Teatro

La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ c ]} Fue parte de una cultura más amplia de teatralidad y representación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . ^{[ 10 ] [ 9 ] [ 11 ] [ 12 ] [ d ]}

La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado —y la asistencia obligatoria a las Dionisias de la ciudad como espectador (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular— era una parte importante de la ciudadanía . ^{[ 14 ]} La participación cívica también implicaba la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en las representaciones en el tribunal o la asamblea política , ambas consideradas análogas al teatro y que cada vez absorbieron más su vocabulario dramático. ^{[ 15 ] [ 16 ]} Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. ^{[ 20 ]} El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : tragedia , comedia y drama satírico . ^{[ 21 ]}

Según Aristóteles (384-322 a. C.), el primer teórico del teatro, los orígenes del teatro en la antigua Grecia se encuentran en los festivales en honor a Dioniso . Las representaciones se realizaban en auditorios semicirculares excavados en las laderas de las colinas, con capacidad para entre 10 000 y 20 000 personas. El escenario constaba de una pista de baile (orquesta), un camerino y un área de escenografía (skene). Dado que las palabras eran la parte más importante, una buena acústica y una dicción clara eran fundamentales. Los actores (siempre hombres) llevaban máscaras apropiadas para los personajes que representaban, y cada uno podía interpretar varios papeles. ^{[ 22 ]}

La tragedia ateniense —la forma más antigua de tragedia que se conserva— es un tipo de drama- danza que constituyó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ] [ 23 ] [ 24 ] [ e ]} Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (desde el cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego) y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 8 ] [ f ]}

No se conservan tragedias del siglo VI a. C. y solo 32 de las más de mil que se representaron durante el siglo V a. C. han sobrevivido. ^{[ 29 ] [ 30 ] [ g ]} Tenemos textos completos existentes de Esquilo, Sófocles y Eurípides. ^{[ 31 ] [ h ]} Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizó en competiciones ( agon ) celebradas como parte de las festividades en honor a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). ^{[ 32 ] [ 33 ]} Como concursantes en la competición de Dionisias de la ciudad (el más prestigioso de los festivales para representar dramas), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por la historia o el tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una obra satírica. ^{[ 34 ] [ 35 ] [ i ]} La representación de tragedias en las Dionisias de la ciudad pudo haber comenzado ya en el 534 a. C.; los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo la obra satírica. ^{[ 36 ] [ 34 ] [ j ]}

La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas —que representa la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C.— es la notable excepción en el drama que ha sobrevivido. ^{[ 34 ] [ k ]} Cuando Esquilo ganó el primer premio por ella en las Dionisias de la ciudad en 472 a. C., llevaba más de 25 años escribiendo tragedias, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el ejemplo más antiguo de drama que ha sobrevivido. ^{[ 34 ] [ 38 ]} Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua que ha sobrevivido de teoría dramática : su Poética ( c. 335 a. C. ).

La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres periodos: «Comedia Antigua», «Comedia Media» y «Comedia Nueva». La Comedia Antigua se conserva hoy principalmente en forma de las once obras de Aristófanes que han llegado hasta nuestros días , mientras que la Comedia Media se ha perdido en gran parte (conservada solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Náucratis ). La Comedia Nueva se conoce principalmente a partir de los importantes fragmentos de papiro de Menandro . Aristóteles definió la comedia como la representación de personas ridículas que implican algún tipo de error o fealdad que no causa dolor ni desastre. ^{[ l ]}

Además de las categorías de comedia y tragedia en las Dionisias de la Ciudad, el festival también incluía el Satiro . Con orígenes en rituales rurales y agrícolas dedicados a Dioniso, el sátiro llegó a Atenas en su forma más conocida. Los sátiros estaban vinculados al dios Dioniso como sus fieles compañeros del bosque, participando a menudo en juergas y travesuras a su lado. El sátiro se clasificaba como tragicomedia, inclinándose hacia las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las tramas de las obras solían tratar sobre los asuntos del panteón de dioses y su participación en los asuntos humanos, con el apoyo del coro de sátiros . Sin embargo, según Webster , los actores que interpretaban a sátiros no siempre realizaban las acciones típicas de un sátiro y se apartaban de las tradiciones de actuación asignadas al tipo de personaje de una criatura mítica del bosque. ^{[ 39 ]}

Los colonos griegos en el sur de Italia , la llamada Magna Grecia , trajeron el arte teatral de su tierra natal. ^{[ 40 ]} El Teatro Griego de Siracusa , el Teatro Griego de Segesta , el Teatro Griego de Tindari , el Teatro Griego de Hipana , el Teatro Griego de Akrai , el Teatro Griego de Monte Jato , el Teatro Griego de Morgantina y el más famoso Teatro Griego de Taormina , lo demuestran ampliamente. Solo se conservan fragmentos de obras dramatúrgicas originales, pero se conocen las tragedias de los tres grandes gigantes Esquilo , Sófocles y Eurípides y las comedias de Aristófanes . ^{[ 41 ]} Algunos dramaturgos famosos en lengua griega procedían directamente de la Magna Grecia . Otros, como Esquilo y Epicarmo , trabajaron durante mucho tiempo en Sicilia . Epicarmo puede considerarse siracusano en todos los sentidos, ya que trabajó toda su vida con los tiranos de Siracusa . Su comedia precedió a la del más famoso Aristófanes al representar a los dioses por primera vez en la comedia. Mientras que Esquilo, tras una larga estancia en las colonias sicilianas, murió en Sicilia, en la colonia de Gela , en el 456 a. C. Epicarmo y Formis , ambos del siglo VI a. C., son la base, para Aristóteles , de la invención de la comedia griega, como afirma en su libro sobre Poética : ^{[ 42 ]}

En cuanto a la composición de las historias (Epicarmo y Formis), provino originalmente de Sicilia.

Otros autores dramáticos nativos de la Magna Grecia, además del siracusano Formides mencionado, son Aqueo de Siracusa , Apolodoro de Gela , Filemón de Siracusa y su hijo Filemón el Joven. De Calabria , precisamente de la colonia de Thurii , procedía el dramaturgo Alexis . Mientras que Rhinthon , aunque siciliano de Siracusa, trabajó casi exclusivamente para la colonia de Tarento en Apulia . ^{[ 43 ]}

El teatro occidental se desarrolló y expandió considerablemente bajo el dominio romano . El historiador romano Tito Livio escribió que los romanos tuvieron su primer contacto con el teatro en el siglo IV a. C., con una representación a cargo de actores etruscos . ^{[ 44 ]} Beacham sostiene que los romanos ya conocían las "prácticas preteatrales" desde hacía algún tiempo antes de ese contacto documentado. ^{[ 45 ]}

El teatro de la antigua Roma era una forma de arte floreciente y diversa, que abarcaba desde representaciones festivas de teatro callejero , danza nudista y acrobacias, hasta la puesta en escena de las comedias de situación de Plauto , de gran atractivo para el público general, y las elaboradas tragedias de Séneca , de estilo refinado y lenguaje complejo . Si bien Roma contaba con una tradición propia de artes escénicas, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y revitalizador en el teatro romano y fomentó el desarrollo de literatura latina de la más alta calidad para la escena.

Tras la expansión de la República Romana (509-27 a. C.) hacia varios territorios griegos entre 270 y 240 a. C., Roma se encontró con el drama griego . ^{[ 46 ]} Desde los últimos años de la república y a través del Imperio Romano (27 a. C.-476 d. C.), el teatro se extendió hacia el oeste por Europa, alrededor del Mediterráneo y llegó a Inglaterra; el teatro romano era más variado, extenso y sofisticado que el de cualquier cultura anterior. ^{[ 47 ]} Si bien el drama griego continuó representándose durante todo el período romano, el año 240 a. C. marca el comienzo del drama romano regular. ^{[ 46 ] [ m ]} Sin embargo, desde el comienzo del imperio, el interés por el drama de larga duración disminuyó en favor de una mayor variedad de espectáculos teatrales. ^{[ 48 ]}

Las primeras obras importantes de la literatura romana fueron las tragedias y comedias que Livio Andrónico escribió a partir del 240 a. C. ^{[ 49 ]} Cinco años después, Gneo Nevio también comenzó a escribir drama. ^{[ 49 ]} No se conservan obras de ninguno de los dos autores. Si bien ambos dramaturgos compusieron en ambos géneros , Andrónico fue más apreciado por sus tragedias y Nevio por sus comedias; sus sucesores tendieron a especializarse en uno u otro, lo que llevó a una separación en el desarrollo posterior de cada tipo de drama. ^{[ 49 ]} A principios del siglo II a. C., el drama estaba firmemente establecido en Roma y se había formado un gremio de escritores ( collegium poetarum ). ^{[ 50 ]}

Las comedias romanas que han sobrevivido son todas fabula palliata (comedias basadas en temas griegos) y provienen de dos dramaturgos: Tito Maccio Plauto (Plauto) y Publio Terencio Afer (Terencio). ^{[ 51 ]} Al reelaborar los originales griegos, los dramaturgos cómicos romanos abolieron el papel del coro en la división del drama en episodios e introdujeron acompañamiento musical a su diálogo (entre un tercio del diálogo en las comedias de Plauto y dos tercios en las de Terencio). ^{[ 52 ]} La acción de todas las escenas se desarrolla en el exterior de una calle y sus complicaciones a menudo se derivan de conversaciones ajenas . ^{[ 52 ]} Plauto, el más popular de los dos, escribió entre 205 y 184 a. C. y veinte de sus comedias han sobrevivido, de las cuales sus farsas son las más conocidas; fue admirado por el ingenio de su diálogo y su uso de una variedad de metros poéticos . ^{[ 53 ]} Se conservan las seis comedias que Terencio escribió entre el 166 y el 160 a. C.; la complejidad de sus tramas, en las que a menudo combinaba varios originales griegos, fue a veces criticada, pero sus tramas dobles permitieron una presentación sofisticada de comportamientos humanos contrastantes. ^{[ 53 ]}

No se conserva ninguna tragedia romana temprana, aunque fue muy apreciada en su época; los historiadores conocen a tres trágicos primitivos: Quinto Ennio , Marco Pacuvio y Lucio Accio . ^{[ 52 ]} De la época del Imperio, se conserva la obra de dos trágicos: uno es de autor desconocido, mientras que el otro es el filósofo estoico Séneca . ^{[ 54 ]} Se conservan nueve tragedias de Séneca, todas ellas fabula crepidata (tragedias adaptadas de originales griegos); su Fedra , por ejemplo, se basó en el Hipólito de Eurípides . ^{[ 55 ]} Los historiadores desconocen quién escribió el único ejemplo existente de fabula praetexta (tragedias basadas en temas romanos), Octavia , pero antiguamente se le atribuyó erróneamente a Séneca debido a su aparición como personaje en la tragedia. ^{[ 54 ]}

A diferencia del teatro de la Antigua Grecia, el teatro de la Antigua Roma sí permitía la participación de mujeres. Si bien la mayoría se dedicaba al baile y al canto, se sabe que una minoría de actrices interpretaba papeles hablados, y hubo actrices que alcanzaron riqueza, fama y reconocimiento por su arte, como Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola y Fabia Arete ; además, formaron su propio gremio de actores, la Sociae Mimae , que evidentemente era bastante adinerada. ^{[ 56 ]}

La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito , ^{[ 57 ]} cuyos fragmentos más antiguos que se conservan datan del siglo I d. C. ^{[ 58 ] [ 59 ]} Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. ^{[ 57 ]} Surgió en algún momento entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. y floreció entre el siglo I d. C. y el siglo X, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. ^{[ 60 ] [ 61 ]} La abundancia de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición teatral. ^{[ 61 ]}

Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los ejemplos más antiguos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en forma de diálogo ) y los rituales del período védico no parecen haberse desarrollado en teatro. ^{[ 61 ]} El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que podrían haber sido las semillas del drama sánscrito. ^{[ 62 ]} Este tratado de gramática de 140 a. C. proporciona una fecha plausible para los comienzos del teatro en la India . ^{[ 62 ]}

La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es el Tratado sobre el Teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones varían entre el 200 a. C. y el 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , los accesorios , la organización de las compañías, el público, las competiciones y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. ^{[ 62 ]} Al hacerlo, proporciona indicios sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito se representaba en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) mediante un proceso hereditario. Su objetivo era tanto educar como entretener.

Bajo el patrocinio de las cortes reales, los intérpretes pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), quien también podía actuar. ^{[ 58 ] [ 62 ]} Esta tarea se consideraba análoga a la de un titiritero ; el significado literal de " sutradhara " es "el que sostiene los hilos". ^{[ 62 ]} Los intérpretes recibían una formación rigurosa en técnica vocal y física. ^{[ 63 ]} No existían prohibiciones contra las intérpretes femeninas; las compañías eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas o mixtas. Sin embargo, ciertos sentimientos se consideraban inapropiados para que los hombres los representaran, y se pensaba que eran más adecuados para las mujeres. Algunos intérpretes representaban personajes de su misma edad, mientras que otros representaban edades diferentes a la suya (ya fueran más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta mayor atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal está en este último. ^{[ 63 ] [ n ]}

Su drama es considerado el mayor logro de la literatura sánscrita . ^{[ 58 ]} Utilizaba personajes arquetípicos , como el héroe ( nayaka ), la heroína ( nayika ) o el bufón ( vidusaka ). Los actores podían especializarse en un tipo particular. Kālidāsa, en el siglo I a. C., es considerado posiblemente el dramaturgo sánscrito más grande de la antigua India . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Relativo a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). Esta última se inspiró en una historia del Mahabharata y es la más famosa. Fue la primera en ser traducida al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808–1832). ^{[ 58 ]}

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti ( c. siglo VII d. C. ). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . De estas tres, las dos últimas abarcan la epopeya completa del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuyen tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .

La dinastía Tang es conocida a veces como «La Era de los Mil Entretenimientos». Durante esta época, Ming Huang fundó una escuela de actuación llamada El Jardín de las Peras para producir un tipo de drama principalmente musical. Por eso, a los actores se les suele llamar «Hijos del Jardín de las Peras». Durante la dinastía de la emperatriz Ling, el teatro de sombras surgió como una forma reconocida de teatro en China. Existían dos formas distintas de teatro de sombras: la pequinesa (del norte) y la cantonesa (del sur). Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de las marionetas y la posición de las varillas , en lugar del tipo de obra representada. Ambos estilos generalmente representaban obras de grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política.

Las formas japonesas de Kabuki , Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII d.C. ^{[ 64 ]}

Las marionetas de sombras cantonesas eran las más grandes de las dos. Se construían con cuero grueso, lo que creaba sombras más densas. El color simbólico también era muy común: un rostro negro representaba la honestidad, uno rojo la valentía. Las varillas que se usaban para controlar las marionetas cantonesas se fijaban perpendicularmente a las cabezas de las marionetas. Por lo tanto, el público no las veía al proyectar la sombra. Las marionetas pequinesas eran más delicadas y pequeñas. Se creaban con cuero fino y translúcido (generalmente obtenido del vientre de un burro). Se pintaban con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos se fijaban a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrían paralelas al cuerpo de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles al proyectar la sombra, quedaban fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas se fijaban al cuello para facilitar el uso de varias cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Siempre se retiraban por la noche, siguiendo la antigua superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida. Algunos titiriteros llegaban incluso a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de que las marionetas volvieran a la vida. Se dice que el teatro de sombras alcanzó su máximo esplendor artístico en el siglo XI, antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

Durante la dinastía Song , existían numerosas obras de teatro populares que combinaban acrobacias y música. Estas evolucionaron durante la dinastía Yuan hacia una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El teatro Yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas de las cuales es la Ópera de Pekín , que aún goza de gran popularidad en la actualidad.

Xiangsheng es una forma de representación cómica tradicional china que consiste en un monólogo o un diálogo.

En Indonesia , las representaciones teatrales se han convertido en una parte importante de la cultura local, desarrollándose a lo largo de miles de años. La mayoría de las formas teatrales más antiguas de Indonesia están directamente vinculadas a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los teatros de marionetas más destacados —el wayang golek (teatro de marionetas de varillas de madera) de los sundaneses y el wayang kulit (teatro de sombras de cuero) de los javaneses y balineses— extraen gran parte de su repertorio de versiones adaptadas del Ramayana y el Mahabharata . Estos relatos también sirven de fuente para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Sin embargo, algunas representaciones de wayang golek también presentan historias musulmanas, llamadas menak . ^{[ 65 ] [ 66 ]}

Wayang es una forma antigua de narración que es famosa por sus elaborados títeres/personajes humanos y sus complejos estilos musicales. ^{[ 67 ]} La evidencia más antigua es de finales del primer milenio d. C., en textos de la época medieval y sitios arqueológicos. ^{[ 68 ]} El registro más antiguo conocido que se refiere a wayang es del siglo IX. Alrededor del año 840 d. C., una inscripción en javanés antiguo (kawi) llamada Inscripciones Jaha emitida por el Maharaja Sri Lokapala del reino de Mataram en Java Central menciona tres tipos de intérpretes: atapukan, aringgit y abanol. Aringgit significa espectáculo de títeres Wayang, Atapukan significa espectáculo de danza de máscaras y abanwal significa arte de broma. Ringgit es descrito en un poema javanés del siglo XI como una figura de sombra de cuero.

El teatro en el mundo islámico medieval incluía el teatro de marionetas (que abarcaba títeres de mano, teatro de sombras y producciones con marionetas ) y representaciones teatrales de la Pasión conocidas como ta'ziyeh , donde los actores recreaban episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al istishhād (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que el teatro de marionetas y el ta'ziya . ^{[ 69 ]}

El teatro adoptó muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluyendo la commedia dell'arte del teatro italiano y el melodrama . La tendencia general fue alejarse del drama poético de los griegos y el Renacimiento y acercarse a un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial . ^{[ 70 ]}

El teatro sufrió una gran pausa entre 1642 y 1660 en Inglaterra debido al Interregno Puritano . ^{[ 71 ]} El creciente sentimiento antiteatral entre los puritanos llevó a William Prynne a escribir Histriomastix (1633), el ataque más notorio contra el teatro antes de la prohibición. ^{[ 71 ]} Al considerar el teatro como pecaminoso, los puritanos ordenaron el cierre de los teatros de Londres en 1642. [ ^{72 ] El} 24 de enero de 1643, los actores protestaron contra la prohibición escribiendo un panfleto titulado La protesta o queja de los actores por el silenciamiento de su profesión y el destierro de sus respectivos teatros . ^{[ 73 ]} Este período de estancamiento terminó cuando Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración . El teatro (entre otras artes) experimentó un auge, influenciado por la cultura francesa, ya que Carlos había estado exiliado en Francia en los años previos a su reinado.

En 1660, dos compañías obtuvieron licencia para actuar: la Compañía del Duque y la Compañía del Rey . Las representaciones se realizaban en edificios adaptados, como la cancha de tenis de Lisle . El primer teatro del West End , conocido como Theatre Royal en Covent Garden , Londres, fue diseñado por Thomas Killigrew y construido en el emplazamiento del actual Theatre Royal, Drury Lane . ^{[ 74 ]}

Uno de los grandes cambios fue el nuevo teatro. En lugar del tipo de la época isabelina, como el Teatro Globe , redondo y sin espacio para que los actores se prepararan para el siguiente acto y sin las "normas teatrales" propias de la época, el teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un escenario al frente y butacas dispuestas en forma de estadio frente a él. Dado que las butacas ya no rodeaban todo el escenario, se priorizaron: algunas eran obviamente mejores que otras. El rey tendría el mejor asiento del teatro: el centro mismo, que ofrecía la vista más amplia del escenario, así como la mejor perspectiva del punto de vista y el punto de fuga alrededor del cual se construyó el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los escenógrafos más influyentes de la época por su uso del espacio escénico y la escenografía.

Debido a la agitación previa, aún existía cierta controversia sobre qué debía o no debía representarse en escena. Jeremy Collier , un predicador, fue uno de los líderes de este movimiento con su obra « Una breve visión de la inmoralidad y la profanidad del teatro inglés» . Las ideas expresadas en este texto eran sostenidas principalmente por personas que no asistían al teatro y por los puritanos y religiosos más recalcitrantes de la época. La cuestión principal era si presenciar algo inmoral en escena afectaba el comportamiento de quienes lo veían, una controversia que aún persiste hoy en día. ^{[ 75 ]}

El siglo XVII también introdujo a las mujeres en el escenario, lo cual antes se consideraba inapropiado. Estas mujeres eran consideradas celebridades (un concepto relativamente nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo surgidas tras el humanismo renacentista ), pero, por otro lado, su presencia en el escenario era todavía muy novedosa y revolucionaria, y algunos las consideraban poco femeninas y las menospreciaban. A Carlos II no le gustaba que los jóvenes interpretaran papeles femeninos, así que pidió que fueran mujeres quienes interpretaran sus propios personajes. ^{[ 76 ]} Gracias a que se permitió la presencia de mujeres en el escenario, los dramaturgos tuvieron más libertad con los giros argumentales, como mujeres vestidas de hombres y escapes por los pelos de situaciones moralmente delicadas como formas de comedia.

Las comedias estaban llenas de jóvenes y muy de moda, con una trama que seguía sus vidas amorosas: comúnmente un joven héroe pícaro que profesaba su amor a la heroína casta y de mente libre cerca del final de la obra, muy parecido a La escuela del escándalo de Sheridan . Muchas de las comedias se basaban en la tradición francesa, principalmente Molière, haciendo referencia a la influencia francesa traída de vuelta por el rey y la realeza después de su exilio. Molière fue uno de los dramaturgos cómicos más importantes de la época, revolucionando la forma en que se escribía e interpretaba la comedia al combinar la commedia dell'arte italiana y la comedia neoclásica francesa para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. ^{[ 77 ]} Las tragedias también triunfaron en su sentido de reivindicar el poder político, especialmente conmovedor debido a la reciente Restauración de la Corona. ^{[ 78 ]} También eran imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una distinción más marcada entre comedia y tragedia, mientras que los ingleses a veces modificaban los versos e incluían partes cómicas en sus tragedias. Las formas comunes de obras no cómicas eran las comedias sentimentales, así como lo que más tarde se llamaría tragedia burguesa , o tragedia doméstica —es decir, la tragedia de la vida cotidiana—, que eran más populares en Inglaterra porque apelaban más a la sensibilidad inglesa. ^{[ 79 ]}

Si bien las compañías teatrales solían viajar con frecuencia, la idea del teatro nacional cobró adeptos en el siglo XVIII, inspirada por Ludvig Holberg . El principal promotor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas del Sturm und Drang , fue Abel Seyler , propietario de la Hamburgische Entreprise y de la Seyler Theatre Company . ^{[ 80 ]}

A lo largo del siglo XIX , las formas teatrales populares del Romanticismo , el melodrama , el burlesque victoriano y las obras bien elaboradas de Scribe y Sardou dieron paso a las obras problemáticas del Naturalismo y el Realismo ; las farsas de Feydeau ; la obra de arte total operística de Wagner ; el teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan ); las comedias de salón de FC Burnand , WS Gilbert y Oscar Wilde ; el Simbolismo ; el protoexpresionismo en las últimas obras de August Strindberg y Henrik Ibsen ; ^{[ 82 ]} y la comedia musical eduardiana .

Estas tendencias continuaron a lo largo del siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg , el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht , el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckett y Eugène Ionesco , los musicales estadounidenses y británicos, las creaciones colectivas de compañías de actores y directores como el Theatre Workshop de Joan Littlewood , el teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage , el teatro poscolonial de August Wilson o Tomson Highway , y el Teatro del Oprimido de Augusto Boal .

El drama es el modo específico de ficción representado en escena . ^{[ 83 ]} El término proviene de una palabra griega que significa " acción ", derivada del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La representación del drama en el teatro, interpretada por actores en un escenario ante un público , presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. ^{[ 84 ]}

La tragedia de principios de la Edad Moderna Hamlet (1601) de Shakespeare y la tragedia clásica ateniense Edipo Rey ( c. 429 a. C. ) de Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte dramático. ^{[ 85 ]} Un ejemplo moderno es Largo viaje hacia la noche de Eugene O'Neill (1956). ^{[ 86 ]}

Considerado como un género poético en general, el modo dramático se ha contrastado con los modos épico y lírico desde la Poética de Aristóteles ( c. 335 a. C. ), la obra más antigua de teoría dramática . ^{[ o ]} El uso de «drama» en sentido estricto para designar un tipo específico de obra data del siglo XIX . Drama en este sentido se refiere a una obra que no es ni comedia ni tragedia; por ejemplo, Thérèse Raquin de Zola (1873) o Ivanov de Chéjov (1887). En la Antigua Grecia, sin embargo, la palabra drama abarcaba todas las obras teatrales, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.

El drama suele combinarse con música y danza : en la ópera , el drama generalmente se canta de principio a fin; los musicales suelen incluir tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( el melodrama y el Nō japonés , por ejemplo). ^{[ p ]} En ciertos períodos de la historia (la antigua Roma y el Romanticismo moderno ), algunos dramas se escribieron para ser leídos en lugar de representados. ^{[ q ]} En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; los intérpretes idean un guion dramático espontáneamente ante el público. ^{[ r ]}

La música y el teatro han mantenido una estrecha relación desde la antigüedad. La tragedia ateniense , por ejemplo, era una forma de drama danzado que empleaba un coro cuyas partes se cantaban (con el acompañamiento de un aulos , un instrumento comparable al oboe moderno ), al igual que algunas de las respuestas de los actores y sus «canciones solistas» ( monodias ). ^{[ 87 ]} El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de la ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan ), el vodevil , el music hall y otros géneros de finales del siglo XIX y principios del XX . ^{[ 88 ] [ 89 ]}

Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales del Princess Theatre de principios del siglo XX y las comedias de las décadas de 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein ), con Oklahoma! (1943), los musicales se movieron en una dirección más dramática. ^{[ s ]} Los musicales famosos de las décadas siguientes incluyeron My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) y The Phantom of the Opera (1986), ^{[ 90 ]} así como éxitos más contemporáneos como Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) y Frozen (2018).

El teatro musical puede representarse a pequeña escala en teatros alternativos , regionales y otros lugares, pero a menudo incluye espectáculos. Por ejemplo, los musicales de Broadway y del West End suelen incluir vestuario y escenografía suntuosos, respaldados por presupuestos multimillonarios.

Las producciones teatrales que utilizan el humor como vehículo para contar una historia se denominan comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como Como gustéis . El teatro que aborda temas sombríos, controvertidos o tabú de forma deliberadamente humorística se conoce como comedia negra . La comedia negra puede abarcar varios subgéneros, como el humor físico, la comedia oscura y la comedia sarcástica.

La tragedia, pues, es una imitación de una acción seria, completa y de cierta magnitud: en un lenguaje embellecido con toda clase de ornamentos artísticos, que se encuentran en distintas partes de la obra; en forma de acción, no de narración; y mediante la piedad y el temor, logrando la purificación adecuada de estas emociones.

La frase de Aristóteles «varios tipos se encuentran en partes separadas de la obra» hace referencia a los orígenes estructurales del drama. En él, las partes habladas estaban escritas en dialecto ático, mientras que las corales (recitadas o cantadas) en dialecto dórico ; estas discrepancias reflejan los diferentes orígenes religiosos y metros poéticos de las partes que se fusionaron en una nueva entidad: el drama teatral .

La tragedia se refiere a una tradición dramática específica que ha desempeñado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . ^{[ 92 ] [ 93 ]} Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, sin embargo, el término se ha utilizado a menudo para invocar un poderoso efecto de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; helenos y cristianos , en una actividad común", como lo expresa Raymond Williams . ^{[ 94 ]} Desde sus oscuros orígenes en los teatros de Atenas hace 2500 años, de los cuales sobrevive solo una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , pasando por sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine y Schiller , hasta la tragedia naturalista más reciente de Strindberg , las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento, y las reelaboraciones posmodernistas de Müller del canon trágico, la tragedia ha permanecido como un importante espacio de experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. ^{[ 95 ] [ 96 ]} Tras la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para establecer distinciones de género , ya sea a escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide frente a lo épico y lo lírico ) o a escala del drama (donde la tragedia se opone a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido en oposición al drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . ^{[ t ]}

La improvisación ha sido una constante en el teatro, y la Commedia dell'arte del siglo XVI es reconocida como la primera forma de improvisación. Popularizado por Dario Fo , ganador del Premio Nobel de Literatura en 1997, y por compañías como la Upright Citizens Brigade, el teatro de improvisación continúa evolucionando con diversas corrientes y filosofías.

Keith Johnstone y Viola Spolin son reconocidos como los primeros maestros de improvisación en la época moderna. Johnstone exploró la improvisación como una alternativa al teatro con guion, mientras que Spolin y sus sucesores la exploraron principalmente como una herramienta para desarrollar el trabajo o las habilidades dramáticas, o como una forma de comedia de situación. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación podía aplicarse al desarrollo del potencial humano. ^{[ 100 ]}

El hijo de Spolin, Paul Sills, popularizó el teatro de improvisación como forma de arte teatral cuando fundó, como su primer director, The Second City en Chicago.

Mientras que la mayoría de las compañías de teatro modernas ensayan una obra a la vez, la representan durante un tiempo determinado, la retiran y comienzan a ensayar una nueva, las compañías de repertorio ensayan varias obras simultáneamente. Estas compañías pueden representar diversas piezas a petición del público y, a menudo, las representan durante años antes de retirarlas. La mayoría de las compañías de danza funcionan con este sistema de repertorio. El Royal National Theatre de Londres también lo utiliza.

El teatro de repertorio generalmente involucra a un grupo de actores de similar talento y se basa más en la reputación del grupo que en la de un actor estrella individual. También suele depender menos del control estricto de un director y menos de la adhesión a las convenciones teatrales, ya que los actores que han trabajado juntos en múltiples producciones pueden interactuar entre sí sin depender tanto de las convenciones o la dirección externa. ^{[ 120 ]}

Una compañía de teatro es una organización que produce espectáculos teatrales, ^{[ 3 ]} a diferencia de una compañía de teatro (o compañía de actuación), que es un grupo de artistas teatrales que trabajan juntos. ^{[ 4 ]} Una compañía itinerante es una compañía de teatro o danza independiente que viaja, a menudo internacionalmente, presentándose en un teatro diferente en cada ciudad. ^{[ 122 ]}

Para montar una obra de teatro, se necesita tanto una compañía teatral como un espacio escénico . Cuando una compañía es la única residente en un espacio, este teatro (y su compañía correspondiente) se denomina teatro residente o teatro productor, ya que produce sus propias obras. Otras compañías teatrales, así como las de danza, que no disponen de un espacio propio, actúan en teatros alquilados o en teatros de presentación. Ni los teatros de alquiler ni los de presentación tienen compañías residentes a tiempo completo. Sin embargo, a veces cuentan con una o más compañías residentes a tiempo parcial, además de otras compañías asociadas independientes que utilizan el espacio cuando está disponible. Un teatro de alquiler permite a las compañías independientes buscar el espacio, mientras que un teatro de presentación busca a las compañías independientes para apoyar su trabajo presentándolas en su escenario.

Algunos grupos de artes escénicas actúan en espacios no teatrales. Estas representaciones pueden tener lugar al aire libre o en interiores, en un espacio escénico no tradicional, e incluyen teatro callejero y teatro específico del sitio . Los espacios no tradicionales pueden utilizarse para crear entornos más inmersivos o significativos para el público. A veces, pueden modificarse más que los teatros tradicionales o pueden albergar diferentes tipos de equipos, iluminación y escenografía. ^{[ 123 ]}