Película de guerra

La guerra más costosa en la historia de Estados Unidos en términos de vidas estadounidenses, esta guerra ha sido el tema o el telón de fondo de numerosas películas, documentales y miniseries. Una de las primeras películas que utilizó la Guerra Civil como tema fue la película muda de DW Griffith de 1910, El Fugitivo . ^{[ 18 ]} Las películas que tienen la guerra como tema principal, o sobre un aspecto determinado de la guerra, incluyen la película de 1989 Glory , sobre la primera unidad formal del Ejército de la Unión durante la Guerra Civil Estadounidense compuesta enteramente por voluntarios negros. ^{[ 19 ]} Algunas películas como Gettysburg se centraron en una sola batalla durante la guerra, ^{[ 20 ]} o incluso en un solo incidente, como el cortometraje francés La Rivière du Hibou ( Un suceso en el puente de Owl Creek ) ^{[ 21 ]} y La gran persecución de la locomotora de Disney (1956). ^{[ 22 ]} Otras, como la miniserie de 1993 Norte y Sur, abarcaron toda la amplitud de la guerra. Algunas películas tratan los aspectos humanos de la guerra, como La insignia roja del valor (1951), ^{[ 23 ]} o Shenandoah (1965), sobre la tragedia que la guerra infligió a la población civil. ^{[ 24 ]} La Guerra Civil de Ken Burns es el documental más visto en la historia de PBS . ^{[ 25 ]}

Las primeras películas bélicas datan de la Guerra Hispano-Estadounidense de 1898. Entre los cortos documentales se incluyen « Entierro de las víctimas de Maine » , «Lanzamiento de una manta a un nuevo recluta » y «Soldados lavando platos» . Estas películas, que no mostraban combates, iban acompañadas de recreaciones de batallas, como la de los «Rough Riders» de Theodore Roosevelt en acción contra los españoles, escenificada en Estados Unidos. ^{[ 26 ]}

Durante la Primera Guerra Mundial, se realizaron numerosas películas sobre la vida en la guerra. Entre los temas tratados se incluían los prisioneros de guerra, las operaciones encubiertas y el entrenamiento militar. Tanto las Potencias Centrales como los Aliados produjeron documentales de guerra. Estas películas también se utilizaron como propaganda en países neutrales como Estados Unidos. Entre ellas se encuentra una película rodada en el Frente Oriental por el fotógrafo de guerra oficial de las Potencias Centrales, Albert K. Dawson : La batalla y la caída de Przemyśl (1915), que muestra el asedio de Przemyśl , desastroso para los austriacos, con incidentes recreados utilizando soldados como extras. ^{[ 27 ] [ 28 ]}

La película australiana de 1915 Within Our Gates (también conocida como Deeds that Won Gallipoli ), de Frank Harvey, fue descrita por Motion Picture News como "una historia de guerra realmente buena, lo cual es excepcional". ^{[ 29 ]}

La película británica de 1916, La batalla del Somme , dirigida por los cineastas oficiales Geoffrey Malins y John McDowell, combinó documental y propaganda, buscando transmitir al público una idea de cómo era la guerra de trincheras . Gran parte de la película se rodó en el Frente Occidental en Francia; tuvo un poderoso impacto emocional. Fue vista por unos 20 millones de personas en Gran Bretaña durante sus seis semanas de exhibición, lo que la convirtió en lo que la crítica Francine Stock denominó "una de las películas más exitosas de todos los tiempos". ^{[ 30 ] [ 31 ]}

La película estadounidense de 1925, The Big Parade, representó elementos poco glamorosos de la guerra: el protagonista pierde una pierna y sus amigos mueren. ^{[ 32 ]} Wings (1927) de William A. Wellman mostró combates aéreos durante la guerra y se realizó en cooperación con el Cuerpo Aéreo del Ejército. Resultó ser una poderosa herramienta de reclutamiento. ^{[ 33 ]} Se convirtió en la primera película (de cualquier género) en recibir un Oscar a la mejor película. ^{[ 34 ]} Películas posteriores de diversos géneros que tratan sobre la Primera Guerra Mundial incluyen la "épica colosal" de David Lean , a la vez película de guerra y biográfica ^{[ 35 ]} Lawrence de Arabia (1962), filmada en el entonces desconocido y emocionante Technicolor de 70 mm , ^{[ 36 ]} y descrita por Steven Spielberg como "quizás el mejor guion jamás escrito para el medio cinematográfico"; ^{[ 35 ]} la comedia musical satírica antibélica de Richard Attenborough basada en la obra de teatro homónima de Joan Littlewood , Oh! Qué guerra tan encantadora (1969); ^{[ 37 ]} El drama bélico de Spielberg de 2011, War Horse, se basó en la novela infantil homónima de Michael Morpurgo . ^{[ 38 ]}

Muchas de las películas promocionadas como "documentales" añadieron contexto a escenas auténticas de batallas al escenificar eventos críticos, e inventaron episodios y diálogos para aumentar la emoción a costa de la autenticidad. ^{[ 39 ]}

Aunque la Guerra Civil Finlandesa de 1918 entre Blancos y Rojos siguió siendo un tema controvertido un siglo después en Finlandia , ^{[ 40 ] [ 41 ]} muchos cineastas finlandeses han abordado el tema, a menudo basando su trabajo en un libro. En 1957, 1918 de Toivo Särkkä , basada en la obra de teatro y la novela de Jarl Hemmer , se proyectó en el 7º Festival Internacional de Cine de Berlín . ^{[ 42 ]} Las películas recientes incluyen The Border de Lauri Törhönen de 2007 , ^{[ 43 ] [ 44 ]} y Tears of April de Aku Louhimies de 2008 , basada en la novela de Leena Lander . ^{[ 45 ]} Quizás la película más famosa sobre la Guerra Civil Finlandesa sea Here, Beneath the North Star de Edvin Laine de 1968 , basada en los dos primeros libros de la trilogía Under the North Star de Väinö Linna ; describe la guerra civil desde el bando perdedor, los Guardias Rojos de Finlandia . ^{[ 46 ]}

La Guerra Civil Española ha atraído a directores de diferentes países. Por quién doblan las campanas (1943) de Sam Wood , basada en el libro homónimo de Ernest Hemingway , retrata el romance predestinado entre un estadounidense interpretado por Gary Cooper y una partisana interpretada por Ingrid Bergman con el telón de fondo de la guerra civil. La épica película de 168 minutos con sus paisajes filmados en Technicolor y una "hermosa" banda sonora orquestal fue un éxito tanto de público como de crítica. ^{[ 47 ]} Guernica (1950) de Alain Resnais utiliza la pintura homónima de Picasso de 1937 para protestar contra la guerra. ^{[ 47 ]} La Caza (1966) de Carlos Saura utiliza la metáfora de la caza para criticar la agresividad del fascismo español . ^{[ 48 ]} Ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el 16º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1966. ^{[ 49 ]} Tierra y Libertad ( 1995) de Ken Loach , basada libremente en Homenaje a Cataluña de George Orwell , sigue a un comunista británico durante la guerra para revelar las dolorosas contradicciones dentro del bando republicano antifascista. ^{[ 47 ]}

La película El casco de acero (1951) de Samuel Fuller se realizó durante la Guerra de Corea (1950-1953). El crítico Guy Westwell señala que cuestionaba la conducción de la guerra, al igual que películas posteriores como Los puentes de Toko-Ri (1954) y Pork Chop Hill (1959). ^{[ 50 ]} Fuller coincidió en que todas sus películas eran antibelicistas. Ninguna película de Hollywood sobre la Guerra de Corea tuvo éxito en taquilla; el historiador Lary May sugirió en 2001 que recordaban a los espectadores estadounidenses "la única guerra que hemos perdido". ^{[ 51 ]}

En 1955, tras los combates, la exitosa película de acción surcoreana Piagol, que narraba las atrocidades de la guerrilla izquierdista, inspiró a otros cineastas. El gobierno militar de la década de 1960 castigó a los cineastas procomunistas y otorgó el Premio Gran Campana a las películas con el mensaje anticomunista más contundente. Las montañas Taebaek (1994) trataba sobre los izquierdistas del sur que lucharon para los comunistas, mientras que El corcel de plata (1991) y Primavera en mi pueblo (1998) mostraron el impacto destructivo de la presencia militar estadounidense en la vida rural. Las violentas películas de acción Shiri (1999) y Área de seguridad conjunta (2000) presentaron a Corea del Norte bajo una luz favorable. ^{[ 52 ]}

Las películas en Corea del Norte fueron producidas por estudios cinematográficos estatales y tenían claros mensajes políticos. La primera fue Mi aldea natal (1949), sobre la liberación de Corea de los japoneses, presentada como obra de Kim Il Sung sin ayuda de los estadounidenses. De manera similar, las películas del país sobre la Guerra de Corea muestran la victoria sin ayuda de los chinos. El estudioso del cine Johannes Schönherr concluye que el propósito de estas películas es "retratar a Corea del Norte como un país asediado", y que, dado que Estados Unidos y su "títere" Corea del Sur invadieron el Norte una vez, lo harían de nuevo. ^{[ 53 ]}

La película dramática de Gillo Pontecorvo , La batalla de Argel (en italiano : La battaglia di Algeri ; en árabe : معركة الجزائر ; en francés : La Bataille d'Alger , 1966), retrató los acontecimientos de la Guerra de Argelia (1954-1956). Fue filmada en exteriores como una coproducción ítalo-argelina. Poseía el estilo de noticiario en blanco y negro del neorrealismo italiano y representaba de manera imparcial la violencia de ambos bandos. Ganó varios premios, incluido el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia . ^{[ 54 ]} Fue atacada por la crítica francesa y estuvo prohibida en Francia durante cinco años, al igual que Jamila, la argelina (1958). ^{[ 55 ]}

Pocas películas anteriores a finales de la década de 1970 sobre la guerra de Vietnam representaban realmente el combate; ^{[ 56 ]} entre las excepciones se encuentra Los boinas verdes (1968). ^{[ 56 ]} Críticos como Basinger explican que Hollywood evitó el tema debido a la oposición a la participación de Estados Unidos en la guerra de Vietnam , lo que lo convirtió en un tema divisivo; además, la industria cinematográfica estaba en crisis y el ejército no deseaba colaborar en la producción de películas antibélicas. ^{[ 56 ] [ 57 ]}

Desde finales de la década de 1970, películas financiadas y producidas de forma independiente demostraron a Hollywood que Vietnam podía ser tratado en el cine. Entre las representaciones exitosas, aunque muy diferentes, de la guerra en la que Estados Unidos había sido derrotado, se incluyen El cazador (1978) de Michael Cimino y Apocalipsis ahora (1979) de Francis Ford Coppola . ^{[ 56 ]} Con el giro de la política estadounidense hacia la derecha en la década de 1980, el éxito militar pudo mostrarse nuevamente en películas como Platoon (1986) de Oliver Stone , Full Metal Jacket (1987) de Stanley Kubrick y Hamburger Hill (1987) de John Irvin . ^{[ 56 ]}

La película vietnamita Nguyễn Hồng Sến , * El campo abandonado: Zona de fuego libre* ( Cánh đồng hoang , 1979), ofrece una visión subjetiva, inquietante y convincente, de la vida bajo el fuego de helicópteros en el delta del Mekong durante la guerra de Vietnam. La película alterna con una perspectiva desde un helicóptero (estadounidense), que contrasta dolorosamente con la ternura humana mostrada anteriormente. ^{[ 58 ]}

La adaptación de Dino Mustafić (2003), escrita por Zlatko Topčić , narra las historias paralelas de maduración de un padre que vive en Sarajevo durante la Segunda Guerra Mundial y su hijo que vive el asedio de Sarajevo durante la guerra de Bosnia . Según Topčić, la historia se basa en sucesos de su propia vida. ^{[ 59 ] [ 60 ]}

La guerra de Irak sirvió como trasfondo de películas estadounidenses, como The Hurt Locker de 2008, Green Zone de 2010, ^{[ 61 ]} y American Sniper de 2014.

La guerra en Afganistán desde 2001 fue representada en varias películas, entre ellas Restrepo en 2010 y Lone Survivor de 2013. ^{[ 61 ]}

Las primeras películas bélicas populares de los Aliados , realizadas durante la Segunda Guerra Mundial, procedían de Gran Bretaña y combinaban las funciones de documental y propaganda. Películas como El león tiene alas y Objetivo para esta noche se produjeron bajo el control de la División de Cine del Ministerio de Información. La industria cinematográfica británica comenzó a combinar técnicas documentales con historias de ficción en películas como En la que servimos (1942), de Noël Coward y David Lean —«la película británica más exitosa de los años de la guerra» ^{[ 62 ]} — Millones como nosotros (1943) y El camino a seguir (1944). ^{[ 63 ]}

En Estados Unidos, los documentales se produjeron de diversas maneras: el general Marshall encargó la serie de propaganda Why We Fight a Frank Capra; la División de Información y Educación del Departamento de Guerra comenzó a hacer películas de entrenamiento para la Fuerza Aérea y la Armada de los Estados Unidos; el Ejército hizo las suyas a través del Cuerpo de Señales de los Estados Unidos, incluyendo The Battle of San Pietro de John Huston . ^{[ 64 ]} Hollywood hizo películas con mensajes de propaganda sobre los aliados de Estados Unidos, como Mrs. Miniver (1942), que retrataba a una familia británica en el frente interno; ^{[ 65 ]} Edge of Darkness (1943) mostró a combatientes de la resistencia noruega, ^{[ 66 ]} y The North Star (1943) mostró a la Unión Soviética y su Partido Comunista . ^{[ 67 ]} Hacia el final de la guerra, los libros populares proporcionaron historias de mayor calidad y más serias para películas como Diario de Guadalcanal (1943), ^{[ 68 ]} Treinta segundos sobre Tokio (1944) de Mervyn LeRoy , ^{[ 69 ]} y Eran prescindibles (1945) de John Ford . ^{[ 70 ]}

La Unión Soviética también valoraba el potencial propagandístico del cine para difundir tanto las victorias como las atrocidades alemanas. El documental de Ilya Kopalin, Moscú contraataca ( en ruso : Разгром немецких войск под Москвой , literalmente "La derrota de las tropas alemanas cerca de Moscú"), se realizó durante la Batalla de Moscú entre octubre de 1941 y enero de 1942. Mostraba a civiles ayudando a defender la ciudad, el desfile en la Plaza Roja y el discurso de Stalin incitando al pueblo ruso a la batalla, combates reales, alemanes rindiéndose y muertos, y atrocidades como niños asesinados y civiles ahorcados. Ganó un Premio Óscar en 1943 al mejor documental. ^{[ 71 ] [ 72 ]} De manera similar, las cámaras de noticiarios fueron enviadas apresuradamente a Stalingrado a principios de 1943 para grabar "el espectáculo que recibieron los soldados rusos": la hambruna de los prisioneros de guerra rusos en el campo de Voropovono a manos del Sexto Ejército alemán , derrotado en la batalla de Stalingrado . ^{[ 73 ]}

Las películas occidentales realizadas durante la guerra fueron objeto de censura y no siempre reflejaban el realismo. Una de las primeras en intentar representar la violencia, y que en su momento fue elogiada por su «realismo crudo», fue Bataan (1943) de Tay Garnett . Sin embargo, la representación se mantuvo estilizada. Jeanine Basinger pone como ejemplo la «peor imagen de violencia explícita» cuando un soldado japonés decapita a un estadounidense: la víctima muestra dolor y sus labios se congelan en un grito, pero no brota sangre ni se le cae la cabeza. Basinger señala que, si bien esto es físicamente irreal, psicológicamente puede que no lo fuera. El público en tiempos de guerra, señala, era muy consciente de los amigos y familiares que habían muerto o que habían regresado heridos. ^{[ 74 ]}

Las potencias del Eje también produjeron películas durante la Segunda Guerra Mundial, con fines propagandísticos y otros propósitos. En Alemania, el alto mando del ejército estrenó Sieg im Westen («Victoria en el Oeste», 1941). ^{[ 75 ]} Otras películas de propaganda nazi abordaron temas diversos, como Kolberg (1945), que muestra la tenaz resistencia prusiana en el asedio de Kolberg (1807) contra las tropas francesas invasoras de Napoleón . ^{[ 76 ]} El ministro de propaganda, Joseph Goebbels, eligió este tema histórico por considerarlo apropiado para la situación cada vez más crítica que enfrentaba la Alemania nazi cuando se filmó entre octubre de 1943 y agosto de 1944. Con un costo superior a los ocho millones de marcos, utilizando miles de soldados como extras y 100 vagones de ferrocarril cargados de sal para simular la nieve, fue la película alemana más costosa realizada durante la guerra. El asedio real terminó con la rendición de la ciudad; en la película, los generales franceses abandonan el asedio. ^{[ 77 ]}

Para Japón, la guerra comenzó con la guerra no declarada y la invasión de China en 1937 , que las autoridades japonesas denominaron "El Incidente de China". El gobierno envió una "brigada de escritores" para escribir y filmar la acción en China con "valores humanistas". Por ejemplo, *Barro y soldados* (1939) de Tomotaka Tasaka , filmada en locaciones de China, * La leyenda del comandante de tanque Nishizumi * de Kōzaburō Yoshimura y *Chocolate y soldados* (1938) de Sato Takeshi muestran al soldado japonés común como un individuo y como un hombre de familia, e incluso los soldados chinos enemigos son presentados como individuos, a veces luchando valientemente. ^{[ 78 ]} Una vez declarada la guerra con Estados Unidos, el conflicto japonés pasó a ser conocido como la Guerra del Pacífico . Los críticos de cine japoneses temían que, incluso con técnicas cinematográficas occidentales, su producción cinematográfica no lograra representar los valores japoneses nativos. ^{[ 79 ]} El historiador John Dower descubrió que las películas japonesas de la época de la guerra habían caído en gran medida en el olvido, ya que «los perdedores no se repiten», sin embargo, eran tan sutiles y hábiles que Frank Capra consideraba insuperable Chocolate y Soldados . Los héroes solían ser oficiales de bajo rango, no samuráis , serenos y devotos de sus hombres y de su país. ^{[ 80 ]} Estas películas no personificaban al enemigo y, por lo tanto, carecían de odio, aunque Gran Bretaña podía figurar como el «enemigo cultural». Para los cineastas japoneses, la guerra no era una causa, sino más bien un desastre natural, y «lo que importaba no era contra quién se luchaba, sino con qué eficacia». Los enemigos asiáticos, especialmente los chinos, a menudo eran retratados como redimibles e incluso como posibles parejas para contraer matrimonio. Las películas japonesas de la época de la guerra no glorifican la guerra, sino que presentan al Estado japonés como una gran familia y al pueblo japonés como un «pueblo inocente, sufriente y abnegado». Dower comenta que la perversidad de esta imagen «es obvia: carece de cualquier reconocimiento de que, en todos los niveles, los japoneses también victimizaron a otros». ^{[ 81 ]}

Según Andrew Pulver de The Guardian , la fascinación del público por las películas de guerra se convirtió en una "obsesión", con más de 200 películas de guerra producidas en cada década de los años 50 y 60. ^{[ 82 ]} La producción de películas de guerra en el Reino Unido y Estados Unidos alcanzó su apogeo a mediados de los años 50. ^{[ 83 ]} Su popularidad en el Reino Unido fue impulsada por el éxito de crítica y comercial de El mar cruel (1953) de Charles Frend . ^{[ 83 ]} Al igual que otras de la época, El mar cruel se basó en una novela superventas, en este caso la historia del ex comandante naval Nicholas Monsarrat sobre la batalla del Atlántico . ^{[ 84 ] [ 85 ]} Otras, como Los destructores de presas (1954), con su emocionante relato de la bomba rebotante poco ortodoxa del inventor Barnes Wallis y su distintiva música temática , eran historias reales. Los destructores de presas se convirtieron en la película más popular de Gran Bretaña en 1955, ^{[ 86 ]} y seguía siendo una de las favoritas hasta 2015 con una puntuación del 100% en Rotten Tomatoes , ^{[ 87 ]} aunque, en parte porque celebraba una "victoria exclusivamente británica", fracasó en el mercado estadounidense. ^{[ 88 ]} Se hicieron muchas películas de guerra en el período 1955-1958 en particular. Solo en 1957, se estrenaron Bitter Victory , Count Five and Die , The Enemy Below , Ill Met by Moonlight , Men in War , The One That Got Away y Seven Thunders , y las películas de gran éxito y aclamadas por la crítica The Bridge on the River Kwai (que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película ese año ^{[ 89 ]} ) y Paths of Glory . ^{[ 90 ]} Algunas, como Bitter Victory , se centraron más en la batalla psicológica entre los oficiales y el egoísmo que en los acontecimientos durante la guerra. ^{[ 91 ]} El puente sobre el río Kwai aportó una nueva complejidad al panorama bélico, con una sensación de incertidumbre moral en torno a la guerra. Hacia finales de la década, la "sensación de logro compartido" que había sido común en las películas bélicas "comenzó a evaporarse", según Pulver.^{[ 82 ]}

Las películas de Hollywood de las décadas de 1950 y 1960 podían mostrar heroísmo espectacular o autosacrificio, como en la popular Arenas de Iwo Jima (1949), protagonizada por John Wayne . Los marines estadounidenses consideraron Arenas de Iwo Jima visualmente auténtica, pero encontraron que Grito de batalla (1955), de Lewis Milestone, con su atención a la vida de los hombres, era la película más realista. ^{[ 92 ]} La fórmula para una película de guerra exitosa consistía, según Lawrence Suid, en un pequeño grupo de hombres de diversas etnias; un oficial superior irracional; cobardes que se volvían heroicos o morían. ^{[ 92 ]} Jeanine Basinger sugiere que una película de guerra tradicional debería tener un héroe, un grupo y un objetivo, y que el grupo debería contener "un italiano, un judío, un quejica cínico de Brooklyn, un francotirador de las montañas, un hombre del medio oeste (apodado por su estado, 'Iowa' o 'Dakota'), y un personaje que debe ser iniciado de alguna manera". ^{[ 74 ]} Películas basadas en misiones reales de comandos , como The Gift Horse (1952) basada en la incursión de Saint-Nazaire , e Ill Met by Moonlight (1956) basada en la captura del comandante alemán de Creta, inspiraron películas de aventuras de ficción como The Guns of Navarone (1961), The Train (1964) y Where Eagles Dare (1968). Estas utilizaron la guerra como telón de fondo para una acción espectacular. ^{[ 82 ]}

Darryl F. Zanuck produjo el drama documental de 178 minutos El día más largo (1962), basado en el primer día del desembarco de Normandía , que alcanzó el éxito comercial y ganó varios premios Óscar. ^{[ 94 ]} Le siguieron películas de gran envergadura pero reflexivas como La infancia de Iván (1962) de Andrei Tarkovsky , y épicas casi documentales con reparto estelar filmadas en Europa, como La batalla de las Ardenas (1965), La batalla de Inglaterra (1969), La batalla del Neretva (1969), Midway (1976) y Un puente demasiado lejos (1977). En opinión de Lawrence Suid, El día más largo "sirvió de modelo para todos los posteriores espectáculos bélicos". ^{[ 95 ]} Sin embargo, su coste también la convirtió en la última de las películas bélicas tradicionales, mientras que la controversia en torno a la ayuda prestada por el Ejército de los EE. UU. y el "desprecio de Zanuck por las relaciones con el Pentágono" cambiaron la forma en que Hollywood y el Ejército colaboraban. ^{[ 95 ]}

Zanuck, entonces ejecutivo de 20th Century Fox , organizó una coproducción estadounidense-japonesa para Tora! Tora! Tora! (1970) de Richard Fleischer para representar lo que "realmente sucedió el 7 de diciembre de 1941" en el ataque sorpresa a Pearl Harbor . ^{[ 96 ] [ 97 ]} La película, criticada duramente por Roger Ebert ^{[ 98 ]} y The New York Times , ^{[ 99 ]} fue un gran éxito en Japón. ^{[ 96 ]} Sus imágenes del ataque, de aspecto realista, se reutilizaron en películas posteriores como Midway (1976), The Final Countdown (1980) y Australia (2008). ^{[ 100 ]} La historia fue retomada en Pearl Harbor (2001), descrita por The New York Times como un "ruidoso, caro y muy largo nuevo éxito de taquilla", con el comentario de que "a pesar de todas sus pretensiones épicas (como si lo épico fuera cuestión de duración, música pomposa y pronunciamientos serios en voz en off), la película funciona mejor como una película de acción trepidante". ^{[ 101 ]}

Salvar al soldado Ryan (1998) de Steven Spielberg utiliza cámara en mano, diseño de sonido, puesta en escena y mayor detalle audiovisual para desfamiliarizar a los espectadores acostumbrados a las películas de guerra convencionales, con el fin de crear lo que el historiador de cine Stuart Bender llama "realismo informado", independientemente de si la representación es genuinamente más realista. ^{[ 102 ]} Jeanine Basinger señala que los críticos la experimentaron como "innovadora y antigenérica", con, en palabras de James Wolcott, un "deseo de enterrar la leyenda cursi y de los carteles de reclutamiento de John Wayne: hacerlo bien esta vez"; y que las películas de guerra siempre han estado "basadas en la necesidad de ayudar a una audiencia a comprender y aceptar la guerra". ^{[ 74 ]} Su éxito reavivó el interés por las películas de la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 103 ]} Otros intentaron retratar la realidad de la guerra, como en Stalingrado (1993) de Joseph Vilsmaier , que según The New York Times "llega tan lejos como una película puede llegar al representar la guerra moderna como una forma repugnante de matanza en masa". ^{[ 104 ]}

Muchas películas bélicas se han producido con la cooperación de las fuerzas armadas de una nación. Desde la Segunda Guerra Mundial, la Armada de los Estados Unidos ha proporcionado barcos y asesoramiento técnico para películas como Top Gun . La Fuerza Aérea de los Estados Unidos colaboró ​​en The Big Lift , Strategic Air Command y A Gathering of Eagles , que se filmaron en bases de la Fuerza Aérea; personal de la Fuerza Aérea apareció en muchos papeles. [ ^{105 ] Los} críticos han argumentado que la representación sesgada de los eventos en la película Pearl Harbor es una compensación por la asistencia técnica recibida de las fuerzas armadas estadounidenses, señalando que el estreno se realizó a bordo de un portaaviones de la Armada de los Estados Unidos. ^{[ 106 ]} En otro caso, la Armada de los Estados Unidos objetó elementos de Crimson Tide , especialmente el motín a bordo de un buque de guerra estadounidense, por lo que la película se produjo sin su ayuda. ^{[ 107 ]} El historiador de cine Jonathan Rayner observa que tales películas "también han sido claramente concebidas para cumplir funciones vitales de propaganda, reclutamiento y relaciones públicas". ^{[ 106 ]}

Las primeras películas bélicas chinas fueron noticieros como La batalla de Wuhan (1911) y La batalla de Shanghái (1913). Aun así, en películas como Hazañas bélicas (1925) de Xu Xinfu , la guerra aparecía principalmente como telón de fondo. Solo con la Segunda Guerra Sino-Japonesa, a partir de 1937, el cine bélico se convirtió en un género serio en China, con películas nacionalistas como Protejamos nuestra tierra (1938) de Shi Dongshan . La Guerra Civil China también atrajo películas como De victoria en victoria (1952) de Cheng Yin . Una película más humanista ambientada en el mismo período es La cuna (1979) de Xie Jin , mientras que entre las películas comerciales de gran escala más recientes se encuentra Ciudad de vida y muerte (2009) de Lu Chuan . ^{[ 108 ]} Los directores chinos han intentado repetidamente cubrir las atrocidades cometidas por los japoneses durante la Masacre de Nankín (1937-1938), con películas como el melodrama político Masacre en Nankín , el docudrama Sol Negro: La Masacre de Nankín de Mou Tun Fei y el "romance sino-japonés forzado" No llores, Nankín . ^{[ 109 ]} La película épica china Flores de Guerra (2011) de Zhang Yimou , basada en la novela de Geling Yan , retrata los eventos violentos a través de los ojos de una niña de 13 años. ^{[ 110 ]}

Muchas películas indonesias tratan sobre la ocupación del archipiélago por los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Doea Tanda Mata ( Mementos , literalmente "Dos marcas de ojos", 1985) de Teguh Karya cubre la limitada resistencia nacionalista al dominio colonial holandés en la década de 1930. ^{[ 111 ] [ 112 ]} Un tercer grupo de películas como Enam Djam di Jogja ( Seis horas en Yogyakarta , 1951) y Serangan Fajar ( Ataque al amanecer , 1983) cubre la guerra de independencia de Indonesia (1945-1949). Otras dos películas sobre el mismo período retratan el equivalente indonesio de la Larga Marcha china : Darah dan Doa ( La larga marcha , literalmente "Sangre y oración", 1950) y Mereka Kembali ( Ellos regresan , 1975) de Usmar Ismail . Cada una de estas películas interpreta el pasado desde la perspectiva de su propio tiempo. ^{[ 112 ]}

La trilogía más reciente Merdeka (Libertad) (2009-2011), que comienza con Merah Putih ("Rojo y Blanco", los colores de la bandera de la nueva Indonesia), retoma la campaña por la independencia a través de las vidas de un grupo diverso de cadetes que se convierten en guerrilleros. ^{[ 113 ]}

La película de Karya, Noviembre de 1828 (1979), aborda la lucha de Indonesia por la independencia a través de un drama histórico sobre la Guerra de Java o Guerra de Diponegoro (1825-1830), aunque el enemigo colonial era el mismo: los holandeses . Deanne Schultz la consideró "una valiosa interpretación" de la historia de Indonesia que "encarna lo mejor del cine popular indonesio". Fue la primera película indonesia en alcanzar renombre internacional. ^{[ 114 ]}

La guerra ha sido el género principal del cine de la Unión Soviética, llegando a ser conocido como el "frente cinematográfico", y sus películas bélicas abarcaban desde sombrías representaciones de atrocidades hasta relatos sentimentales e incluso sutilmente subversivos. ^{[ 115 ]} La popular y "hermosa" ^{[ 116 ]} Dos guerreros (1943) de Leonid Lukov mostraba a dos soldados soviéticos estereotípicos, un ruso callado y un sureño extrovertido de Odessa, cantando en su trinchera. ^{[ 117 ]}

Las numerosas películas soviéticas sobre la Segunda Guerra Mundial incluyen tanto epopeyas a gran escala como La batalla de Moscú (1985) de Yury Ozerov como la más psicológica Las grullas vuelan (1957) de Mikhail Kalatozov sobre los crueles efectos de la guerra; ganó la Palma de Oro en Cannes en 1958. ^{[ 118 ]}

Los directores japoneses han realizado películas populares como El submarino I-57 no se rendirá (1959), La batalla de Okinawa (1971) y El día más largo de Japón (1967) desde una perspectiva japonesa. ^{[ 119 ]} Estas "generalmente no logran explicar la causa de la guerra". ^{[ 120 ]} En las décadas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, las películas japonesas a menudo se centraron en la tragedia humana más que en el combate, como El arpa birmana (1956) y Fuegos en la llanura (1959). ^{[ 120 ]} Desde finales de la década de 1990, las películas comenzaron a adoptar una visión positiva de la guerra y de las acciones japonesas. Estas películas nacionalistas, incluyendo Orgullo (1998), Merdeka 17805 (2001) y La verdad sobre Nanjing (2007), han enfatizado los rasgos positivos del ejército japonés y han sostenido que los japoneses fueron víctimas de la venganza y la crueldad de la posguerra. Sin embargo, tales películas han sido objeto de protestas por revisionismo . ^{[ 120 ] [ 121 ] [ 122 ]} The Eternal Zero (2013) narra la historia de un piloto de caza Zero considerado un cobarde por sus camaradas, al regresar con vida de sus misiones. Rompió el récord de recaudación para una película japonesa de acción real, ^{[ 123 ]} y ganó la Mora de Oro en el Festival de Cine del Lejano Oriente de Udine, ^{[ 124 ]} pero fue criticada por su simpatía nacionalista con los pilotos kamikaze . ^{[ 125 ]}

Las autoridades de guerra tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos produjeron una amplia variedad de documentales . Sus propósitos incluían el entrenamiento militar, el asesoramiento a la población civil y el fomento del mantenimiento de la seguridad. Dado que estas películas a menudo transmitían mensajes, se consideran propaganda. De manera similar, las películas de producción comercial solían combinar información, apoyo al esfuerzo bélico y cierto grado de propaganda. ^{[ 63 ] [ 64 ]} Los noticieros , aparentemente solo informativos, se realizaron tanto en países aliados como del Eje y a menudo se dramatizaban. ^{[ 126 ] [ 127 ] [ 128 ]} Más recientemente, en la guerra Irán-Irak , la serie de televisión Ravayat-e Fath (Crónicas de la Victoria) de Morteza Avini combinó imágenes del frente con comentarios. ^{[ 129 ]}

El drama histórico de Sergei Eisenstein de 1938, Alexander Nevsky, representa la derrota del príncipe Alejandro ante el intento de invasión de la ciudad rusa de Novgorod por parte de los Caballeros Teutónicos . ^{[ 130 ]} Para abril de 1939, la película había sido vista por 23.000.000 de personas. ^{[ 131 ]} En 1941, el director y otros tres recibieron el Premio Stalin por sus contribuciones. La película cuenta con una banda sonora del compositor clásico Sergei Prokofiev , considerada por artistas como el compositor André Previn como la mejor jamás escrita para el cine. ^{[ 132 ] [ 133 ]} Russell Merritt, escribiendo en Film Quarterly , la describe como una " película de propaganda de guerra ". ^{[ 134 ]} Una encuesta de Mondadori de 1978 colocó a Alexander Nevsky entre las 100 mejores películas del mundo. ^{[ 135 ]}

Durante la Segunda Guerra Mundial, la propaganda cinematográfica se utilizó ampliamente. Kenneth Clark aconsejó al gobierno británico que «si renunciáramos al interés por el entretenimiento como tal, podríamos vernos privados de una valiosa arma para difundir nuestra propaganda»; sugirió utilizar documentales sobre la guerra y el esfuerzo bélico; celebraciones de la identidad británica; y películas sobre la vida y el carácter británicos. Michael Powell y Clark acordaron una historia sobre los supervivientes de la tripulación de un submarino , imbuidos de la brutal ideología nazi, que viajan por Canadá y conocen a diversos canadienses amables, tolerantes e inteligentes, para animar a Estados Unidos a entrar en la guerra. La película resultante, 49th Parallel (1941), se convirtió en la película más taquillera en las oficinas británicas ese año. ^{[ 137 ]} Las películas de entretenimiento también podían transmitir mensajes sobre la necesidad de vigilancia, como en Went the Day Well? (1942) o la importancia de evitar las «conversaciones imprudentes», como en The Next of Kin (1942). ^{[ 63 ]}

En Estados Unidos, El gran dictador (1940) de Charlie Chaplin satirizó claramente el fascismo . ^{[ 138 ]} Casablanca (1943) de Michael Curtiz no fue simplemente un romance entre los personajes interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman , sino que vilipendió a los nazis y glorificó la resistencia contra ellos. ^{[ 138 ]} La serie Por qué luchamos (1942-1945) de Frank Capra ganó el Premio de la Academia de 1942 al mejor documental, aunque fue diseñada para "influir en la opinión en el ejército estadounidense". ^{[ 64 ] [ 139 ]}

Durante la Guerra Fría , «la propaganda desempeñó un papel tan importante en la lucha de Estados Unidos contra la Unión Soviética como los miles de millones de dólares gastados en armamento». ^{[ 140 ]} Cara a cara con el comunismo (1951) dramatizó una invasión imaginaria de Estados Unidos; otras películas retrataron amenazas como el adoctrinamiento comunista. ^{[ 140 ]}

Las películas de submarinos tienen sus propios significados y convenciones particulares, que se centran específicamente en transmitir el efecto de la guerra submarina . Un elemento distintivo de este subgénero es la banda sonora , que intenta evocar la naturaleza emocional y dramática del conflicto bajo el mar. Por ejemplo, en Das Boot de Wolfgang Petersen (1981) , el diseño de sonido, junto con el formato de película de varias horas de duración, representa una larga persecución con cargas de profundidad , el sonido del sonar y sonidos amenazantes como los de las hélices de los destructores y torpedos enemigos . ^{[ 141 ]} Entre las películas clásicas del género se incluyen The Enemy Below (1957) ^{[ 142 ]} y Run Silent, Run Deep (1958), ambas basadas en novelas de comandantes navales. Run Silent, Run Deep es una película llena de tensión, tanto con el enemigo como entre las personalidades contrastantes del comandante del submarino y su teniente, interpretados por Clark Gable y Burt Lancaster . ^{[ 143 ]}

Un subgénero popular de películas bélicas en las décadas de 1950 y 1960 fue el de las películas de prisioneros de guerra . ^{[ 144 ]} El género se popularizó en Gran Bretaña con películas importantes como The Colditz Story (1955) de Guy Hamilton y la película estadounidense The Great Escape (1963) de John Sturges . ^{[ 144 ]} Estas películas contaban historias de fugas reales de campos de prisioneros de guerra alemanes como Stalag Luft III durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de los episodios de peligro y tragedia humana, estas películas se deleitan en un continuo juego juvenil de escape e ingenio, celebrando el coraje y el espíritu desafiante de los prisioneros de guerra y tratando la guerra como algo divertido. ^{[ 144 ] [ 145 ] [ 146 ]} Bridge on the River Kwai (1957) de David Lean fue considerada la mejor película en los Óscar; llevó el género de las frías prisiones alemanas al calor de un campo en Tailandia. Fue también la primera en utilizar colores exuberantes para resaltar la impasibilidad británica del coronel, interpretado por Alec Guinness en una actuación ganadora del Óscar. ^{[ 144 ]} La película "definitiva" ganadora del Óscar sobre prisioneros de guerra fue Stalag 17 (1953) de Billy Wilder , mientras que las breves pero impactantes escenas del campo de prisioneros de El cazador (1978) le otorgan un aire de tragedia a toda la película. ^{[ 144 ]}

Shoulder Arms (1918) de Charlie Chaplin estableció un estilo para las películas bélicas posteriores y fue la primera comedia sobre la guerra en la historia del cine . ^{[ 147 ] [ 148 ]}

El cine británico en la Segunda Guerra Mundial marcó la evacuación de niños de Londres con comedias sociales como Those Kids from Town (1942), donde los evacuados van a quedarse con un conde , mientras que en Cottage to Let (1941) y Went the Day Well? (1942), la campiña inglesa está plagada de espías. ^{[ 149 ]} Gasbags (1941) ofreció una comedia "estrafalaria, irreverente y desenfadada" que se burlaba de todo, desde globos de barrera hasta campos de concentración . ^{[ 150 ]} Buck Privates (1941) de Abbott y Costello tuvo éxito en Estados Unidos, ^{[ 151 ]} dando lugar a muchas otras comedias de guerra. ^{[ 152 ]}

El hundimiento del Lusitania (1918) de Winsor McCay fue una película muda de la Primera Guerra Mundial. Con 12 minutos de duración, fue la película de animación más larga realizada hasta entonces. Probablemente fue la primera película de propaganda animada que se realizó; sigue siendo el drama animado serio más antiguo que ha sobrevivido. ^{[ 153 ] [ 154 ] [ 155 ]} Durante la Segunda Guerra Mundial, los cortometrajes de propaganda animada siguieron siendo influyentes en el cine estadounidense. The Walt Disney Company , trabajando con las fuerzas armadas estadounidenses, produjo 400 000 pies de películas de propaganda de guerra entre 1942 y 1945, ^{[ 156 ]} incluyendo Der Fuehrer's Face (1943) y Education for Death (1943). ^{[ 157 ]}

Las películas de anime japonesas desde la década de 1960 en adelante abordaron la memoria nacional de la guerra. Akira (1988) pasa de la destrucción atómica de Hiroshima y Nagasaki a visiones apocalípticas de un conflicto global; La tumba de las luciérnagas (1988) es elegíaca sobre el efecto de la guerra en los niños. ^{[ 158 ] [ 159 ]} Gen descalzo (1983) retrata el bombardeo de Hiroshima a través de los ojos de un niño, ^{[ 160 ]} pero los críticos la consideran una película de menor calidad que La tumba de las luciérnagas, con "detalles que revuelven el estómago" extrañamente combinados con un arte tosco, lo que le da la apariencia de un "dibujo animado de Warner Brothers de los sábados por la mañana". ^{[ 161 ]}

El género antibélico comenzó con películas sobre la Primera Guerra Mundial. Las películas de este género suelen ser revisionistas, reflexionan sobre eventos pasados ​​y a menudo mezclan géneros. Sin novedad en el frente (1930) de Lewis Milestone fue indudablemente poderosa y una de las primeras películas antibélicas, que retrataba un punto de vista alemán; fue la primera película (de cualquier género) en ganar dos premios Óscar, mejor película y mejor director. ^{[ 148 ]} Andrew Kelly, al analizar Sin novedad en el frente , definió el género como aquel que muestra: la brutalidad de la guerra; la cantidad de sufrimiento humano; la traición a la confianza de los hombres por parte de oficiales incompetentes. Las películas de guerra y antibélicas a menudo resultan difíciles de categorizar, ya que contienen muchas ambigüedades genéricas. ^{[ 1 ]} Si bien muchas películas antibélicas critican la guerra directamente a través de representaciones de combates espeluznantes en guerras pasadas, algunas películas como Alice's Restaurant de Penn criticaron la guerra de forma oblicua al burlarse de cosas como la junta de reclutamiento. ^{[ 162 ]} El número de películas antibélicas producidas en Estados Unidos disminuyó drásticamente durante la década de 1950 debido al macartismo y la lista negra de Hollywood . ^{[ 163 ]} El fin de la lista negra y la introducción del sistema de clasificación de la MPAA marcaron un tiempo de resurgimiento para películas de todo tipo, incluidas las películas antibélicas en los Estados Unidos. Robert Eberwein nombra dos películas como clásicos antibélicos. ^{[ 164 ]} La primera es la obra maestra de Jean Renoir sobre prisioneros de guerra ^{[ 148 ]} La gran ilusión ( The Grand Illusion , 1937). La crítica de Renoir a la política e ideología contemporáneas celebra la humanidad universal que trasciende las fronteras nacionales y raciales y el nacionalismo radical, sugiriendo que las experiencias comunes de la humanidad deben prevalecer sobre la división política y su extensión: la guerra. ^{[ 165 ]} La segunda es Senderos de gloria (1957) de Stanley Kubrick . El crítico David Ehrenstein escribe que Senderos de gloria consagró a Kubrick como el "principal cineasta comercial de su generación" y un talento de talla mundial. Ehrenstein describe la película como un "drama de protesta, aparentemente frío pero apasionado, sobre una desastrosa maniobra del ejército francés y el consejo de guerra que se celebró a raíz de ella", contrastándola con la historia del "clásico" Sin novedad en el frente, sobre un inocente "destrozado por los horrores de la guerra". ^{[ 166 ]}

La comedia dio pie a la sátira , y los cineastas de la posguerra fusionaron la comedia y el sentimiento antibelicista en películas tan diversas como Stalag 17 (1953) y Dr. Strangelove (1964). ^{[ 167 ]} Las comedias negras como Catch-22 (1970) de Mike Nichols , basada en la novela satírica de Joseph Heller sobre la Segunda Guerra Mundial, y M*A*S*H (1970) de Robert Altman , ambientada en Corea, reflejaron las actitudes de un público cada vez más escéptico durante la guerra de Vietnam. ^{[ 168 ]}

Otros géneros se combinaron en Patton (1970), de Franklin J. Schaffner , sobre el general de la vida real George S. Patton , donde las escenas de combate se intercalaban con comentarios sobre cómo libraba la guerra, mostrando los aspectos positivos y negativos de un mando. Esta película y MASH se convirtieron en las dos películas bélicas/antibélicas más rentables realizadas hasta ese momento, ^{[ 169 ]} y Patton ganó siete premios Óscar . ^{[ 170 ]}