Música electrónica

Los avances en la válvula de vacío dieron lugar a instrumentos electrónicos más pequeños, amplificados y más prácticos para su uso. ^{[ 15 ]} En particular, el theremin , las ondas Martenot y el trautonio se producían comercialmente a principios de la década de 1930. ^{[ 16 ] [ 17 ]}

Desde finales de la década de 1920, la mayor practicidad de los instrumentos electrónicos influyó en compositores como Joseph Schillinger y Maria Schuppel para que los adoptaran. Se utilizaban habitualmente en orquestas, y la mayoría de los compositores escribieron partes para el theremín que, de otro modo, podrían interpretarse con instrumentos de cuerda . ^{[ 16 ]}

Los compositores de vanguardia criticaron el uso predominante de instrumentos electrónicos para fines convencionales. ^{[ 16 ]} Los instrumentos ofrecían expansiones en los recursos de tono ^{[ 18 ]} que fueron explotadas por defensores de la música microtonal como Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen y Edgard Varèse . ^{[ 19 ] [ 20 ] [ 21 ]} Además, Percy Grainger usó el theremin para abandonar por completo la entonación fija, ^{[ 22 ]} mientras que compositores rusos como Gavriil Popov lo trataron como una fuente de ruido en la música noise acústica . ^{[ 23 ]}

Los avances en la tecnología de grabación temprana fueron paralelos a los de los instrumentos electrónicos. El primer medio para grabar y reproducir audio se inventó a finales del siglo XIX con el fonógrafo mecánico . ^{[ 24 ]} Los tocadiscos se convirtieron en un artículo común en los hogares, y en la década de 1920 los compositores los utilizaban para reproducir grabaciones cortas en sus actuaciones. ^{[ 25 ]}

La introducción de la grabación eléctrica en 1925 fue seguida por una mayor experimentación con tocadiscos. Paul Hindemith y Ernst Toch compusieron varias piezas en 1930 superponiendo grabaciones de instrumentos y voces a velocidades ajustadas. Influenciado por estas técnicas, John Cage compuso Imaginary Landscape No. 1 en 1939 ajustando las velocidades de los tonos grabados. ^{[ 26 ]}

Los compositores comenzaron a experimentar con la tecnología de sonido en película recientemente desarrollada . Las grabaciones podían unirse para crear collages sonoros , como los de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann y Dziga Vertov . Además, la tecnología permitía crear y modificar el sonido gráficamente . Estas técnicas se utilizaron para componer bandas sonoras para varias películas en Alemania y Rusia, además de la popular Dr. Jekyll y Mr. Hyde en Estados Unidos. Norman McLaren continuó experimentando con el sonido gráfico desde finales de la década de 1930. ^{[ 27 ]}

La primera grabadora de cinta de audio práctica se presentó en 1935. ^{[ 28 ]} Se realizaron mejoras en la tecnología utilizando la técnica de polarización de CA , que mejoró significativamente la fidelidad de la grabación. ^{[ 29 ] [ 30 ]} Ya en 1942, se realizaban grabaciones de prueba en estéreo. ^{[ 31 ]} Aunque estos avances se limitaron inicialmente a Alemania, las grabadoras y las cintas llegaron a Estados Unidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 32 ]} Estas fueron la base de la primera grabadora de cinta producida comercialmente en 1948. ^{[ 33 ]}

En 1944, antes del uso de la cinta magnética para la composición, el compositor egipcio Halim El-Dabh , aún estudiante en El Cairo , utilizó una voluminosa grabadora de alambre para registrar los sonidos de una antigua ceremonia zaar . Utilizando las instalaciones de los estudios de Middle East Radio, El-Dabh procesó el material grabado mediante reverberación, eco, controles de voltaje y regrabación. Se cree que el resultado fue la primera composición musical grabada con cinta. ^{[ 1 ]} La obra resultante se tituló La expresión del Zaar y se presentó en 1944 en un evento en una galería de arte de El Cairo. Si bien sus experimentos iniciales en composición con cinta no fueron ampliamente conocidos fuera de Egipto en ese momento, El-Dabh también es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton a finales de la década de 1950. ^{[ 34 ]}

Phonogene (1953), una máquina de cinta para modificar la estructura del sonido, desarrollada por Pierre Schaeffer y otros en GRMC.

Pierre Schaeffer presenta el Acousmonium (1974), que consistía en 80 altavoces para la reproducción de cintas, en GRM.

Tras su trabajo con Studio d'Essai en Radiodiffusion Française (RDF), a principios de la década de 1940, se le atribuye a Pierre Schaeffer la creación de la teoría y la práctica de la música concreta. A finales de la década de 1940, Schaeffer realizó los primeros experimentos de composición sonora utilizando tocadiscos de goma laca . En 1950, las técnicas de la música concreta se ampliaron con el uso de grabadoras de cinta magnética para explorar prácticas de manipulación del sonido, como la variación de velocidad ( cambio de tono ) y el empalme de cintas . ^{[ 35 ] [ 36 ]}

El 5 de octubre de 1948, RDF emitió el Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este fue el primer " movimiento " de Cinq études de bruits y marcó el comienzo de las realizaciones de estudio ^{[ 37 ]} y la musique concrète (o arte acusmático). Schaeffer empleó un torno de corte de discos , cuatro tocadiscos, una mesa de mezclas de cuatro canales, filtros, una cámara de eco y una unidad de grabación móvil. Poco después, Pierre Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una asociación que tendría efectos profundos y duraderos en la dirección de la música electrónica. Otro colaborador de Schaeffer, Edgard Varèse , comenzó a trabajar en Déserts , una obra para orquesta de cámara y cinta. Las partes de cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y posteriormente se revisaron en la Universidad de Columbia .

En 1950, Schaeffer ofreció el primer concierto público (no televisado) de música concreta en la École Normale de Musique de Paris . «Schaeffer utilizó un sistema de megafonía , varios tocadiscos y mezcladores. La actuación no salió bien, ya que la creación de montajes en vivo con tocadiscos nunca se había hecho antes». ^{[ 38 ]} Más tarde, ese mismo año, Pierre Henry colaboró ​​con Schaeffer en Symphonie pour un homme seul (1950), la primera obra importante de música concreta. ^{[ 39 ]} En París, en 1951, en lo que se convertiría en una importante tendencia mundial, RTF estableció el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus , para sonidos concretos y voces.

En 1951, el trabajo de Schaeffer, el compositor y percusionista Pierre Henry y el ingeniero de sonido Jacques Poullin había recibido reconocimiento oficial y se estableció el Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d' Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française en RTF en París, el antepasado de la ORTF . ^{[ 40 ]}

Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Schaeffer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia .

En 1954 surgió lo que hoy se consideraría auténticas composiciones electroacústicas: instrumentación acústica aumentada o acompañada por grabaciones de sonido manipulado o generado electrónicamente. Ese año se estrenaron tres obras importantes: Déserts de Varèse , para conjunto de cámara y sonidos de cinta, y dos obras de Otto Luening y Vladimir Ussachevsky : Rhapsodic Variations para la Orquesta Sinfónica de Louisville y A Poem in Cycles and Bells , ambas para orquesta y cinta. Debido a que había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte de cinta de la obra de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónicos. «Un grupo formado por instrumentos de viento, percusión y piano se alterna con los sonidos mutados de ruidos de fábrica, sirenas de barcos y motores, provenientes de dos altavoces». ^{[ 41 ]}

En el estreno alemán de Déserts en Hamburgo, dirigido por Bruno Maderna , los controles de la cinta fueron operados por Karlheinz Stockhausen . ^{[ 41 ]} El título Déserts le sugirió a Varèse no solo "todos los desiertos físicos (de arena, mar, nieve, del espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente del hombre; no solo esos aspectos despojados de la naturaleza que sugieren desnudez, distanciamiento, atemporalidad, sino también ese remoto espacio interior al que ningún telescopio puede llegar, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial". ^{[ 42 ]}

En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo se inauguró oficialmente en los estudios de radio de la NWDR en 1953, aunque ya se encontraba en fase de planificación desde 1950 y las primeras composiciones se realizaron y emitieron en 1951. ^{[ 43 ]} Idea original de Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer y Herbert Eimert (quien se convirtió en su primer director), al estudio pronto se unieron Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig . En su tesis de 1949 , Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música completamente a partir de señales producidas electrónicamente; de ​​esta manera, la música electrónica se diferenció claramente de la música concreta francesa , que utilizaba sonidos grabados de fuentes acústicas. ^{[ 44 ] [ 45 ]}

En 1953, Stockhausen compuso su Studie I , seguido en 1954 por Elektronische Studie II , la primera pieza electrónica publicada como partitura. En 1955, comenzaron a surgir más estudios experimentales y electrónicos. Destacaron la creación del Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un estudio en la NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi , y el estudio Philips en Eindhoven , Países Bajos, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como el Instituto de Sonología en 1960.

«Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, [Colonia] se convirtió en un hervidero permanente de vanguardismo carismático». ^{[ 46 ]} en dos ocasiones combinaron sonidos generados electrónicamente con orquestas relativamente convencionales: en Mixtur (1964) e Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). ^{[ 47 ]} Stockhausen afirmó que sus oyentes le habían dicho que su música electrónica les proporcionaba una experiencia del «espacio exterior», sensaciones de volar o de estar en un «mundo de ensueño fantástico». ^{[ 48 ]}

En Estados Unidos, la música electrónica se creaba ya en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, No. 1 , utilizando dos tocadiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano con sordina y platillos, pero sin medios electrónicos de producción. Cage compuso cinco "Imaginary Landscapes" más entre 1942 y 1952 (uno de ellos retirado), principalmente para conjunto de percusión, aunque el No. 4 es para doce radios y el No. 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se iba a realizar en cinta magnética. Según Otto Luening, Cage también interpretó Williams Mix en Donaueschingen en 1954, utilizando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. Williams Mix fue un éxito en el Festival de Donaueschingen , donde causó una "fuerte impresión". ^{[ 49 ]}

El proyecto Music for Magnetic Tape fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman ) ^{[ 50 ]} y duró tres años, hasta 1954. Cage escribió sobre esta colaboración: «En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, debido a que en los diversos puntos de notación, interpretación y audición, la acción es provocativa». ^{[ 51 ]}

Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con el Music for Magnetic Tape Project. ^{[ 52 ]} El grupo no tenía instalaciones permanentes y tuvo que depender de tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluido el estudio de Bebe y Louis Barron .

Ese mismo año, la Universidad de Columbia adquirió su primera grabadora de cinta —una máquina Ampex profesional— para grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, profesor de música en la Universidad de Columbia, fue puesto a cargo del aparato y casi de inmediato comenzó a experimentar con él.

Herbert Russcol escribe: «Pronto quedó fascinado con las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y superponiéndolos». ^{[ 53 ]} Ussachevsky dijo más tarde: «De repente me di cuenta de que la grabadora podía ser tratada como un instrumento de transformación sonora». ^{[ 53 ]} El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de música y efectos de cinta que había creado en su Foro de Compositores, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia. Estas incluían Transposición, Reverberación, Experimento, Composición y Vals Subacuático . En una entrevista, declaró: «Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales». ^{[ 53 ]} Otto Luening, quien había asistido a este concierto, comentó: «El equipo a su disposición consistía en una grabadora Ampex... y un sencillo dispositivo con forma de caja diseñado por el brillante joven ingeniero Peter Mauzey para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica. El resto del equipo fue prestado o comprado con fondos personales». ^{[ 54 ]}

Tan solo tres meses después, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont, por invitación de Luening para presentar sus experimentos. Allí, ambos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento: «Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición para grabadora. Ambos éramos improvisadores fluidos y el medio encendió nuestra imaginación». ^{[ 54 ]} Interpretaron algunas de sus primeras piezas de manera informal en una fiesta, donde «varios compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: “Esto es” (refiriéndose a la música del futuro)». ^{[ 54 ]}

La noticia no tardó en llegar a Nueva York. Oliver Daniel llamó por teléfono e invitó a la pareja a «producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre patrocinado por la American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Tras algunas dudas, aceptamos… Henry Cowell puso su casa y estudio en Woodstock, Nueva York, a nuestra disposición. Con el equipo prestado en la parte trasera del coche de Ussachevsky, partimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas… A finales de septiembre de 1952, el laboratorio itinerante llegó al salón de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones». ^{[ 54 ]}

Dos meses después, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space (1952) de Luening, una pieza virtuosa e impresionista ^{[ 54 ]} que utilizaba grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed ​​(1952), una composición exótica que llevaba la flauta muy por debajo de su registro natural ^{[ 54 ]} . Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Tras varios conciertos que causaron sensación en Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del programa Today Show de la NBC para realizar una entrevista-demostración: la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: «Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky las transformó electrónicamente en ese mismo momento» ^{[ 55 ] .}

La banda sonora de Planeta Prohibido , de Louis y Bebe Barron , ^{[ 56 ]} fue compuesta íntegramente utilizando circuitos electrónicos hechos a medida y grabadoras de cinta en 1956 (pero sin sintetizadores en el sentido moderno de la palabra).

En 1929, Nikolai Obukhov inventó la " cruz sonora " (la croix sonore ), comparable al principio del theremin . ^{[ 57 ]} En la década de 1930, Nikolai Ananyev inventó el "sonar", y el ingeniero Alexander Gurov — neoviolena, I. Ilsarov — ilston., ^{[ 58 ]} A. Rimsky-Korsakov y A. Ivanov — emiriton . ^{[ 57 ]} El compositor e inventor Arseny Avraamov se dedicó al trabajo científico sobre síntesis de sonido y realizó una serie de experimentos que más tarde formarían la base de los instrumentos electromusicales soviéticos. ^{[ 59 ]}

En 1956, Vyacheslav Mescherin creó el Ensemble de instrumentos electromusicales , que utilizaba theremins, arpas eléctricas, órganos eléctricos, el primer sintetizador de la URSS "Ekvodin" ^{[ 57 ]} y también creó la primera máquina de reverberación soviética. El estilo en el que tocaba el conjunto de Mescherin se conoce como " pop de la era espacial ". ^{[ 59 ]} En 1957, el ingeniero Igor Simonov ensambló un modelo funcional de grabadora de ruido (electroeolifono), con cuya ayuda fue posible extraer varios timbres y consonancias de naturaleza ruidosa. ^{[ 57 ]} En 1958, Evgeny Murzin diseñó el sintetizador ANS , uno de los primeros sintetizadores musicales polifónicos del mundo.

Fundado por Murzin en 1966, el Estudio de Música Electrónica Experimental de Moscú se convirtió en la base de una nueva generación de experimentadores: Eduard Artemyev , Alexander Nemtin , Sándor Kallós , Sofia Gubaidulina , Alfred Schnittke y Vladimir Martynov . ^{[ 57 ] [ 59 ]} A finales de la década de 1960, aparecieron en la URSS grupos musicales que tocaban música electrónica ligera. A nivel estatal, esta música comenzó a utilizarse para atraer turistas extranjeros al país y para su transmisión a otros países. ^{[ 60 ]} A mediados de la década de 1970, el compositor Alexander Zatsepin diseñó una "orquestrolla", una modificación del mellotrón. ^{[ 61 ]}

Las repúblicas soviéticas bálticas también tuvieron sus propios pioneros: en la RSS de Estonia , Sven Grunberg ; en la RSS de Lituania , Giedrius Kuprevičius ; en la RSS de Letonia , Opus y Zodiac . ^{[ 59 ]}

El primer ordenador del mundo capaz de reproducir música fue CSIRAC , diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó CSIRAC para reproducir melodías musicales populares desde principios de la década de 1950. En 1951, reprodujo públicamente la Marcha del Coronel Bogey , de la que no existen grabaciones conocidas, solo una reconstrucción precisa. ^{[ 62 ]} Sin embargo, CSIRAC reproducía repertorio estándar y no se utilizaba para ampliar el pensamiento musical ni la práctica de la composición. Nunca se grabó a CSIRAC, pero la música reproducida fue reconstruida con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por ordenador fueron reproducidas por el ordenador Ferranti Mark 1 , una versión comercial de la Baby Machine de la Universidad de Manchester en otoño de 1951. ^{[ 63 ]} El programa musical fue escrito por Christopher Strachey .

Órgano Yamaha Magna y el gabinete de tono designado (1935) ^{[ 64 ]}

Entre los primeros instrumentos musicales eléctricos en Japón se encontraba el órgano Yamaha Magna , un instrumento electroacústico construido en 1935. ^{[ 64 ]} Después de la Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata comenzaron a conocer el desarrollo de instrumentos musicales electrónicos en otros países. A finales de la década de 1940, los compositores japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica, y el patrocinio institucional les permitió experimentar con equipos avanzados. Su incorporación de la música asiática al género emergente acabaría impulsando la popularidad de Japón en el desarrollo de la tecnología musical varias décadas después. ^{[ 65 ]}

Tras la fundación de la empresa de electrónica Sony en 1946, los compositores Toru Takemitsu y Minao Shibata exploraron de forma independiente los posibles usos de la tecnología electrónica para la producción musical. ^{[ 66 ]} Takemitsu tenía ideas similares a la música concreta , de la que no era consciente, mientras que Shibata previó el desarrollo de los sintetizadores y predijo un cambio drástico en la música. ^{[ 67 ]} Sony comenzó a producir grabadoras de cinta magnética populares para uso gubernamental y público. ^{[ 65 ] [ 68 ]}

El colectivo vanguardista Jikken Kōbō (Taller Experimental), fundado en 1950, obtuvo acceso a la tecnología de audio emergente gracias a Sony. La compañía contrató a Toru Takemitsu para que demostrara sus grabadoras de cinta con composiciones e interpretaciones de música electrónica en cinta. ^{[ 69 ]} Las primeras piezas electrónicas en cinta del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Piece B", compuesta en 1951 por Kuniharu Akiyama. ^{[ 70 ]} Muchas de las piezas electroacústicas en cinta que produjeron se utilizaron como música incidental para radio, cine y teatro. También realizaron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada. ^{[ 71 ]} Compositores ajenos al Jikken Kōbō, como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shirō Fukai , también experimentaron con música radiofónica en cinta entre 1952 y 1953. ^{[ 68 ]}

La música concreta fue introducida en Japón por Toshiro Mayuzumi , influenciado por un concierto de Pierre Schaeffer . Desde 1952, compuso piezas de música para cinta para una película de comedia, una transmisión de radio y un radioteatro. ^{[ 70 ] [ 72 ]} Sin embargo, el concepto de objeto sonoro de Schaeffer no influyó entre los compositores japoneses, quienes estaban principalmente interesados ​​en superar las restricciones de la interpretación humana. ^{[ 73 ]} Esto llevó a que varios músicos electroacústicos japoneses utilizaran el serialismo y las técnicas dodecafónicas , ^{[ 73 ]} evidentes en la pieza dodecafónica de Yoshirō Irino de 1951, "Concerto da Camera", ^{[ 72 ]} en la organización de sonidos electrónicos en "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi, y más tarde en la música electrónica de Shibata hacia 1956. ^{[ 74 ]}

Inspirándose en el estudio de la NWDR en Colonia, Mayuzumi fundó en Tokio, en 1954, un estudio de música electrónica para la NHK que se convirtió en uno de los centros de música electrónica más importantes del mundo. El estudio estaba equipado con tecnologías como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, equipos de grabación y radiofónicos, ondas Martenot , monocordios y melocordios , osciladores de onda sinusoidal , grabadoras de cinta, moduladores de anillo , filtros de paso de banda y mezcladores de cuatro y ocho canales . Entre los músicos asociados al estudio se encontraban Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi y Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio se completaron en 1955, incluyendo las piezas de cinco minutos de Mayuzumi "Estudio I: Música para onda sinusoidal por proporción de número primo", "Música para onda modulada por proporción de número primo" e "Invención para onda cuadrada y onda de diente de sierra", producidas utilizando las diversas capacidades de generación de tonos del estudio, y la pieza estéreo de 20 minutos de Shibata "Música concreta para transmisión estereofónica". ^{[ 75 ] [ 76 ]}

El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerdas , la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . "... Hiller postuló que se podría enseñar a una computadora las reglas de un estilo particular y luego pedirle que compusiera en consecuencia." ^{[ 77 ]} Desarrollos posteriores incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories , quien desarrolló el influyente programa MUSIC I en 1957, uno de los primeros programas de computadora para reproducir música electrónica. La tecnología vocoder también fue un desarrollo importante en esta primera era. En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge , la primera obra importante del estudio de Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel . Un desarrollo tecnológico importante de ese año fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott con subensamblaje por Robert Moog .

En 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) y Tom Dissevelt lanzaron su álbum debut, Song Of The Second Moon , grabado en el estudio Philips en los Países Bajos. ^{[ 78 ]} El público siguió interesado en los nuevos sonidos que se creaban alrededor del mundo, como se puede deducir por la inclusión del Poème électronique de Varèse , que se reprodujo a través de cuatrocientos altavoces en el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas de 1958. Ese mismo año, Mauricio Kagel , un compositor argentino , compuso Transición II . La obra se realizó en el estudio WDR en Colonia. Dos músicos tocaron el piano, uno de manera tradicional, el otro tocando las cuerdas, el marco y la caja. Otros dos intérpretes utilizaron cinta para unir la presentación de sonidos en vivo con el futuro de materiales pregrabados de más adelante y su pasado de grabaciones realizadas anteriormente en la actuación.

En 1958, Columbia-Princeton desarrolló el RCA Mark II Sound Synthesizer , el primer sintetizador programable. ^{[ 79 ]} Compositores prominentes como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel y Mario Davidovsky utilizaron el RCA Synthesizer extensamente en varias composiciones. ^{[ 80 ]} Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio fue el egipcio Halim El-Dabh quien, ^{[ 81 ]} después de haber desarrollado la primera música electrónica en cinta conocida en 1944, ^{[ 1 ]} se hizo más famoso por Leiyla and the Poet , una serie de composiciones electrónicas de 1959 que se destacó por su inmersión y fusión de música electrónica y folclórica , en contraste con el enfoque más matemático utilizado por compositores seriales de la época como Babbitt. Leiyla and the Poet de El-Dabh , publicado como parte del álbum Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, sería citado como una fuerte influencia por varios músicos, desde Neil Rolnick , Charles Amirkhanian y Alice Shields hasta los músicos de rock Frank Zappa y The West Coast Pop Art Experimental Band . ^{[ 82 ]}

Tras la aparición de diferencias dentro del GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys y varios de sus colegas dimitieron en abril de 1958. Schaeffer creó un nuevo colectivo, llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) y se dedicó a reclutar nuevos miembros, entre ellos Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard. Parmegiani y Mireille Chamass-Kyrou . Las llegadas posteriores incluyeron a Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton y François Bayle . ^{[ 83 ]}

Las primeras melodías musicales fueron generadas por la computadora CSIRAC en Australia en 1950. Hubo informes periodísticos de Estados Unidos e Inglaterra (tanto antiguos como recientes) que sugerían que las computadoras podrían haber reproducido música con anterioridad, pero una investigación exhaustiva ha desmentido estas historias, ya que no existe evidencia que las respalde (algunos de los cuales eran obviamente especulativos). La investigación ha demostrado que se especuló sobre la posibilidad de que las computadoras reprodujeran música, posiblemente porque estas emitían sonidos, ^{[ 104 ]} pero no hay evidencia de que realmente lo hicieran. ^{[ 105 ] [ 106 ]}

La primera computadora del mundo capaz de reproducir música fue CSIRAC , diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard en la década de 1950. El matemático Geoff Hill programó CSIRAC para reproducir melodías musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951, interpretó públicamente la " Marcha del Coronel Bogey " ^{[ 107 ],} de la cual no se conocen grabaciones. Sin embargo, CSIRAC reproducía un repertorio estándar y no se utilizaba para ampliar el pensamiento musical ni la práctica de la composición, como sí ocurre en la música computacional actual.

La primera música interpretada en Inglaterra fue el himno nacional británico , programado por Christopher Strachey en el Ferranti Mark I a finales de 1951. Ese mismo año, una unidad móvil de la BBC grabó allí breves fragmentos de tres piezas: el himno nacional, « Ba, Ba Black Sheep » e « In the Mood ». Esta grabación se considera la primera realizada por un ordenador para reproducir música. Puede escucharse en el sitio web de la Universidad de Manchester . En 2016, investigadores de la Universidad de Canterbury , Christchurch, eliminaron los clics y restauraron esta grabación, cuyos resultados pueden escucharse en SoundCloud . ^{[ 108 ] [ 109 ] [ 63 ]}

A finales de la década de 1950, durante la década de 1960 y la de 1970 también se desarrolló la síntesis en grandes ordenadores centrales. A partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, que culminaron en MUSIC V , un lenguaje de síntesis digital directa. ^{[ 110 ]} Laurie Spiegel desarrolló el software de composición musical algorítmica " Music Mouse " (1986) para ordenadores Macintosh , Amiga y Atari .

Un avance importante fue la llegada de las computadoras para componer música, en contraposición a la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis inició lo que se conoce como música estocástica , un método de composición que utiliza sistemas de probabilidad matemática. Se emplearon diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis utilizó computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962), ^{[ 111 ]} Morsima-Amorsima , ST/10 y Atrées . Desarrolló el sistema informático UPIC para traducir imágenes gráficas en resultados musicales y compuso Mycènes Alpha (1978) con él.

En Europa, en 1964, Karlheinz Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam , micrófonos de mano, filtros y potenciómetros, y Mixtur para orquesta, cuatro generadores de ondas sinusoidales y cuatro moduladores de anillo . En 1965 compuso Mikrophonie II para coro, órgano Hammond y moduladores de anillo. ^{[ 112 ]}

En 1966-1967, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar el " circuit bending " —la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito fortuito, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sonoros principalmente de timbre y con menos atención al tono o ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria [ sic ] de John Cage . ^{[ 113 ]}

La carrera artística y musical de Cosey Fanni Tutti exploró el concepto de música "aceptable" y continuó explorando el uso del sonido como medio de deseo o incomodidad. ^{[ 114 ]}

Wendy Carlos interpretó selecciones de su álbum Switched-On Bach en el escenario con un sintetizador junto a la Orquesta Sinfónica de San Luis ; otra actuación en vivo fue con el Kurzweil Baroque Ensemble para "Bach at the Beacon" en 1997. ^{[ 115 ]} En junio de 2018, Suzanne Ciani lanzó LIVE Quadraphonic , un álbum en vivo que documenta su primera actuación en solitario con un sintetizador Buchla en 40 años. Fue uno de los primeros lanzamientos en vinilo cuadrafónico en más de 30 años. ^{[ 116 ]}

Jorge Antunes (compositor) En Brasil en 1975, Jorge Antunes compuso Source para instrumentos acústicos procesados ​​en tiempo real por el sintetizador analógico Sinthi A.

En la década de 1950, ^{[ 117 ] [ 118 ]} los instrumentos musicales electrónicos japoneses comenzaron a influir en la industria musical internacional . ^{[ 119 ] [ 120 ]} Ikutaro Kakehashi , quien fundó Ace Tone en 1960, desarrolló su propia versión de percusión electrónica que ya había sido popular en el órgano electrónico en el extranjero. ^{[ 121 ]} En la feria NAMM de 1964 , la presentó como el R-1 Rhythm Ace, un dispositivo de percusión operado manualmente que reproducía sonidos de batería electrónica manualmente a medida que el usuario presionaba botones, de manera similar a los modernos pads de batería electrónica. ^{[ 121 ] [ 122 ] [ 123 ]}

En 1963, Korg lanzó la Donca-Matic DA-20 , una caja de ritmos electromecánica . ^{[ 124 ]} En 1965, Nippon Columbia patentó una caja de ritmos totalmente electrónica. ^{[ 125 ]} Korg lanzó la caja de ritmos electrónica Donca-Matic DC-11 en 1966, a la que siguió la Korg Mini Pops , que se desarrolló como una opción para el órgano eléctrico Yamaha Electone . ^{[ 124 ]} Las series Stageman y Mini Pops de Korg se destacaron por sus sonidos de "percusión metálica natural" e incorporaron controles para " pausas y rellenos " de batería. ^{[ 120 ]}

En 1967, el fundador de Ace Tone, Ikutaro Kakehashi, patentó un generador de patrones rítmicos preestablecidos que utilizaba un circuito de matriz de diodos ^{[ 126 ]} similar a la patente estadounidense anterior de Seeburg 3,358,068 presentada en 1964 (véase Drum machine#History ), que lanzó como la caja de ritmos FR-1 Rhythm Ace ese mismo año. ^{[ 121 ]} Ofrecía 16 patrones preestablecidos y cuatro botones para reproducir manualmente cada sonido de instrumento ( platillo , claves , cencerro y bombo ). Los patrones rítmicos también podían combinarse en cascada pulsando varios botones de ritmo simultáneamente, y la combinación posible de patrones rítmicos superaba el centenar. ^{[ 121 ]} Las cajas de ritmos Rhythm Ace de Ace Tone se abrieron paso en la música popular desde finales de la década de 1960, seguidas por las cajas de ritmos Korg en la década de 1970. ^{[ 120 ]} Posteriormente, Kakehashi dejó Ace Tone y fundó Roland Corporation en 1972, y los sintetizadores y cajas de ritmos de Roland se volvieron muy influyentes durante las siguientes décadas. ^{[ 121 ]} La compañía tendría un gran impacto en la música popular y contribuiría más a la configuración de la música electrónica popular que cualquier otra compañía. ^{[ 123 ]}

El turntablismo tiene sus orígenes en la invención de los tocadiscos de transmisión directa . Los primeros tocadiscos de transmisión por correa no eran adecuados para el turntablismo, ya que tenían un tiempo de arranque lento y eran propensos al desgaste y la rotura, ya que la correa se rompía por el retroceso o el rayado. ^{[ 127 ]} El primer tocadiscos de transmisión directa fue inventado por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ), ^{[ 128 ]} con sede en Osaka , Japón. Eliminó las correas y, en su lugar, empleó un motor para accionar directamente un plato sobre el que descansa un disco de vinilo. ^{[ 129 ]} En 1969, Matsushita lo lanzó como el SP-10 , ^{[ 129 ]} el primer tocadiscos de transmisión directa del mercado, ^{[ 130 ]} y el primero de su influyente serie de tocadiscos Technics . ^{[ 129 ]} Fue sucedido por los Technics SL-1100 y SL-1200 a principios de la década de 1970, y fueron ampliamente adoptados por los músicos de hip-hop , ^{[ 129 ]} y el SL-1200 siguió siendo el tocadiscos más utilizado en la cultura DJ durante varias décadas. ^{[ 131 ]}

En Jamaica , surgió en la década de 1960 una forma de música electrónica popular, el dub , arraigado en la cultura de los sistemas de sonido . El dub fue impulsado por ingenieros de estudio como Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry y Scientist , quienes producían música experimental con influencias del reggae utilizando tecnología de sonido electrónico, tanto en estudios de grabación como en fiestas con sistemas de sonido. ^{[ 132 ]} Sus experimentos incluían formas de composición basadas en cinta comparables a aspectos de la música concreta , un énfasis en estructuras rítmicas repetitivas (a menudo desprovistas de sus elementos armónicos) comparables al minimalismo , la manipulación electrónica de la espacialidad, la manipulación electrónica sonora de materiales musicales pregrabados de los medios de comunicación, deejays improvisando sobre música pregrabada comparable a la música electrónica en vivo , ^{[ 132 ]} remezclas musicales, ^{[ 133 ]} turntablismo , ^{[ 134 ]} y la mezcla y el scratching de vinilos. ^{[ 135 ]}

A pesar del limitado equipo electrónico disponible para pioneros del dub como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente vanguardistas. ^{[ 133 ]} King Tubby, por ejemplo, era propietario de un sistema de sonido y técnico electrónico, cuyo pequeño estudio en la sala de estar de su casa en el gueto de Waterhouse, al oeste de Kingston, fue un lugar clave para la creación de música dub. ^{[ 136 ]}

A finales de la década de 1960, músicos de pop y rock, como los Beach Boys y los Beatles , comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el mellotron , para complementar y definir su sonido. Las primeras bandas en utilizar el sintetizador Moog fueron The Doors en su canción de 1967 « Strange Days » ^{[ 137 ]} y The Monkees en su álbum Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. , también de 1967. En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconoce la canción psicodélica de los Beatles de 1966 « Tomorrow Never Knows » como la que «marcó el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y el pop» debido a la incorporación por parte de la banda de bucles de cinta y sonidos de cinta invertidos y manipulados a velocidad. ^{[ 138 ]}

También a finales de la década de 1960, los dúos musicales Silver Apples , Beaver y Krause , y bandas de rock psicodélico como The United States of America , Fifty Foot Hose , White Noise y Gong son considerados pioneros en los géneros de rock electrónico y electrónica por su trabajo en la fusión del rock psicodélico con osciladores y sintetizadores. ^{[ 139 ] [ 140 ] [ 141 ] [ 142 ] [ 143 ] [ 144 ]} El instrumental de 1969 " Popcorn " escrito por Gershon Kingsley para Music To Moog By se convirtió en un éxito mundial debido a la versión de 1972 realizada por Hot Butter . ^{[ 145 ] [ 146 ]}

El sintetizador Moog se popularizó en 1968 gracias a Switched-On Bach , un álbum superventas de composiciones de Bach arregladas para sintetizador Moog por la compositora estadounidense Wendy Carlos . El álbum cosechó éxito de crítica y público, y ganó los premios Grammy de 1970 a Mejor Álbum Clásico , Mejor Interpretación Clásica – Solista Instrumental (con o sin Orquesta) y Mejor Grabación Clásica con Ingeniería de Sonido .

En 1969, David Borden formó el primer conjunto de sintetizadores del mundo llamado Mother Mallard's Portable Masterpiece Company en Ithaca, Nueva York. ^{[ 147 ]}

A finales de la década de 1960, el sintetizador Moog ocupó un lugar destacado en el sonido del emergente rock progresivo, con bandas como Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer y Genesis incorporándolo a su música. El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Cluster , Can , Neu! y Faust sortear la barrera del idioma. ^{[ 148 ]} Su " krautrock " con predominio de sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (quien durante un tiempo fue tecladista de Roxy Music ), tendría una gran influencia en el rock electrónico posterior . ^{[ 149 ]}

El dub ambiental fue impulsado por King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos, quienes utilizaron electrónica ambiental inspirada en los DJ , con interrupciones, eco, ecualización y efectos electrónicos psicodélicos . Presentaba técnicas de superposición e incorporaba elementos de la música del mundo , líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. ^{[ 150 ]} También se utilizaban técnicas como un retardo de eco prolongado. ^{[ 151 ]} Otros artistas destacados dentro del género incluyen a Dreadzone , Higher Intelligence Agency , The Orb , Ott , Loop Guru , Woob y Transglobal Underground . ^{[ 152 ]}

La música dub influyó en las técnicas musicales electrónicas que posteriormente adoptó el hip hop cuando el DJ inmigrante jamaicano Kool Herc introdujo a principios de la década de 1970 la cultura del sound system jamaicano y las técnicas de la música dub en Estados Unidos. Una de estas técnicas que se popularizó en la cultura hip hop fue reproducir dos copias del mismo disco en dos tocadiscos de forma alternada, extendiendo así la sección favorita de los b-dancers . ^{[ 153 ]} El tocadiscos llegó a ser el instrumento musical electrónico más visible, y en ocasiones el más virtuoso , en las décadas de 1980 y 1990. ^{[ 134 ]}

El rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, incluyendo Electric Samurai: Switched on Rock (1972) de Isao Tomita , que presentaba versiones de canciones pop y rock contemporáneas con sintetizador Moog, ^{[ 154 ]} y el álbum de rock progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima . ^{[ 155 ]} A mediados de la década de 1970 se vio el auge de músicos de música electrónica artística como Jean-Michel Jarre , Vangelis , Tomita y Klaus Schulze, quienes fueron influencias significativas en el desarrollo de la música new age . ^{[ 150 ]} El atractivo de alta tecnología de estas obras creó durante algunos años la tendencia de enumerar el equipo musical electrónico empleado en las portadas de los álbumes, como una característica distintiva. La música electrónica comenzó a entrar regularmente en la programación de radio y las listas de los más vendidos, como la banda francesa Space con su álbum de estudio debut Magic Fly ^{[ 156 ]} o Jarre con Oxygène . ^{[ 157 ]} Entre 1977 y 1981, Kraftwerk lanzó álbumes como Trans-Europe Express , The Man-Machine y Computer World , que influyeron en subgéneros de la música electrónica. ^{[ 158 ]}

En esta época, el sonido de músicos de rock como Mike Oldfield y The Alan Parsons Project (a quien se le atribuye la primera canción de rock en incluir un vocoder digital en 1975, The Raven ) solía ser arreglado y mezclado con efectos y/o música electrónica, lo que se volvió mucho más prominente a mediados de la década de 1980. Jeff Wayne logró un éxito duradero ^{[ 159 ]} con su versión musical de rock electrónico de 1978 de La guerra de los mundos .

Las bandas sonoras de películas también se benefician del sonido electrónico. Durante las décadas de 1970 y 1980, Wendy Carlos compuso la banda sonora de La naranja mecánica , El resplandor y Tron . ^{[ 160 ]} En 1977, Gene Page grabó una versión disco del exitoso tema de John Williams de la película de Steven Spielberg Encuentros cercanos del tercer tipo . La versión de Page alcanzó el puesto número 30 en la lista de R&B . La banda sonora de la película de 1978 Expreso de medianoche, compuesta por el pionero italiano del sintetizador Giorgio Moroder, ganó el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original en 1979 , al igual que la banda sonora de Vangelis para Carros de fuego en 1981. ^{[ 161 ]} Tras la llegada del punk rock , surgió una forma de rock electrónico básico, que utilizaba cada vez más la nueva tecnología digital para reemplazar otros instrumentos. El dúo estadounidense Suicide , surgido de la escena punk de Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un híbrido entre electrónica y punk en su álbum homónimo de 1977. ^{[ 162 ]}

Entre las bandas pioneras del synth-pop que disfrutaron del éxito durante años se encuentra Ultravox con su tema de 1977 "Hiroshima Mon Amour" en Ha!-Ha!-Ha! , ^{[ 163 ]} Yellow Magic Orchestra con su álbum homónimo (1978), The Buggles con su destacado sencillo debut de 1979 " Video Killed the Radio Star ", ^{[ 164 ]} Gary Numan con su álbum debut en solitario The Pleasure Principle y el sencillo " Cars " en 1979, ^{[ 165 ]} Orchestral Manoeuvres in the Dark con su sencillo de 1979 " Electricity " incluido en su álbum debut homónimo , ^{[ 166 ] [ 167 ]} Depeche Mode con su primer sencillo " Dreaming of Me " en 1980 y su álbum debut Speak & Spell en 1981, ^{[ 168 ]} A Flock of Seagulls con su sencillo de 1981 " Talking ", ^{[ 169 ]} New Order con " Ceremony " ^{[ 170 ]} en 1981, y The Human League con su éxito de 1981 " Don't You Want Me " de su tercer álbum Dare . ^{[ 171 ]}

La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital hicieron que el desarrollo de sonidos puramente electrónicos fuera mucho más fácil, ^{[ 172 ]} con ingenieros de audio , productores y compositores explorando frecuentemente las posibilidades de prácticamente cada nuevo modelo de equipo de sonido electrónico lanzado por los fabricantes. El synth-pop a veces usaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, pero era más común que las bandas tuvieran uno o más tecladistas en sus alineaciones junto con guitarristas, bajistas y/o bateristas. Estos desarrollos llevaron al crecimiento del synth-pop, que después de ser adoptado por el movimiento New Romantic , permitió que los sintetizadores dominaran la música pop y rock de principios de la década de 1980 hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados y finales de la década. ^{[ 171 ]} Junto con los pioneros exitosos mencionados anteriormente, los artistas clave incluyeron a Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan y Eurythmics .

El synth-pop se popularizó en todo el mundo, con éxitos internacionales de artistas como Men Without Hats , Trans-X y Lime de Canadá, Telex de Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda y Alphaville de Alemania, Yello de Suiza y Azul y Negro de España. Además, el sonido sintetizado es un elemento clave del italo-disco .

Algunas bandas de synth-pop crearon estilos visuales futuristas de sí mismas para reforzar la idea de que los sonidos electrónicos estaban vinculados principalmente con la tecnología, como los estadounidenses Devo y los españoles Aviador Dro .

Los sintetizadores de teclado se volvieron tan comunes que incluso las bandas de rock heavy metal , un género a menudo considerado como opuesto en estética, sonido y estilo de vida al de los artistas de pop electrónico por los fanáticos de ambos lados, lograron éxito mundial con temas como " Jump " ^{[ 173 ]} de Van Halen en 1983 y " The Final Countdown " ^{[ 174 ]} de Europe en 1986 , que presentan sintetizadores prominentemente.

Elektronmusikstudion (EMS), anteriormente conocido como Electroacoustic Music in Sweden, es el centro nacional sueco de música electrónica y arte sonoro . Esta organización de investigación se fundó en 1964 y tiene su sede en Estocolmo.

STEIM (1969–2021) fue un centro de investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales para las artes escénicas electrónicas, ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. Fue fundado por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen , Reinbert de Leeuw y Konrad Boehmer . Este grupo de compositores neerlandeses luchó por la reforma de las estructuras musicales feudales de Ámsterdam; insistieron en el nombramiento de Bruno Maderna como director musical de la Orquesta del Concertgebouw e impulsaron la primera financiación pública para la música electrónica experimental e improvisada en los Países Bajos. De 1981 a 2008, Michel Waisvisz fue director artístico, y sus instrumentos electrónicos en vivo, como Cracklebox o The Hands, inspiraron a artistas internacionales a trabajar en STEIM, que contaba con un programa de residencias desde 1992.

El IRCAM de París se convirtió en un importante centro de investigación y realización de música por ordenador y desarrollo del sistema informático Sogitec 4X , ^{[ 175 ]} que presentaba un procesamiento de señales digitales en tiempo real entonces revolucionario . La obra Répons (1981) de Pierre Boulez para 24 músicos y 6 solistas utilizó el 4X para transformar y dirigir a los solistas a un sistema de altavoces.

Barry Vercoe describe una de sus experiencias con los primeros sonidos de las computadoras:

En el IRCAM de París en 1982, el flautista Larry Beauregard conectó su flauta al procesador de audio 4X de DiGiugno, lo que permitió el seguimiento de tono en tiempo real. En un Guggenheim en ese momento, extendí este concepto al seguimiento de partituras en tiempo real con acompañamiento sincronizado automático, y durante los dos años siguientes Larry y yo dimos numerosas demostraciones de la computadora como músico de cámara, interpretando sonatas para flauta de Handel , la Sonatina para flauta y piano de Boulez y, en 1984, mi propia Synapse II para flauta y computadora, la primera pieza jamás compuesta expresamente para tal configuración. Un desafío importante fue encontrar las estructuras de software adecuadas para soportar un acompañamiento altamente sensible y receptivo. Todo esto fue antes de MIDI, pero los resultados fueron impresionantes, aunque grandes dosis de rubato de tempo sorprendían continuamente a mi Synthetic Performer . En 1985 resolvimos el problema del tempo rubato incorporando el aprendizaje a partir de los ensayos (cada vez que se tocaba de esta manera, la máquina mejoraba). También empezamos a grabar el violín, ya que nuestra brillante y joven flautista había contraído un cáncer terminal. Además, esta versión utilizaba un nuevo estándar llamado MIDI, y en esto conté con la valiosa ayuda de mi antiguo alumno Miller Puckette, cuyos conceptos iniciales para esta tarea posteriormente desarrolló en un programa llamado MAX . ^{[ 177 ]}

Lanzado en 1970 por Moog Music , el Mini-Moog fue uno de los primeros sintetizadores portátiles, accesibles y relativamente económicos. Llegó a ser el sintetizador más utilizado en ese momento, tanto en la música popular como en la música electrónica. ^{[ 178 ]} Patrick Gleeson , tocando en vivo con Herbie Hancock a principios de la década de 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores en giras, donde estos se sometían a tensiones para las que las primeras máquinas no estaban diseñadas. ^{[ 179 ] [ 180 ]}

En 1974, el estudio de la WDR en Colonia adquirió un sintetizador EMS Synthi 100 , que muchos compositores utilizaron para producir obras electrónicas notables, entre ellas Fünf deutsche Tänze (1975) de Rolf Gehlhaar , Sirius (1975-1976) de Karlheinz Stockhausen y Pulse Music III (1978) de John McGuire . ^{[ 181 ]}

Gracias a la miniaturización de la electrónica en la década de 1970, a principios de la década de 1980 los sintetizadores de teclado se volvieron más ligeros y asequibles, integrando en una sola unidad delgada toda la electrónica necesaria para la síntesis de audio y el propio teclado estilo piano, en marcado contraste con la maquinaria voluminosa y el " espagueti de cables " que se utilizaban en las décadas de 1960 y 1970. Primero con los sintetizadores analógicos, la tendencia continuó también con los sintetizadores digitales y los samplers (véase más abajo).

En 1975, la empresa japonesa Yamaha obtuvo la licencia de los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning , quien había experimentado con ella en la Universidad de Stanford desde 1971. ^{[ 182 ] [ 183 ]} Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning para su uso en un sintetizador digital, añadiendo mejoras como el método de "escalado de teclas" para evitar la introducción de distorsión que normalmente ocurría en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia . ^{[ 184 ]}

En 1980, Yamaha lanzó el primer sintetizador digital FM, el Yamaha GS-1, pero a un precio elevado. ^{[ 185 ]} En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX7 , que también utilizaba síntesis FM y se convertiría en uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. ^{[ 182 ]} El DX7 era conocido por sus tonalidades brillantes y reconocibles, debido en parte a una frecuencia de muestreo excesiva de 57 kHz. ^{[ 186 ]} 

El Korg Poly-800 es un sintetizador lanzado por Korg en 1983. Su precio inicial de 795 dólares lo convirtió en el primer sintetizador totalmente programable que se vendió por menos de 1000 dólares. Tenía una polifonía de 8 voces con un oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.

El Casio CZ-101 fue el primer sintetizador de distorsión de fase y el más vendido de la línea Casio CZ . Lanzado en noviembre de 1984, fue uno de los primeros (si no el primero) sintetizadores polifónicos totalmente programables disponibles por menos de 500 dólares.

El Roland D-50 es un sintetizador digital fabricado por Roland y lanzado en abril de 1987. Entre sus características destacan la síntesis sustractiva , efectos integrados, un joystick para la manipulación de datos y un diseño de teclado similar al de los sintetizadores analógicos. También se podía conectar al D-50 el programador externo Roland PG-1000 (1987-1990) para una manipulación más compleja de sus sonidos.

Un sampler es un instrumento musical electrónico o digital que utiliza grabaciones de sonido (o " muestras ") de sonidos de instrumentos reales (por ejemplo, un piano, un violín o una trompeta), fragmentos de canciones grabadas (por ejemplo, un riff de bajo de cinco segundos de una canción funk ) o sonidos ambientales (por ejemplo, sirenas y olas del mar). Las muestras son cargadas o grabadas por el usuario o por un fabricante. Estos sonidos se reproducen mediante el propio programa del sampler, un teclado MIDI , un secuenciador u otro dispositivo de disparo (por ejemplo, una batería electrónica ) para interpretar o componer música. Dado que estas muestras suelen almacenarse en memoria digital, se puede acceder a la información rápidamente. A menudo, una sola muestra puede modificarse en tono para producir escalas y acordes musicales .

Antes de la llegada de los samplers basados ​​en memoria de computadora, los músicos usaban teclados de reproducción de cinta, que almacenaban grabaciones en cinta analógica. Al presionar una tecla, el cabezal de la cinta entraba en contacto con la cinta en movimiento y reproducía un sonido. El Mellotron fue el modelo más destacado, utilizado por muchos grupos a finales de los años 60 y durante los 70, pero estos sistemas eran caros y pesados ​​debido a los múltiples mecanismos de cinta que involucraban, y el rango del instrumento se limitaba a un máximo de tres octavas. Para cambiar de sonido, era necesario instalar un nuevo juego de cintas en el instrumento. La aparición del sampler digital hizo que el muestreo fuera mucho más práctico.

Las primeras muestras digitales se obtuvieron con el sistema EMS Musys, desarrollado por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interfaz) y Peter Zinovieff (diseño y funcionamiento del sistema) en su estudio de Londres (Putney) alrededor de 1969.

El primer sintetizador de muestreo disponible comercialmente fue el Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).

Lanzado por primera vez en 1977-1978, ^{[ 187 ]} el Synclavier I que utilizaba síntesis FM , con licencia de Yamaha , ^{[ 188 ]} y vendido principalmente a universidades, demostró ser muy influyente entre compositores de música electrónica y productores musicales, incluido Mike Thorne , uno de los primeros en adoptarlo del mundo comercial, debido a su versatilidad, su tecnología de vanguardia y sus sonidos distintivos.

El primer sintetizador de muestreo digital polifónico fue el Fairlight CMI de fabricación australiana , disponible por primera vez en 1979. Estos primeros sintetizadores de muestreo utilizaban síntesis de tabla de ondas . ^{[ 189 ]}

En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudieran usar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y computadoras. Este estándar se denominó Interfaz Digital para Instrumentos Musicales ( MIDI ) y fue el resultado de una colaboración entre fabricantes líderes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland , y posteriormente, otros participantes que incluyeron a Yamaha , Korg y Kawai . ^{[ 190 ]} Dave Smith de Sequential Circuits redactó un documento que se propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.

La tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, el movimiento de una rueda de control, el movimiento de un pedal o una orden desde un microordenador activen de forma remota y sincronizada todos los dispositivos del estudio, respondiendo cada uno de ellos según las condiciones predeterminadas por el compositor.

Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control potente de instrumentos sofisticados fuera fácilmente accesible para muchos estudios y particulares. Los sonidos acústicos se reincorporaron a los estudios mediante el muestreo y los instrumentos basados ​​en ROM muestreada.

Miller Puckette desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews ) y posteriormente lo adaptó a Macintosh (con Dave Zicarelli ampliándolo para Opcode ) ^{[ 191 ]} para el control MIDI en tiempo real, lo que puso la composición algorítmica al alcance de la mayoría de los compositores con conocimientos modestos de programación informática.

A principios de la década de 1980 se produjo el auge de los sintetizadores de bajo , siendo el más influyente el Roland TB-303 , un sintetizador y secuenciador de bajo lanzado a finales de 1981 que posteriormente se convirtió en un elemento fijo de la música electrónica de baile , ^{[ 192 ]} particularmente del acid house . ^{[ 193 ]} Uno de los primeros en usarlo fue Charanjit Singh en 1982, aunque no se popularizaría hasta " Acid Tracks " de Phuture en 1987. ^{[ 193 ]} Los secuenciadores musicales comenzaron a usarse alrededor de mediados del siglo XX, y los álbumes de Tomita a mediados de la década de 1970 son ejemplos posteriores. ^{[ 154 ]} En 1978, Yellow Magic Orchestra estaba utilizando tecnología basada en computadora junto con un sintetizador para producir música popular, ^{[ 194 ]} haciendo su uso temprano del secuenciador Roland MC-8 Microcomposer basado en microprocesador . ^{[ 195 ] [ 196 ]}

Las cajas de ritmos , también conocidas como cajas de ritmos, también comenzaron a usarse alrededor de finales de la década de 1950, siendo un ejemplo posterior el álbum de rock progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima , que utilizó una caja de ritmos junto con baterías electrónicas y un sintetizador. ^{[ 155 ]} En 1977, " Hiroshima Mon Amour " de Ultravox fue uno de los primeros sencillos en utilizar la percusión tipo metrónomo de una caja de ritmos Roland TR-77 . ^{[ 163 ]} En 1980, Roland Corporation lanzó la TR-808 , una de las primeras y más populares cajas de ritmos programables . La primera banda en usarla fue Yellow Magic Orchestra en 1980, y más tarde ganaría gran popularidad con el lanzamiento de " Sexual Healing " de Marvin Gaye y " Planet Rock " de Afrika Bambaataa en 1982. ^{[ 197 ]} La TR-808 fue una herramienta fundamental en la escena techno de Detroit de finales de la década de 1980, y fue la caja de ritmos preferida de Derrick May y Juan Atkins . ^{[ 198 ]}

El característico sonido lo-fi de la música chiptune fue inicialmente el resultado de las limitaciones técnicas de los primeros chips de sonido y tarjetas de sonido de los ordenadores ; sin embargo, desde entonces, este sonido se ha convertido en algo muy apreciado por derecho propio.

Entre los chips de sonido comunes, económicos y populares de los primeros ordenadores domésticos de la década de 1980 se incluyen el SID de la Commodore 64 y la serie General Instrument AY , así como clones (como el Yamaha YM2149) utilizados en el ZX Spectrum , Amstrad CPC , compatibles con MSX y modelos Atari ST , entre otros.

El synth-pop continuó vigente hasta finales de la década de 1980, con un formato que se acercaba cada vez más a la música dance, incluyendo el trabajo de grupos como los dúos británicos Pet Shop Boys , Erasure y The Communards , que alcanzaron el éxito durante gran parte de la década de 1990.

La tendencia ha continuado hasta nuestros días con clubes nocturnos modernos en todo el mundo que tocan regularmente música electrónica de baile (EDM). Hoy en día, la música electrónica de baile tiene estaciones de radio, ^{[ 199 ]} sitios web, ^{[ 200 ]} y publicaciones como Mixmag dedicadas exclusivamente al género. A pesar del intento de la industria de crear una marca específica de EDM, la sigla sigue usándose como un término general para múltiples géneros, incluyendo dance-pop , house , techno , electro y trance , así como sus respectivos subgéneros. ^{[ 201 ] [ 202 ] [ 203 ]} Además, el género ha encontrado importancia comercial y cultural en los Estados Unidos y América del Norte, gracias al sonido big room house /EDM tremendamente popular que se ha incorporado a la música pop estadounidense ^{[ 204 ]} y el auge de raves comerciales a gran escala como Electric Daisy Carnival , Tomorrowland y Ultra Music Festival .

Por otro lado, un amplio grupo de estilos musicales de base electrónica destinados a ser escuchados más que estrictamente para bailar se dio a conocer bajo el paraguas de la " electrónica " ^{[ 205 ] [ 206 ]} , que también fue una escena musical a principios de la década de 1990 en el Reino Unido. ^{[ 206 ]} Según un artículo de Billboard de 1997 , "la unión de la comunidad de clubes y los sellos independientes " proporcionó el entorno experimental y de creación de tendencias en el que los artistas de electrónica se desarrollaron y finalmente llegaron al público general, citando sellos estadounidenses como Astralwerks ( The Chemical Brothers , Fatboy Slim , The Future Sound of London , Fluke ), Moonshine ( DJ Keoki ) y City of Angels ( The Crystal Method ) por popularizar la última versión de la música electrónica. ^{[ 207 ]}

La categoría "indie electronic" (o "indietrónica") ^{[ 208 ]} se ha utilizado para referirse a una ola de grupos con raíces en el rock independiente que adoptaron elementos electrónicos (como sintetizadores, samplers, cajas de ritmos y programas informáticos) e influencias como la composición electrónica temprana, el krautrock, el synth-pop y la música dance. ^{[ 209 ]} Las grabaciones se realizan habitualmente en ordenadores portátiles utilizando estaciones de trabajo de audio digital . ^{[ 208 ]}

La primera ola de artistas de música electrónica independiente comenzó en la década de 1990 con grupos como Stereolab (que usaban equipos vintage) y Disco Inferno (que adoptaban la tecnología de muestreo moderna), y el género se expandió en la década de 2000 a medida que la grabación casera y los sintetizadores de software se hicieron de uso común. ^{[ 209 ]} Otros grupos incluyeron a Broadcast , Lali Puna , Múm , The Postal Service , Skeletons y School of Seven Bells . ^{[ 209 ]} Los sellos independientes asociados con el estilo incluyen Warp , Morr Music , Sub Pop y Ghostly International . ^{[ 209 ]}

El circuit bending consiste en la modificación de juguetes y sintetizadores alimentados por pilas para crear nuevos efectos de sonido no intencionados. Fue una técnica pionera de Reed Ghazala en la década de 1960, quien también acuñó el término en 1992. ^{[ 216 ]}

Siguiendo la tendencia de la modificación de circuitos, los músicos también comenzaron a construir sus propios sintetizadores modulares, lo que provocó un renovado interés en los diseños de principios de la década de 1960. El sistema Eurorack se popularizó.