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Articulo de referencia

arte africano

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El arte africano se refiere a las obras de arte visual , incluidas las esculturas, las pinturas, las obras de metal y la cerámica , que tienen su origen en los diversos pueblos del continente africano y están influenciadas por tradiciones indígenas distintivas de expresión estética .

Si bien las diversas tradiciones artísticas de un continente tan grande y diverso muestran una considerable variedad regional y cultural, existen temas artísticos consistentes, motivos recurrentes y elementos unificadores en todo el amplio espectro de la expresión visual africana. [ 2 ] Como ocurre con toda tradición artística en la historia de la humanidad , el arte africano se creó dentro de contextos sociales, políticos y religiosos específicos. Asimismo, el arte africano a menudo no se creó simplemente por el arte en sí mismo , sino con algún propósito práctico, espiritual o didáctico . En general, el arte africano prioriza la representación conceptual y simbólica sobre el realismo , con el objetivo de visualizar la esencia espiritual del sujeto. [ 3 ]

El arte etíope , fuertemente influenciado por la arraigada tradición cristiana de Etiopía , [ 4 ] también difiere de la mayor parte del arte africano, donde la religión tradicional africana (con el islam predominante en el noreste y noroeste actualmente) fue dominante hasta el siglo XX. [ 5 ] El arte africano incluye arte prehistórico y antiguo , el arte islámico de África Occidental , el arte cristiano de África Oriental y los artefactos tradicionales de estas y otras regiones. Muchas esculturas africanas se hicieron históricamente de madera y otros materiales naturales que no han sobrevivido desde hace más de unos pocos siglos, aunque se pueden encontrar raras figuras antiguas de cerámica y metal en algunas áreas. [ 6 ] Algunos de los objetos decorativos más antiguos, como cuentas de concha y evidencia de pintura, se han descubierto en África , datando del Paleolítico Medio . [ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]

Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con las figuras humanas, y a menudo están muy estilizadas. Existen diversos estilos, que a menudo se pueden observar dentro de un mismo contexto de origen y pueden estar influenciados por el uso previsto del objeto. Sin embargo, se pueden discernir amplias tendencias regionales. La escultura es más común entre "grupos de agricultores sedentarios en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo " en África Occidental. [ 10 ] Las imágenes directas de deidades son relativamente infrecuentes, pero las máscaras en particular se hacen o se hacían a menudo para ceremonias rituales. Desde finales del siglo XIX, ha habido una cantidad creciente de arte africano en colecciones occidentales , cuyas mejores piezas se exhiben como parte de la historia de la colonización .

El arte africano tuvo una influencia importante en el arte modernista europeo , [ 11 ] que se inspiró en su interés por la representación abstracta. [ 3 ] Fue esta apreciación de la escultura africana la que se ha atribuido al concepto mismo de "arte africano", tal como lo perciben los artistas e historiadores del arte europeos y estadounidenses. [ 12 ]

Las culturas de África Occidental desarrollaron la fundición de bronce para relieves , como los famosos Bronces de Benín , para decorar palacios y para cabezas reales muy naturalistas de los alrededores de la ciudad Bini de Benín, Estado de Edo , así como en terracota o metal, entre los siglos XII y XIV. Las pesas de oro Akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas entre 1400 y 1900; algunas representan proverbios, aportando un elemento narrativo poco común en la escultura africana; y las insignias reales incluían elementos esculpidos en oro. [ 13 ] Muchas figuras de África Occidental se utilizan en rituales religiosos y a menudo se recubren con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mandé de la misma región hacen piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas con forma de cilindros. Pero en África Central las principales características distintivas incluyen rostros en forma de corazón que se curvan hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.

Definiciones

Algunas definiciones de arte africano incluyen la producción artística de las diásporas africanas , como el arte afroamericano , el arte afrocaribeño y el arte latinoamericano inspirado en las tradiciones africanas. Sin embargo, el arte africano no suele abarcar las tradiciones artísticas del norte de África, que han estado influenciadas predominantemente por tradiciones artísticas distintas, como el arte púnico , el arte grecorromano , el arte islámico y otros estilos originarios de fuera de África. Debido a factores geográficos , como la proximidad del norte de África al Mediterráneo y las fronteras naturales, como el Sáhara , que lo separan del resto del continente, la influencia de las formas artísticas africanas autóctonas habría sido menor en comparación.

Elementos temáticos

En el arte de África Occidental se observa un énfasis particular en la expresividad y la individualidad. El arte del pueblo Dan es un ejemplo de ello, y su influencia se ha extendido más allá del continente. [ 14 ]

La figura humana ha sido durante mucho tiempo el tema central de la mayor parte del arte africano, y este énfasis ha influido en ciertas tradiciones artísticas europeas. [ 11 ] Por ejemplo, durante el siglo XV, Portugal comerciaba con la cultura Sapi cerca de Costa de Marfil, en África Occidental. Los artistas Sapi producían intrincados saleros de marfil que fusionaban elementos de diseño africanos y europeos, sobre todo mediante la inclusión de la figura humana, que solía estar ausente en los saleros portugueses. En el arte africano, la figura humana puede simbolizar a los vivos o a los muertos, representar a jefes, bailarines o diversos oficios, servir como imagen antropomórfica de una deidad o cumplir otras funciones votivas y espirituales. Otro tema recurrente es la intermorfosis de humanos y animales, difuminando los límites entre especies para transmitir un significado simbólico.

Abstracción visual : Las obras de arte africanas suelen priorizar la abstracción visual sobre la representación naturalista. Esta tendencia estilística se debe al uso generalizado de formas generalizadas y codificadas, que reflejan valores culturales, creencias espirituales y convenciones artísticas en lugar de representaciones realistas. [ 15 ]

Alcance

Hasta hace poco, el estudio del arte africano se centraba en el arte tradicional de ciertos grupos reconocidos del continente, con especial énfasis en la escultura, las máscaras y otras manifestaciones de la cultura visual de África Occidental, África Central [ 16 ] y África Meridional no islámicas, con especial atención a los siglos XIX y XX. Sin embargo, recientemente, ha surgido un movimiento entre historiadores del arte africano y otros académicos para incluir la cultura visual de otras regiones y épocas. La idea es que, al incluir todas las culturas africanas y su cultura visual a lo largo del tiempo en el estudio del arte africano , se logrará una mayor comprensión de la estética visual del continente a lo largo del tiempo. Finalmente, las artes de la diáspora africana, en Brasil , el Caribe y el sureste de Estados Unidos , también han comenzado a incorporarse al estudio del arte africano.

Materiales

Cesta-bandeja sudanesa, tabar de fibra vegetal natural tejida, coloreada en diferentes colores.

El arte africano se produce utilizando una amplia gama de materiales y adopta muchas formas distintas. Debido a que la madera es un material predominante, las esculturas de madera constituyen la mayor parte del arte africano. Otros materiales utilizados en la creación de arte africano incluyen la arcilla. La joyería es una forma de arte popular que se utiliza para indicar rango, afiliación a un grupo o simplemente por motivos estéticos. [ 17 ] La joyería africana se elabora con materiales tan diversos como la piedra ojo de tigre , la hematita , el sisal , la cáscara de coco , las cuentas y la madera de ébano. Las esculturas pueden ser de madera, cerámica o talladas en piedra, como las famosas esculturas Shona, [ 18 ] y la cerámica decorada o esculpida proviene de muchas regiones. Se elaboran diversas formas de textiles, incluyendo el kitenge , la tela de barro y la tela kente . Los mosaicos hechos de alas de mariposa o arena de colores son populares en África Occidental . Las primeras esculturas africanas se pueden identificar como hechas de terracota y bronce. [ 19 ]

Religiones tradicionales africanas

Las religiones tradicionales africanas han ejercido una enorme influencia en las formas artísticas africanas de todo el continente. El arte africano suele basarse en temas como el simbolismo religioso, el funcionalismo y el utilitarismo. Muchas obras de arte se crean con fines espirituales, más que puramente creativos. La mayoría de las obras de arte africanas populares pueden entenderse como herramientas, como las figurillas representativas utilizadas en rituales y ceremonias religiosas. [ 20 ] Muchas culturas africanas enfatizan la importancia de los ancestros como intermediarios entre los vivos, los dioses y el creador supremo. El arte se considera una forma de contactar con estos espíritus ancestrales. El arte también puede utilizarse para representar deidades, por ejemplo, la deidad yoruba Ogun , que preside el hierro, la guerra y la artesanía, y es valorada por sus propósitos funcionales. [ 21 ]

La llegada del cristianismo y del islam influyó enormemente en el arte del continente africano, y las tradiciones de ambos se han integrado en las creencias y el arte de la religión tradicional africana. [ 22 ]

Historia

Figura masculina Nok; 500 a. C.-500 d. C.; terracota; 49,5  cm ×  22,2  cm ×  16,8  cm (19,5  pulg. ×  8,7  pulg. ×  6,6  pulg.); procedente del norte de Nigeria ; Museo de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas , EE. UU.)
Placa de Benín ; siglos XVI-XVII; bronce; procedente del Reino de Benín ; Museo Etnológico de Berlín (Alemania).
Cabeza procedente de Ife (Nigeria); siglos XIV-XV d. C.; bronce; altura: 36 cm (14 1/8 pulgadas ) ; Museo Británico (Londres)

Los orígenes del arte africano se remontan a mucho antes de la historia escrita. Las cuentas más antiguas conocidas de la región se hicieron de conchas de Nassarius y se usaban como adornos personales hace 72.000 años. [ 7 ] En África, existe evidencia de la elaboración de pinturas mediante un proceso complejo desde hace unos 100.000 años [ 8 ] y del uso de pigmentos desde hace unos 320.000 años. [ 9 ] [ 23 ] El arte rupestre africano en el Sahara en Níger conserva tallas de 6000 años de antigüedad. [ 24 ] Junto con el África subsahariana, las artes culturales occidentales, las pinturas y artefactos del antiguo Egipto y las artesanías indígenas del sur también contribuyeron enormemente al arte africano. La abundancia de la naturaleza circundante se representaba a menudo mediante interpretaciones abstractas de animales, vida vegetal o diseños y formas naturales. El reino nubio de Kush en el actual Sudán mantuvo un contacto estrecho y a menudo hostil con Egipto y produjo esculturas monumentales derivadas en su mayoría de estilos que no llegaron al norte. En África Occidental, las esculturas más antiguas que se conocen pertenecen a la cultura Nok , que floreció entre el 1500  a. C. y el 500  d. C. en la actual Nigeria . Sus figuras de arcilla suelen presentar cuerpos alargados y formas angulares. [ 25 ]

En el África subsahariana, alrededor del siglo X, se desarrollaron métodos más complejos de producción artística. Algunos de los avances más notables incluyen las obras de bronce de Igbo Ukwu y las obras de terracota y metal de Ile Ife . Las fundiciones de bronce y latón , a menudo ornamentadas con marfil y piedras preciosas , se volvieron muy prestigiosas en gran parte de África Occidental , a veces limitadas al trabajo de los artesanos de la corte e identificadas con la realeza , como en el caso de los Bronces de Benín .

A medida que los europeos exploraban las costas de África Occidental, descubrieron una amplia gama de objetos funcionales que los africanos utilizaban con fines culturales, sociales y económicos. Los símbolos de juramento, por ejemplo, eran esenciales para asegurar las relaciones comerciales durante la época del comercio transatlántico de esclavos. Si bien estas obras de artesanía seguían sus propios principios estéticos, los escritores de viajes europeos las consideraban instrumentos de brujería y las redujeron a la categoría de «fetiche», entendida como ajena al ámbito del arte. [ 26 ]

Influencia en el arte occidental

Pablo Picasso ; 1907; Nu à la servilleta , óleo sobre lienzo, 116 × 89 cm

Durante y después del período colonial de los siglos XIX y XX, los occidentales caracterizaron durante mucho tiempo el arte africano como "primitivo". El término conlleva connotaciones negativas de subdesarrollo y pobreza . La colonización del siglo XIX estableció una comprensión occidental basada en la creencia de que el arte africano carecía de habilidad técnica debido a su bajo estatus socioeconómico.

A principios del siglo XX, historiadores del arte como Carl Einstein , Michał Sobeski y Leo Frobenius publicaron obras importantes sobre el tema, otorgando al arte africano el estatus de objeto estético , no solo de objeto etnográfico . [ 27 ] Al mismo tiempo, artistas como Paul Gauguin , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , Henri Matisse , Joseph Csaky y Amedeo Modigliani tomaron conciencia del arte africano y se inspiraron en él, entre otras formas artísticas. [ 11 ] En una situación donde la vanguardia establecida luchaba contra las limitaciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de formas sumamente bien organizadas; producidas no solo respondiendo a la facultad de la vista, sino también, y a menudo principalmente, a la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección y sofisticación formal unificadas con un poder expresivo fenomenal. El estudio y la respuesta de los artistas a principios del siglo XX al arte africano propiciaron una explosión de interés por la abstracción, la organización y la reorganización de las formas, así como la exploración de ámbitos emocionales y psicológicos hasta entonces inéditos en el arte occidental. De este modo, se transformó el estatus de las artes visuales. El arte dejó de ser meramente estético para convertirse también en un verdadero medio para el discurso filosófico e intelectual, y por ende, más auténtica y profundamente estético que nunca. [ 28 ]

Arte tradicional

El arte tradicional describe las formas más populares y estudiadas del arte africano que suelen encontrarse en las colecciones de los museos.

Las máscaras de madera , que pueden representar figuras humanas , animales o criaturas legendarias , son una de las formas de arte más comunes en África Occidental. En su contexto original, las máscaras ceremoniales se utilizan para celebraciones, iniciaciones, cosechas y preparación para la guerra. Las máscaras son usadas por un bailarín elegido o iniciado. Durante la ceremonia, el bailarín entra en un profundo trance y, en este estado mental, se comunica con sus ancestros. Las máscaras se pueden usar de tres maneras diferentes: cubriendo el rostro verticalmente; como cascos, cubriendo toda la cabeza; y como cresta, apoyada sobre la cabeza, que generalmente se cubría con tela como parte del disfraz. Las máscaras africanas a menudo representan un espíritu y se cree firmemente que el espíritu de los ancestros posee a quien las usa. La mayoría de las máscaras africanas están hechas de madera y pueden estar decoradas con marfil, pelo de animal, fibras vegetales (como la rafia), pigmentos (como el caolín ), piedras y gemas semipreciosas .

Las estatuas, generalmente de madera o marfil, suelen estar incrustadas con conchas de cauri , remaches metálicos y clavos. La vestimenta decorativa también es común y constituye otra parte importante del arte africano. Entre los textiles africanos más complejos se encuentra el colorido tejido Kente de Ghana , elaborado con tiras de tela . El tejido de barro con estampados llamativos es otra técnica muy conocida.

Arte africano contemporáneo

Fest für Neptun , escultura en las zonas exteriores del edificio de la Deutsche Welle ( Schürmann-Bau ) en Bonn

África alberga una próspera cultura artística contemporánea y de bellas artes. Hasta hace poco, este ámbito había sido poco estudiado debido al énfasis que académicos y coleccionistas de arte ponían en el arte tradicional. Entre los artistas modernos más destacados se encuentran El Anatsui , Marlene Dumas , William Kentridge , Karel Nel , Kendell Geers , Yinka Shonibare , Zerihun Yetmgeta , Odhiambo Siangla, George Lilanga , Elias Jengo , Olu Oguibe , Lubaina Himid , Bili Bidjocka y Henry Tayali . Se celebran bienales de arte en Dakar ( Senegal ) y Johannesburgo ( Sudáfrica) . Muchos artistas africanos contemporáneos están representados en colecciones de museos y sus obras alcanzan precios elevados en subastas de arte . A pesar de ello, muchos artistas africanos contemporáneos suelen tener dificultades para encontrar un mercado para su trabajo. Gran parte del arte africano contemporáneo se inspira profundamente en sus predecesores tradicionales. Irónicamente, este énfasis en la abstracción es visto por los occidentales como una imitación de los artistas cubistas y totémicos europeos y estadounidenses, como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani y Henri Matisse , quienes, a principios del siglo XX, estuvieron fuertemente influenciados por el arte tradicional africano. Este período fue crucial para la evolución del modernismo occidental en las artes visuales, simbolizado por la innovadora pintura de Picasso, Las señoritas de Aviñón . [ 29 ]

Desde finales del siglo XX, artistas como Ibrahim El-Salahi y Fathi Hassan se han erigido como figuras clave en el desarrollo del arte africano negro contemporáneo. Sin embargo, los cimientos de la expresión artística africana contemporánea se sentaron con anterioridad, especialmente durante las décadas de 1950 y 1960 en Sudáfrica, donde artistas como Irma Stern , Cyril Fradan y Walter Battiss desempeñaron un papel pionero. Instituciones como la Galería Goodman en Johannesburgo también contribuyeron a la promoción y visibilidad del modernismo africano durante este periodo.

En las últimas décadas, el panorama artístico mundial ha mostrado un creciente interés por el arte contemporáneo africano, en gran parte gracias al apoyo de galerías europeas como la October Gallery de Londres y a la participación de coleccionistas destacados como Jean Pigozzi , Artur Walther y Gianni Baiocchi.

Un ataúd de fantasía moderno con forma de gallo rojo, Ghana

Se ofrece a la venta a turistas y otros visitantes una amplia gama de formas de arte más o menos tradicionales, o adaptaciones del estilo tradicional al gusto contemporáneo, incluyendo el llamado "arte de aeropuerto". Varias tradiciones populares asimilan influencias occidentales a los estilos africanos, como los elaborados ataúdes fantásticos del sur de Ghana, hechos con diversas formas que representan las ocupaciones o intereses del difunto o elevan su estatus. Se dice que el pueblo Ga cree que un funeral elaborado beneficiará el estatus de sus seres queridos en el más allá , por lo que las familias a menudo no escatiman en gastos al elegir el ataúd para sus parientes. [ 30 ] Estos ataúdes pueden tener forma de automóviles, vainas de cacao, gallinas o cualquier otra forma que la familia elija para representar al difunto. [ 31 ]

Arte pop y arte publicitario

El arte utilizado para publicitar negocios locales, incluyendo barberías, cines y tiendas de electrodomésticos, se ha convertido en un arte internacionalmente reconocido en galerías y ha impulsado las carreras de muchos artistas africanos contemporáneos, desde Joseph Bertiers de Kenia hasta varios pintores de carteles de cine en Ghana. [ 32 ] Los carteles de cine ghaneses pintados a mano sobre lienzo y sacos de harina de las décadas de 1980 y 1990 se han exhibido en museos de todo el mundo y han generado gran atención en las redes sociales debido a sus representaciones altamente imaginativas y estilizadas de películas occidentales. [ 33 ] [ 34 ] Esta interpretación creativa de la cultura occidental a través de estilos artísticos africanos también se muestra en la tradición de los retratos de alabanza que representan a celebridades internacionales, que a menudo servían como arte publicitario para escaparates y que desde entonces se han vuelto ampliamente valorados y coleccionados en el mercado artístico global.

Arte africano minimalista

Otro artista africano contemporáneo notable es Amir Nour , un artista sudanés que vivió en Chicago. En la década de 1960 creó una escultura de metal llamada Pastoreo en Shendi (1969) , que consiste en formas geométricas que conectan con su recuerdo de su tierra natal. [ 35 ] La escultura se asemeja a ovejas pastando a lo lejos. Valoraba el descubrimiento del arte dentro de la sociedad del artista, incluyendo la cultura, la tradición y los antecedentes. [ 36 ]

Por país, civilización o pueblo

África Occidental

Ghana

En el siglo XVII, la zona que hoy ocupa Ghana era un centro de comercio e intercambio cultural. Los estados de la región estaban conectados a través de redes comerciales y compartían creencias culturales, pero conservaban su independencia política. Esta situación se mantuvo hasta principios del siglo XVIII, cuando el líder Osei Tutu impulsó una vasta expansión territorial que unificó estos pequeños estados.

La economía del reino, que creció gracias al comercio de oro, telas y personas esclavizadas, impulsó el desarrollo de su cultura artística. Las obras de arte ghanesas abarcan desde tallas de madera hasta trabajos en bronce, figuras y gemas.

Tela Kente de Ghana

El kente es un tejido tradicional multicolor, hecho a mano con seda y algodón. Consiste en tiras de tela entrelazadas y es fundamental en la cultura ghanesa. Tradicionalmente, hombres y mujeres de diversos grupos étnicos de Ghana lo usan como chal, con variaciones en el estilo para cada uno.

Los colores y sus significados

Existen diferentes variaciones de color para el Kente, cada una con un significado diferente:

  • Negro: maduración
  • Blanco: purificación
  • Amarillo: preciosidad
  • Azul: tranquilidad
  • Rojo: derramamiento de sangre [ 37 ]
pesas de oro Akan

El arte Akan se originó entre el pueblo Akan . El arte Akan incluye tradiciones como textiles, escultura, pesas de oro Akan y joyería de oro y plata . El arte Akan se caracteriza por una conexión entre la expresión visual y verbal y una fusión de arte y filosofía. La cultura Akan valora el oro por encima de otros metales y lo utiliza para representar elementos sobrenaturales, la autoridad real y valores culturales. Según la tradición oral Asante, sus orígenes están vinculados a la llegada de un taburete dorado, que se cree que contiene el alma de la nación Asante. En algunas creencias culturales Akan, el oro simbolizaba el sol y se asociaba con la autoridad real. A menudo se utilizaba en el arte para significar la importancia del rey, representando valores culturales y sociales clave. [ 38 ] La tela Kente es otra importante tradición artística de la cultura Akan. Según la tradición oral, la tela Kente se originó a partir de intentos de replicar telas de araña mediante el tejido. La tela Kente es reconocida por sus colores y patrones intrincados. Su propósito original era representar el poder y la autoridad real, pero desde entonces se ha convertido en un símbolo de tradición y ha sido adoptado por otras culturas. [ 39 ]

Máscara colgante de la Reina Madre- Iyoba se reunió DP231460
Jarra hecha a mano por Ladi Kwali (YORYM-2004.1.919)

Nigeria

El arte nigeriano se inspira en el diverso folclore y la herencia tradicional del país. Entre las expresiones artísticas de Nigeria se incluyen la talla en piedra, la cerámica, el vidrio, la talla en madera y la escultura en bronce. Benín y Awka son conocidas como centros de talla en madera, una artesanía que se practica desde hace mucho tiempo en todo el sur de Nigeria.

Ejemplos de arte tradicional nigeriano

máscaras

Las máscaras forman parte de las creencias animistas del pueblo yoruba . Los bailarines usan máscaras pintadas durante los funerales y otras ceremonias para comunicarse con los espíritus o apaciguarlos.

Cerámica

La alfarería tiene una larga tradición en Nigeria, con evidencias de su producción que se remontan al menos al año 100 a. C. Suleja, Abuja e Ilorin se consideran importantes centros de alfarería tradicional. Las alfareras en Nigeria suelen ser mujeres, y las técnicas se transmiten generalmente de generación en generación dentro de las familias.

Textiles

Los yoruba utilizan una planta local para crear telas batik teñidas con índigo. Tradicionalmente, las mujeres se encargan del teñido, mientras que en el norte, esta artesanía la practican exclusivamente los hombres. En muchas partes del país, los tejedores producen textiles con diseños que recuerdan al encaje. El estado de Oyo es conocido por sus finos tejidos, mientras que los tejedores del estado de Abia utilizan la técnica del telar ancho.

La cultura Nok es un pueblo de la Edad del Hierro temprana cuyos restos materiales reciben su nombre de la aldea Ham de Nok en el estado de Kaduna , Nigeria , donde se descubrieron por primera vez sus famosas esculturas de terracota en 1928. La cultura Nok apareció en el norte de Nigeria alrededor del 1500 a. C. [ 25 ] y desapareció en circunstancias desconocidas alrededor del 500 d. C., habiendo durado aproximadamente 2000 años. [ 40 ]

La función de las esculturas de terracota Nok sigue siendo desconocida. En su mayor parte, la terracota se conserva en forma de fragmentos dispersos. Por esta razón, el arte Nok es conocido hoy en día principalmente por sus cabezas, tanto masculinas como femeninas, que presentan peinados particularmente detallados y refinados. Las estatuas están fragmentadas porque los descubrimientos suelen hacerse en lodo aluvial , [ 41 ] [ 42 ] [ 43 ] en terrenos formados por la erosión hídrica. Las estatuas de terracota recuperadas de estos depósitos suelen estar laminadas, pulidas y rotas. Rara vez se conservan intactas obras de gran tamaño, lo que las hace muy valiosas en el mercado artístico internacional. Las figuras de terracota son cabezas y cuerpos humanos huecos, construidos mediante la técnica de enrollado, de tamaño casi natural, representados con rasgos muy estilizados, abundante joyería y diversas posturas.

Se sabe poco sobre la función original de las piezas, pero las teorías incluyen la representación de ancestros, marcadores de tumbas y amuletos para prevenir malas cosechas, infertilidad y enfermedades. Además, basándose en las bases en forma de cúpula que se encuentran en varias figuras, podrían haber servido como remates para los techos de estructuras antiguas. Margaret Young-Sanchez, curadora asociada de Arte de las Américas, África y Oceanía en el Museo de Arte de Cleveland , explica que la mayoría de las cerámicas Nok se moldeaban a mano con arcilla de grano grueso y se esculpían sustractivamente de una manera que sugiere la influencia de la talla en madera. Después de un tiempo de secado, las esculturas se cubrían con engobe y se bruñían para producir una superficie lisa y brillante. Las figuras son huecas, con varias aberturas para facilitar un secado y cocción completos. El proceso de cocción probablemente se asemejaba al que se usa hoy en día en Nigeria, en el que las piezas se cubren con hierba, ramitas y hojas y se queman durante varias horas.

Como resultado de la erosión y sedimentación naturales, las terracotas Nok quedaron dispersas a diversas profundidades en las praderas del Sahel, lo que dificultó la datación y clasificación de los artefactos. Se encontraron dos yacimientos arqueológicos, Samun Dukiya y Taruga , que contenían arte Nok que había permanecido intacto. Las pruebas de radiocarbono y termoluminiscencia permitieron determinar la antigüedad de las esculturas, situándolas entre 2000 y 2500 años atrás, lo que las convierte en algunas de las más antiguas de África Occidental. En el transcurso de nuevas excavaciones arqueológicas se obtuvieron muchas más fechas, lo que permitió remontar aún más en el tiempo los orígenes de la tradición Nok. [ 44 ]

Debido a las similitudes entre ambos yacimientos, el arqueólogo Graham Connah cree que "el arte Nok representa un estilo adoptado por diversas sociedades agrícolas que utilizaban el hierro y que pertenecían a distintas culturas, en lugar de ser la característica distintiva de un grupo humano en particular, como se ha afirmado a menudo".

Arte de Benín

El arte de Benín es el arte del Reino de Benín o Imperio Edo (1440-1897 ) , un estado africano precolonial ubicado en lo que hoy es la región Sur-Sur de Nigeria. Los Bronces de Benín son un conjunto de más de mil placas y esculturas de metal que decoraban el palacio real del Reino de Benín en lo que hoy es Nigeria. [ a ] En conjunto, estos objetos constituyen los ejemplos más conocidos del arte de Benín , creado a partir del siglo XIII por el pueblo Edo . Este arte también incluía otras esculturas en latón o bronce, entre ellas algunos famosos retratos y piezas más pequeñas.

En 1897, la mayoría de las placas y otros objetos de la colección fueron tomados por una fuerza británica durante la Expedición a Benín de 1897 , que tuvo lugar mientras se consolidaba el control británico en el sur de Nigeria . [ 47 ] Doscientas de las piezas fueron llevadas al Museo Británico , mientras que el resto fueron adquiridas por otros museos en Europa. [ 48 ] Hoy en día, un gran número se encuentra en el Museo Británico, [ 47 ] así como en otras colecciones importantes de museos alemanes y estadounidenses . [ 49 ]

Igbo

Los igbo producen una gran variedad de arte, incluyendo figuras tradicionales, máscaras, objetos y textiles, así como obras en metales como el bronce. Los objetos de bronce del siglo IX hallados en Igbo Ukwu se encuentran entre las obras de arte igbo más antiguas que se conocen. Sus máscaras son similares a las del pueblo fang , ya que comparten una combinación de colores blanco y negro en áreas similares.

Yoruba

El arte yoruba es especialmente conocido por las cabezas de Ife , elaboradas con cerámica, latón y otros materiales. Gran parte de su arte está asociado a las cortes reales. También producían máscaras y puertas elaboradas y detalladas, pintadas con colores brillantes como azul, amarillo, rojo y blanco.

Otros grupos étnicos de Nigeria

Malí

Los principales grupos étnicos de Malí son los bambara (también conocidos como bamana) y los dogon. Entre los grupos étnicos más pequeños se encuentran los marka y los pescadores bozo del río Níger . Antiguas civilizaciones florecieron en zonas como Djenné-Djenno y Tombuctú, donde se han desenterrado numerosas figuras antiguas de bronce y terracota.

Djenné-Djenno

Djenné-Djenno es famosa por sus figurillas, que representan figuras humanas y animales, incluyendo serpientes y caballos. Están hechas de terracota, un material que se ha utilizado en África Occidental durante aproximadamente diez mil años.

Bambara
Dos figuras de Bambara Chiwara, c. finales del siglo XIX - principios del siglo XX, Instituto de Arte de Chicago . Figura femenina (izquierda) y masculina. Estilo vertical.

El pueblo bambara ( en bambara : Bamanankaw ) adaptó muchas tradiciones artísticas y comenzó a crear piezas de exhibición. Antes de que el comercio fuera su principal motivación, su arte era una artesanía sagrada destinada a mostrar orgullo espiritual, creencias religiosas y costumbres. Ejemplos de sus obras de arte incluyen la máscara Bamana n'tomo . Otras estatuas se crearon para comunidades de cazadores y agricultores, para que pudieran dejar ofrendas después de largas temporadas de cultivo o cacerías grupales. El arte bambara es estilísticamente diverso, con esculturas, máscaras y tocados que muestran rasgos estilizados o realistas y pátinas desgastadas o incrustadas. Hasta hace poco, la función de muchas piezas bambara no se comprendía bien, pero en los últimos veinte años, los estudios de campo han revelado que ciertos tipos de figuras y tocados estaban asociados con diversas sociedades que estructuran la vida bambara. Durante la década de 1970, se identificó un grupo de aproximadamente veinte figuras, máscaras y tocados TjiWara pertenecientes al "estilo Segou". Este estilo es distintivo y reconocible por sus rostros planos típicos, narices en forma de flecha, escarificaciones triangulares por todo el cuerpo y, en las figuras, manos extendidas.

máscaras

Existen tres tipos principales y uno secundario de máscaras bambara . El primer tipo, utilizado por la sociedad N'tomo, presenta una estructura típica en forma de peine sobre el rostro, se usa durante las danzas y puede estar cubierto con conchas de cauri. El segundo tipo de máscara, asociado con la sociedad Komo, tiene una cabeza esférica con dos cuernos de antílope en la parte superior y una boca grande y aplanada. Se utilizan durante las danzas, pero algunas presentan una pátina gruesa incrustada, adquirida durante otras ceremonias en las que se vierten libaciones sobre ellas.

El tercer tipo tiene vínculos con la sociedad Nama y está tallado en forma de cabeza de pájaro articulada, mientras que el cuarto tipo, menor, representa una cabeza de animal estilizada y es utilizado por la sociedad Kore. Se sabe que existen otras máscaras Bambara, pero a diferencia de las descritas anteriormente, no se pueden vincular a sociedades o ceremonias específicas. Los talladores Bambara se han ganado una reputación por los tocados zoomorfos que usan los miembros de la sociedad Tji-Wara. Aunque todos son diferentes, todos muestran un cuerpo muy abstracto, que a menudo incorpora un motivo en zigzag, que representa el recorrido del sol de este a oeste, y una cabeza con dos grandes cuernos. Los miembros Bambara de la sociedad Tji-Wara usan el tocado mientras bailan en sus campos durante la época de siembra, con la esperanza de aumentar la cosecha.

estatuillas

Las estatuillas bambara se utilizan principalmente durante las ceremonias anuales de la sociedad Guan. Durante estas ceremonias, un grupo de hasta siete figuras, de entre 80 y 130  cm de altura, son retiradas de sus santuarios por los miembros más ancianos de la sociedad. Las esculturas se lavan, se vuelven a aceitar y se les ofrecen sacrificios en sus santuarios. Estas figuras, algunas de las cuales datan de entre los siglos XIV y XVI, suelen lucir un peinado con cresta, a menudo adornado con un talismán.

Dos de estas figuras recibieron gran importancia: una figura de maternidad sentada o de pie llamada Guandousou —conocida en Occidente como la «Reina Bambara»— y una figura masculina llamada Guantigui, que suele aparecer sosteniendo un cuchillo. Ambas figuras estaban rodeadas por figuras de asistentes Guannyeni, de pie o sentadas en diversas posiciones, sosteniendo un recipiente, un instrumento musical o mostrando sus pechos. Durante la década de 1970, numerosas falsificaciones de Bamako, basadas en estas esculturas, llegaron al mercado. Fueron producidas en Bamako.

Se cree que otras figuras bambara, llamadas Dyonyeni  , están asociadas con la sociedad Dyo del sur o con la sociedad Kwore. Estas figuras femeninas o hermafroditas suelen presentar rasgos geométricos, como grandes senos cónicos, y miden entre 40 y 85 cm de altura. Los herreros de la sociedad Dyo las utilizaban durante las danzas para celebrar el final de sus ceremonias de iniciación. Los bailarines las manipulaban y las colocaban en el centro del círculo ceremonial.

Entre el conjunto de figuras bambara, las esculturas Boh son quizás las más conocidas. Estas estatuas representan figuras animales o humanas muy estilizadas y están hechas de madera cubierta repetidamente con gruesas capas de tierra impregnada con materiales sacrificiales como mijo, sangre de pollo o cabra, nueces de cola y bebidas alcohólicas. Eran utilizadas por las sociedades Kono y Komo y servían como receptáculos para fuerzas espirituales, pudiendo, a su vez, utilizarse con fines apotropaicos.

En ocasiones, los talentos creativos individuales se consideraban una forma de honrar a los seres espirituales.

Dogón

El arte Dogon , que consiste principalmente en esculturas, gira en torno a los valores, ideales y creencias religiosas Dogon . [ 51 ] Las esculturas Dogon no se hacen para ser vistas públicamente; suelen estar ocultas a la vista del público dentro de las casas de las familias, en santuarios o guardadas con el Hogon . [ 52 ] La importancia del secreto se debe al significado simbólico de las piezas y al proceso mediante el cual se elaboran.

Entre los temas presentes en la escultura Dogon se incluyen figuras con los brazos en alto, figuras barbudas superpuestas, jinetes, taburetes con cariátides, mujeres con niños, figuras que se cubren el rostro, mujeres moliendo mijo perla, mujeres que llevan vasijas sobre la cabeza, burros que portan copas, músicos, perros, abrevaderos o bancos con forma de cuadrúpedo, figuras que se inclinan desde la cintura, imágenes especulares, figuras con delantales y figuras de pie. [ 53 ] En el arte Dogon se aprecian indicios de otros contactos y orígenes. El pueblo Dogon no fue el primer habitante de los acantilados de Bandiagara. La influencia del arte Tellem es evidente en el arte Dogon debido a sus diseños rectilíneos. [ 54 ]

El arte Dogon es sumamente versátil, aunque en sus estatuas se aprecian características estilísticas comunes, como una marcada tendencia a la estilización. Su arte aborda mitos cuyo complejo entramado regula la vida del individuo. Las esculturas se conservan en innumerables lugares de culto, altares personales o familiares, altares para la lluvia, altares para la protección de los cazadores y en mercados. En general, se podría decir que las estatuas Dogon representan el cuerpo humano de forma simplificada, reduciéndolo a lo esencial. Algunas son extremadamente alargadas, con un énfasis en las formas geométricas. La impresión subjetiva es de inmovilidad, con una solemne gravedad y una serena majestuosidad, aunque al mismo tiempo transmiten un movimiento latente. La escultura Dogon recrea las siluetas hermafroditas de los Tellem, con brazos alzados y una gruesa pátina hecha de sangre y cerveza de mijo. Las cuatro parejas Nommo, los ancestros míticos nacidos del dios Amma, adornan taburetes, pilares o casas de reunión de hombres, cerraduras y puertas de graneros. La pareja primordial está representada sentada en un taburete, cuya base simboliza la tierra y la superficie superior el cielo; ambos están conectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando al primer ancestro que murió en el parto, y son objeto de ofrendas de comida y sacrificios por parte de las mujeres embarazadas.

Estatuas arrodilladas de espíritus protectores se colocan a la cabecera de los difuntos para absorber su fuerza espiritual y servirles de intermediarias con el mundo de los muertos, al que acompañan antes de ser colocadas de nuevo en los santuarios de los ancestros. Los jinetes recuerdan que, según la mitología, el caballo fue el primer animal presente en la Tierra. El estilo Dogon ha evolucionado hacia una especie de cubismo: cabeza ovoide, hombros cuadrados, extremidades afiladas, pechos puntiagudos, antebrazos y muslos en un plano paralelo, y peinados estilizados con tres o cuatro líneas incisas. Las esculturas Dogon sirven como medio físico en las iniciaciones y como explicación del mundo. Sirven para transmitir un entendimiento al iniciado, quien descifrará la estatua según su nivel de conocimiento. Figuras de animales talladas, como perros y avestruces, se colocan en los altares fundacionales de las aldeas para conmemorar los animales sacrificados, mientras que las puertas de los graneros, los taburetes y los postes de las casas también se adornan con figuras y símbolos.

Existen casi ochenta estilos de máscaras, pero su característica básica es la gran audacia en el uso de formas geométricas, independientemente de los diversos animales que se supone que representan. La estructura de muchas máscaras se basa en la interacción de líneas y formas verticales y horizontales, mientras que otras presentan formas triangulares y cónicas. Todas las máscaras tienen grandes ojos geométricos y rasgos estilizados. Las máscaras suelen ser policromadas , pero en muchas el color se pierde; después de las ceremonias, se dejaban en el suelo y se deterioraban debido a las termitas y la exposición a la intemperie. Los Dogon mantienen una antigua tradición de mascaradas que conmemora el origen de la muerte. Según sus mitos, la muerte llegó al mundo como resultado de las transgresiones del hombre primigenio contra el orden divino. Las ceremonias conmemorativas Dama se realizan para acompañar a los muertos al reino ancestral y restaurar el orden en el universo. La actuación de los enmascarados —a veces hasta 400— en estas ceremonias se considera necesaria. En el caso de las dama, la cronología, los tipos de máscaras y otros elementos rituales suelen ser específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo unos kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo, realizados por pequeños grupos de enmascarados antes del entierro de un hombre dogon . Las máscaras dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo comprenden los miembros de mayor rango del culto, cuya función es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.

Otros grupos étnicos de Malí

Burkina Faso

Máscara Bobo (Nyanga) de Burkina Faso, elaborada a principios del siglo XIX. Museo de Brooklyn.

Burkina Faso es un pequeño país sin litoral, situado al norte de Ghana y al sur de Malí y Níger. Económicamente, es uno de los países más pobres del mundo, si bien sus tradiciones culturales son diversas. Esto se debe en parte a que una porción significativa de la población no se ha convertido al islam ni al cristianismo. [ 55 ] Muchas de las antiguas tradiciones artísticas por las que África es conocida se han conservado en Burkina Faso porque muchas personas siguen honrando a los espíritus ancestrales y a los espíritus de la naturaleza. En gran medida, honran a los espíritus mediante el uso de máscaras y figuras talladas. Muchos de los países al norte de Burkina Faso se han vuelto predominantemente musulmanes, mientras que muchos de los países al sur son mayoritariamente cristianos. En contraste, muchos habitantes de Burkina Faso siguen ofreciendo oraciones y sacrificios a los espíritus de la naturaleza y a sus ancestros. Como resultado, continúan utilizando los tipos de arte que se encuentran en muchas colecciones de museos en Europa y América. [ 56 ]

One of the principal obstacles to understanding the art of Burkina Faso, including that of the Bwa, has been confusion between the styles of the Bwa, "gurunsi", and Mossi, and confusion of the Bwa people with their neighbors to the west, the Bobo people. This confusion was the result of the use by Frenchcolonial officers of Jula interpreters at the turn of the century. These interpreters considered the two peoples to be the same and therefore referred to the Bobo as "Bobo-Fing" and to the Bwa as "Bobo-Oule." In fact, these two peoples are not related. Their languages and social systems are quite different, as is their art. In terms of artistic styles, the confusion stems from the fact that the Bwa, "gurunsi", and Mossi make masks that are covered with red, white, and black geometric graphic patterns. This is simply the style of the Voltaic or Gur peoples, and also includes the Dogon and other peoples who speak Voltaic languages.[57]

Ivory Coast (Côte d'Ivoire)

Childsoldier in the Ivory Coast, Gilbert G. Groud, 2007, mixed materials: tusche and wax crayon

The Baoulé people, the Senoufo, and the Dan people are skilled at carving wood, and each culture produces a wide variety of wooden masks. The Ivorian people use masks to represent animals in caricature, to depict deities, or to represent the souls of the departed.

As the masks are held to be of great spiritual power, it is considered taboo for anyone other than specially trained persons or chosen ones to wear or possess certain masks. These ceremonial masks are each thought to have a soul, or life force, and wearing these masks is thought to transform the wearer into the entity the mask represents.

Ivory Coast (Côte d'Ivoire) also has modern painters and illustrators. Gilbert G. Groud[58] criticizes ancient beliefs in black magic, as held with the spiritual masks mentioned above, in his illustrated book Magie Noire.

East Africa

East Africa, a region encompassing countries like Kenya, Tanzania, Uganda, Rwanda, Burundi, and Ethiopia, has a rich and diverse artistic heritage. From traditional crafts to contemporary expressions, East African art reflects the region's history, cultural complexity, and evolving identity.

Kenya

Alrededor del lago Turkana , existen petroglifos antiguos que representan figuras humanas y animales. Algunos grupos de habla bantú crean postes funerarios, y aún se realizan tallas de cabezas humanas sobre diseños geométricos. Estas creaciones más recientes se consideran una continuación de la práctica, aunque los postes originales ya no existen. El pueblo kikuyu también mantiene tradiciones antiguas en los diseños pintados en sus escudos. [ 59 ]

Entre los artistas kenianos contemporáneos se encuentra Elimo Njau, fundador del Paa Ya Paa Art Centre, un taller de artistas con sede en Nairobi. [ 60 ] De la Facultad de Bellas Artes y Diseño de la Universidad de Nairobi surgieron Bulinya Martins y Sarah Shiundu. Son conocidas por su estilo, el uso del color y la ejecución, que se basa en técnicas de diseño fundamentales. A diferencia de muchos de sus contemporáneos kenianos, pintan con óleos, acrílicos, acuarelas y combinaciones de estos medios. [ 61 ] [ 62 ]

El Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana posee una amplia colección de objetos de arte tradicional de Kenia, que incluye joyas, recipientes, armas, bastones, reposacabezas, taburetes, utensilios y otros objetos disponibles en línea. [ 63 ]

Etiopía

Iglesia de Bet Maryam , Lalibela . Arte eclesiástico tradicional etíope.

El arte etíope, desde el siglo IV hasta el XX, se puede dividir en dos grandes grupos. El primero es una tradición distintiva de arte cristiano, principalmente para iglesias, que incluye pinturas , cruces , iconos , manuscritos iluminados y otros trabajos en metal, como coronas. El segundo abarca artes y artesanías populares como textiles, cestería y joyería , en las que las tradiciones etíopes se asemejan más a las de otros pueblos de la región. Su historia se remonta a casi tres mil años, al reino de D'mt . La Iglesia Ortodoxa Etíope Tewahedo ha sido la religión predominante en Etiopía durante más de 1500 años, y durante la mayor parte de este período mantuvo una estrecha relación, o unión, con el cristianismo copto de Egipto , de modo que el arte copto ha sido la principal influencia formativa en el arte eclesiástico etíope.

La iglesia de Bet Maryam, excavada en la roca, en Lalibela.

En varios lugares se conservan vestigios de arte rupestre prehistórico comparables a los de otros yacimientos africanos. Hasta la llegada del cristianismo, en muchas regiones se erigían estelas de piedra, a menudo con relieves sencillos, como marcadores de tumbas y para otros fines; Tiya es un yacimiento importante. La cultura de la Edad del Hierro "pre-axumita", que abarcó desde el siglo V a. C. hasta el siglo I d. C., estuvo influenciada por el Reino de Kush, al norte, y por colonos procedentes de Arabia , y dio lugar a ciudades con templos sencillos de piedra, como el de Yeha , actualmente en ruinas, que data de los siglos IV o V a. C.

El poderoso Reino de Aksum surgió en el siglo I a. C. y dominó Etiopía hasta el siglo X, habiéndose convertido en gran medida al cristianismo a partir del siglo IV. [ 64 ] Aunque existen algunos edificios y grandes estelas precristianas , no parece haber sobrevivido arte cristiano etíope del período axumita. Sin embargo, las obras más antiguas que se conservan muestran una clara continuidad con el arte copto de períodos anteriores. Hubo una considerable destrucción de iglesias y su contenido en el siglo XVI cuando el país fue invadido por vecinos musulmanes. El renacimiento del arte posterior estuvo influenciado por el arte católico europeo tanto en la iconografía como en elementos estilísticos, pero conservó su carácter etíope. En el siglo XX, artistas y arquitectos occidentales comenzaron a recibir encargos del gobierno y a formar a estudiantes locales, y se produjo un arte más occidentalizado junto con la continuación del arte religioso tradicional. [ 64 ]

Es probable que las pinturas de iglesias en Etiopía se produjeran ya en la introducción del cristianismo en el siglo IV d. C., [ 65 ] aunque los ejemplos más antiguos que se conservan provienen de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray , datada en el siglo XI d. C. [ 66 ] Sin embargo, los seguidores del profeta islámico Mahoma del siglo VII d. C. que huyeron a Axum en un exilio temporal mencionaron que la iglesia original de Nuestra Señora María de Sion estaba decorada con pinturas. [ 66 ] Otras pinturas antiguas incluyen las de las iglesias excavadas en la roca de Lalibela , datadas en el siglo XII d. C., y en la cercana Genete Maryam , datada en el siglo XIII d. C. [ 66 ] Sin embargo, las pinturas en manuscritos iluminados son anteriores a las pinturas de iglesias más antiguas que se conservan; por ejemplo, los Evangelios etíopes de Garima de los siglos IV-VI d. C. contienen escenas iluminadas que imitan el estilo bizantino contemporáneo . [ 67 ]

La pintura etíope, en murales, libros e iconos , [ 68 ] es muy distintiva, aunque su estilo e iconografía guardan una estrecha relación con la versión copta simplificada del arte cristiano bizantino y de la Antigüedad tardía . A partir del siglo XVI, el arte de la Iglesia católica romana y el arte europeo en general comenzaron a ejercer cierta influencia. Sin embargo, el arte etíope es sumamente conservador y conservó gran parte de su carácter distintivo hasta la época moderna. La producción de manuscritos iluminados para su uso continuó hasta nuestros días. [ 69 ]

Otra forma importante del arte etíope , también relacionada con los estilos coptos, son las cruces hechas de madera y metal. [ 70 ] [ 71 ] Suelen ser de aleación de cobre o latón , chapadas (al menos originalmente) en oro o plata. Las cabezas son típicamente placas planas fundidas con una elaborada y compleja decoración calada . El motivo de la cruz emerge de la decoración, y el diseño completo a menudo forma una figura cuadrada o circular girada, aunque los diseños son muy variados e ingeniosos. Muchos incorporan motivos curvos que se elevan desde la base, que se denominan los "brazos de Adán ". Excepto en ejemplos recientes de influencia occidental, generalmente no tienen el corpus, o figura de Cristo, y el diseño a menudo incorpora numerosas cruces más pequeñas. En ocasiones se han añadido imágenes figurativas grabadas. Las cruces son principalmente cruces procesionales , con la cabeza de metal montada sobre un largo bastón de madera, que se lleva en procesiones religiosas y durante la liturgia , o cruces de mano, con un mango de metal más corto de la misma fundición que la cabeza. También son comunes las cruces más pequeñas que se usan como joyas.

Etiopía posee una gran diversidad étnica y lingüística, y los estilos de las artesanías tradicionales varían considerablemente en las distintas regiones del país. Existe una amplia gama de tradiciones textiles, muchas de ellas con decoración geométrica tejida, aunque también existen muchos tipos lisos. Las prácticas eclesiásticas etíopes hacen un gran uso de textiles coloridos, y los tipos más elaborados se utilizan ampliamente como vestimentas litúrgicas, tapices, cortinas y envoltorios en las iglesias, si bien en la actualidad han sido reemplazados en gran medida por telas occidentales. En la imagen que encabeza el artículo se pueden apreciar ejemplos de ambos tipos. Los iconos suelen cubrirse con una tela semitransparente u opaca; la tela de algodón tipo gasa muy fina es una especialidad de Etiopía, aunque generalmente sin ningún estampado.

La cestería colorida con estructura en espiral es común en las zonas rurales de Etiopía. Estos productos tienen múltiples usos, como almacenar granos, semillas y alimentos, y también se utilizan como mesas y cuencos. La ciudad musulmana de Harar es reconocida por su cestería de alta calidad, [ 72 ] y muchos productos artesanales de la minoría musulmana se relacionan con tradiciones decorativas islámicas más amplias.

Tanzania

Talla moderna Makonde en ébano

El arte de Tanzania es conocido por las pinturas de artistas modernos como Tinga Tinga o George Lilanga , y por las esculturas Makonde , tanto tradicionales como modernas . Al igual que en otras regiones, también existe una tradición diversificada de producción de arte textil . [ 10 ]

El arte Tinga Tinga tiene sus raíces en la decoración de las paredes de las chozas en el centro y sur de Tanzania. Fue en 1968 cuando Edward Said Tingatinga comenzó a pintar sobre láminas de madera con esmaltes que el arte Tinga Tinga se dio a conocer. El arte de los Makonde debe subdividirse en diferentes áreas. Los Makonde son conocidos como maestros talladores en toda África Oriental, y sus estatuas se pueden encontrar a la venta tanto en mercados turísticos como en museos. Tradicionalmente tallan objetos domésticos, figuras y máscaras. Desde la década de 1950, se ha desarrollado el llamado Arte Makonde Moderno. Un paso esencial fue el giro hacia las figuras abstractas, principalmente espíritus ( Shetani ) que desempeñan un papel especial. Los Makonde también forman parte de los artistas contemporáneos más importantes de África en la actualidad. George Lilanga ocupa un lugar destacado.

África central

República Democrática del Congo

Reino de Kuba

El Reino Kuba (también conocido como Reino de los Bakuba, Songora o Bushongo) fue un reino precolonial en África Central . Floreció entre los siglos XVII y XIX en la región delimitada por los ríos Sankuru , Lulua y Kasai , en el sureste de la actual República Democrática del Congo . Gran parte del arte se creó para las cortes de jefes y reyes, y estaba profusamente decorado, incorporando conchas de cauri y pieles de animales (especialmente de leopardo) como símbolos de riqueza, prestigio y poder. Las máscaras también eran importantes para los Kuba. Se utilizaban tanto en los rituales de la corte como en la iniciación de los jóvenes a la edad adulta, así como en los funerales.

Reino de Luba

El Reino de Luba o Imperio Luba (1585-1889 ) fue un estado precolonial de África Central que surgió en las marismas de la Depresión de Upemba, en lo que hoy es el sur de la República Democrática del Congo . En la actualidad, el pueblo Luba o baLuba es un grupo etnolingüístico originario de la región centro-sur de la República Democrática del Congo . [ 74 ] La mayoría vive en este país, principalmente en las provincias de Katanga , Kasai y Maniema .

Al igual que en el Reino de Kuba , el Reino de Luba valoraba enormemente las artes. Un tallador gozaba de un estatus relativamente alto, que se manifestaba en el hacha que portaba al hombro. El arte luba no era muy uniforme debido a la vasta extensión territorial del reino. Sin embargo, presentaba algunas características comunes. El papel preponderante de la mujer en los mitos de la creación y en la sociedad política se reflejó en la decoración de numerosos objetos de prestigio con figuras femeninas.

Otros grupos étnicos de la República Democrática del Congo

Chad

Sao

La civilización Sao, que existió en África Central desde aproximadamente el siglo VI a. C. hasta el siglo XVI d. C., habitó a orillas del río Chari, cerca del lago Chad , en un territorio que posteriormente pasó a formar parte de Camerún y Chad . Entre sus obras de arte más significativas se encuentran figurillas de terracota que representan humanos y animales. Otros artefactos demuestran que los Sao eran hábiles artesanos del bronce , el cobre y el hierro . [ 75 ]

Gabón

Máscara Ngil de Gabón o Camerún ; madera teñida con caolín (arcilla china); elaborada por el pueblo Fang ; Museo Etnológico de Berlín. Usada con un traje completo en un baile de máscaras nocturno para resolver disputas y apaciguar la mala conducta, este rostro sereno aterrorizaba a los malhechores.

El pueblo Fang crea máscaras, cestas, tallas y esculturas. El arte Fang se caracteriza por la claridad de las formas y líneas y figuras definidas. Los bieri, cajas para guardar restos ancestrales, están tallados con figuras protectoras. Las máscaras con rostros pintados de blanco con rasgos negros se usan en ceremonias y para la caza. El arte Myene se centra en rituales funerarios. Las ancestras femeninas están representadas por máscaras pintadas de blanco que usan los parientes varones. Los Bekota usan latón y cobre para cubrir sus tallas y cestas para guardar restos ancestrales. En comparación con otros países africanos, Gabón tiene menos turismo y su producción artística está menos impulsada por el comercio.

África meridional

Botsuana

En la parte norte de Botsuana, las mujeres de las aldeas de Etsha y Gumare [ 76 ] son ​​reconocidas por su habilidad para elaborar cestas con palma de mokola y tintes locales . Las cestas se tejen generalmente en tres tipos: cestas grandes con tapa para almacenar; cestas grandes abiertas para transportar objetos sobre la cabeza o para aventar el grano trillado; y cestas más pequeñas para aventar el grano molido. La maestría en la elaboración de estas cestas se perfecciona constantemente mediante el uso de colores y diseños mejorados, a medida que se producen cada vez más para uso comercial.

Las evidencias más antiguas de arte en la región consisten en pinturas antiguas procedentes de Botsuana y Sudáfrica . Representaciones de escenas de caza y figuras tanto de animales como humanas, realizadas por el pueblo san y con una antigüedad de más de 20.000 años, se encuentran en el desierto del Kalahari .

Zimbabue

La cultura del Gran Zimbabue es conocida por sus edificios y esculturas, entre las que destacan las ocho aves de Zimbabue talladas en esteatita . Estas parecen haber tenido un significado especial y presumiblemente estaban montadas sobre monolitos . Los escultores zimbabuenses modernos que trabajan con esteatita han alcanzado el éxito internacional . Las figuras de arcilla más antiguas conocidas del sur de África datan de entre el 400 y el 600 d. C. y presentan cabezas cilíndricas con rasgos que combinan características humanas y animales.

Sudáfrica

Mapungubwe
El rinoceronte dorado de Mapungubwe ; 1075–1220; procedente del Parque Nacional de Mapungubwe ( Limpopo , Sudáfrica); Colección Mapungubwe ( Museos de la Universidad de Pretoria ).

El Reino de Mapungubwe (1075-1220) fue un estado precolonial del sur de África, ubicado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo , al sur de Gran Zimbabue . La obra de arte más famosa de Mapungubwe es un pequeño rinoceronte dorado, conocido como el Rinoceronte Dorado de Mapungubwe . En otras tumbas de Mapungubwe se encontraron objetos de hierro, oro, cobre, cerámica y cuentas de vidrio.

Ndebele del sur

El pueblo ndebele del sur es famoso por la forma en que pintan sus casas. Las formas geométricas distintivas sobre colores intensos y contrastantes constituyen la base del estilo ndebele, que abarca la arquitectura, la vestimenta y las herramientas de este pueblo. Si bien el color casi siempre ha desempeñado un papel importante en la expresión de emociones en el arte, los ndebele fueron una de las primeras tribus del sur de África en utilizar una amplia gama de colores para transmitir significados específicos en su vida cotidiana.

África del Norte

En muchas tradiciones africanas, el arte suele tener un significado simbólico relacionado con los valores comunitarios, la veneración de los ancestros o las creencias espirituales. Por ejemplo, las máscaras pueden representar espíritus o deidades, y las esculturas pueden simbolizar la fertilidad, la protección o la sabiduría.

Arte rupestre y arte prehistórico:

El patrimonio artístico del norte de África se remonta a la prehistoria, como lo demuestra el arte rupestre del desierto del Sahara. Yacimientos como Tassili n'Ajjer, en Argelia, albergan miles de petroglifos y pinturas que representan animales, escenas de caza y la vida cotidiana desde el año 10.000 a. C. Estas obras reflejan la relación entre los primeros humanos y su entorno.

Egipto

El arte «oficial» del Antiguo Egipto , que perduró durante 3000 años y treinta dinastías, se centraba en la religión estatal. Este arte abarcaba desde tallas en piedra de estatuas monumentales y pequeñas estatuillas hasta arte mural que representaba tanto la historia como la mitología. En el año 2600  a. C. , la madurez de la talla egipcia alcanzó su máximo esplendor, que no se superó hasta 1500 años después, durante el reinado de Ramsés II . [ 77 ]

Gran parte del arte posee cierta rigidez, con figuras erguidas y firmes en una pose majestuosa. Las proporciones corporales también parecen estar calculadas matemáticamente, lo que genera una sensación de perfección idealizada en las figuras representadas. Esto probablemente se utilizaba para reforzar la divinidad de la casta gobernante.

Nubia y Sudán

Los habitantes de Nubia, que vivían en el sur de Egipto y la región norte de Sudán , desarrollaron estilos artísticos históricos similares a los de sus vecinos egipcios del norte. Sin embargo, el arte nubio no fue simplemente producto de la colonización del antiguo Egipto, sino también el resultado de un intercambio mutuo de ideas e ideologías a lo largo del valle del Nilo . El arte más antiguo de la región proviene de la cultura Kerma , contemporánea del Imperio Antiguo y Medio de Egipto . El arte de este período exhibe loza egipcia junto con la distintiva cerámica de tapa negra de origen nubio. En el posterior período Napata del Reino de Kush , el arte mostró una mayor influencia egipcia, ya que los habitantes de la región veneraban a los dioses egipcios. [ 79 ] [ 80 ]

Después de estos períodos históricos, los habitantes de Sudán crearon obras de arte en diferentes estilos, tanto en formas africanas indígenas como influenciadas por las tradiciones artísticas bizantinas cristianas , islámicas y modernas . [ 81 ]

Diáspora africana

Museos

El Museo de Arte Africano de Belgrado en el momento de su inauguración.

Muchos museos de arte y etnográficos tienen una sección dedicada al arte del África subsahariana, como el Museo Británico , el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac en París, el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York y el Museo Etnológico de Berlín . No muchos museos occidentales se dedican exclusivamente al arte africano, como el Museo de África en Bruselas , el Museo Nacional de Arte Africano en Washington, D.C. , y el Museo de Arte Africano de Maryland en Columbia, Maryland . [ 82 ] Algunas universidades poseen colecciones de arte africano, como la Universidad de Howard en Washington, D.C. y el Spelman College en Atlanta , Georgia.

Casi todos los países de África cuentan con al menos un museo nacional que alberga arte africano, a menudo con una gran cantidad de obras procedentes del propio país, como el Museo Nacional de Sierra Leona y el Museo Nacional de Nigeria en Lagos . También existen numerosos museos más pequeños en las provincias.

La exhibición de arte y objetos africanos en museos europeos ha sido durante mucho tiempo objeto de controversia en diversos aspectos, y el informe encargado por Francia, «Restitución del patrimonio cultural africano » (2018), marcó un hito clave, propiciando un aumento en la devolución de objetos. Sin embargo, existen otros ejemplos, como el Museo de Arte Africano de Belgrado , inaugurado en 1977 gracias a las relaciones de Yugoslavia con numerosos países africanos en el marco del Movimiento de Países No Alineados . El museo se abrió con el objetivo de dar a conocer al pueblo yugoslavo el arte y la cultura de África, dado que existía una arraigada convicción de que Yugoslavia compartía una amistad con los países africanos debido a sus luchas similares. Todas las piezas originales del museo fueron adquiridas legalmente por el embajador y periodista yugoslavo Zdravko Pečar y su esposa Veda Zagorac, mientras que las adquisiciones más recientes fueron compradas por el museo, recibidas como obsequios de yugoslavos residentes en África o fueron regalos diplomáticos de los embajadores de países africanos. [ 83 ]

El activista congoleño Mwazulu Diyabanza ha emprendido acciones directas contra museos europeos para recuperar objetos que, según él, pertenecen a África. [ 84 ] [ 85 ]

Véase también

Notas

  1. ↑ El número exacto de piezas es incierto. [ 45 ] La mayoría de las fuentes hablan de mil piezas o varios miles de piezas. Según Nevadomsky, había entre 3.000 y 5.000 piezas en total. [ 46 ]

Referencias

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  • Rachewiltz, Boris de (1966). Introducción al arte africano . Traducido por Peter Whigham. Nueva York: New American Library.
  • Jules-Rosette, Bennetta y JR Osborn (2020). African Art Reframed: Reflections and Dialogues on Museum Culture . Urbana: University of Illinois Press. ISBN 0252052153.
  • Datos sobre el arte africano por CasildArt
  • Sitio web con más de 130 museos de arte en África.
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