Museo Victoria y Alberto

El Museo Victoria y Alberto tiene su origen en la Escuela de Diseño del Gobierno, establecida por el Gobierno británico en 1832 en Somerset House , Londres, para "la aplicación directa de las artes a las manufacturas". ^{[ 10 ]} La Escuela de Diseño se creó porque el gobierno temía que la mala calidad de la educación artística en Gran Bretaña estuviera limitando el crecimiento y el potencial exportador de la industria británica. ^{[ 11 ]} La escuela incluía un museo que, además de obras de arte contemporáneas, albergaba moldes de yeso de esculturas antiguas y de elementos de edificios clásicos para usarlos como material didáctico. ^{[ 11 ] [ 12 ]} En la Exposición Industrial Francesa de 1844 en París, se gastaron 1400 libras esterlinas en artículos para el museo. ^{[ 11 ]}

En enero de 1852, Henry Cole fue nombrado director de la Escuela de Diseño del Gobierno y anunció su intención de transformarla en una institución que "elevaría la educación artística de todo el pueblo, y no se limitaría a enseñar a los artesanos, que son sirvientes de los fabricantes". ^{[ 11 ]} El príncipe Alberto , que había trabajado con Cole en la Gran Exposición , apoyó este enfoque y ofreció el uso de una mansión real, Marlborough House en The Mall , para este nuevo Museo de Manufacturas, que incluiría la Escuela de Diseño. ^{[ 13 ]}

Con una subvención parlamentaria de 5000 libras esterlinas, Cole adquirió varias piezas de la Gran Exposición de 1851 para la colección del museo. ^{[ 14 ]} Estas incluían una gran cantidad de textiles de la India y varias obras de Augustus Pugin . ^{[ 11 ]} En 1853, el museo atrajo a 125 000 visitantes y pasó a llamarse Museo de Arte Ornamental. ^{[ 11 ] [ 10 ]}

En febrero de 1854, se iniciaron las conversaciones para trasladar el museo a Brompton , en las afueras del centro de Londres. Allí, como legado de la Gran Exposición, el príncipe Alberto planeaba un conjunto de instituciones para el mejoramiento de la industria mediante el estudio y la aplicación de las artes y las ciencias. ^{[ 11 ]} Bautizado como " Albertopolis " por la prensa británica, el proyecto incluía lo que finalmente se convertiría en el Museo de Historia Natural , el Museo de Ciencias y el Imperial College de Londres . ^{[ 15 ]} Dado el estado ruinoso de Brompton, Cole persuadió a las autoridades para que cambiaran el nombre de la zona a South Kensington para hacerla más atractiva para los posibles visitantes. ^{[ 15 ]} En 1855, el arquitecto alemán Gottfried Semper elaboró ​​un diseño para el emplazamiento de South Kensington, pero fue rechazado por ser demasiado caro. ^{[ 16 ]} En 1857, el museo, que incluía exposiciones científicas, se trasladó a South Kensington, donde, a sugerencia del príncipe Alberto, pasó a llamarse Museo de South Kensington. ^{[ 10 ] [ 17 ]}

El sitio de South Kensington estaba entonces ocupado por una gran propiedad en ruinas, Brompton Park House. ^{[ 15 ]} En 1856, ese edificio fue ampliado por las "Brompton Boilers". ^{[ 18 ]} Estas galerías de hierro, de un utilitarismo austero, fueron descritas como "horriblemente feas" por la revista The Builder , pero incluían una sala de refrigerios, lo que convirtió al museo en el primero del mundo en ofrecer un servicio de restauración para los visitantes. ^{[ 15 ] [ 19 ] [ 7 ]} Las "Brompton Boilers" fueron desmanteladas en 1867 y su estructura de hierro se volvió a ensamblar en el este de Londres para construir la sucursal del museo en Bethnal Green. ^{[ 5 ] [ 20 ]} La sucursal de Bethnal Green, que ahora es el Young V&A, albergaba entonces la colección del museo de zapatos, botas, productos animales, mariposas y polillas. ^{[ 5 ]}

El primer edificio que se erigió y que aún forma parte del sitio de South Kensington fue la galería construida para albergar la colección de arte donada por John Sheepshanks . ^{[ 15 ]} Construida en 1857 en el lado este del jardín central de Brompton Park House, su arquitecto fue el ingeniero civil Capitán Francis Fowke . ^{[ 21 ] [ 22 ]}

John Charles Robinson se convirtió en curador del museo en 1853 y, durante sus diez años en el cargo, realizó viajes anuales a Francia, Italia y España. Adquirió tesoros que habían quedado disponibles en el mercado del arte debido a convulsiones sociales, revoluciones o la disolución de instituciones religiosas. De esta manera, el museo prácticamente monopolizó el mercado europeo de escultura medieval y reunió la mayor colección de escultura del Renacimiento italiano fuera de Italia, además de importantes colecciones de marfil y cerámica. ^{[ 11 ] [ 8 ]}

La inauguración oficial del museo por la reina Victoria tuvo lugar el 20 de junio de 1857. ^{[ 23 ]} En estos primeros años, se hizo mucho hincapié en el uso práctico de la colección, en contraposición al " arte culto " de la National Gallery y a la erudición del British Museum . ^{[ 24 ]} George Wallis (1811-1891), el primer conservador de la colección de bellas artes, promovió con pasión la idea de la educación artística pública a través de las colecciones del museo. Esto llevó a que la Escuela de Diseño, componente original del museo, se integrara en la National Art Training School, que posteriormente se convertiría en el Royal College of Art . ^{[ 25 ]} De este modo, durante los primeros cincuenta años de su existencia, el museo fue una parte integral del sistema nacional de educación artística de Gran Bretaña. ^{[ 8 ]}

Durante 1858-1859, Fowke diseñó las salas que ahora forman las galerías de tapices y pinturas. ^{[ 26 ]} La iluminación a gas permitió introducir la apertura nocturna en 1858, ya que Cole creía que esto ayudaría a "determinar prácticamente qué horarios son más convenientes para las clases trabajadoras". ^{[ 27 ]} Al exhibir colecciones de arte aplicado y ciencia, el museo tenía como objetivo proporcionar recursos educativos y, por lo tanto, impulsar la productividad en la industria. ^{[ 28 ]} A lo largo de las décadas de 1860 a 1880, las colecciones científicas se trasladaron del edificio principal a varias galerías improvisadas al oeste de Exhibition Road . ^{[ 28 ]} En 1893, el "Museo de Ciencias" comenzó a tomar forma cuando se nombró un director independiente para las colecciones científicas. ^{[ 29 ]}

En junio de 1862, los patios norte y sur, situados justo detrás de la galería Sheepshanks, se inauguraron y siguen utilizándose hoy en día para albergar exposiciones temporales. ^{[ 30 ]} Se desarrolló un ambicioso plan de decoración para estas áreas. ^{[ 31 ]} Entre 1862 y 1871, para el nivel superior del patio sur, se creó una serie de treinta y cinco figuras de mosaico de tamaño superior al natural que representan a famosos artistas europeos. ^{[ 32 ] [ 33 ]} Conocidas como el «Valhalla de Kensington», estas figuras se han trasladado a otras áreas del museo, se han perdido o se han almacenado. ^{[ 34 ]}

También con vistas al Patio Sur se encontraban dos grandes frescos semicirculares, los Frescos Leighton . Encargados por Cole con temas sugeridos previamente por el difunto Príncipe Alberto y diseñados por Lord Leighton, se titulaban Artes Industriales Aplicadas a la Guerra y Artes Industriales Aplicadas a la Paz . ^{[ 31 ] [ 35 ] [ 8 ]} Al este de estos se encontraban galerías adicionales, los Patios Orientales, decorados por el arquitecto Owen Jones . Completados en 1863, no se conserva nada de su decoración. ^{[ 36 ]}

El ala de la secretaría se construyó en 1862 en el lado sureste del sitio. Actualmente alberga las oficinas ejecutivas y la sala de juntas del museo y no está abierta al público. ^{[ 37 ]}

Las últimas obras diseñadas por Fowke fueron los edificios en los lados norte y oeste del jardín. El edificio al oeste del jardín, terminado en 1863, incluía las residencias del personal. ^{[ 38 ]} El edificio en el lado norte del jardín incluía tres nuevas salas de refrigerios, la galería de cerámica (ahora la galería de plata), acceso a las escuelas de ciencias y arte y un auditorio en el último piso. ^{[ 38 ] [ 39 ]} La Escalera de Cerámica, terminada en 1871, en la esquina noroeste de estos edificios fue diseñada por FW Moody y tiene detalles arquitectónicos de cerámica moldeada y coloreada, muchas hechas usando técnicas innovadoras por Minton, Hollins & Co. [ ^{40 ] [ 41 ] Durante} muchos años, la fachada de este edificio fue la entrada principal al museo. Sus puertas de bronce, diseñadas por James Gamble y Reuben Townroe, tienen seis paneles que representan a científicos y artistas individuales y ahora conducen a la cafetería. ^{[ 42 ] [ 38 ]} Godfrey Sykes diseñó el mosaico en el frontón de la fachada norte que conmemora la Gran Exposición. ^{[ 42 ] [ 38 ]} El mosaico está flanqueado por grupos de estatuas de terracota de Percival Ball . ^{[ 43 ]} Este edificio reemplazó a Brompton Park House, que luego fue demolida.

• 
  Lado norte del jardín
• 
  Frontón en el lado norte del jardín.
• 
  La escalera de cerámica

Entre 1867 y 1872, el arquitecto Henry Young Darracott Scott diseñó, al noroeste del jardín, la Escuela de Arquitectos Navales de cinco plantas (también conocida como la escuela de ciencias) que, con el tiempo, se convirtió en el Ala Henry Cole del museo. ^{[ 44 ] [ 45 ]} El asistente de Scott, James William Wild, diseñó la escalera que se eleva a la altura total del edificio, que ahora alberga la colección de grabados del V&A y las colecciones de dibujos y archivos del RIBA . ^{[ 46 ]}

Varios diseñadores fueron responsables de la decoración del ala Henry Cole. Los adornos de terracota fueron obra de Godfrey Sykes, aunque se utilizó esgrafiado para decorar el lado este del edificio diseñado por FW Moody. ^{[ 47 ]} Las puertas de hierro forjado, realizadas en 1885, fueron diseñadas por John Starkie Gardner. ^{[ 48 ]}

Scott también diseñó los dos Patios Arquitectónicos, ahora los Patios de Moldes (1870-1873), al sureste del jardín. ^{[ 49 ]} Estos vastos espacios comprenden dos grandes salas con tragaluces de tres pisos de altura, además de una galería de pasillo más pequeña. La construcción de las salas, con techos de 25 metros (83 pies) de altura, permitió al museo reunir moldes de yeso que antes se exhibían en otras partes del edificio. ^{[ 12 ]} Por ejemplo, el molde del Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela solo se había exhibido previamente en secciones en diferentes partes del edificio, mientras que los moldes clásicos y renacentistas se guardaban en un pasillo. ^{[ 12 ]} Ambos patios contenían inicialmente obras originales y fotografías junto con los moldes de yeso, con temas europeos en un patio y obras de la India en el otro. ^{[ 8 ]} 

Los patios albergan ahora cientos de moldes de yeso de esculturas, frisos y tumbas. Una sala está presidida por una réplica a tamaño real de la Columna de Trajano , fundida en dos partes. ^{[ 12 ]} La otra incluye reproducciones de diversas obras de escultura y arquitectura del Renacimiento italiano, incluyendo una réplica a tamaño real del David de Miguel Ángel . También se encuentran presentes réplicas de dos Davides anteriores de Donatello y Verrocchio . Los dos patios están divididos por pasillos en ambos pisos, y las divisiones que solían revestir el pasillo superior, ahora la sala 111, fueron retiradas en 2004 para permitir la vista de los patios desde arriba. ^{[ 12 ]}

La parte final del museo diseñada por Scott fue la Biblioteca de Arte y lo que ahora son las galerías de escultura en el lado sur del jardín, construidas entre 1877 y 1884. ^{[ 50 ]} Los paneles de mosaico exteriores en el parapeto fueron diseñados por Reuben Townroe, quien también diseñó el trabajo de yeso en la biblioteca. ^{[ 51 ]} Sir John Taylor diseñó las estanterías y vitrinas. ^{[ 51 ]} Esta fue la primera parte del museo en tener iluminación eléctrica. ^{[ 52 ]} Estas obras completaron la mitad norte del sitio, creando un cuadrilátero de edificios alrededor del jardín, pero dejaron al museo sin una fachada propiamente dicha. ^{[ 38 ]}

En 1890, el gobierno lanzó un concurso para diseñar nuevos edificios que le darían al museo una imponente entrada principal a lo largo de Cromwell Road y Cromwell Gardens . ^{[ 53 ]} Este concurso fue ganado, en 1891, por el arquitecto Aston Webb . La reina Victoria regresó para colocar la primera piedra del nuevo edificio el 17 de mayo de 1899. ^{[ 54 ]} Fue durante esta ceremonia que se hizo público el cambio de nombre de "Museo de South Kensington" a "Museo Victoria y Alberto". ^{[ 10 ]} El discurso de la reina Victoria durante la ceremonia concluyó: "Confío en que seguirá siendo por siglos un monumento de liberalidad perspicaz y una fuente de refinamiento y progreso". ^{[ 55 ] [ 56 ]}

Construida entre 1899 y 1909 en ladrillo rojo y piedra de Portland , la nueva fachada del museo se extiende 220 metros (720 pies) a lo largo de Cromwell Gardens. ^{[ 57 ]} La entrada principal consta de una serie de arcos poco profundos sostenidos por esbeltas columnas y nichos con puertas dobles. La torre sobre la entrada tiene una corona calada coronada por una estatua de la Fama . ^{[ 58 ]} La fila superior de ventanas de la galería está intercalada con estatuas de artistas británicos. El príncipe Alberto y la reina Victoria, esculpidos por Alfred Drury , aparecen dentro de los arcos sobre las puertas de entrada. La fachada rodea cuatro niveles de galerías, incluyendo, en el último piso, una serie de salas con techos acristalados para permitir la entrada de luz natural y que ahora albergan la colección de cerámica. ^{[ 41 ]} 

El diseño de Webb también creó el vestíbulo y la rotonda, las áreas que ahora ocupan la tienda, las Galerías Asiáticas y la Galería de la Moda octogonal con cúpula, además del enorme Salón Este (Salas 50a y 50b) y el Salón Oeste. ^{[ 45 ]} Este último alberga actualmente los Cartones de Rafael y exposiciones temporales. Se utilizó mármol en el vestíbulo y en las escaleras laterales. La ceremonia de inauguración del edificio Aston Webb, presidida por el rey Eduardo VII y la reina Alejandra , tuvo lugar el 26 de junio de 1909. ^{[ 59 ]}

Con tanto espacio adicional disponible, el museo revisó su política sobre cómo se exhibían las piezas y decidió adoptar un enfoque basado exclusivamente en los materiales, en lugar de agrupar las piezas según períodos históricos o culturas. ^{[ 8 ]} Esto creó varias galerías con largas filas de vitrinas que contenían objetos de aspecto muy similar. ^{[ 8 ]} Estas exhibiciones contrastaban con los elaborados montajes creados previamente por Cole y sus colaboradores. ^{[ 8 ]} Las nuevas galerías, diseñadas originalmente por Webb, eran blancas con detalles y molduras clásicas sobrias, en contraste con la elaborada decoración de las galerías victorianas, gran parte de la cual fue retirada a principios del siglo XX. ^{[ 45 ]} A pesar de las numerosas críticas en la prensa, las exhibiciones basadas exclusivamente en los materiales se mantuvieron hasta la década de 1940. ^{[ 8 ]}

En 1914 comenzó la construcción del Museo de Ciencias , marcando la separación definitiva entre las colecciones de ciencia y arte del museo. ^{[ 60 ]}

En 1939, al estallar la Segunda Guerra Mundial, muchos objetos de la colección fueron enviados a la cantera de Westwood en Bradford-on-Avon , a Montacute House en Somerset o a túneles cerca de las estaciones de metro de Aldwych y Brompton Road . ^{[ 61 ]} Los objetos más grandes permanecieron en su lugar , protegidos con sacos de arena y ladrillos. ^{[ 62 ]} Los cartones de Rafael fueron tapiados en un refugio especialmente construido en el sótano del museo. ^{[ 63 ]} Entre 1941 y 1944, algunas galerías se utilizaron como escuela para niños evacuados de Gibraltar. ^{[ 64 ]} El patio sur se convirtió en un comedor, primero para la Real Fuerza Aérea y luego para los escuadrones de reparación de daños por bombardeos. ^{[ 64 ]} Tras la evacuación de las obras de arte, el museo permaneció abierto durante toda la guerra. ^{[ 5 ] [ 61 ]}

El edificio de South Kensington sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial con daños por bombardeo relativamente menores. Durante el Blitz, varias bombas incendiarias cayeron sobre el edificio y fueron neutralizadas con éxito por el personal del museo y los bomberos. ^{[ 61 ]} En noviembre de 1940, dos bombas cayeron en Exhibition Road, destruyendo las ventanas y rejas de ese lado del edificio, y en abril de 1941 se produjeron más daños por bombardeo. ^{[ 61 ]} Las marcas en la mampostería visibles en Exhibition Road fueron causadas por fragmentos de esas bombas. ^{[ 42 ] [ 65 ]}

En 1950 se inauguró en el vestíbulo principal un monumento conmemorativo, realizado en pizarra galesa, en honor a los catorce empleados del museo fallecidos en el conflicto. ^{[ 66 ]} Cerca de allí se encuentra la placa conmemorativa de piedra, tallada por Eric Gill y Joseph Cribb , en memoria de los dieciséis miembros del personal del museo fallecidos en la Primera Guerra Mundial. ^{[ 67 ] [ 68 ]}

Tras la guerra, la exposición «Britain Can Make It» se celebró en el museo entre septiembre y noviembre de 1946, atrayendo a casi un millón y medio de visitantes. ^{[ 69 ] [ 70 ]} Esta fue organizada por el Consejo de Diseño Industrial , establecido por el gobierno británico en 1944 «para promover por todos los medios posibles la mejora del diseño en los productos de la industria británica». ^{[ 70 ]} El éxito de esta exposición propició la planificación del Festival de Gran Bretaña, que se celebraría en 1951.

Para 1948, la mayoría de los objetos que habían sido enviados a otros lugares durante la guerra habían regresado al museo. La reinstalación estuvo acompañada de un cambio en la política del museo sobre la exhibición de las piezas. Se decidió que, además de las galerías existentes, estrictamente basadas en materiales y establecidas en 1909, el museo crearía exposiciones basadas en estilos, períodos históricos o naciones particulares. ^{[ 8 ]} Estas directrices se revisaron posteriormente para crear la actual combinación de galerías centradas en la producción de objetos, conocidas como las Galerías de Materiales y Técnicas, y las Galerías de Arte y Diseño, que muestran el papel de los objetos dentro de una cultura o nación en particular. ^{[ 8 ]}

En los años inmediatamente posteriores a la guerra, había poco dinero disponible para cualquier cosa que no fueran reparaciones esenciales, por lo que el museo buscó expandirse gestionando mansiones señoriales inglesas como museos satélite. Desde 1947, el museo gestionó el Museo Wellington en Apsley House, Londres, hasta que, en 2004, fue transferido a English Heritage . También desde 1947 hasta 1991, tanto Ham House como Osterley Park fueron gestionadas por el museo y ahora pertenecen al National Trust . ^{[ 5 ] [ 63 ]}

La primera obra importante tras la guerra fue la creación de un nuevo espacio de almacenamiento para libros en la Biblioteca de Arte en 1966 y 1967. Esto implicó pavimentar la sala principal para formar las estanterías de libros, ^{[ 71 ]} y crear una nueva galería medieval en la planta baja. En 2006, ese espacio se convirtió en la tienda del museo.

En la década de 1970, el conjunto de tres salones de refrigerios del museo, construidos en 1867, se encontraba en estado de abandono. Dos se habían convertido en almacenes y el tercero solo se utilizaba como sala de exposiciones. Entre 1974 y 1978, los tres salones fueron completamente restaurados y abiertos al público. ^{[ 63 ]} Los interiores de los tres salones fueron originalmente encargados a diferentes diseñadores y ahora llevan el nombre de cada uno de ellos. ^{[ 39 ]}

El Comedor Verde (1866-1868) fue obra de Philip Webb y William Morris y ahora se llama Sala Morris. ^{[ 72 ]} La parte inferior de las paredes está revestida de paneles de madera con una franja de pinturas en la parte principal de la pared, un friso de yeso alrededor del techo y vidrieras de Edward Burne-Jones . ^{[ 73 ]}

El Salón de Refrigerios del Centro (1865–77), ahora el Salón Gamble, fue diseñado en estilo renacentista por James Gamble. ^{[ 39 ] [ 74 ]} Las paredes y las columnas de esta sala están cubiertas de azulejos de cerámica decorativos y moldeados, el techo consta de elaborados diseños en láminas de metal esmaltado y vidrieras a juego. ^{[ 39 ]} La chimenea de mármol fue diseñada y esculpida por Alfred Stevens para Dorchester House y reubicada tras la demolición de ese edificio en 1929. ^{[ 75 ]}

La Sala de la Parrilla (1876–81) fue diseñada por Sir Edward Poynter ; ^{[ 76 ]} la parte inferior de sus paredes consiste en azulejos azules y blancos enmarcados por paneles de madera, sobre los cuales hay azulejos que representan las estaciones y los meses del año. ^{[ 39 ]} Estos fueron pintados por estudiantes de la Escuela de Arte que entonces tenía su sede en el museo. ^{[ 39 ]} En la década de 2000, la elaborada y artística parrilla de metal de Poynter en la sala fue completamente restaurada, al igual que elementos de la sala Morris. ^{[ 42 ] [ 77 ]}

En julio de 1973, el V&A se convirtió en el primer museo de Gran Bretaña en presentar un concierto de rock. Un concierto/conferencia combinado de la banda británica de folk-rock progresivo Gryphon exploró los vínculos entre la música medieval y la contemporánea. ^{[ 5 ]} Estos eventos se convirtieron en un sello distintivo de la dirección de Sir Roy Strong y posteriormente fueron emulados por otros museos británicos. Strong, quien se había convertido en director del museo en 1974, impulsó un nuevo enfoque en el aumento de la colección de diseños y obras de arte contemporáneos del museo. ^{[ 63 ]} Invitó al Consejo de Artesanía a abrir una tienda dentro del edificio para vender artículos contemporáneos. ^{[ 63 ]}

Strong impulsó una serie de exposiciones en defensa de la preservación del patrimonio británico. La exposición de 1974, « La destrucción de la casa de campo 1875-1975», resultó muy influyente y se considera que propició la formación del grupo activista « Salvemos el patrimonio británico» en 1975. ^{[ 63 ]} A esa exposición le siguieron, en 1977, « Cambio y decadencia: El futuro de nuestras iglesias » y «El jardín: Una celebración de 1000 años de jardinería británica» en 1979. ^{[ 63 ]}

La sede del museo en Bethnal Green fue reinaugurada en 1974 como el Museo de la Infancia, y la colección de juguetes, libros infantiles y ropa del museo se trasladó allí. ^{[ 63 ]} Los objetos trasladados de Bethnal Green a South Kensington se convirtieron, en 1987, en la galería Arte y Diseño en Europa y América 1800-1900 y ahora son las galerías Diseño 1900 - Actualidad. ^{[ 63 ]}

En 1974, el museo adquirió el ala Henry Cole del Royal College of Science y adaptó el interior del edificio en una serie de galerías públicas para grabados, pinturas y fotografías. ^{[ 78 ] [ 63 ]} Para conectar con el resto del museo, se construyó un nuevo edificio de entrada en el sitio de la antigua sala de calderas entre 1978 y 1982 y fue inaugurado oficialmente por la reina Isabel II en marzo de 1983. ^{[ 63 ] [ 79 ]} El edificio de entrada era básicamente una galería de pasillo de hormigón y vidrio. ^{[ 80 ]} El único adorno eran las puertas de hierro, de Christopher Hay y Douglas Coyne del Royal College of Art, colocadas en el muro de pantalla de Aston Webb de 1909. ^{[ 79 ]} Durante la década de 1980, el espacio se utilizó para albergar una serie de exposiciones sobre diseño industrial y tecnología moderna. Estas exposiciones del "Proyecto Boilerhouse" conducirían, finalmente, a la creación del Museo del Diseño . ^{[ 5 ] [ 80 ] [ 81 ]}

Las fachadas alrededor del patio ajardinado fueron limpiadas y restauradas por completo en 1977, al igual que el auditorio ese mismo año. ^{[ 63 ]} Las galerías de la planta baja en la parte suroeste del museo fueron rediseñadas y abrieron sus puertas en 1978 como las galerías de arte continental 1600–1815. ^{[ 82 ]} Los patios de fundición fueron restaurados entre 1978 y 1982, el vestíbulo de entrada entre 1983 y 1986 y la Biblioteca Nacional de Arte en 1986. El patio ajardinado fue ajardinado y se convirtió en el jardín Pirelli en mayo de 1987. ^{[ 63 ]} El jardín fue rediseñado posteriormente en 2005.

La colección de teatro se trasladó de South Kensington a su propia sede en Covent Garden en 1987 para convertirse en el Museo del Teatro. ^{[ 63 ]} La sucesora de Strong, Elizabeth Esteve-Coll, supervisó un período turbulento para la institución en el que se redefinieron las funciones del personal curatorial y directivo del museo, lo que provocó críticas públicas por parte de algunos empleados. Los intentos de Esteve-Coll por hacer que el V&A fuera más accesible incluyeron una campaña de marketing muy criticada que enfatizaba la cafetería por encima de la colección. ^{[ 5 ] [ 83 ]}

En 1999, el museo encargó a Dale Chihuly la creación de una gran lámpara de araña para el vestíbulo principal. Titulada "Azul hielo y verde primavera", la obra fue revisada y ampliada en 2001 para dar lugar a la lámpara de araña que actualmente adorna el vestíbulo. ^{[ 84 ]}

En 2001, se completó la reconstrucción de las quince galerías británicas. Este fue el proyecto más grande emprendido por el museo en cincuenta años. ^{[ 85 ]} Las nuevas galerías reemplazaron a las galerías de Arte Inglés Primario, instaladas entre 1947 y 1952, y a las galerías victorianas creadas entre 1964 y 1966. ^{[ 85 ]} En conjunto, estas se conocían como las galerías de Arte y Diseño Británico y, para la década de 1990, se encontraban en un estado bastante lamentable. La contaminación del aire, principalmente debido al tráfico en Cromwell Road, impedía la exhibición de textiles o prendas de vestir frágiles, y una reforma anterior fallida provocó que ningún objeto que datara de 1675 a 1730 se exhibiera durante la década de 1980. ^{[ 85 ]} A pesar de estos problemas, la decisión de reconstruir las quince galerías en un solo proyecto se consideró ambiciosa. ^{[ 85 ]}

El proyecto finalizado, al extender las galerías hacia almacenes y oficinas adyacentes, aumentó el espacio de exhibición disponible en un 25%, lo que permitió exhibir 3000 objetos. ^{[ 86 ] [ 87 ]} El rediseño también añadió salas de estudio, espacios interactivos y permitió la instalación de cinco habitaciones de época completas. ^{[ 86 ]} Las nuevas galerías incluyeron una obra de arte encargada a Cornelia Parker , Breathless , que consiste en 54 instrumentos musicales de latón aplastados. ^{[ 88 ]} También en 2001, se instalaron nuevas rampas y escaleras de acceso, diseñadas por Pringle Richards Sharratt, en la entrada principal. ^{[ 20 ]}

El éxito de las Galerías Británicas reconstruidas impulsó el desarrollo de un plan a largo plazo para rediseñar todas las galerías del museo. ^{[ 89 ]} A partir de 2002, la Fase 1 del proyecto FuturePlan vio la finalización de 43 proyectos que modernizaron unos 26.500 metros cuadrados del museo y pusieron a disposición del público 3.000 metros cuadrados de antiguo espacio de oficinas y almacenes. ^{[ 90 ]}

Entre los proyectos finalizados como parte de la fase 1 del FuturePlan se incluyen:

• 2002: Restauración de la decoración victoriana en la Galería de Plata; ^{[ 41 ]}
• 2002: Se creó una nueva galería para exposiciones temporales de temas contemporáneos. ^{[ 91 ]} Esta cerró en 2007 y se creó una nueva galería, la Galería Porter, adyacente a la entrada principal.
• 2003: Fotografía, entrada principal, galerías de pintura, área de estudio de grabados y dibujos;
• 2004: Se reabrió la entrada del túnel del metro, se instaló nueva señalización en todo el museo y se restauraron los objetos de metal, vidrio y la galería de esculturas de Gilbert Bayes ;
• 2004: La sala de miembros fue diseñada por los diseñadores arquitectónicos Softroom ^{[ 91 ].}
• 2005: Miniaturas de retratos, exposiciones de trabajos en metal en la sala 117, plata sagrada y vidrieras;
• 2005: La Galería de Arquitectura fue rediseñada por Gareth Hoskins Architects ^{[ 92 ]}

• 2005: Kim Wilkie rediseñó el jardín central y lo reabrió como el Jardín John Madejski . ^{[ 38 ]} El diseño incluye una fuente elíptica, revestida de piedra con escalones, frente a las puertas de bronce que dan acceso a las salas de refrigerios. En verano, abre una cafetería en la esquina suroeste. El jardín también alberga exposiciones temporales.
• 2006: Se inauguró la Galería del Medio Oriente Islámico, diseñada por Softroom ^{[ 91 ].}
• 2006: Se inauguró la nueva cafetería en el lado norte del jardín, diseñada por McInnes Usher McKnight Architects. ^{[ 91 ]}
• 2008: El Centro Sackler para la educación artística, diseñado por Softroom, abrió sus puertas en el ala Henry Cole. ^{[ 91 ] [ 93 ]}
• 2008: Inauguración de la Galería de Joyería, diseñada por Eva Jiřičná . ^{[ 94 ]} Jiřičná también diseñó las mejoras de la entrada principal y la rotonda, la nueva tienda, la entrada del túnel y las galerías de escultura. ^{[ 92 ]}
• 2009: Remodelación de las galerías de escultura budista, salas 17-20, por el Departamento de Diseño del V&A. ^{[ 91 ]}
• 2009: Desarrollo de las galerías de oro, plata y mosaicos, por el Departamento de Diseño del V&A, para exhibir la Colección Gilbert . ^{[ 91 ]}
• 2010: Reparación y conservación de la fachada de Exhibition Road. ^{[ 91 ]}
• 2010: Renovación de las Galerías de Cerámica por los arquitectos Stanton Williams y OPERA Amsterdam. ^{[ 41 ]} Este proyecto también creó un nuevo espacio para exposiciones temporales, la Sala 146, y requirió la construcción de un puente de conexión con el edificio de la Secretaría como salida de emergencia. ^{[ 91 ]}
• 2010: Renovación de las galerías de Escultura 1300-1600 (salas 16a, 25, 26 y 27) por el Departamento de Diseño del V&A. Esta obra restauró los suelos de mosaico victorianos de las galerías, que habían sido cubiertos con linóleo tras la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 91 ]}

En noviembre de 2009, las galerías medievales y renacentistas abrieron sus puertas con críticas que rozaban el entusiasmo. ^{[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]} Las diez galerías, diseñadas por McInnes Usher McKnight Architects (MUMA), ocupan tres plantas del lado este del edificio Aston Webb. Los críticos elogiaron la transformación de algunos de los espacios más oscuros y menos acogedores del museo en áreas luminosas, a menudo con luz natural, que exhiben más de 1800 objetos, incluyendo algunos de los tesoros más raros del museo. ^{[ 96 ]} La decisión de combinar los dos períodos históricos en una exhibición continua que muestra los vínculos entre ellos también fue elogiada. ^{[ 95 ]} Todo el proyecto tardó siete años en completarse y costó 31,75 millones de libras esterlinas. ^{[ 98 ]} Para conectar las tres plantas de las galerías, un patio de servicio interior al aire libre se convirtió en una galería con techo de cristal de tres plantas de altura. ^{[ 96 ] [ 99 ]} Este espacio permitió exhibir uno de los objetos más grandes de la colección, la fachada de la casa de Paul Pinder. ^{[ 97 ]} El coro alto de la Catedral de San Juan ('s-Hertogenbosch) en la sala 50a fue sometido a conservación y limpieza para formar el telón de fondo de una galería que contiene bocas de pozo, arcos y balcones de patios renacentistas. ^{[ 97 ] [ 100 ]} La sala contigua, 50b, tiene una nave central flanqueada por retablos decorados que conduce a la capilla del convento de Santa Clara en Florencia, la única capilla renacentista italiana fuera de Italia. ^{[ 101 ]}

Una propuesta de ampliación en Exhibition Road que abarcaba el área anteriormente ocupada por las calderas del museo fue abandonada en 2004 tras no recibir financiación del Heritage Lottery Fund . ^{[ 102 ]} Ese proyecto fue diseñado por Daniel Libeskind con Cecil Balmond y era conocido como The Spiral . ^{[ 103 ]}

En su lugar se construyó un nuevo Exhibition Road Quarter, diseñado por el estudio AL A de Amanda Levete , que abrió sus puertas en 2017. ^{[ 56 ] [ 104 ]} Cuenta con un patio de baldosas de porcelana, ahora llamado Exhibition Road Courtyard , y una nueva galería subterránea sin columnas de 1100 metros cuadrados para exposiciones temporales. ^{[ 105 ] [ 106 ]} A este espacio, la Sainsbury Gallery, se accede a través de una nueva entrada, la Blavatnik Hall. El proyecto Exhibition Road Quarter creó 6400 metros cuadrados de espacio adicional, que fue la mayor expansión del museo en más de 100 años. ^{[ 105 ]} La Aston Webb Screen, la columnata construida para ocultar las calderas del museo, fue restaurada y se eliminaron secciones para permitir el acceso al patio. ^{[ 107 ]} El nuevo patio de 1200 metros cuadrados es el primer patio totalmente de porcelana del mundo y está cubierto con 11 000 baldosas de porcelana hechas a mano. ^{[ 56 ]} Un pabellón con paredes de vidrio y techo angular se ubica en una esquina y alberga una cafetería. ^{[ 105 ]} Tragaluces proporcionan luz natural a la escalera y al espacio de exposición inferior. ^{[ 108 ]}

Cuando se inauguró, el patio de Exhibition Road se denominó patio Sackler, ya que había sido patrocinado en parte por la familia Sackler, propietaria de Purdue Pharma , fabricante del analgésico opioide adictivo OxyContin . En noviembre de 2019, la artista Nan Goldin lideró una protesta simbólica en la entrada del patio, en contra de que el V&A aceptara donaciones de los Sackler. ^{[ 109 ]} El director del museo, Tristram Hunt , defendió la relación del museo con los Sackler, afirmando que se sentían orgullosos de haber recibido su apoyo durante varios años. ^{[ 110 ]} En 2022, el museo anunció que cortaba todos los vínculos financieros con la familia Sackler y el nombre Sackler fue eliminado tanto del patio como del centro educativo. ^{[ 111 ] [ 112 ]}

El éxito de los proyectos de FuturePlan permitió obtener financiación para rediseñar otras áreas del museo. Estos proyectos, denominados FuturePlan Fase 2, incluyeron:

• Las galerías europeas de los siglos XVII y XVIII, diseñadas por ZMMA, abrieron sus puertas el 9 de diciembre de 2015 y restauraron los interiores victorianos originales. ^{[ 113 ]}
• La tienda del V&A, diseñada por Friends & Co, abrió sus puertas en mayo de 2017 ^{[ 90 ].}
• Las Cast Courts, rediseñadas por Metaphor, con la East Court reabriendo en 2014 y la West Court en 2018 ^{[ 12 ] [ 90 ]}
• Una nueva sala para socios, diseñada por Garmody Groarke, abrió sus puertas en el edificio Aston Webb en septiembre de 2017. ^{[ 90 ]}
• La primera fase del Centro de Fotografía, diseñada por David Kohn Architects, se inauguró en octubre de 2018 y aumentó considerablemente el espacio de la galería. ^{[ 90 ]} La primera fase fue inaugurada oficialmente por la duquesa de Cambridge , quien se convirtió en la mecenas real del museo en marzo de 2018. ^{[ 114 ]} La segunda fase del Centro de Fotografía se inauguró en 2022 y creó una sala de lectura y dos galerías para exposiciones temporales. ^{[ 90 ]}

El 15 de septiembre de 2018, se inauguró el primer museo V&A fuera de Londres, el V&A Dundee . El museo, construido con un coste de 80,11 millones de libras esterlinas, está situado en el paseo marítimo de Dundee y se centra en el diseño escocés, el mobiliario, los textiles, la moda, la arquitectura, la ingeniería y el diseño digital. ^{[ 115 ]}

En 2019, el V&A recibió el patrocinio de Bosch para una exposición sobre automóviles. Bosch había sido multada con 90 millones de euros por su participación en el escándalo de las emisiones diésel. Una portavoz del V&A declaró: «Bosch está a la vanguardia de la innovación, centrada en ofrecer soluciones sostenibles para la movilidad del futuro». ^{[ 116 ]}

En 2021, los planes para reducir los costos del museo mediante la reorganización de sus colecciones por fecha en lugar de por material fueron abandonados después de que los críticos dijeran que llevaría a recortes de personal y, por lo tanto, a una pérdida de experiencia. ^{[ 117 ]}

Para septiembre de 2024, los objetos almacenados en Blythe House se habían trasladado al V&A East Storehouse en el este de Londres. ^{[ 118 ]} El traslado requirió la transferencia de 331.321 partes de objetos, 350.000 volúmenes de biblioteca y 915 colecciones de archivo. ^{[ 4 ] [ 119 ]}

La Fashion Gallery cerró a finales de 2025 para una importante remodelación y reabrirá en la primavera de 2027. ^{[ 120 ] [ 121 ]}

Las galerías Design 1900-Now reabrieron en febrero de 2026 con un total de 250 artículos en exhibición, incluyendo 60 nuevas incorporaciones. ^{[ 122 ]}

En marzo de 2026, las cuatro salas que albergan la Colección Rosalinde y Arthur Gilbert fueron reabiertas tras una importante renovación. Se crearon tres nuevas salas (70b, 71a y 72a) para la colección a partir de antiguas oficinas. ^{[ 123 ] [ 124 ]} El nuevo diseño permite un mayor énfasis en los micromosaicos , en lugar de los objetos de oro y plata, de la colección y más información sobre la procedencia de los objetos que se exhiben. ^{[ 123 ] [ 125 ]} Estas galerías acogieron programación como parte del Mes de la Cultura Judía inaugural en 2026, incluyendo una visita guiada por un curador a la cerámica judía inglesa y eventos de narración de cuentos de Shavuot basados ​​en la Colección Gilbert. ^{[ 126 ] [ 127 ]}

• 
  Habitación 70b
• 
  Habitación 71a
• 
  Habitación 72a

En 2026, el V&A acordó censurar imágenes de mapas de China de la década de 1930 a petición de la Administración General de Prensa y Publicaciones del gobierno chino . ^{[ 128 ]}

En 2004, el V&A, junto con el Real Instituto de Arquitectos Británicos (RIBA), inauguró la primera galería permanente del Reino Unido dedicada a la historia de la arquitectura, con exposiciones que incluían maquetas, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. ^{[ 130 ]} Al mismo tiempo, la Colección de Dibujos y Archivos del RIBA se transfirió al museo, sumándose a la ya extensa colección del V&A. Con más de 600 000 dibujos, más de 750 000 documentos y objetos relacionados, y más de 700 000 fotografías, conforman en conjunto el recurso arquitectónico más completo del mundo.

La colección incluye dibujos de numerosos arquitectos europeos y estadounidenses. La colección del RIBA, con más de 330 dibujos de Andrea Palladio, es la más grande del mundo. ^{[ 131 ]} También están bien representados Jacques Gentilhatre y Antonio Visentini . ^{[ 132 ] [ 133 ]}

Entre los arquitectos británicos cuyos dibujos, y en algunos casos maquetas de edificios, se encuentran en la colección, se incluyen: Inigo Jones , ^{[ 134 ]} Sir Christopher Wren , Robert Adam , ^{[ 135 ]} Sir William Chambers , ^{[ 136 ]} Sir John Soane , ^{[ 137 ]} Sir Charles Barry , Charles Robert Cockerell , Augustus Welby Northmore Pugin , ^{[ 138 ]} Richard Norman Shaw , Sir Edwin Lutyens , Charles Rennie Mackintosh , Charles Holden , Lord Richard Rogers , Lord Norman Foster .

Además de habitaciones de época, la colección incluye partes de edificios, por ejemplo, los dos pisos superiores de la fachada de la casa de Sir Paul Pindar , datada alrededor de 1600 en Bishopsgate , con elaborados trabajos de carpintería tallada y ventanas emplomadas, un raro superviviente del Gran Incendio de Londres . ^{[ 139 ]} Un portal de ladrillo de una casa londinense del período de la Restauración inglesa y una chimenea de la galería de Northumberland House. Entre los ejemplos europeos se incluye una ventana abuhardillada fechada entre 1523 y 1535 del castillo de Montal. Hay varios ejemplos de edificios del Renacimiento italiano, incluidos portales, chimeneas, balcones y un aparador de piedra que antiguamente tenía una fuente incorporada. La galería principal de arquitectura tiene una serie de pilares de varios edificios y diferentes períodos, por ejemplo, una columna de la Alhambra . Los ejemplos de Asia se encuentran en las galerías dedicadas a esos países, así como maquetas y fotografías en la galería principal de arquitectura.

En junio de 2022, el RIBA anunció que pondría fin a su colaboración de 20 años con el V&A en 2027, "de mutuo acuerdo", cerrando así la galería permanente de arquitectura del museo. Los objetos se reintegrarán a las colecciones existentes del RIBA, y algunos se reubicarán en la sede del instituto en 66 Portland Place, que se convertirá en la nueva Casa de la Arquitectura tras una remodelación de 20 millones de libras. ^{[ 140 ]}

El museo alberga más de 19.000 objetos del mundo islámico, desde el período islámico temprano (siglo VII) hasta principios del siglo XX. La Galería Jameel de Arte Islámico, inaugurada en 2006, alberga 400 objetos de España, el norte de África, Oriente Medio, Asia Central y Afganistán. La pieza central de la galería es la Alfombra de Ardabil . Se exhiben numerosos ejemplos de Coranes con exquisita caligrafía de diferentes épocas. Un minbar del siglo XV procedente de una mezquita de El Cairo, con marfil formando complejos patrones geométricos incrustados en madera, es uno de los objetos de mayor tamaño expuestos. Se muestran numerosos ejemplos de cerámica, especialmente cerámica de Iznik , objetos de vidrio, incluyendo lámparas del siglo XIV procedentes de mezquitas, y objetos de metal. Una jarra de cristal de roca del siglo X está considerada una obra maestra del arte islámico . La colección de alfombras de Oriente Medio y Persia se encuentra entre las mejores del mundo; muchas formaron parte del legado de Salting de 1909. Entre los ejemplos de azulejos se incluye una chimenea de Estambul de 1731, elaborada con azulejos azules y blancos de intrincada decoración. También se exhiben azulejos turquesa procedentes del exterior de edificios de Samarcanda .

La colección asiática del V&A cuenta con más de 160 000 objetos, una de las mayores del mundo. Posee una de las colecciones de arte chino más completas e importantes a nivel mundial, mientras que su colección de arte del sur de Asia es la más importante de Occidente. El museo abarca piezas del sur y sureste de Asia, los reinos del Himalaya, China, el Lejano Oriente y el mundo islámico.

Asia meridional

Las colecciones de arte del sur y sureste asiático del museo son las más completas e importantes de Occidente, con casi 60.000 objetos, incluyendo unos 10.000 textiles y 6.000 pinturas ^{[ 141 ].} La galería de arte indio Jawaharlal Nehru , que abrió sus puertas en 1991, contiene arte desde aproximadamente el año 500 a. C. hasta el siglo XIX. Hay una extensa colección de esculturas, principalmente de carácter religioso, hindú , budista y jainista . La galería incluye arte del Imperio mogol y la Confederación Maratha , incluyendo retratos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, copas de vino de jade y cucharas de oro incrustadas con esmeraldas, diamantes y rubíes. También de este período son partes de edificios como un jaali y pilares. ^{[ 142 ]} Se exhiben prendas de vestir y textiles producidos en la India, desde chintz de algodón teñido , muselina hasta trabajos de bordado con hilo de oro y plata, lentejuelas de colores y cuentas, así como alfombras de Agra y Lahore .

Entre 1879 y 1880, las colecciones del extinto Museo de la India de la Compañía Británica de las Indias Orientales fueron transferidas al Museo Victoria y Alberto y al Museo Británico. Entre los objetos de la colección se encuentran el Tigre de Tipu , un autómata del siglo XVIII creado para Tipu Sultan , gobernante del Reino de Mysore , y la Copa de Vino de Shah Jahan , la copa de vino personal de un emperador mogol.

A partir de marzo de 2026, la galería del sur de Asia en South Kensington está cerrada por una importante remodelación y está previsto que reabra en 2028. ^{[ 143 ]}

El edificio de South Kensington alberga la Biblioteca Nacional de Arte , una biblioteca pública con más de 750 000 libros, fotografías, dibujos, pinturas y grabados. Es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicada al estudio de las bellas artes y las artes decorativas. ^{[ 147 ]} La biblioteca incluye colecciones especiales que abarcan manuscritos iluminados , libros raros, cartas de artistas y archivos. Consta de tres amplias salas públicas, con alrededor de cien mesas de estudio individuales.

Uno de los grandes tesoros de la biblioteca es el Códice Forster, uno de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci . El Códice consta de tres manuscritos encuadernados en pergamino, Forster I, Forster II y Forster III, de tamaño bastante pequeño, fechados entre 1490 y 1505. ^{[ 148 ]} Su contenido incluye una gran colección de bocetos y referencias a la escultura ecuestre encargada por el duque de Milán Ludovico Sforza para conmemorar a su padre Francesco Sforza . ^{[ 148 ]} Estos fueron legados al museo en 1876 por John Forster , junto con más de 18 000 libros. ^{[ 149 ]}

El reverendo Alexander Dyce donó más de 14 000 libros al museo en 1869. ^{[ 150 ]} Su donación incluía ediciones antiguas, en griego y latín, de los poetas y dramaturgos Esquilo , Aristóteles , Homero , Tito Livio , Ovidio , Píndaro , Sófocles y Virgilio . Entre los autores más recientes se encuentran Giovanni Boccaccio , Dante , Racine , Rabelais y Molière .

Entre los manuscritos iluminados de la biblioteca que datan de los siglos XII al XVI se incluyen: una hoja del Salterio de Eadwine , Canterbury ; el Libro de Horas de bolsillo , Reims ; el Misal de la Basílica Real de Saint Denis , París; el Libro de Horas de Simon Marmion , Brujas ; la Carta de 1524 iluminada por Lucas Horenbout , Londres; el manuscrito de Armagnac del juicio y rehabilitación de Juana de Arco , Rouen . ^{[ 151 ]}

Entre los autores victorianos representados se encuentran Charles Dickens , con los manuscritos de la mayoría de sus novelas; Beatrix Potter , con la mayor colección de sus manuscritos originales del mundo ^{[ 152 ]} y William Morris .

La Biblioteca Nacional de Arte también incluye una colección de cómics y arte del cómic. Esta colección comprende el Krazy Kat Arkive, que consta de 4200 cómics, y la Colección Rakoff, que consta de 17 000 piezas recopiladas por el escritor y editor Ian Rakoff. ^{[ 153 ]}

A principios de la década de 2000, la Biblioteca Nacional de Arte se fusionó con el departamento de Grabados, Pinturas y Dibujos para formar el Departamento de Palabra e Imagen. ^{[ 154 ]} En 2007, el departamento inició un proyecto de digitalización a gran escala, el Proyecto Fábrica, para digitalizar completamente la colección. El proyecto comenzó tomando fotografías digitales de cada elemento para reemplazar la colección de antiguas fotos en blanco y negro. Estas nuevas fotografías estarán disponibles en línea. Se tomaron 15 000 imágenes durante el primer año del proyecto, incluyendo dibujos, acuarelas, arte generado por computadora, fotografías, carteles y xilografías. El siguiente paso del proyecto es catalogar todo y auditar la colección para asegurar que cada elemento que figura en la lista de la colección se haya encontrado físicamente durante el proyecto. Además, se identificaron y trataron los elementos que necesitaban conservación. ^{[ 155 ]}

Estas quince galerías, inauguradas en noviembre de 2001, albergan alrededor de 4.000 objetos y se organizan en torno a tres temas principales: «Estilo», «Quién marcó tendencia» y «Novedades». El período que abarcan es de 1500 a 1900, y las galerías se dividen en tres subdivisiones principales:

• La Gran Bretaña de los Tudor y los Estuardo , 1500-1714, que abarca los estilos renacentista, isabelino , jacobino , de la Restauración y barroco.
• La Gran Bretaña georgiana , 1714-1837, que abarca el palladianismo , el rococó , la chinoiserie , el neoclasicismo , la Regencia , la influencia de los estilos chino, indio y egipcio, y el renacimiento gótico temprano.
• La Gran Bretaña victoriana , 1837-1901, que abarca las últimas fases del neogótico, las influencias francesas, los renacimientos clásico y renacentista, el esteticismo , el estilo japonés, la continua influencia de China, India y el mundo islámico, el movimiento Arts and Crafts y la escuela escocesa.

También se exhiben obras de artistas europeos adquiridas o encargadas por mecenas británicos, así como importaciones de Asia, incluyendo porcelana, tela y papel pintado. Entre los diseñadores y artistas cuyas obras se exhiben se encuentran Gian Lorenzo Bernini , Grinling Gibbons , Daniel Marot , Louis Laguerre , Antonio Verrio , Sir James Thornhill , William Kent, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Canova, Thomas Chippendale , Pugin y William Morris. Mecenas que han influido en el gusto también están representados por obras de arte de sus colecciones, entre ellos: Horace Walpole (una figura clave en el renacimiento gótico), William Thomas Beckford y Thomas Hope .

Las galerías exhiben una serie de habitaciones de época, completas y parciales, procedentes de edificios demolidos, entre las que se incluyen:

• El salón de la casa situada en el número 2 de Henrietta Street, Londres, datado entre 1727 y 1728 y diseñado por James Gibbs.
• La sala de música de Norfolk House , ^{[ 156 ]} St James Square, Londres, fechada en 1756, diseñada por Matthew Brettingham y Giovanni Battista Borra
• Parte de una pared del Salón de Cristal de Northumberland House , fechado entre 1773 y 1775, diseñado por Robert Adam.

Algunas de las obras más destacadas expuestas en las galerías incluyen:

• Busto de terracota coloreada de Enrique VII de Pietro Torrigiani , fechado entre 1509 y 1511
• Escritorio de Enrique VIII , fechado en 1525, hecho de nogal y roble, forrado en cuero y pintado y dorado con el escudo de armas del rey.
• Una espineta fechada entre 1570 y 1580, hecha para Isabel I.
• La Gran Cama de Ware , fechada entre 1590 y 1600, una cama grande con cuatro postes, elaboradamente tallada y con cabecero de marquetería.
• Busto de Thomas Baker , obra de Gianlorenzo Bernini , de la década de 1630.
• Tapices del siglo XVII procedentes de los talleres de tapicería de Sheldon y Mortlake.
• El relieve en madera de La lapidación de San Esteban, fechado alrededor de 1670 , obra de Grinling Gibbons.
• El juego de vino de Macclesfield, fechado entre 1719 y 1720, fabricado por Anthony Nelme, es el único juego completo que se conserva.
• La escultura de tamaño natural de George Frederick Handel , fechada en 1738, obra de Louis-François Roubiliac.
• Muebles de Thomas Chippendale y Robert Adam
• La escultura de Bashaw , fechada entre 1831 y 1834, por Matthew Cotes Wyatt ^{[ 157 ].}
• Muebles estéticos y de estilo Arts & Crafts de Edward William Godwin ^{[ 158 ]} y Charles Rennie Mackintosh; ^{[ 159 ]} y alfombras y textiles de interior de William Morris .

Las galerías también vinculan el diseño con tendencias más amplias de la cultura británica. Por ejemplo, el diseño en el período Tudor estuvo influenciado por la difusión de los libros impresos y el trabajo de artistas y artesanos europeos empleados en Gran Bretaña. En el período Estuardo, el creciente comercio, especialmente con Asia, permitió un mayor acceso a lujos como alfombras, muebles lacados, sedas y porcelana. En la época georgiana, se hizo mayor hincapié en el entretenimiento y el ocio. Por ejemplo, el aumento del consumo de té propició la producción de accesorios para el té, como porcelana y cajas. Los estilos europeos, presentes en el Grand Tour, también influyeron en el gusto. Con la consolidación de la Revolución Industrial , el crecimiento de la producción en masa dio lugar a emprendedores como Josiah Wedgwood , Matthew Boulton y Eleanor Coade . En la época victoriana, las nuevas tecnologías y la maquinaria tuvieron un impacto significativo en la manufactura, y por primera vez desde la Reforma, las iglesias anglicana y católica romana influyeron notablemente en el arte y el diseño, como en el caso del neogótico. Se exhiben objetos adquiridos en la Gran Exposición. A finales del siglo XIX, la creciente reacción en contra de la industrialización, liderada por John Ruskin , contribuyó al surgimiento del movimiento Arts and Crafts.

Esta es la colección de cerámica más grande y completa del mundo, con más de 80 000 objetos. Todos los continentes habitados están representados. Gran parte de la planta superior del recinto de South Kensington está dedicada a galerías de cerámica. Estos espacios incluyen vitrinas con una selección representativa y también grandes exposiciones de la colección de reserva, que se muestran a la vista del público.

• 
• 
  Galerías de cerámica, Museo Victoria y Alberto
• 
• 

La colección cuenta con una excelente representación de la porcelana de Meissen , con ejemplos como el Buitre de Meissen de 1731 y la vajilla Möllendorff de 1762. La cerámica de la Manufacture nationale de Sèvres es extensa, especialmente de los siglos XVIII y XIX. La colección de porcelana británica del siglo XVIII es la más grande y selecta del mundo. Se encuentran representados ejemplos de todas las fábricas, destacando especialmente las colecciones de porcelana de Chelsea y Worcester . Todas las principales fábricas británicas del siglo XIX también están representadas. El legado de Salting en 1909 enriqueció el acervo del museo de cerámica china y japonesa , y forma parte de la mejor colección de cerámica y porcelana de Asia Oriental del mundo, incluyendo la cerámica Kakiemon .

Numerosos alfareros famosos, como Josiah Wedgwood, William De Morgan y Bernard Leach, así como Mintons y Royal Doulton, están representados en la colección. Hay una extensa colección de cerámica de Delft producida tanto en Gran Bretaña como en los Países Bajos, que incluye una pirámide floral de alrededor de 1695 de más de un metro de altura. Bernard Palissy tiene varios ejemplos de su obra en la colección, incluyendo platos, jarras y candelabros. Los objetos más grandes de la colección son una serie de estufas de cerámica ricamente ornamentadas de los siglos XVI y XVII, hechas en Alemania y Suiza. Hay una colección inigualable de mayólica italiana y loza española con lustre . La colección de cerámica de Iznik de Turquía es la más grande del mundo.

La colección de vidrio abarca 4000 años de historia de la fabricación de vidrio y cuenta con más de 6000 piezas de África, Gran Bretaña, Europa, América y Asia. Las piezas de vidrio más antiguas expuestas provienen del Antiguo Egipto. Otras exhibiciones presentan vidrio de la Antigua Roma, así como de la Europa medieval y renacentista, incluyendo vidrio veneciano y bohemio . Entre los períodos más recientes se encuentran el vidrio Art Nouveau de Louis Comfort Tiffany y Émile Gallé , y las obras Art Déco de René Lalique . Hay muchos ejemplos de candelabros de cristal, tanto ingleses, ^{[ 160 ]} expuestos en las galerías británicas, como extranjeros; por ejemplo, uno veneciano atribuido a Giuseppe Briati y fechado alrededor de 1750. ^{[ 161 ]}

La colección de vidrieras es posiblemente la mejor del mundo, abarcando desde la época medieval hasta la moderna, e incluyendo obras de Europa y Gran Bretaña. En las Galerías Británicas se exhiben varios ejemplos de vidrieras heráldicas inglesas del siglo XVI. La colección cuenta con la representación de numerosos diseñadores de vidrieras de renombre, entre ellos, del siglo XIX: Dante Gabriel Rossetti , Edward Burne-Jones y William Morris . También se incluye un ejemplo de la obra de Frank Lloyd Wright . Entre los diseñadores destacados del siglo XX se encuentran Harry Clarke , John Piper , Patrick Reyntiens , Veronica Whall y Brian Clarke . ^{[ 162 ]}

La galería principal de vidrio de South Kensington fue rediseñada en 1994. La balaustrada de vidrio de la escalera y el entresuelo es obra de Danny Lane . La galería dedicada al vidrio contemporáneo abrió sus puertas en 2004, y la galería de plata sagrada y vidrieras en 2005. En esta última, las vidrieras se exhiben junto con objetos de plata desde el siglo XII hasta la actualidad. Las vidrieras de la Sainte-Chapelle , fechadas entre 1243 y 1248, se exponen en las galerías medievales y renacentistas, donde también se exhibe el importante vaso de vidrio del siglo XIII conocido como la Suerte de Edenhall .

Los grabados y dibujos de las más de 750.000 obras de la colección pueden verse bajo petición en la sala de grabados , la "Sala de estudio de grabados y dibujos"; es necesario reservar una cita. ^{[ 163 ]} La colección de dibujos incluye más de 10.000 obras británicas y 2.000 obras de maestros antiguos, incluidas obras de: Dürer , Giovanni Benedetto Castiglione , Bernardo Buontalenti , Rembrandt , Antonio Verrio, Paul Sandby , John Russell , Angelica Kauffman , John Flaxman , ^{[ 164 ]} Hugh Douglas Hamilton , Thomas Rowlandson , William Kilburn , Thomas Girtin , Jean-Auguste-Dominique Ingres , David Wilkie , John Martin , Samuel Palmer , Sir Edwin Henry Landseer , Lord Leighton , Sir Samuel Luke Fildes y Aubrey Beardsley . Entre los artistas británicos modernos representados en la colección se incluyen: Paul Nash , Percy Wyndham Lewis , Eric Gill , Stanley Spencer , John Piper, Robert Priseman , Graham Sutherland , Lucian Freud y David Hockney .

La colección de grabados cuenta con más de 500.000 objetos, entre los que se incluyen carteles, tarjetas de felicitación, ex libris, así como una amplia colección de grabados de grandes maestros desde el Renacimiento hasta la actualidad, incluyendo obras de Rembrandt, William Hogarth , Giovanni Battista Piranesi , Canaletto , Karl Friedrich Schinkel , Henri Matisse y Sir William Nicholson .

En noviembre de 2012, el museo inauguró su primera galería dedicada exclusivamente al mobiliario. Anteriormente, los muebles se exhibían dentro de un contexto histórico más amplio, en lugar de presentarse de forma aislada para mostrar sus méritos de diseño y construcción. Entre los diseñadores cuyas obras se exhibieron en la nueva galería se encontraban Ron Arad , John Henry Belter , Joe Colombo , Eileen Gray , Grete Jalk , Verner Panton , Pierre Paulin , Thonet y Frank Lloyd Wright . ^{[ 165 ] [ 166 ] [ 167 ]}

La colección de muebles, si bien abarca Europa y América desde la Edad Media hasta la actualidad, es predominantemente británica, datada entre 1700 y 1900. ^{[ 168 ]} Muchos de los mejores ejemplos se exhiben en las Galerías Británicas, incluyendo piezas de Chippendale, Adam, Morris y Mackintosh. ^{[ 169 ]} Uno de los objetos más antiguos es una pata de silla del Egipto Medio datada entre el 200 y el 395 d. C. ^{[ 165 ] [ 170 ]}

La colección de muebles y carpintería también incluye habitaciones completas, instrumentos musicales y relojes. Entre las habitaciones propiedad del museo se encuentra el tocador de Madame de Sévilly (París, 1781-1782) de Claude Nicolas Ledoux , con paneles pintados por Jean Simeon Rousseau de la Rottière . ^{[ 171 ]} La oficina Kaufmann de Frank Lloyd Wright, diseñada y construida entre 1934 y 1937 para el propietario de unos grandes almacenes de Pittsburgh, se exhibe actualmente en el almacén este del V&A. ^{[ 172 ]}

La colección incluye piezas de William Kent, Henry Flitcroft , Matthias Lock , James Stuart , William Chambers , John Gillow, James Wyatt, Thomas Hopper , Charles Heathcote Tatham , Pugin, William Burges , Charles Voysey , Charles Robert Ashbee , Baillie Scott , Edwin Lutyens, Edward Maufe , Wells Coates y Robin Day . El museo también alberga la colección nacional de papel pintado, que está a cargo del departamento de Grabados, Dibujos y Pinturas. ^{[ 173 ] [ 174 ]}

La colección Soulages de objetos del Renacimiento italiano y francés fue adquirida entre 1859 y 1865 e incluye varios cassone . La colección John Jones de arte y mobiliario francés del siglo XVIII fue legada al museo en el legado Jones de 1882, valorada entonces en 250.000 libras esterlinas. Una de las piezas más importantes de esta colección es una cómoda con marquetería del ebanista Jean Henri Riesener, fechada alrededor de 1780. Otros muebles firmados en la colección incluyen un escritorio de Jean-François Oeben , un par de pedestales con incrustaciones de latón de André Charles Boulle , una cómoda de Bernard Vanrisamburgh y una mesa de trabajo de Martin Carlin . Otros ebanistas del siglo XVIII representados en la colección del museo son Adam Weisweiler , David Roentgen , Gilles Joubert y Pierre Langlois. En 1901, Sir George Donaldson donó al museo varias piezas de mobiliario modernista , que había adquirido el año anterior en la Exposición Universal de París . Esta donación fue criticada en su momento, lo que provocó que el museo dejara de adquirir piezas contemporáneas y no volviera a hacerlo hasta la década de 1960. En 1986, la colección Lady Abingdon de muebles del Imperio francés fue legada por la Sra. TRP Hole.

Hay un conjunto de puertas con incrustaciones, fechadas en 1580, procedentes del Ayuntamiento de Amberes , atribuidas a Hans Vredeman de Vries . Una de las mejores piezas de mobiliario continental de la colección es el escritorio-armario rococó Augustus Rex, fechado alrededor de 1750, procedente de Alemania, con una marquetería y apliques de bronce dorado especialmente finos . Una de las piezas más grandiosas del mobiliario del siglo XIX es el elaborado armario francés, fechado entre 1861 y 1867, realizado por M. Fourdinois, hecho de ébano con incrustaciones de madera de boj, tilo, acebo, peral, nogal y caoba, así como mármol con tallas doradas. Muebles diseñados por Ernest Gimson , Edward William Godwin , Charles Voysey, Adolf Loos y Otto Wagner se encuentran entre los ejemplos de finales del siglo XIX y principios del XX de la colección. La obra de los modernistas en la colección incluye a Le Corbusier , Marcel Breuer , Charles y Ray Eames y Giò Ponti .

Uno de los relojes más antiguos de la colección es un reloj astronómico de 1588, obra de Francis Nowe. Uno de los más grandes es el reloj de pie de James Markwick el Joven , de 1725, de casi 3 metros de altura y lacado . Otros relojeros cuyas obras se encuentran en la colección son: Thomas Tompion , Benjamin Lewis Vulliamy , John Ellicott y William Carpenter.

La colección de joyería del museo, que contiene más de 6000 piezas, es una de las colecciones de joyería más finas y completas del mundo e incluye obras que datan desde el Antiguo Egipto hasta la actualidad. El museo posee piezas de renombrados joyeros como Cartier , Jean Schlumberger , Peter Carl Fabergé , Andrew Grima , Hemmerle y René Lalique . ^{[ 175 ]} Otros artículos de la colección incluyen adornos de diamantes para vestidos hechos para Catalina la Grande , broches de pulsera que pertenecieron a María Antonieta y el collar de esmeraldas de Beauharnais que Napoleón regaló a su hija adoptiva Hortense de Beauharnais en 1806. ^{[ 176 ]} El museo también colecciona joyería moderna internacional de diseñadores como Gijs Bakker , Onno Boekhoudt y Wendy Ramshaw , y joyería tradicional africana y asiática. Entre los legados más importantes se encuentran la colección de 154 gemas del reverendo Chauncy Hare Townshend, legada en 1869; la donación de Lady Cory en 1951 de importantes joyas de diamantes de los siglos XVIII y XIX; y la donación de la experta en joyería Dame Joan Evans en 1977 de más de 800 joyas que datan desde la Edad Media hasta principios del siglo XIX. Una nueva galería de joyería, financiada por William y Judith Bollinger, abrió sus puertas el 24 de mayo de 2008. ^{[ 94 ]}

Esta colección de más de 45.000 objetos abarca trabajos decorativos en hierro, tanto forjados como fundidos , bronce, platería, armas y armaduras, peltre, latón y esmaltes (incluidos numerosos ejemplos de esmalte de Limoges ). La galería principal de trabajos en hierro fue rediseñada en 1995.

La colección cuenta con más de 10 000 objetos de plata u oro. La exposición (que representa aproximadamente el 15 % de la colección) se divide en objetos seculares ^{[ 177 ]} y sagrados ^{[ 178 ]} , abarcando tanto objetos litúrgicos cristianos ( católicos romanos , anglicanos y ortodoxos griegos ) como judíos , así como otras obras. La galería principal de plata se divide en las siguientes áreas: plata británica anterior a 1800; plata británica de 1800 a 1900; plata modernista y contemporánea; y plata europea. La colección incluye la pieza de plata inglesa más antigua conocida con un sello fechado: un vaso de plata dorada fechado entre 1496 y 1497.

Entre los plateros cuyas obras están representadas en la colección se encuentran Paul Storr ^{[ 179 ]} (cuyo Tintero de Castlereagh, fechado entre 1817 y 1819, es una de sus mejores obras) y Paul de Lamerie . ^{[ 180 ]}

La galería principal de trabajos en hierro abarca el hierro forjado y fundido europeo desde el período medieval hasta principios del siglo XX. El maestro del hierro forjado Jean Tijou está representado tanto por ejemplos de su obra como por diseños en papel. Uno de los objetos más grandes es la Reja de Hereford , ^{[ 181 ]} que pesa casi 8 toneladas, 10,5 metros de alto y 11 metros de ancho, diseñada por Sir George Gilbert Scott en 1862 para el presbiterio de la Catedral de Hereford , de donde fue retirada en 1967. Fue fabricada por Skidmore & Company. Su estructura de madera y hierro fundido está embellecida con hierro forjado, latón bruñido y cobre. Gran parte del cobre y el hierro está pintado en una amplia gama de colores. Los arcos y las columnas están decorados con cuarzo pulido y paneles de mosaico.

Una de las obras más raras de la colección es el candelabro de Gloucester  de 58 cm de altura , ^{[ 182 ]} fechado alrededor de 1110, hecho de bronce dorado; con ramas entrelazadas muy elaboradas e intrincadas que contienen pequeñas figuras e inscripciones, es una obra maestra de la fundición en bronce. También es importante el cofre de Becket, fechado alrededor de 1180 para contener reliquias de Santo Tomás Becket , hecho de cobre dorado, con escenas esmaltadas del martirio del santo. Otro punto culminante es el báculo de Reichenau de 1351. ^{[ 183 ]} El Burghley Nef , un salero francés, fechado entre 1527 y 1528, utiliza una concha de nautilo para formar el casco de una vasija, que descansa sobre la cola de una sirena parcialmente dorada, que descansa sobre un pedestal hexagonal dorado sobre seis patas de garra y bola. Ambos mástiles cuentan con velas mayores y mayores, y las cofas almenadas están hechas de oro. Estas piezas se exhiben en las nuevas galerías medievales y renacentistas.

Los instrumentos musicales son clasificados como mobiliario por el museo, ^{[ 184 ]} aunque los instrumentos asiáticos se encuentran en sus departamentos correspondientes. ^{[ 185 ]}

Entre los instrumentos más importantes que posee el museo se encuentran un violín de Antonio Stradivari de 1699, un oboe que perteneció a Gioachino Rossini y una espineta enjoyada de 1571, obra de Annibale Rossi. ^{[ 186 ]} La colección también incluye un virginal de c. 1570 que se dice perteneció a Isabel I , ^{[ 187 ]} y pianos de finales del siglo XIX diseñados por Edward Burne-Jones, ^{[ 188 ]} y Baillie Scott. ^{[ 189 ]}

La galería de Instrumentos Musicales cerró el 25 de febrero de 2010, ^{[ 190 ]} una decisión que fue muy controvertida. ^{[ 184 ]} Una petición en línea con más de 5100 firmas en el sitio web del Parlamento llevó a Chris Smith a preguntar en el Parlamento sobre el futuro de la colección. ^{[ 191 ]} La respuesta, de Bryan Davies , fue que el museo tenía la intención de preservar y cuidar la colección y mantenerla disponible para el público, con objetos que se redistribuirían a las Galerías Británicas, las Galerías Medievales y Renacentistas y las nuevas galerías planificadas para Mobiliario y Europa 1600-1800, y que el Museo Horniman y otras instituciones eran posibles candidatos para préstamos de material para asegurar que los instrumentos permanecieran visibles al público. ^{[ 191 ]} El Horniman pasó a albergar una exposición conjunta con el V&A de instrumentos musicales, ^{[ 192 ]} y tiene en préstamo 35 instrumentos del museo. ^{[ 193 ]}

La colección incluye aproximadamente 1130 pinturas al óleo británicas y 650 europeas, 6800 acuarelas británicas , pasteles y 2000 miniaturas , de las cuales el museo posee la colección nacional. También en préstamo al museo, de Su Majestad el Rey Carlos III , están los Cartones de Rafael : ^{[ 194 ]} los siete diseños a escala real que se conservan (había diez) para tapices en la Capilla Sixtina , de las vidas de Pedro y Pablo de los Evangelios y los Hechos de los Apóstoles . También se exhibe un fresco de Pietro Perugino , fechado en 1522, de la iglesia de Castello en Fontignano ( Perugia ), que se encuentra entre las últimas obras del pintor. Uno de los objetos más grandes de la colección es el retablo español de San Jorge, c. 1400 , 670 x 486  cm, en témpera sobre madera, que consta de numerosas escenas y pintado por Andrés Marzal De Sax en Valencia .

Los artistas británicos del siglo XIX están bien representados. John Constable y J.M.W. Turner están representados con óleos, acuarelas y dibujos. Uno de los objetos más singulares de la exposición es la vitrina experimental de Thomas Gainsborough con sus paisajes retroiluminados, pintados sobre vidrio, lo que permitía cambiarlos como diapositivas. Otros paisajistas con obras expuestas son Philip James de Loutherbourg , Peter De Wint y John Ward .

En 1857, John Sheepshanks donó 233 pinturas, principalmente de artistas británicos contemporáneos, y un número similar de dibujos al museo con la intención de formar una "Galería Nacional de Arte Británico", un papel que desde entonces ha asumido la Tate Britain ; los artistas representados son William Blake , James Barry , Henry Fuseli , Sir Edwin Henry Landseer, Sir David Wilkie, William Mulready , William Powell Frith , Millais e Hippolyte Delaroche . Aunque algunas de las obras de Constable llegaron al museo con el legado de Sheepshanks, la mayoría de las obras del artista fueron donadas por su hija Isabel en 1888, ^{[ 195 ]} incluyendo el gran número de bocetos al óleo, el más significativo es el boceto al óleo de tamaño natural de 1821 ^{[ 196 ]} para El carro de heno . Otros artistas con obras en la colección incluyen: Bernardino Fungai , Marcus Gheeraerts el Joven , Domenico di Pace Beccafumi , Fioravante Ferramola , Jan Brueghel el Viejo , Anthony van Dyck , Ludovico Carracci , Antonio Verrio, Giovanni Battista Tiepolo , Domenico Tiepolo , Canaletto, Francis Hayman , Pompeo Batoni , Benjamin West , Richard Wilson , William Etty , Sir Thomas Lawrence , Francis Danby , Richard Parkes Bonington y Alphonse Legros .

La colección de 100 acuarelas británicas de Richard Ellison fue donada por su viuda en 1860 y 1873 «para promover la creación de la Colección Nacional de Acuarelas». Más de 500 óleos, acuarelas y miniaturas británicas y europeas, así como 3000 dibujos y grabados, fueron legados entre 1868 y 1869 por los clérigos Chauncey Hare Townshend y Alexander Dyce.

Varias pinturas francesas se incorporaron a la colección como parte de las 260 pinturas y miniaturas (no todas las obras eran francesas, por ejemplo, La Virgen con el Niño de Carlo Crivelli ) que formaron parte del legado de Jones de 1882 y que se exhiben en las galerías de arte continental de 1600 a 1800. Entre ellas se incluyen el retrato de François, duque de Alençon , de François Clouet , obras de Gaspard Dughet y de François Boucher, incluido su retrato de Madame de Pompadour fechado en 1758, Jean François de Troy , Jean-Baptiste Pater y sus contemporáneos.

Otro importante benefactor victoriano fue Constantine Alexander Ionides , quien legó 82 pinturas al óleo al museo en 1901, incluyendo obras de Botticelli , Tintoretto , Adriaen Brouwer , Jean-Baptiste-Camille Corot , Gustave Courbet , Eugène Delacroix , Théodore Rousseau , Edgar Degas , Jean-François Millet , Dante Gabriel Rossetti , Edward Burne-Jones, además de acuarelas y más de mil dibujos y grabados.

El legado de Salting de 1909 incluía, entre otras obras, acuarelas de JMW Turner. Otros acuarelistas son: William Gilpin , Thomas Rowlandson, William Blake, John Sell Cotman , Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear , James Abbott McNeill Whistler y Paul Cézanne .

En el patio oriental se exhibe una copia de La escuela de Atenas de Rafael , de más de 4 metros por 8 metros, fechada en 1755 y realizada por Anton Raphael Mengs .

Entre los miniaturistas representados en la colección se incluyen Jean Bourdichon , Hans Holbein el Joven , Nicholas Hilliard , Isaac Oliver , Peter Oliver , Jean Petitot , Alexander Cooper , Samuel Cooper , Thomas Flatman , Rosalba Carriera , Christian Friedrich Zincke , George Engleheart , John Smart , Richard Cosway y William Charles Ross .

La colección contiene más de 500.000 imágenes que datan de los inicios de la fotografía; la más antigua data de 1839. La galería presenta exposiciones temporales y cierra entre ellas para permitir la renovación completa de la muestra. En 1858, albergó la primera exposición fotográfica internacional del mundo.

La colección incluye obras de numerosos fotógrafos, desde Fox Talbot , Julia Margaret Cameron , la vizcondesa Clementina Hawarden , Gustave Le Gray , Benjamin Brecknell Turner , Frederick Hollyer , Samuel Bourne , Roger Fenton , Man Ray , Henri Cartier-Bresson , Ilse Bing , Bill Brandt , Cecil Beaton (con más de 8000 negativos ) , Don McCullin , David Bailey , Jim Lee y Helen Chadwick hasta la actualidad.

Una de las colecciones más singulares es la de las fotografías de Eadweard Muybridge sobre la locomoción animal de 1887, que consta de 781 placas. Estas secuencias de fotografías tomadas con una fracción de segundo de diferencia capturan imágenes de diferentes animales y humanos realizando diversas acciones. En la colección también se encuentran varias imágenes de John Thomson de 1876-7 sobre la vida en las calles de Londres. El museo también alberga los retratos de la alta sociedad de James Lafayette , una colección de más de 600 fotografías que datan de finales del siglo XIX y principios del XX, y que retratan a una amplia gama de figuras de la sociedad de la época, incluidos maharajás indios, gobernantes etíopes y fotografías que registran a los invitados al famoso baile de disfraces celebrado en Devonshire House en 1897 para celebrar el jubileo de diamante de la reina Victoria.

En 2003 y 2007, el extenso archivo de Curtis Moffat fue donado al museo. Durante las décadas de 1920 y 1930, creó dinámicas fotografías abstractas, innovadores bodegones a color y glamurosos retratos de la alta sociedad. También fue una figura clave en el diseño de interiores modernista. En París, durante la década de 1920, Moffat colaboró ​​con Man Ray, realizando retratos y fotogramas abstractos o "rayografías".

La colección de esculturas del V&A es la más completa del mundo de escultura europea posclásica. Hay aproximadamente 22 000 objetos en la colección que datan de alrededor del año 400 d. C. a 1914 e incluye esculturas de marfil bizantinas y anglosajonas , estatuas y tallas medievales británicas, francesas y españolas, y obras de los períodos Renacentista, Barroco, Neoclásico, Victoriano y Art Nouveau. ^{[ 144 ]} Todos los usos de la escultura están representados, desde tumbas y monumentos conmemorativos, hasta retratos, alegorías, figuras religiosas, mitológicas, estatuas para jardines, incluidas fuentes, así como decoraciones arquitectónicas. Los materiales utilizados incluyen mármol, alabastro, piedra, terracota, madera ( historia de la talla en madera ), marfil, yeso , escayola, bronce, plomo y cerámica.

La colección de escultura italiana (tanto original como en forma de réplica) no tiene parangón fuera de Italia. Incluye Las Tres Gracias de Canova , obra que el museo posee conjuntamente con las Galerías Nacionales de Escocia . Los escultores italianos cuyas obras se conservan en el museo incluyen: Bartolomeo Bon , Bartolomeo Bellano , Luca della Robbia , Giovanni Pisano , Donatello, Agostino di Duccio , Andrea Riccio , Antonio Rossellino , Andrea del Verrocchio , Antonio Lombardo , Pier Jacopo Alari Bonacolsi , Andrea della Robbia , Michelozzo di Bartolomeo , Miguel Ángel (representado por un modelo de cera a mano alzada y moldes de sus esculturas más famosas), Jacopo Sansovino , Alessandro Algardi , Antonio Calcagni , Benvenuto Cellini ( la cabeza de Medusa fechada c. 1547 ), Agostino Busti , Bartolomeo Ammannati , Giacomo della Porta , Giambologna ( Sansón matando a un filisteo c. 1562 , su mejor obra fuera de Italia ), Bernini ( Neptuno y Tritón c. 1622-3 ), Giovanni Battista Foggini , Vincenzo Foggini (Sansón y los filisteos), Massimiliano Soldani Benzi , Antonio Corradini , Andrea Brustolon , Giovanni Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi , Canova, Carlo Marochetti y Raffaelle Monti .

Una escultura singular es la antigua estatua romana de Narciso, restaurada por Valerio Cioli hacia 1564 con yeso. En la colección se encuentran varios bronces de pequeño formato de Donatello, como La Ascensión con Cristo entregando las llaves a San Pedro y La Lamentación de Cristo , así como obras de Alessandro Vittoria , Tiziano Aspetti y Francesco Fanelli . La obra de mayor tamaño procedente de Italia es la Capilla del Presbiterio de Santa Chiara, Florencia, datada entre 1493 y 1500, diseñada por Giuliano da Sangallo. Mide 11,1 metros de altura por 5,4 metros de ancho e incluye un gran tabernáculo esculpido por Antonio Rossellino y decoración de terracota policromada. ^{[ 197 ]}

Rodin está representado por más de 20 obras en la colección del museo, lo que la convierte en una de las mayores colecciones de la obra del escultor fuera de Francia; estas fueron donadas al museo por el escultor en 1914, como reconocimiento al apoyo de Gran Bretaña a Francia en la Primera Guerra Mundial , aunque la estatua de San Juan Bautista había sido adquirida en 1902 por suscripción pública. Otros escultores franceses con obras en la colección son Hubert Le Sueur , François Girardon , Michel Clodion , Jean-Antoine Houdon , Jean-Baptiste Carpeaux y Jules Dalou . ^{[ 198 ]}

La colección también incluye varias obras renacentistas de escultores del norte de Europa, entre ellas: Veit Stoss , Tilman Riemenschneider , Hendrick de Keyser , Hans Daucher y Peter Flötner . Entre las obras barrocas de la misma zona se encuentran las de Adriaen de Vries y Sébastien Slodtz . Los escultores españoles con obras en la colección son Alonso Berruguete y Luisa Roldán, representada por su Virgen con el Niño y San Diego de Alcalá, c. 1695 .

Entre los escultores, tanto británicos como europeos, que residían en Gran Bretaña y cuyas obras forman parte de la colección se encuentran ^{[ 199 ]} Nicholas Stone , Caius Gabriel Cibber , Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack , Louis-François Roubiliac , Peter Scheemakers , Sir Henry Cheere, Agostino Carlini , Thomas Banks , Joseph Nollekens , Joseph Wilton , John Flaxman, Sir Francis Chantrey , John Gibson , Edward Hodges Baily , Lord Leighton , Alfred Stevens, Thomas Brock , Alfred Gilbert , George Frampton y Eric Gill. Una muestra de algunas de las obras de estos escultores se exhibe en las Galerías Británicas.

En 2006 se decidió ampliar la cronología de las obras expuestas hasta 1950; esto ha implicado préstamos de otros museos, incluido el Tate Britain, de obras de Henry Moore , Jacob Epstein y sus contemporáneos. Las obras fechadas entre 1600 y 1950 de escultores británicos, las obras de escultores continentales que trabajaron en Gran Bretaña y las obras adquiridas por mecenas británicos a escultores continentales están organizadas por temas (escultura funeraria, retrato, escultura de jardín y mitología) en las galerías de escultura al sur del jardín.

En la galería Gilbert Bayes se exhiben obras de menor escala, que abarcan esculturas medievales, especialmente inglesas, en alabastro, bronces, esculturas de madera y demostraciones de diversas técnicas, como la fundición de bronce mediante el método de la cera perdida .

La mayor parte de la escultura medieval y renacentista se exhibe en las galerías medievales y renacentistas que abrieron sus puertas en diciembre de 2009.

La colección de textiles consta de más de 53.000 piezas, principalmente de Europa occidental, aunque están representados todos los continentes habitados, y datan desde el siglo I d. C. hasta la actualidad. Se trata de la mayor colección de este tipo en el mundo. Entre las técnicas representadas se incluyen el tejido, la impresión, el acolchado , el bordado, el encaje, el tapiz y las alfombras. La colección también incluye sedas antiguas del Cercano Oriente, encajes, tapices europeos y bordados medievales ingleses para iglesias.

La colección de tapices incluye un fragmento del Paño de San Gereón , el tapiz europeo más antiguo que se conserva. Un elemento destacado de la colección son los cuatro Tapices de Caza de Devonshire , ^{[ 200 ]} tapices muy raros del siglo XV, tejidos en los Países Bajos, que representan la caza de diversos animales; no solo su antigüedad sino también su tamaño los hacen únicos. Sheldon y Mortlake , los dos principales centros ingleses de tejido de tapices de los siglos XVI y XVII respectivamente, están representados en la colección por varios ejemplos. También se incluyen tapices del taller de John Vanderbank, que fue la principal manufactura de tapices inglesa a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Algunos de los tapices más finos son ejemplos de la Manufactura Gobelins , incluido un conjunto de «Jasón y los Argonautas» que data de la década de 1750. Otros centros continentales de tejido de tapices con obras en la colección incluyen Bruselas , Tournai , Beauvais , Estrasburgo y Florencia .

Uno de los primeros ejemplos que se conservan del acolchado europeo, el acolchado siciliano de Tristán de finales del siglo XIV , también se encuentra en la colección, que también incluye ejemplos de varios textiles diseñados por William Morris , incluidos bordados, telas tejidas, tapices (incluido el tapiz El Bosque de 1887), alfombras y tapetes, así como libros de patrones y diseños en papel. ^{[ 201 ]} El período art déco está cubierto por alfombras y telas diseñadas por Marion Dorn y una alfombra diseñada por Serge Chermayeff .

La colección también incluye los Tapices de Oxburgh , que fueron hechos por María, Reina de Escocia y Bess de Hardwick . ^{[ 202 ]} Los Tapices de Oxburgh se encuentran en préstamo permanente a largo plazo en Oxburgh Hall . ^{[ 202 ]}

Entre los textiles de Asia se encuentran los fragmentos de seda antiguos recolectados por Aurel Stein en el noroeste de China. ^{[ 203 ]}

El V&A alberga la colección nacional de artes escénicas del Reino Unido, que incluye teatro, danza, ópera, circo, títeres, comedia, teatro musical, vestuario, escenografía, pantomima, música popular y otras formas de entretenimiento en vivo. ^{[ 204 ]}

Las colecciones de Teatro y Artes Escénicas se fundaron en la década de 1920 cuando una coleccionista privada, Gabrielle Enthoven , donó su colección de recuerdos teatrales al V&A. En 1974 se recopilaron dos colecciones independientes más para formar una colección integral de artes escénicas. ^{[ 205 ]} Las colecciones se exhibieron en el Museo del Teatro , que funcionó en Covent Garden hasta su cierre en 2007. ^{[ 206 ]} Las galerías de Teatro y Artes Escénicas abrieron en South Kensington en marzo de 2009, recorriendo el proceso de producción de las artes escénicas e incluyendo un espacio para exposiciones temporales. ^{[ 207 ]} Los objetos expuestos incluyen vestuario, maquetas de escenografía, pelucas, libros de apuntadores y carteles.

El departamento alberga importantes archivos que documentan la práctica actual y la historia de las artes escénicas. Entre ellos se incluyen los de la English Stage Company del Royal Court Theatre , la D'Oyly Carte Opera Company y la colección de diseño del Arts Council . Destacan los archivos personales de Vivien Leigh , Peter Brook , Henry Irving e Ivor Novello .

El rock y el pop están representados con la colección fotográfica de Harry Hammond y el archivo de Jamie Reid que documenta el punk. ^{[ 208 ]} Los trajes incluyen los usados ​​por John Lennon , Mick Jagger , Elton John , Adam Ant , Chris Martin , Iggy Pop , Prince , Shirley Bassey y el atuendo de Roger Daltrey en Woodstock . ^{[ 209 ]} El archivo del Festival de Glastonbury y el archivo de David Bowie se encuentran en el V&A East Storehouse. ^{[ 210 ]}

La colección de vestuario es la más completa de Gran Bretaña, con más de 14.000 trajes y accesorios, que datan desde 1600 hasta la actualidad. Algunas de las obras más antiguas de la colección son vestimentas medievales , especialmente del Opus Anglicanum . Una de las piezas más importantes es el traje nupcial de Jacobo II de Inglaterra , que se exhibe en las Galerías Británicas. Dado que la ropa de uso diario de épocas anteriores no se ha conservado en general, la colección está dominada por prendas de moda confeccionadas para ocasiones especiales. En 1913, el V&A recibió la colección Talbot Hughes, que contenía 1.442 trajes y artículos, como donación de Harrods tras su exhibición en los grandes almacenes. ^{[ 211 ]}

En 1971, Cecil Beaton comisarió una exposición de 1200 prendas y accesorios de alta costura del siglo XX. ^{[ 211 ]} Entre ellos se encontraban vestidos usados ​​por destacadas figuras de la alta sociedad como Patricia Lopez-Willshaw, ^{[ 212 ]} Gloria Guinness ^{[ 213 ]} y Lee Radziwill , ^{[ 214 ]} y las actrices Audrey Hepburn ^{[ 215 ]} y Ruth Ford . ^{[ 216 ]} Tras la exposición, Beaton donó la mayoría de las piezas al museo en nombre de sus antiguos propietarios. ^{[ 211 ]}

En 1999, el V&A inició una serie de desfiles en vivo en el museo titulada Fashion in Motion, que presentaba piezas de colecciones de moda de gran importancia histórica. El primer desfile fue de Alexander McQueen en junio de 1999. Desde entonces, el museo ha acogido recreaciones de diversos desfiles de diseñadores cada año, entre ellos Anna Sui , Tristan Webber , Elspeth Gibson , Chunghie Lee , Jean Paul Gaultier , Missoni , Gianfranco Ferré , Christian Lacroix , Kenzo y Kansai Yamamoto, entre otros. ^{[ 217 ]}

En 2002, el museo adquirió la colección Costiff de 178 trajes de Vivienne Westwood . Otros diseñadores famosos con obras en la colección incluyen a Coco Chanel , Hubert de Givenchy , Christian Dior , Cristóbal Balenciaga , Yves Saint Laurent , Guy Laroche , Irene Galitzine , Mila Schön , Valentino Garavani , Norman Norell , Norman Hartnell , Zandra Rhodes , Hardy Amies , Mary Quant , Christian Lacroix , Jean Muir y Pierre Cardin . ^{[ 218 ]} El museo continúa adquiriendo ejemplos de moda moderna para añadir a la colección.

El V&A lleva a cabo un programa permanente de conservación de textiles y vestidos. Por ejemplo, en 2008, un importante conjunto de Dior de 1954, llamado «Zemire», que se encontraba muy sucio, deformado y dañado por el agua, fue restaurado para su exhibición en la exposición «La Edad de Oro de la Alta Costura» . ^{[ 219 ]}

El museo posee una extensa colección de zapatos; alrededor de 2000 pares procedentes de diferentes culturas alrededor del mundo. La colección muestra la evolución cronológica de la altura, la forma del tacón y los materiales, revelando cómo muchos estilos que consideramos modernos han estado de moda y pasado de moda a lo largo de los siglos. ^{[ 220 ]}

El departamento de educación ^{[ 221 ]} tiene amplias responsabilidades. Proporciona información tanto al visitante ocasional como a grupos escolares, incluyendo la integración del aprendizaje en el museo con el currículo nacional ; ofrece recursos de investigación para estudiantes de grado y posgrado, con información y acceso a las colecciones. Asimismo, supervisa el contenido del sitio web del museo y publica libros y artículos sobre las colecciones, la investigación y otros aspectos del museo.

Varias áreas de la colección cuentan con salas de estudio dedicadas, que permiten el acceso a objetos de la colección que no están expuestos actualmente, pero en algunos casos se requiere cita previa. ^{[ 222 ]}

V&A Publishing, perteneciente al departamento de educación, trabaja para recaudar fondos para el museo mediante la publicación de unos 30 libros y materiales digitales cada año. La empresa cuenta con aproximadamente 180 libros impresos. ^{[ 223 ]}

El trabajo de investigación del museo incluye:

• identificación e interpretación de objetos individuales;
• estudios individuales e investigaciones sistemáticas para fomentar la comprensión pública del arte y los objetos de diferentes culturas;
• Investigación y evaluación de los visitantes para descubrir las necesidades de los visitantes y sus experiencias en el museo. ^{[ 224 ]}

Desde 1990, el museo ha publicado informes de investigación sobre todas las áreas de la colección. ^{[ 225 ]}

La conservación es responsable de la preservación a largo plazo de las colecciones y abarca todas las colecciones que posee el V&A. ^{[ 226 ]} Las áreas cubiertas por el trabajo del conservador incluyen:

• Conservación "preventiva", que incluye la realización de estudios, evaluaciones y el asesoramiento sobre la manipulación de los objetos, el embalaje correcto, el montaje y los procedimientos de manipulación durante el transporte y la exhibición para reducir el riesgo de dañar los objetos.
• La conservación intervencionista incluye: la limpieza y el fortalecimiento de objetos frágiles, la revelación de la decoración original de la superficie y la restauración de su forma. El tratamiento intervencionista hace que un objeto sea más estable, atractivo y comprensible para el espectador cuando está expuesto.

Otras actividades incluyen el control del entorno del museo (por ejemplo, la temperatura y la luz) y la prevención de que las plagas (principalmente insectos) dañen las piezas arqueológicas.