de euros en Helsinki , Finlandia, imaginaba "una mezcla indistinta de pabellones revestidos de madera carbonizada" y vidrio. ^{[ 70 ]} El diseño ganador fue de Moreau Kusunoki Architectes, con sede en París. ^{[ 70 ] [ 135 ]} Los críticos objetaron el color oscuro del exterior del diseño, que contrasta con la arquitectura circundante, así como la forma del edificio. Osku Pajamaki, vicepresidente del consejo ejecutivo de la ciudad, dijo: «El símbolo del faro es arrogante en medio del centro histórico... [como] un museo Guggenheim junto a Notre Dame en París. La gente se acerca desde el mar, y lo primero que verá es que los ciudadanos de Helsinki compraron su identidad al Guggenheim». ^{[ 136 ]} El museo propuesto fue rechazado por el consejo municipal de Helsinki en 2016. ^{[ 71 ]}

En 2010, la Fundación Solomon R. Guggenheim y YouTube, en colaboración con Hewlett-Packard e Intel , presentaron YouTube Play, una bienal de vídeo creativo . Se recibieron más de 23 000 vídeos de 91 países en respuesta a una convocatoria abierta cuyo objetivo era "descubrir y mostrar el talento más excepcional que trabaja en el ámbito en constante expansión del vídeo en línea". ^{[ 138 ] [ 139 ]} Los curadores de la Fundación seleccionaron una lista corta de 125 vídeos, de la cual un jurado, que incluía a los artistas Laurie Anderson y Takashi Murakami y al grupo musical Animal Collective , eligió una lista de reproducción de 25 obras. ^{[ 139 ]} Estas se presentaron en el evento YouTube Play en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York el 21 de octubre de 2010, durante el cual los vídeos se proyectaron en el exterior del edificio del museo y en el interior de la rotonda del museo. ^{[ 138 ]}

Las 25 obras seleccionadas permanecieron expuestas en el museo hasta el 24 de octubre de 2010. Los 125 vídeos preseleccionados se exhibieron durante todo el otoño de 2010 en quioscos de los museos Guggenheim de Nueva York, Berlín, Bilbao y Venecia. El canal de YouTube del proyecto, youtube.com/play, incluye todos los vídeos preseleccionados, así como los momentos más destacados del evento en Nueva York e información sobre el proyecto. ^{[ 140 ]} La colaboración tenía como objetivo llegar a un público amplio más allá del entorno museístico. ^{[ 139 ]} La crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, comentó: «Es una idea cuyo momento ha llegado. ... En muchos sentidos, es simplemente una exposición de convocatoria abierta a la antigua usanza, del tipo que los museos regionales y centros de arte de todo el país han organizado durante décadas, solo que ahora es digital». ^{[ 138 ]}

El BMW Guggenheim Lab es un proyecto itinerante interdisciplinario que comenzó en 2011. ^{[ 141 ] [ 142 ]} Una colaboración entre el Grupo BMW y la fundación, el laboratorio es en parte un centro de pensamiento urbano , en parte un centro comunitario y en parte un espacio de encuentro, que explora temas de la vida urbana a través de programación pública y discurso. ^{[ 143 ] [ 144 ]} El programa está diseñado para involucrar proactivamente a los residentes de cada ciudad que visita, y a participantes en Internet y de todo el mundo, en programas y experimentos gratuitos, y para abordar ideas y problemas de la vida urbana con particular relevancia para cada ciudad. ^{[ 145 ]} El Comité Asesor de expertos del Laboratorio nombra al equipo del laboratorio de cada ciudad, un grupo interdisciplinario que crea la programación para esa ubicación. ^{[ 141 ] [ 142 ]} Se esperaba que el laboratorio visitara nueve ciudades durante tres meses cada una a lo largo de seis años, con tres estructuras diferentes que albergarían el laboratorio, cada una de las cuales viajaría a tres ciudades. ^{[ 146 ] [ 147 ]} Sin embargo, en 2013, BMW puso fin a su apoyo al proyecto. ^{[ 148 ]}

La estructura del laboratorio fue diseñada por la firma de arquitectura Atelier Bow-Wow, con sede en Tokio . ^{[ 146 ] [ 147 ]} El ciclo de tres ciudades del proyecto se diseñó en torno al tema Confrontando la comodidad , que exploró formas de hacer que los entornos urbanos respondieran mejor a las necesidades de las personas, logrando un equilibrio entre la comodidad individual y colectiva, y promoviendo la responsabilidad ambiental y social. ^{[ 145 ]} Los miembros del Comité Asesor del Laboratorio fueron: Daniel Barenboim , Elizabeth Diller , Nicholas Humphrey , Muchadeyi Masunda , Enrique Peñalosa , Juliet Schor , Rirkrit Tiravanija y Wang Shi . ^{[ 141 ] [ 142 ]} El laboratorio estuvo abierto del 3 de agosto al 16 de octubre de 2011 en East Village de la ciudad de Nueva York y fue atendido por más de 54 000 visitantes de 60 países. ^{[ 146 ] [ 147 ]} El Laboratorio estuvo abierto en Berlín del 24 de mayo al 29 de julio de 2012. ^{[ 147 ] [ 149 ]} La programación del Laboratorio de Berlín se centró en cuatro temas principales: Tecnologías de Empoderamiento (Gómez-Márquez), Conexiones Dinámicas (Smith), Micro-Lente Urbana (Rose) y la Ciudad Sensible (SENSEable) (Ratti). El Laboratorio abrió en Mumbai , India, el 9 de diciembre de 2012 y funcionó hasta el 20 de enero de 2013. La ubicación central fue en los terrenos del Museo Dr. Bhau Daji Lad , con ubicaciones satélite adicionales alrededor de la ciudad. ^{[ 150 ]} Junto con la programación pública específica del barrio, el programa del Laboratorio de Mumbai incluyó estudios de investigación participativa y proyectos de diseño. ^{[ 151 ]}

El programa concluyó con una exposición, Ciudad participativa: 100 tendencias urbanas del BMW Guggenheim Lab , que estuvo abierta al público en el museo de Nueva York desde el 11 de octubre de 2013 hasta el 5 de enero de 2014. ^{[ 148 ]}

La Iniciativa Global de Arte UBS MAP del Guggenheim fue un programa de cinco años, apoyado por el banco suizo UBS, en el que la Fundación identificó y colaboró ​​con artistas, curadores y educadores de Asia, Latinoamérica, Oriente Medio y el Norte de África para ampliar su alcance en el mundo del arte internacional. Para cada una de las tres fases del proyecto, el museo invitó a un curador de la región elegida al Museo Guggenheim de Nueva York para una residencia curatorial de dos años, donde trabajó con un equipo del personal del Guggenheim para identificar nuevas obras de arte que reflejaran la diversidad de talentos en sus respectivas regiones. Los curadores residentes organizaron exposiciones itinerantes internacionales que destacaron estas obras y ayudaron a organizar actividades educativas. ^{[ 152 ] [ 153 ]} La Fundación adquirió estas obras para su colección permanente y las incluyó como eje central de exposiciones en el museo de Nueva York, las cuales posteriormente viajaron a otras dos instituciones culturales o a otros lugares del mundo. La Fundación complementó las exposiciones con una serie de programas públicos y en línea basados ​​en el tema del intercambio intercultural. ^{[ 154 ] [ 155 ]} Según se informa, UBS contribuyó con más de 40 millones de dólares al proyecto para pagar sus actividades y las adquisiciones de arte. ^{[ 156 ]} El director de la fundación, Richard Armstrong, comentó: «Esperamos desafiar nuestra visión occidental de la historia del arte». ^{[ 152 ]}

La primera exposición (fase 1) se centró en el arte del sur y sureste de Asia y fue comisariada por la singapurense June Yap, quien trabajó en los departamentos de curaduría de museos de arte moderno y contemporáneo como el Instituto de Arte Contemporáneo de Singapur y el Museo de Arte de Singapur . ^{[ 157 ]} La segunda y tercera fases del proyecto se centraron en América Latina y Oriente Medio y Norte de África. ^{[ 152 ]}

La Fundación Familiar Robert HN Ho, con sede en Hong Kong (fundada por Robert Hung-Ngai Ho ), otorgó una subvención de 10 millones de dólares para ayudar al museo de Nueva York a encargar obras para su colección permanente a al menos tres artistas nacidos en China y a contratar a un curador dedicado a su colección de arte chino. Las obras se exhibirían en el museo de Nueva York en tres exposiciones entre 2014 y 2017, y también en los demás museos Guggenheim. ^{[ 158 ]} Los encargos formaban parte de un esfuerzo del museo por ampliar el alcance geográfico de su colección, y la Fundación Familiar Robert HN Ho esperaba que la colaboración fomentara "una mayor comprensión de la cultura china". ^{[ 159 ]}