Historia de la arquitectura

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  Columnas con conos de mosaico de arcilla del recinto de Eanna en Uruk (sur de Mesopotamia), Museo de Pérgamo , Berlín , Alemania , arquitecto desconocido, 3600-3200 a. C. ^{[ 28 ]}
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  Zigurat de Ur , Tell el-Muqayyar , provincia de Dhi Qar , Irak , arquitecto desconocido, siglo XXI a.C. ^{[ 29 ]}
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  Azulejo con borde guilloché del Palacio Noroeste de Nimrud (actualmente en Irak), Museo Británico , Londres, artesano desconocido, 883-859 a. C. ^{[ 30 ]}
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  Reconstrucción de la Puerta de Ishtar , Museo de Pérgamo , Berlín , Alemania, arquitecto desconocido, c. 605-539 a. C. ^{[ 31 ]}

Los palacios asirios contaban con un amplio patio público con un conjunto de aposentos en el lado este y una serie de grandes salones de banquetes en el lado sur. Este se convertiría en el plano tradicional de los palacios asirios, construidos y adornados para la glorificación del rey. ^{[ 32 ]} En algunos palacios se encontraron grandes cantidades de muebles de marfil .

Mesopotamia es especialmente conocida por la construcción de edificios de adobe y zigurats , que ocupaban un lugar destacado en cada ciudad y consistían en un montículo artificial, a menudo escalonado, coronado por un templo. El montículo tenía, sin duda, la función de elevar el templo a una posición dominante en lo que de otro modo sería un valle fluvial llano. La gran ciudad de Uruk contaba con varios recintos religiosos, que albergaban numerosos templos más grandes y ambiciosos que cualquier otro edificio conocido hasta entonces. ^{[ 33 ]}

La palabra zigurat es una forma anglicizada de la palabra acadia ziqqurratum , nombre que se daba a las sólidas torres escalonadas de adobe. Deriva del verbo zaqaru , ("ser alto"). Se describe a estos edificios como montañas que unen la Tierra y el cielo. El zigurat de Ur , excavado por Leonard Woolley , mide 64 por 46 metros en la base y originalmente tenía unos 12 metros de altura con tres pisos. Fue construido bajo el reinado de Ur-Nammu (alrededor del 2100 a. C.) y reconstruido bajo el de Nabonido (555-539 a. C.), cuando se aumentó su altura a probablemente siete pisos. ^{[ 34 ]}

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  La pirámide de Djoser , Saqqara , Egipto , por Imhotep , 2667–2648 a. C. ^{[ 35 ]}
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  Gran Pirámide de Giza , Giza , Egipto, por Hemiunu , c. 2589-2566 a. C. ^{[ 36 ]}
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  Sala interior de la tumba excavada en la roca de Amenemhat , Tumba 2 (BH2) , Beni Hasan , Egipto, arquitecto desconocido, c. 1900 a. C. ^{[ 37 ]}
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  Sala hipóstila del complejo del templo de Karnak , Luxor , Egipto, arquitecto desconocido, c. 1294–1213 a. C. ^{[ 38 ]}
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  Gran Templo de Abu Simbel , Egipto, arquitecto desconocido, c. 1264 a. C. ^{[ 39 ]}
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  Entrada del complejo del Templo de Luxor , arquitecto desconocido, 1279-1212 a. C. ^{[ 40 ]}
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  Templo de Philae, arquitecto desconocido, 380 a. C.–117 d. C. ^{[ 41 ]}
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  Ilustraciones de 1874 de ornamentos y diseños utilizados por los antiguos egipcios.

La visión moderna del antiguo Egipto está fuertemente influenciada por los vestigios de su arquitectura monumental. Muchos estilos y motivos formales se establecieron en los albores del estado faraónico , alrededor del 3100 a. C. Los edificios más emblemáticos del antiguo Egipto son las pirámides , construidas durante el Imperio Antiguo y el Imperio Medio ( c. 2600-1800 a. C.) como tumbas para el faraón . Sin embargo, también existen templos impresionantes, como el complejo del Templo de Karnak .

Los antiguos egipcios creían en la vida después de la muerte . También creían que, para que su alma (conocida como ka ) viviera eternamente en el más allá, sus cuerpos debían permanecer intactos por toda la eternidad. Por lo tanto, tuvieron que crear una forma de proteger a los difuntos de los daños y los saqueadores de tumbas. Así nació la mastaba . Estas eran estructuras de adobe con techos planos, que tenían cámaras subterráneas para el ataúd, a unos 30 m de profundidad. Imhotep , un antiguo sacerdote y arquitecto egipcio, tuvo que diseñar una tumba para el faraón Djoser . Para ello, colocó cinco mastabas, una encima de la otra, creando así la primera pirámide egipcia, la Pirámide de Djoser en Saqqara ( c. 2667-2648 a. C.), que es una pirámide escalonada . La primera pirámide de lados lisos fue construida por el faraón Sneferu , quien gobernó entre c. 2613 y 2589 a. C. La más imponente es la Gran Pirámide de Giza , construida para el hijo de Sneferu: Khufu ( c. 2589–2566 a. C.), siendo la última maravilla del mundo antiguo que se conserva y la pirámide más grande de Egipto. Los bloques de piedra utilizados para las pirámides se unían con mortero , y toda la estructura estaba cubierta de piedra caliza blanca pulida, con sus cimas rematadas en oro. Lo que vemos hoy es en realidad la estructura central de la pirámide. En su interior, estrechos pasadizos conducían a las cámaras funerarias reales. A pesar de estar muy asociadas con el Antiguo Egipto, las pirámides también fueron construidas por otras civilizaciones, como la maya .

Debido a la escasez de recursos y al cambio de poder hacia el sacerdocio, los antiguos egipcios abandonaron las pirámides, y los templos se convirtieron en el centro de la construcción de cultos. Al igual que las pirámides, los templos del Antiguo Egipto eran espectaculares y monumentales. Evolucionaron desde pequeños santuarios hechos de materiales perecederos hasta grandes complejos, y para el Imperio Nuevo (aproximadamente 1550-1070 a. C.) se habían convertido en enormes estructuras de piedra compuestas por salas y patios. El templo representaba una especie de «cosmos» en piedra, una copia del montículo original de la creación sobre el cual el dios podía rejuvenecerse a sí mismo y al mundo. La entrada consistía en una doble puerta ( pilon ), que simbolizaba las colinas del horizonte. En el interior había salas con columnas que simbolizaban un antiguo matorral de papiros. A continuación, se sucedían una serie de pasillos de tamaño decreciente, hasta llegar al santuario, donde se colocaba una estatua del culto al dios. En la antigüedad, los templos se pintaban con colores brillantes, principalmente rojo, azul, amarillo, verde, naranja y blanco. Debido al clima desértico de Egipto, algunas partes de estas superficies pintadas se conservaron bien, especialmente en los interiores.

Un elemento arquitectónico específico de la arquitectura del antiguo Egipto es la cornisa cavetto (una moldura cóncava ), introducida hacia finales del Imperio Antiguo. Se utilizaba ampliamente para acentuar la parte superior de casi todos los edificios faraónicos formales. Debido a su frecuente uso, posteriormente decorará muchos edificios y objetos del Renacimiento egipcio . ^{[ 42 ] [ 39 ]}

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  El Gran Baño, en la zona elevada de la ciudadela de Mohenjo Daro , provincia de Sindh , Pakistán , arquitecto desconocido, c. 2600-1900 a. C. ^{[ 43 ]}
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  Un antiguo pozo y canales de drenaje en Lothal , Gujarat , India , arquitecto desconocido, desde aproximadamente el 2300 a. C.
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  Vista de Mohenjo Daro, mostrando las murallas y las calles principales de la ciudad, arquitecto desconocido, c. 2600-1900 a. C. ^{[ 44 ]}

La primera civilización urbana del subcontinente indio se remonta a la civilización del valle del Indo, principalmente a Mohenjo-Daro y Harappa , actualmente en Pakistán, así como a los estados occidentales de la República de la India. Los primeros asentamientos se observan durante el Neolítico en Merhgarh , Baluchistán . Las ciudades de esta civilización se caracterizaban por su planificación urbana, con edificios de ladrillo cocido, elaborados sistemas de drenaje y agua, y artesanía ( productos de cornalina , grabado de sellos). Esta civilización transitó del Neolítico al Calcolítico y más allá, gracias a su dominio de la metalurgia (cobre, bronce, plomo y estaño). ^{[ 45 ]} Sus centros urbanos posiblemente llegaron a albergar entre 30 000 y 60 000 individuos, ^{[ 46 ]} y la civilización en sí pudo haber albergado entre uno y cinco millones de individuos. ^{[ 47 ]}

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  Templo de Hefesto en la colina Agoraios Kolonos, Atenas , Grecia , c. 449 a. C., arquitecto desconocido ^{[ 48 ]}
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  Erecteion , Atenas, con sus columnas jónicas y pórtico de cariátides , 421-405 a. C., ^{[ 49 ]} arquitecto desconocido
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  Partenón , Atenas, Grecia, 447–432 a. C., por Ictino , Calícrates y Fidias ^{[ 50 ]}
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  Tholos del Santuario de Atenea Pronaia , Delfos , Grecia, 380-360 a. C., por Teodoro de Focea ^{[ 51 ]}
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  Teatro antiguo de Epidauro , Epidauro , Grecia, siglo III a. C., ^{[ 52 ]} arquitecto desconocido
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  Torre de los Vientos , Atenas, siglo I a. C., ^{[ 53 ]} arquitecto desconocido
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  Ilustración de columnas y entablamentos dóricos (tres de la izquierda), jónicos (tres del medio) y corintios (dos de la derecha).
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  Ilustraciones de 1874 de ornamentos y diseños utilizados por los antiguos griegos y romanos.
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  Ilustración de 1883 que muestra la combinación de colores del orden dórico.

Desde el advenimiento de la Edad Clásica en Atenas , en el siglo V a. C., la forma clásica de construir se ha entretejido profundamente en la comprensión occidental de la arquitectura y, de hecho, de la civilización misma. ^{[ 54 ]} Desde aproximadamente el 850 a. C. hasta aproximadamente el 300 d. C., la cultura griega antigua floreció en la Grecia continental , en el Peloponeso y en las islas del Egeo . Sin embargo, la arquitectura griega antigua es más conocida por sus templos , muchos de los cuales se encuentran en toda la región, y el Partenón es un ejemplo primordial de ello. Más tarde, servirán de inspiración para los arquitectos neoclásicos durante finales del siglo XVIII y el siglo XIX. Los templos más conocidos son el Partenón y el Erecteion , ambos en la Acrópolis de Atenas . Otro tipo de edificios griegos antiguos importantes fueron los teatros. Tanto los templos como los teatros utilizaban una compleja mezcla de ilusiones ópticas y proporciones equilibradas.

Los templos griegos antiguos suelen constar de una base con escaleras continuas de pocos escalones en cada extremo (conocidas como crepidoma ), una cella (o naos ) con una estatua de culto en su interior, columnas , un entablamento y dos frontones , uno en la parte frontal y otro en la parte posterior. En el siglo IV a. C., los arquitectos y canteros griegos habían desarrollado un sistema de reglas para todos los edificios conocido como los órdenes : el dórico , el jónico y el corintio. Se reconocen más fácilmente por sus columnas (especialmente por los capiteles ) . La columna dórica es robusta y básica, la jónica es más esbelta y tiene cuatro volutas en las esquinas del capitel, y la columna corintia es igual que la jónica, pero el capitel es completamente diferente, estando decorado con hojas de acanto y cuatro volutas. ^{[ 48 ]} Además de las columnas, el friso era diferente según el orden. Mientras que el friso dórico tiene metopas y triglifos con gutas , los frisos jónicos y corintios consisten en una gran banda continua con relieves .

Además de las columnas, los templos estaban ricamente decorados con esculturas en los frontones, frisos , metopas y triglifos . Entre los ornamentos utilizados por los arquitectos y artistas de la Antigua Grecia se incluyen palmetas , volutas vegetales u onduladas , mascarones de leones ( principalmente en cornisas laterales ), dentículos , hojas de acanto , bucráneos , guirnaldas , motivos de ovas y dardos , pasas de corazón , cuentas, meandros y acroterios en las esquinas de los frontones. Con frecuencia, los ornamentos de la Antigua Grecia se utilizaban de forma continua, a modo de bandas. Posteriormente, se emplearían en los estilos etrusco , romano y posmedieval que intentaron revivir el arte y la arquitectura grecorromana, como el Renacimiento , el Barroco , el Neoclasicismo , etc.

Al observar los restos arqueológicos de edificios antiguos y medievales, es fácil percibirlos como piedra caliza y hormigón en un tono grisáceo y asumir que los edificios antiguos eran monocromáticos. Sin embargo, la arquitectura era policromada en gran parte del mundo antiguo y medieval. Uno de los edificios antiguos más emblemáticos, el Partenón ( c. 447-432 a. C.) en Atenas , tenía detalles pintados con rojos, azules y verdes vibrantes. Además de los templos antiguos, las catedrales medievales nunca fueron completamente blancas. La mayoría tenía toques de color en capiteles y columnas . ^{[ 55 ]} Esta práctica de colorear edificios y obras de arte se abandonó durante el Renacimiento temprano. Esto se debe a que Leonardo da Vinci y otros artistas renacentistas, incluido Miguel Ángel , promovieron una paleta de colores inspirada en las antiguas ruinas grecorromanas, que debido al abandono y la constante decadencia durante la Edad Media, se volvieron blancas a pesar de haber sido inicialmente coloridas. Los pigmentos utilizados en el mundo antiguo eran delicados y especialmente susceptibles a la intemperie. Sin el cuidado necesario, los colores expuestos a la lluvia, la nieve, la suciedad y otros factores, desaparecieron con el tiempo, y de esta manera los edificios y obras de arte antiguos se volvieron blancos, como lo son hoy y lo fueron durante el Renacimiento. ^{[ 56 ]}

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  Murallas y edificios reconstruidos en Heuneburg , junto al Danubio, Alemania, c. 600 a. C. , la ciudad más antigua al norte de los Alpes ^{[ 57 ].}
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  Palacio de Vix (reconstrucción), Mont Lassois , Francia, arquitecto desconocido, finales del siglo VI a. C. ^{[ 58 ] [ 59 ]}
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  Oppidum de Glauberg , Alemania, puerta de entrada principal (reconstrucción), arquitecto desconocido, c. 500 a. C.

La arquitectura celta, en su sentido más amplio, se refiere a los estilos y estructuras asociados con los pueblos celtas que alguna vez habitaron gran parte de Europa, incluyendo zonas de la actual Francia, Alemania, las Islas Británicas y más allá. ^{[ 60 ]} Esta arquitectura es difícil de definir estrictamente porque los celtas no tenían un estilo arquitectónico unificado y estandarizado en las diferentes regiones que habitaron. Sin embargo, se comparten características generales de la arquitectura celta, por ejemplo, en estructuras de Europa central como las de Alemania y Francia, que ofrecen información sobre la cultura material y las formas arquitectónicas de los celtas en estas regiones.

Muchas estructuras celtas, sobre todo en los primeros periodos, estaban hechas de madera, que no se ha conservado tan bien como la piedra u otros materiales. ^{[ 61 ]} Los celtas solían construir casas y asentamientos redondos, siendo las cabañas circulares (o casas redondas) las estructuras residenciales más comunes. ^{[ 62 ]} Los celtas eran hábiles en la creación de estructuras defensivas, como castros, que incluían fosos, murallas y empalizadas. ^{[ 63 ]} En periodos posteriores, especialmente durante la Edad del Hierro, algunos grupos celtas comenzaron a construir edificios de piedra, como templos, santuarios y viviendas más permanentes. ^{[ 64 ]}

Uno de los yacimientos celtas más famosos es Heuneburg , ^{[ 65 ]} ubicado en el Jura de Suabia, en Alemania. Heuneburg fue un gran asentamiento celta y un centro de poder clave a finales del período Hallstatt y principios del período La Tène. El sitio es famoso por sus fortificaciones, que incluyen grandes movimientos de tierra y empalizadas de madera, indicativas del énfasis celta en la arquitectura defensiva. Mont Lassois es otro importante yacimiento arqueológico celta ^{[ 66 ]} ubicado en la región de Borgoña, en el este de Francia, cerca de la ciudad de Montbard, en el departamento de Côte-d'Or. El sitio destaca por ser uno de los oppida (asentamientos fortificados) celtas más grandes e importantes del período La Tène (aproximadamente 450 a. C. a 1 a. C.). Mont Lassois ofrece información crucial sobre la planificación urbana, la arquitectura y la organización sociopolítica de las tribus celtas en la Galia justo antes de la conquista romana. El castro celta de Glauberg ^{[ 67 ]} u oppidum en Hesse , Alemania, consta de un asentamiento fortificado y varios túmulos funerarios, "una sede principesca de los últimos períodos de Hallstatt y principios de La Tène ". ^{[ 68 ] [ 69 ]} Los descubrimientos arqueológicos de la década de 1990 sitúan el sitio entre los centros celtas primitivos más importantes de Europa. Proporciona evidencia sin precedentes sobre enterramientos, escultura y arquitectura monumental celtas. ^{[ 70 ]}

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  Ed-Deir , Petra , arquitecto desconocido, siglo I d. C.
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  Qaṣr al-Farīd, Hegra (Mada'in Salih) , arquitecto desconocido, siglo I d.C.

Los nabateos , un antiguo pueblo árabe, tenían un estilo arquitectónico que es notable por sus templos y tumbas excavadas en la roca, los más famosos encontrados en Petra , Jordania. ^{[ 71 ]} Otro sitio parcialmente conservado se encuentra en Hegra (Mada'in Salih) , Arabia Saudita. La mayoría de los restos arquitectónicos nabateos, que datan del siglo I a. C. al siglo II d. C., son muy visibles y están bien conservados, con más de 500 monumentos en Petra, en la actual Jordania, y 110 tumbas bien conservadas ubicadas en el paisaje desértico de Hegra .

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  Coliseo , Roma , arquitecto desconocido, 72–80 d.C. ^{[ 72 ]}
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  Pont du Gard , Vers-Pont-du-Gard , Gard , Francia, un acueducto romano , arquitecto desconocido, 40-60 d.C. ^{[ 73 ]}
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  Panteón , Roma, arquitecto desconocido, c. 114-123 d.C. ^{[ 74 ]}
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  Biblioteca de Celso , Éfeso , Turquía, arquitecto desconocido, c. 112–120 d.C. ^{[ 72 ]}
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  Aula Palatina , la sala más grande que se conserva de la antigüedad , Tréveris , Alemania , arquitecto desconocido, 300-310 d. C.
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  Arco de Constantino , Roma, arquitecto desconocido, 316 d.C. ^{[ 75 ]}

La arquitectura de la antigua Roma ha sido una de las más influyentes del mundo. Su legado es evidente a lo largo de la Edad Media y la Edad Moderna, y los edificios romanos siguen siendo reutilizados en la era moderna, tanto en la arquitectura neoclásica como en la posmoderna . Estuvo particularmente influenciada por los estilos griego y etrusco . Durante la época republicana (509-27 a. C.) se desarrolló una variedad de tipologías de templos , modificadas a partir de prototipos griegos y etruscos.

Allí donde el ejército romano conquistaba, fundaba pueblos y ciudades, expandiendo su imperio y desarrollando sus logros arquitectónicos y de ingeniería. Si bien las obras más importantes se encuentran en Italia, los constructores romanos también hallaron inspiración en las provincias occidentales y orientales, cuyos mejores ejemplos se conservan en el actual norte de África , Turquía , Siria y Jordania . Surgieron proyectos extravagantes, como el Arco de Septimio Severo en Leptis Magna (actual Libia , construido en el año 216 d. C.), con frontones partidos en todos sus lados, o el Arco de Caracalla en Tebeste (actual Argelia , construido hacia el año 214 d. C.), con columnas pareadas en todos sus lados, entablamentos salientes y medallones con bustos divinos. Debido a que el imperio se formó a partir de múltiples naciones y culturas, algunos edificios fueron producto de la combinación del estilo romano con la tradición local. Un ejemplo de ello es el Arco de Palmira (actual Siria , construido entre los años 212 y 220 aproximadamente), algunos de cuyos arcos están adornados con un diseño de bandas repetidas que consiste en cuatro óvalos dentro de un círculo alrededor de una roseta , de origen oriental.

Entre los numerosos logros arquitectónicos romanos se encuentran las cúpulas (creadas para templos), termas, villas, palacios y tumbas. El ejemplo más conocido es el del Panteón de Roma, la cúpula romana más grande que se conserva, con un gran óculo en su centro. Otra innovación importante es el arco de piedra de medio punto, utilizado en arcadas, acueductos y otras estructuras. Además de los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio), los romanos inventaron dos más. El orden toscano , influenciado por el dórico , presentaba columnas lisas y un entablamento más sencillo , sin triglifos ni gutas , mientras que el compuesto era un orden mixto , que combinaba las volutas del capitel jónico con las hojas de acanto del corintio.

Entre el 30 y el 15 a. C., el arquitecto e ingeniero Marco Vitruvio Polión publicó un importante tratado, De architectura , que influyó en arquitectos de todo el mundo durante siglos. Al ser el único tratado de arquitectura que se conserva de la Antigüedad, desde el Renacimiento se le considera el primer libro sobre teoría arquitectónica, así como una fuente fundamental del canon de la arquitectura clásica. ^{[ 76 ]}

Al igual que los griegos, los romanos también construyeron anfiteatros . El anfiteatro más grande jamás construido, el Coliseo de Roma, podía albergar a unos 50 000 espectadores. Otra estructura romana emblemática que demuestra su precisión y avance tecnológico es el Pont du Gard , en el sur de Francia, el acueducto romano que se conserva a mayor altura. ^{[ 77 ] [ 73 ]}

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  Calzada de los Muertos, Teotihuacán , México , 1–600 d.C. ^{[ 78 ]}
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  Fachada del Templo de la Serpiente Emplumada (reconstrucción de detalle), Teotihuacán , México, c. 225 ^{[ 79 ]}
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  El Palacio de Palenque , Chiapas , México, siglos VII-VIII ^{[ 80 ]}
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  Templo del Gran Jaguar , Tikal , Guatemala , c. 732 ^{[ 81 ]}
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  Colosales atlantes toltecas y otras esculturas, Tula , Hidalgo , México, c. 900-1100, altura aproximada: 4,88 m ^{[ 82 ]}
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  Cuadrángulo de las Monjas, Uxmal , Yucatán , México, 800–1000 ^{[ 81 ]}

Gran parte de la arquitectura mesoamericana se desarrolló mediante el intercambio cultural; por ejemplo, los aztecas aprendieron mucho de la arquitectura maya . Muchas culturas construyeron ciudades enteras, con templos monolíticos y pirámides decoradas con tallas de animales, dioses y reyes. La mayoría de estas ciudades contaban con una plaza central con edificios gubernamentales y templos, además de canchas públicas de juego de pelota, o tlachtli , sobre plataformas elevadas. Al igual que en el antiguo Egipto, también se construyeron pirámides, generalmente escalonadas . Probablemente no se utilizaban como cámaras funerarias, sino que albergaban importantes sitios religiosos en la cima. ^{[ 80 ]} Tenían pocas habitaciones, ya que los interiores eran menos importantes que la presencia ritual de estas imponentes estructuras y las ceremonias públicas que albergaban; por lo tanto, las plataformas, los altares, las escaleras procesionales, las estatuas y las tallas eran de gran importancia. ^{[ 83 ]}

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  Puerta del Sol, Tiahuanaco , Bolivia , c. 375-500 dC ^{[ 82 ]}
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  Machu Picchu, Perú , c. 1450 d.C.

La arquitectura incaica se originó a partir del estilo Tiwanaku , fundado en el siglo II a. C. Los incas incorporaron la topografía y los materiales del terreno en sus diseños, y la capital, Cuzco, aún conserva numerosos ejemplos. El famoso palacio real de Machu Picchu es un ejemplo que perdura, junto con Sacsayhuamán y Ollantaytambo . Los incas también desarrollaron una red de caminos a lo largo del continente occidental, colocando su arquitectura distintiva a lo largo del recorrido, afirmando visualmente su dominio imperial en la frontera. Otros grupos, como los muiscas, no construyeron grandes edificios con materiales de piedra, sino con materiales como madera y arcilla.

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  La Gran Estupa de Sanchi ( Madhya Pradesh , India), arquitecto desconocido, siglo III - c. 100 a. C.
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  Somapura Mahavihara ( Bangladés ), arquitecto desconocido, c. siglo VIII d. C.
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  Cueva 19 de las cuevas de Ajanta , Maharashtra , una sala chaitya y también un ejemplo de arquitectura rupestre india , arquitecto desconocido, siglo V.
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  Ruwanwelisaya , Anuradhapura , Sri Lanka , arquitecto desconocido, c. 140 a. C. (renovado a principios del siglo XX).

La arquitectura budista se desarrolló en el subcontinente indio durante los siglos IV y II a. C., y se extendió primero a China y luego por toda Asia. Tres tipos de estructuras se asocian con la arquitectura religiosa del budismo primitivo : monasterios ( viharas ), lugares para venerar reliquias ( estupas ) y santuarios o salas de oración ( chaityas , también llamados chaitya grihas ), que más tarde pasaron a denominarse templos en algunos lugares. El tipo de edificio budista más emblemático es la estupa, que consiste en una estructura abovedada que contiene reliquias y se utiliza como lugar de meditación para conmemorar a Buda . La cúpula simbolizaba el espacio infinito del cielo. ^{[ 84 ]}

El budismo tuvo una influencia significativa en la arquitectura de Sri Lanka después de su introducción, ^{[ 85 ]} y la arquitectura antigua de Sri Lanka era principalmente religiosa, con más de 25 estilos de monasterios budistas. ^{[ 86 ]} Los monasterios se diseñaron utilizando el Manjusri Vasthu Vidya Sastra , que describe la disposición de la estructura.

Tras la caída del imperio Gupta, el budismo sobrevivió principalmente en Bengala bajo el dominio de los Palas , ^{[ 87 ]} y tuvo un impacto significativo en la arquitectura bengalí preislámica de ese período. ^{[ 88 ]}

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  Templo Dashavatara, Deogarh , Uttar Pradesh , arquitecto desconocido, c. siglo VI d. C.
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  Templo de Mundeshwari , distrito de Kaimur , Bihar , arquitecto desconocido, c. siglo VII d. C.
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  Cuevas de Ellora , distrito de Aurangabad, Maharashtra , arquitecto desconocido, c. siglo VI d. C.
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  Templo de Shiva, Pandrethan , Srinagar, Jammu y Cachemira , arquitecto desconocido, c. siglos VIII-IX d. C.

En todo el subcontinente indio, la arquitectura hindú evolucionó desde sencillos santuarios rupestres hasta templos monumentales. Entre los siglos IV y V d. C., los templos hindúes se adaptaron al culto de diferentes deidades y creencias regionales, y para los siglos VI o VII, los ejemplos más grandes se habían convertido en imponentes estructuras de ladrillo o piedra que simbolizan el sagrado monte Meru de cinco picos . Influenciada por las primeras estupas budistas , la arquitectura no estaba diseñada para el culto colectivo, sino que contaba con áreas para que los fieles dejaran ofrendas y realizaran rituales. ^{[ 89 ]}

Muchos estilos arquitectónicos indios para estructuras como templos, estatuas, casas, mercados, jardines y planificación se describen en textos hindúes . ^{[ 90 ] [ 91 ]} Las directrices arquitectónicas se conservan en manuscritos sánscritos y, en algunos casos, también en otros idiomas regionales. Estos incluyen los Vastu Shastras , los Shilpa Shastras , el Brihat Samhita , las secciones arquitectónicas de los Puranas y los Agamas, y textos regionales como el Manasara, entre otros. ^{[ 92 ] [ 93 ]}

Dado que este estilo arquitectónico surgió en el período clásico, ha tenido una influencia considerable en varios estilos arquitectónicos medievales como el de los Gurjaras , los Dravidianos , el Deccan , los Odias , los Bengalíes y los Asamés .

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  Hawa Mahal , Jaipur , Rajastán , arquitecto desconocido, 1799
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  Templo Navlakha, Ghumli , Gujarat , arquitecto desconocido, siglo XII
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  Interior del templo jainista Vimal Vasahi, Monte Abu , arquitecto desconocido, 1031 ^{[ 94 ]}

Este estilo de arquitectura del norte de la India se ha observado en lugares de culto y congregación tanto hindúes como jainistas . Surgió entre los siglos XI y XIII durante el período Chaulukya (Solanki). ^{[ 95 ]} Con el tiempo, se popularizó entre las comunidades jainistas, que lo difundieron por la región y por todo el mundo. ^{[ 96 ]} Estas estructuras presentan características únicas, como un gran número de proyecciones en las paredes exteriores con estatuas finamente talladas y varias agujas urushringa en la shikhara principal .

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  Templo de Nyatapola , Bhaktapur , Nepal , arquitecto desconocido, 1702
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  Paro Taktsang , Paro, Bután , arquitecto desconocido, 1692
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  Palacio de Potala , Lhasa , Tíbet , arquitecto desconocido, 1649
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  Mezquita Jamia Masjid, Srinagar , Cachemira , arquitecto desconocido, 1394

El Himalaya está habitado por diversos grupos étnicos, entre ellos los paharis , los sino-tibetanos , los cachemires y muchos más. Debido a sus diferentes orígenes religiosos y étnicos, la arquitectura también ha recibido múltiples influencias. Dadas las dificultades logísticas y el ritmo de vida más pausado del Himalaya, los artesanos disponen del tiempo necesario para realizar intrincadas tallas de madera y pinturas, acompañadas de trabajos ornamentales en metal y esculturas de piedra, que se reflejan en edificios religiosos, civiles y militares. Estos estilos se presentan en distintas formas desde el Tíbet y Cachemira hasta Assam y Nagaland . ^{[ 97 ]} Una característica común se observa en los techos inclinados y escalonados de templos, mezquitas y edificios civiles. ^{[ 98 ]}

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  Vel de piedra sobre una plataforma de ladrillo en la entrada del templo de Murugan, Saluvankuppam , arquitecto desconocido, 300 a. C. ^{[ 99 ] [ 100 ]}
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  Templo de Padmanabhaswamy , Thiruvananthapuram , Kerala , arquitecto desconocido, lugar de culto dravídico local posiblemente desde el siglo IV d. C., lugar de culto vaisnava en el siglo VIII d. C., con su gopuram construido en el siglo XVI d. C.
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  Templo Meenakshi, Madurai , Tamil Nadu , arquitecto desconocido, c. siglo XII .

Este es un estilo arquitectónico que surgió en la parte sur del subcontinente indio y en Sri Lanka. Incluye templos hindúes con un estilo único que presenta una torre piramidal más baja sobre el garbhagriha o santuario, llamada vimana , mientras que en el norte se encuentran torres más altas, que generalmente se curvan hacia adentro a medida que se elevan, llamadas shikharas . También incluye edificios seculares que pueden tener o no techos inclinados según la región geográfica. En la región tamil, este estilo está influenciado por el período Sangam, así como por los estilos de las grandes dinastías que la gobernaron. Este estilo varía en la región occidental de Kerala, influenciada por factores geográficos como el comercio occidental y los monzones, que dan como resultado techos inclinados. ^{[ 101 ]} Más al norte, el estilo Karnata Dravida varía según la diversidad de influencias, reflejando a menudo las tendencias artísticas de los gobernantes de doce dinastías diferentes. ^{[ 102 ]}

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  El templo de Jagannath , Puri , Odisha , India, uno de los cuatro lugares más sagrados (Dhamas) del hinduismo, ^{[ 103 ]} arquitecto desconocido, siglo XII
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  El Templo del Sol de Konark , Puri, arquitecto desconocido, c. 1250
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  Esquema simplificado de un templo de Kalinga

La antigua región de Kalinga corresponde a las actuales zonas del este de la India, concretamente a Odisha , Bengala Occidental y el norte de Andhra Pradesh . Su arquitectura alcanzó su máximo esplendor entre los siglos IX y XII bajo el mecenazgo de la dinastía Somavamsi de Odisha. Los templos de Kalinga, ricamente esculpidos con cientos de figuras, suelen presentar formas repetitivas como las herraduras. Dentro de las murallas protectoras del complejo del templo se encuentran tres edificios principales con distintivas torres curvas llamadas deul o deula y salas de oración llamadas jagmohan . ^{[ 104 ]}

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  Pagoda del Ganso Salvaje Gigante en el sur de Xi'an , provincia de Shaanxi , China, arquitecto desconocido, 652
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  El salón principal del Monasterio Nanchan , Wutai , Xinzhou , Shanxi , China, arquitecto desconocido, renovado en 782.
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  El Pabellón Guanyian del Monasterio de Dule , Jixian , China, arquitecto desconocido, 984
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  Salón de Oración por las Buenas Cosechas, edificio principal del Templo del Cielo , Pekín, arquitecto desconocido, 1703-1790.
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  Templo de la Literatura, Hanói , Vietnam , arquitecto desconocido, 1070

Lo que hoy se reconoce como cultura china tiene sus raíces en el Neolítico (10.000-2000 a. C.), abarcando los yacimientos culturales de Yangshao , Longshan y Liangzhu en el centro de China. Algunas zonas del actual noreste de China también contienen yacimientos de la cultura neolítica de Hongshan , que manifestaban aspectos de la cultura protochina. Los sistemas de creencias chinos nativos incluían el naturalismo, el animismo y el culto a los héroes. En general, las plataformas al aire libre ( tan o altar) se utilizaban para venerar a las deidades naturalistas, como los dioses del viento y la tierra, mientras que los edificios formales ( miao o templo) estaban destinados a los héroes y a los ancestros fallecidos.

La mayoría de los primeros edificios en China eran estructuras de madera . Columnas con ménsulas en la fachada, generalmente en número par, convertían el espacio central entre columnas en la mayor abertura interior. Los techos, cubiertos de tejas gruesas, se asentaban directamente sobre la estructura de madera, cuyas paredes estaban construidas con ladrillo o tierra apisonada.

La transmisión del budismo a China alrededor del siglo I d. C. dio lugar a una nueva era de prácticas religiosas y, por ende, a nuevos tipos de edificios. Surgieron en China lugares de culto en forma de templos rupestres, inspirados en los templos excavados en la roca de la India . Otro nuevo tipo de construcción introducido por el budismo fue la estupa ( ta ) o pagoda china . En la India, las estupas se erigían para conmemorar a personas o maestros ilustres; por consiguiente, la tradición budista adaptó la estructura para recordar al gran maestro, Buda. La pagoda china compartía un simbolismo similar al de la estupa india y se construía principalmente con el patrocinio de mecenas imperiales que esperaban obtener méritos terrenales para la vida venidera. El budismo alcanzó su apogeo entre los siglos VI y VIII, cuando existía un número sin precedentes de monasterios en toda China. Se construyeron más de 4600 monasterios oficiales y 40 000 no oficiales. Su tamaño variaba según el número de claustros que contenían, desde 6 hasta 120. Cada claustro constaba de un edificio principal independiente —una sala, pagoda o pabellón— y estaba rodeado por un corredor cubierto en un recinto rectangular con una puerta de entrada. ^{[ 106 ]}

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  Mausoleo del emperador Nintoku , Sakai , prefectura de Osaka , Japón, arquitecto desconocido, siglo IV.
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  Pagoda de Hōryū-ji , templo budista en Ikaruga , prefectura de Nara , arquitecto desconocido, 607
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  El jardín del templo Ninna-ji en Kioto , prefectura de Kioto , un ejemplo de jardín japonés , arquitecto desconocido, 888.
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  Palacio Gyeongbokgung , Seúl , Corea del Sur , arquitecto desconocido, 1395
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  Kinkaku-ji , Kitayama , Kioto , un templo budista zen en Kioto , arquitecto desconocido, 1398

La arquitectura coreana , especialmente la posterior al período Joseon , muestra influencias Ming - Qing . ^{[ 107 ]}

Tradicionalmente, la arquitectura japonesa se construía con madera y fusuma (puertas correderas) en lugar de paredes, lo que permitía modificar el espacio interior para adaptarlo a diferentes propósitos. La introducción del budismo a mediados del siglo VI, a través del vecino reino coreano de Paekche , impulsó la construcción de templos de madera a gran escala, con énfasis en la simplicidad, y gran parte de la arquitectura se importó de China y otras culturas asiáticas. A finales de este siglo, Japón construía monasterios de estilo continental, en particular el templo conocido como Horyu-ji en Ikaruga . ^{[ 108 ]} A diferencia de la arquitectura occidental, las estructuras japonesas rara vez utilizan piedra, excepto para elementos específicos como los cimientos. Las paredes son ligeras, delgadas, nunca soportan carga y a menudo son móviles. ^{[ 76 ]}

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  Templos Champa , Mỹ Sơn , Vietnam , arquitecto desconocido, c. siglo IV
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  Bakong , Hariharalaya , Roluos , Camboya, arquitecto desconocido, siglo IX
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  Prasat Prang Ku, Sisaket , Tailandia , arquitecto desconocido, siglo XII ^{[ 109 ]}
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  Angkor Wat , Angkor , Camboya , arquitecto desconocido, principios del siglo XII.

Desde principios del siglo IX hasta principios del siglo XV, los reyes jemeres gobernaron un vasto imperio hindú-budista en el sudeste asiático. Angkor , en la actual Camboya , fue su capital, y la mayoría de sus edificios que aún se conservan son templos de piedra orientados al este, muchos de ellos construidos en forma piramidal escalonada, con cinco estructuras cuadradas y torres, o prasats , que representan el sagrado monte Meru de cinco picos de las doctrinas hindú , jainista y budista . Como moradas de los dioses, los templos se construían con materiales duraderos como arenisca , ladrillo o laterita , una sustancia arcillosa que se endurece al secarse. ^{[ 110 ]}

La arquitectura Cham en Vietnam también sigue un estilo similar. ^{[ 109 ]}

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  Dibujo de la residencia principal del Asantehene de los Ashanti , arquitecto desconocido, siglo XIX.
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  Casa Musgum con forma de proyectil (de artillería) en Camerún , arquitecto desconocido, siglo XIX.
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  Palacio principal del emir de Bauchi en Nigeria , que muestra la arquitectura hausa , Muhammadu Durugu, siglo XIX.
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  Arquitectura tradicional bamileke , salón principal del palacio Bandjoun en Camerún, con columnas y puerta de madera decoradas con tallas, arquitecto desconocido, fecha desconocida

En gran parte de África Occidental, también se encuentran tradicionalmente casas rectangulares con techos a dos aguas y patios, a veces compuestas por varias habitaciones y patios (a veces decoradas, con relieves de adobe como entre los Ashanti de Ghana, ^{[ 111 ] [ 112 ]} o pilares tallados como entre el pueblo Yoruba de Nigeria, especialmente en palacios y viviendas de los ricos) ^{[ 113 ]} Además del tipo regular de vivienda rectangular con techo puntiagudo, extendido en África Occidental y Madagascar , también hay otros tipos de casas: casas colmena hechas de un círculo de piedras rematado con un techo abovedado, y la redonda, con un techo en forma de cono . El primer tipo, que también existió en América, es característico especialmente del sur de África. Estas eran utilizadas por grupos de habla bantú en el sur y partes del este de África, y estaban hechas de barro, postes, paja y estiércol de vaca (las casas rectangulares eran más comunes entre los pueblos de habla bantú de la región del Gran Congo y África central). La choza redonda con techo cónico está muy extendida, especialmente en Sudán y África Oriental , pero también está presente en Colombia y Nueva Caledonia , así como en el Sudán Occidental y las regiones del Sahel de África Occidental, donde a veces se agrupan en recintos. ^{[ 114 ]} Existe un estilo distintivo de arquitectura tradicional de madera entre los pueblos de las praderas de Camerún, como los Bamileke .

En varias sociedades de África Occidental, incluyendo el reino de Benín (y de otros pueblos Edo ), y los reinos de los Yoruba, Hausa, en sitios como Jenne-Jeno (una ciudad preislámica en Malí), ^{[ 115 ] [ 116 ]} y otros lugares, los pueblos y ciudades estaban rodeados por grandes murallas de ladrillo de barro o adobe, ^{[ 117 ]} y a veces por fosos monumentales y obras de tierra, como Eredo de Sungbo (en el reino Yoruba nigeriano de Ijebu) y las Murallas de Benín (del Reino de Benín nigeriano ). ^{[ 118 ] [ 119 ]} En el África meridional medieval, existía una tradición de asentamientos fortificados de piedra como Gran Zimbabue y Khami .

La célebre ciudad de Benín, en el suroeste de Nigeria (capital del Reino de Benín), destruida por la Expedición Punitiva , era un gran complejo de casas construidas con arcilla labrada y tejados a cuatro aguas de tejas o hojas de palma. El palacio contaba con una sucesión de salas ceremoniales y estaba decorado con placas de bronce . Estaba rodeado por un complejo monumental de terraplenes y murallas cuya construcción se cree que comenzó a principios de la Edad Media. ^{[ 118 ] [ 119 ] [ 120 ] [ 121 ]}

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  Casas con forma de colmena del grupo étnico Musgum en Pouss , Camerún , arquitecto desconocido, fecha desconocida
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  Casa tradicional del pueblo Tammari en el departamento de Atakora , en el norte de la República de Benín (que no debe confundirse con el Reino de Benín de Nigeria), arquitecto desconocido, fecha desconocida.
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  Palacio de Ashanti Kwaku Dua de Kumasi, Ghana, arquitecto desconocido, 1896
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  Aldea Dogon en Malí , con muros construidos con la técnica de entramado de ramas y barro , arquitecto desconocido, fecha desconocida.
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  La torre cónica dentro del Gran Recinto en Gran Zimbabue , una ciudad medieval construida por una cultura próspera, arquitecto desconocido, c. siglos XI-XIV

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  La Gran Mezquita de Djenné , Djenné , Mali , un icono de la arquitectura sudano-saheliana , arquitecto desconocido, construida originalmente en los siglos XIII-XIV, reconstruida en 1907, adobe.
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  La mezquita de Larabanga , Larabanga , norte de Ghana , arquitecto desconocido, posiblemente construida en el siglo XV.
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  Puerta Hausa , Gidan Rumfa en Kano , norte de Nigeria, arquitecto desconocido, siglo XV.

En la región del Sahel occidental , la influencia islámica fue un factor determinante en el desarrollo arquitectónico desde los últimos años del Reino de Ghana . En Kumbi Saleh , los habitantes vivían en viviendas con forma de cúpula en la sección real de la ciudad, rodeadas por un gran recinto. Los comerciantes vivían en casas de piedra en una sección que contaba con doce hermosas mezquitas, según la descripción de al-bakri , una de ellas dedicada a la oración del viernes . ^{[ 122 ]} Se dice que el rey poseía varias mansiones, una de las cuales medía sesenta y seis pies de largo, cuarenta y dos pies de ancho, tenía siete habitaciones, dos pisos de altura y una escalera; las paredes y las cámaras estaban repletas de esculturas y pinturas. ^{[ 123 ]}

La arquitectura saheliana surgió inicialmente de las ciudades de Djenné y Tombuctú . La mezquita de Sankore en Tombuctú , construida con barro sobre madera, era similar en estilo a la Gran Mezquita de Djenné . El auge de los reinos en la región costera de África Occidental produjo una arquitectura que se inspiró en las tradiciones indígenas, utilizando madera, ladrillo de barro y adobe. Aunque posteriormente adquirió influencias islámicas, el estilo también tenía raíces en estilos de construcción locales preislámicos, como los que se encuentran en asentamientos antiguos como Jenne-Jeno , Dia, Mali y Dhar Tichitt , ^{[ 124 ]} algunos de los cuales empleaban un estilo saheliano tradicional de ladrillo de barro cilíndrico. ^{[ 115 ]}

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  Castillo del emperador Fasilides , fundado por él en el siglo XVII.
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  Grandes iglesias monolíticas, como la Iglesia de San Jorge (Lalibela) , fueron excavadas en la tierra en Etiopía ; arquitecto desconocido, finales del siglo XII o principios del XIII.
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  Una imagen de la ciudad medieval de Gondar en Etiopía.

La arquitectura etíope (incluida la actual Eritrea ) se desarrolló a partir del estilo aksumita e incorporó nuevas tradiciones con la expansión del estado etíope. Los estilos incorporaron más madera y estructuras más redondeadas en la arquitectura doméstica del centro y el sur del país, y estas influencias estilísticas se manifestaron en la construcción de iglesias y monasterios. A lo largo del período medieval, la arquitectura aksumita, sus influencias y su tradición monolítica persistieron, siendo su mayor influencia en los períodos altomedieval (Aksumita Tardío) y Zagwe (cuando se esculpieron las iglesias monolíticas rupestres de Lalibela ). Durante todo el período medieval, y especialmente entre los siglos X y XII, se excavaron iglesias en la roca por toda Etiopía, sobre todo en la región más septentrional de Tigray , que era el corazón del Imperio Aksumita. El ejemplo más famoso de la arquitectura rupestre etíope son las once iglesias monolíticas de Lalibela, talladas en la toba volcánica roja que se encuentra alrededor de la ciudad. ^{[ 125 ]} Durante el período moderno temprano en Etiopía, la absorción de nuevas influencias diversas como el barroco, el árabe, el turco y el estilo gujarati comenzó con la llegada de misioneros jesuitas portugueses en los siglos XVI y XVII.

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  Caballería del Sultanato de Hobyo frente a un fuerte somalí
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  Ruinas de Taleh Dhulbahante garesa de Garad Diiriye Guure, Taleh, estado de SSC-Khatumo, Somalia
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  Ruinas de un antiguo edificio en Gondershe , una histórica ciudad costera de Somalia.

La arquitectura tradicional somalí se remonta al menos a dos mil años atrás, a sus sultanatos y ciudades-estado medievales. Esta arquitectura suele incluir ciudades de piedra, castillos , ciudadelas , fortalezas , mezquitas , templos , acueductos , faros , torres y tumbas . La llegada del islam a Somalia trajo consigo influencias arquitectónicas islámicas de la península arábiga y Persia , lo que impulsó un cambio de la piedra seca y otros materiales a la piedra de coral, los ladrillos secados al sol y la piedra caliza .

Las lucrativas redes comerciales de los sucesivos reinos y ciudades-estado somalíes medievales , como el Sultanato de Adal , el Sultanato de Mogadiscio , el Sultanato de Ajuran y el Sultanato de Geledi, propiciaron el establecimiento de varias decenas de ciudades de piedra tanto en el interior de Somalia como en las regiones costeras. Ibn Battuta, que visitó Mogadiscio a principios del siglo XIV, la describió como una ciudad de tamaño infinito , y Vasco da Gama , que pasó por Mogadiscio en el siglo XV, observó que era una gran ciudad con casas de cuatro o cinco pisos de altura y grandes palacios en su centro.

Los ejemplos que se conservan de la arquitectura secular medieval tenían principalmente una función defensiva en diversas partes de Europa. Los castillos y las murallas fortificadas constituyen los ejemplos no religiosos más notables de la arquitectura medieval que aún se conservan. Durante este periodo, comenzaron a surgir en la región nuevos tipos de edificios civiles, militares y religiosos de estilos innovadores.

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  Early Renaissance – Florence Cathedral, Florence, Italy, by Arnolfo di Cambio, Filippo Brunelleschi and Emilio De Fabris, 1294–1436^[174]
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  Early Renaissance - Basilica of Sant'Andrea, Mantua, Italy, by Leon Battista Alberti, begun in 1470^[175]
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  High Renaissance - The Tempietto, San Pietro in Montorio, Rome, by Donato Bramante, 1502^[176]
• 
  High Renaissance – Villa Madama, outside Rome, begun by Raphael, 1518–1525^[177]
• 
  Northern Renaissance - Château d'Azay-le-Rideau, Loire, France, unknown architect, 1518–1527^[178]
• 
  Northern Renaissance - Château de Chambord, Loire, France, by Domenico da Cortona, 1519–1547^[179]
• 
  High Renaissance – Palazzo Farnese, Rome, by Antonio da Sangallo the Younger, 1534–1546^[180]
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  Mannerism – Palazzo Massimo alle Colonne, Rome, by Baldassare Peruzzi, begun 1535^[181]
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  High Renaissance – Sigismund's Chapel, Kraków, Poland, by Bartolommeo Berrecci, 1519–1533
• 
  Mannerism - St. Michael's Church, Munich, Germany, by Wendel Dietrich and Friedrich Sustris, 1583–1597
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  Mannerism - El Escorial, outside Madrid, Spain, by Juan Bautista de Toledo and Juan de Herrera, 1559-1584^[182]
• 
  Mannerism – Augsburg Town Hall, Augsburg, by Elias Holl, 1615–1624
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  Mannerism – City Hall, Delft, The Netherlands, by Hendrick de Keyser, 1618–1620

During the Renaissance, Italy consisted of many states, and intense rivalry between them generated an increase in technical and artistic developments. The Medici family, an Italian banking family and political dynasty, is famous for its financial support of Renaissance art and architecture.

The period began in around 1452, when the architect and humanist Leon Battista Alberti (1404–1472) completed his treatise De Re Aedificatoria (On the Art of Building) after studying the ancient ruins of Rome and Vitruvius's De Architectura. His writings covered numerous subjects, including history, town planning, engineering, sacred geometry, humanism and philosophies of beauty, and set out the key elements of architecture and its ideal proportions. In the last decades of the 15th century, artists and architects began to visit Rome to study the ruins, especially the Colosseum and the Pantheon. They left behind precious records of their studies in the form of drawings. While humanist interest in Rome had been building up over more than a century (dating back at least to Petrarch in the 14th century), antiquarian considerations of monuments had focused on literary, epigraphic and historical information rather than on the physical remains. Although some artists and architects, such as Filippo Brunelleschi (1377–1446), Donatello (circa 1386–1466) and Leon Battista Alberti, are reported to have made studies of Roman sculpture and ruins, almost no direct evidence of this work survives. By the 1480s, prominent architects, such as Francesco di Giorgio (1439–1502) and Giuliano da Sangallo (circa 1445–1516), were making numerous studies of ancient monuments, undertaken in ways that demonstrated that the process of transforming the model into a new design had already begun. In many cases, drawing ruins in their fragmentary state necessitated a leap of imagination, as Francesco himself readily admitted in his annotation to his reconstruction of the Campidoglio, noting 'largely imagined by me, since very little can be understood from the ruins.^[183]

Soon, grand buildings were constructed in Florence using the new style, like the Pazzi Chapel (1441–1478) or the Palazzo Pitti (1458–1464). The Renaissance begun in Italy, but slowly spread to other parts of Europe, with varying interpretations.^[176]

Since Renaissance art is an attempt of reviving Ancient Rome's culture, it uses pretty much the same ornaments as the Ancient Greek and Roman. However, because most if not all resources that Renaissance artists had were Roman, Renaissance architecture and applied arts widely use certain motifs and ornaments that are specific to Ancient Rome. The most iconic one is the margent, a vertical arrangement of flowers, leaves or hanging vines, used at pilasters. Another ornament associated with the Renaissance is the round medallion, containing a profile of a person, similar to Ancient cameos. Renaissance, Baroque, Rococo, and other post-medieval styles use putti (chubby baby angels) much more often compared to Greco-Roman art and architecture. An ornament reintroduced during the Renaissance, that was of Ancient Roman descent, that will also be used in later styles, is the cartouche, an oval or oblong design with a slightly convex surface, typically edged with ornamental scrollwork.

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  Temple du Marais, Paris, by François Mansart, c.1632^[184]
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  San Carlo alle Quattro Fontane, Rome, by Francesco Borromini, 1638-1677^[185]
• 
  Royal Palace of Amsterdam, Amsterdam, The Netherlands, by Jacob van Campen, 1648–1665
• 
  St. Peter's Square, Rome, by Gian Lorenzo Bernini, 1656-1667^[186]
• 
  Gardens at Vaux-le-Vicomte, France, by André Le Nôtre, 1657-1661^[187]
• 
  Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c.1660 - 1715^[188]
• 
  Dôme des Invalides, Paris, by Jules Hardouin-Mansart, 1677-1706^[189]
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  Garden façade of the Palace of Versailles, by Jules Hardouin-Mansart, 1678–1688
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  Plague Column, Vienna, by Matthias Rauchmiller and Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1682 and 1694^[190]
• 
  Chapel of the Palace of Versailles, 1696–1710^[191]
• 
  Karlskirche, Vienna, Austria, by Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737^[192]
• 
  Frauenkirche, Dresden, Germany, by George Bähr, 1726–1743
• 
  The Würzburg Residence, Würzburg, Germany, by Balthasar Neumann, 1744–1780

The Baroque emerged from the Counter Reformation as an attempt by the Catholic Church in Rome to convey its power and to emphasize the magnificence of God. The Baroque and its late variant the Rococo were the first truly global styles in the arts. Dominating more than two centuries of art and architecture in Europe, Latin America and beyond from circa 1580 to circa 1800. Born in the painting studios of Bologna and Rome in the 1580s and 1590s, and in Roman sculptural and architectural ateliers in the second and third decades of the 17th century, the Baroque spread swiftly throughout Italy, Spain and Portugal, Flanders, France, the Netherlands, England, Scandinavia, and Russia, as well as to central and eastern European centres from Munich (Germany) to Vilnius (Lithuania). The Portuguese, Spanish and French empires and the Dutch treading network had a leading role in spreading the two styles into the Americas and colonial Africa and Asia, to places such as Lima, Mozambique, Goa and the Philippines.^[193] Due to its spread in regions with different architectural traditions, multiple kinds of Baroque appeared based on location, different in some aspects, but similar overall. For example, French Baroque appeared severe and detached by comparison, preempting Neoclassicism and the architecture of the Age of Enlightenment.^[184] Hybrid Native American/European Baroque architecture first appeared in South America (as opposed to Mexico) in the late 17th century, after the indigenous symbols and styles that characterize this unusual variant of Baroque had been kept alive over the preceding century in other media, a very good example of this being the Jesuit Church in Arequipa (Peru).^[194]

The first Baroque buildings were cathedrals, churches and monasteries, soon joined by civic buildings, mansions, and palaces. Being characterized by dynamism, for the first time walls, façades and interiors curved,^[195] a good example being San Carlo alle Quattro Fontane in Rome. Baroque architects took the basic elements of Renaissance architecture, including domes and colonnades, and made them higher, grander, more decorated, and more dramatic. The interior effects were often achieved with the use of quadratura, or trompe-l'œil painting combined with sculpture: the eye is drawn upward, giving the illusion that one is looking into the heavens. Clusters of sculpted angels and painted figures crowd the ceiling. Light was also used for dramatic effect; it streamed down from cupolas and was reflected from an abundance of gilding. Solomonic columns were often used, to give an illusion of upwards motion and other decorative elements occupied every available space. In Baroque palaces, grand stairways became a central element.^[196] Besides architecture, Baroque painting and sculpture are characterized by dynamism too. This is in contrast with how static and peaceful Renaissance art is.

Besides the building itself, the space where it was placed had a role too. Both Baroque and Rococo buildings try to seize viewers' attention and to dominate their surroundings, whether on a small scale such as the San Carlo alle Quattro Fontane in Rome, or on a massive one, like the new facade of the Santiago de Compostela Cathedral, designed to tower over the city. A manifestation of power and authority on the grandest scale, Baroque urban planning and renewal was promoted by the church and the state alike. It was the first era since antiquity to experience mass migration into cities, and urban planners took idealistic measures to regulate them. The most notable early example was Domenico Fontana's restructuring of Rome's street plan of Pope Sixtus V. Architects had experimented with idealized city schemes since the early Renaissance, examples being Leon Battista Alberti (1404–1472) planning a centralized model city, with streets leading to a central piazza, or Filarete (Antonio di Pietro Aver(u)lino, c.1400-c.1469) designing a round city named Sforzinda (1451–1456) that he based on parts of the human body in the idea that a healthy city should reflect the physiognomy of its inhabitants. However, none of these idealistic cities has ever been built. In fact, few such projects were put into practice in Europe as new cities were prohibitively costly and existing urban areas, with existing churches and palaces, could not be demolished. Only in the Americas, where architects often had a clean space to work with, were such cities possible, as in Lima (Peru) or Buenos Aires (Argentina). The earliest Baroque ideal city is Zamość, built north-east of Kraków (Poland) by the Italian architect Bernardo Morando (c.1540-1600), being a centralized town focusing on a square with radiating streets. Where entire cities could not be rebuilt, patrons and architects compensated by creating spacious and symmetrical squares, often with avenues and radiating out at perpendicular angles and focusing on a fountain, statue or obelisk. A good example of this is the Place des Vosges (formerly Place Royale), commissioned by Henry IV probably after plans by Baptiste du Cerceau (1545–1590). The most famous Baroque space in the world is Gianlorenzo Bernini's St. Peter's Square in Rome.^[197] Similar to ideal urban planning, Baroque gardens are characterized by straight and readapting avenues, with geometric spaces.

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  Zwinger, Dresden, Germany, by Matthäus Daniel Pöppelmann, 1719^[198]
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  Door of the Hôtel de Chenizot, Paris, by Pierre Vigné de Vigny, 1719
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  The ceiling of the oval Salon of the Princesse in Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, 1740^[199]
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  Amalienborg, Copenhagen, Denmark, by Nicolai Eigtved, 1750-1754^[200]
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  Palace of Queluz, Lisbon, Portugal, by Mateus Vicente de Oliveira, 1752^[201]
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  Pilgrimage Church of Wies, Steingaden, Germany, by Dominikus and Johann Baptist Zimmermann, 1754^[201]

The name Rococo derives from the French word rocaille, which describes shell-covered rock-work, and coquille, meaning seashell. Rococo architecture is fancy and fluid, accentuating asymmetry, with an abundant use of curves, scrolls, gilding and ornaments. The style enjoyed great popularity with the ruling elite of Europe during the first half of the 18th century. It developed in France out of a new fashion in interior decoration, and spread across Europe.^[202] Domestic Rococo abandoned Baroque's high moral tone, its weighty allegories and its obsession with legitimacy: in fact, its abstract forms and carefree, pastoral subjects related more to notions of refuge and joy that created a more forgiving atmosphere for polite conversations. Rococo rooms are typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy. Even the grander salons used for entertaining were more modest in scale, as social events involved smaller numbers of guests.

Characteristic of the style were Rocaille motifs derived from the shells, icicles and rock-work or grotto decoration. Rocaille arabesques were mostly abstract forms, laid out symmetrically over and around architectural frames. A favourite motif was the scallop shell, whose top scrolls echoed the basic S and C framework scrolls of the arabesques and whose sinuous ridges echoed the general curvilinearity of the room decoration. While few Rococo exteriors were built in France, a number of Rococo churches are found in southern Germany.^[203] Other widely-user motifs in decorative arts and interior architecture include: acanthus and other leaves, birds, bouquets of flowers, fruits, elements associated with love (putti, quivers with arrows ans arrowed hearts), trophies of arms, medallions with faces, many many flowers, and Far Eastern elements (pagodes, dragons, monkeys, bizarre flowers, bamboo, and Chinese people).^[204] Pastel colours were widely used, like light blue, mint green or pink. Rococo designers also loved mirrors (the more the better), an example being the Hall of Mirrors of the Amalienburg (Munich, Germany), by Johann Baptist Zimmermann. Generally, mirrors are also featured above fireplaces.

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  Chinese inspiration/Chinoiserie - Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, by Johann Gottfried Büring, 1755-1764^[205]
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  Chinese inspiration/Chinoiserie - Chinese Pavilion, Ekerö, Sweden, by Carl Fredrik Adelcrantz, 1763–1769^[206]
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  Islamic inspiration - Garden Mosque of the Schwetzingen Palace, Germany, by Nicolas de Pigage, 1779-1795^[207]
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  Islamic inspiration - Turkish Tent, Hagaparken, Stockholm, Sweden, by Louis Jean Desprez, 1787^[208]
• 
  Islamic inspiration - Royal Pavilion, Brighton, UK, by John Nash, 1787-1823^[209]
• 
  Egyptian inspiration/Egyptian Revival - portico of the Hôtel Beauharnais, Paris, Laurent-Edmé Bataille, c.1804^[210]
• 
  Egyptian inspiration/Egyptian Revival - Egyptian Building, part of the Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia, USA, by Thomas Stewart, 1845^[211]
• 
  Pre-Columbian inspiration/Mayan Revival - facade detail of the Mayan Theater, Los Angeles, USA, by Stiles O. Clements, 1927
• 
  Egyptian inspiration/mix of Egyptian Revival and Art Deco - Le Louxor Cinema, Paris, by Henri Zipcy, 1919-1921^[212]
• 
  Pre-Columbian inspiration/mix of Mayan Revival and Art Deco - Interior detail of 450 Sutter Street, San Francisco, California, by Timothy L. Pflueger, 1929

The interactions between East and West brought on by colonialist exploration have had an impact on aesthetics. Because of being something rare and new to Westerners, some non-European styles were really appreciated during the 17th, 18th and 19th centuries. Some nobles and kings built little structures inspired by these styles in the gardens of their palaces, or fully decorated a handful of rooms of palaces like this. Because of not fully understanding the origins and principles that govern these exotic aesthetics, Europeans sometimes created hybrids of the style which they tried to replicate and which were the trends at that time. A good example of this is chinoiserie, a Western decorative style, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese arts, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was something hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques.

Chinese art was not the only foreign style with which Europeans experimented. Another was the Islamic one. Examples of this include the Garden Mosque of the Schwetzingen Palace in Germany (the only surviving example of an 18th-century European garden mosque), the Royal Pavilion in Brighton, or the Moorish Revival buildings from the 19th and early 20th centuries, with horseshoe arches and brick patterns. When it come to the Orient, Europeans also had an interest for the culture of Ancient Egypt. Compared to other cases of exoticism, the one with the land of pharaohs is the oldest one, since Ancient Greeks and Romans had this interest during Antiquity. The main periods when Egyptian Revival monuments were erected were the early 19th century, with Napoleon's military campaigns in Egypt, and the 1920s, when the Tomb of Tutankhamun was discovered in 1922, which caused an Egyptomania that lead to Art Deco sometimes using motifs inspired by Ancient Egypt. During the late 18th and early 19th century, Neoclassicism sometimes mixed Greco-Roman elements with Egyptian ones. Because of its association with pharaohs, death and eternity, multiple Egyptian Revival tombs or cemetery entry gates were built in this style. Besides mortuary structures, other buildings in this style include certain synagogues, like the Karlsruhe Synagogue or some Empire monuments built during the reign of Napoleon, such as the Egyptian portico of the Hôtel Beauharnais or the Fontaine du Fellah. During the 1920s and 1930s, Pre-ColumbianMesoamerican architecture was of great interest for some American architects, particularly what the Mayans built. Several of Frank Lloyd Wright's California houses were erected in a Mayan Revival style, while other architects combined Mayan motifs with Art Deco ones.^[213]

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  English landscape garden at Stourhead, UK, by Henry Hoare, the 1740s^[214]
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  Panthéon, Paris, by Jacques-Germain Soufflot and Jean-Baptiste Rondelet, 1758–1790^[215]
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  Petit Trianon, Versailles, France, by Ange-Jacques Gabriel, 1764^[216]
• 
  Staircase of the Petit Trianon, by Ange-Jacques Gabriel, 1764^[216]
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  Stairway of the Grand Theater of Bordeaux, Bordeaux, France, by Victor Louis, 1777-1780^[217]
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  The Hall, Osterley Park, London, by Robert Adam, 1767^[218]
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  Cabinet Doré of Marie-Antoinette in the Palace of Versailles, 1783, by the Rousseau brothers^[219]
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  Villa Welgelegen, Haarlem, Netherlands, by Abraham van der Hart, 1789
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  Brandenburg Gate, in Berlin, Germany, by Carl Gotthard Langhans, 1791
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  Empress Joséphine's Bedroom in Château de Malmaison, Rueil-Malmaison, France, by Charles Percier and Pierre-François-Léonard Fontaine, 1800-1802^[220]
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  Napoleon's bath of the Château de Rambouillet, Rambouillet, France, painted by Godard and Jean Vasserot, 1806
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  Neue Wache, Berlin, by Karl Friedrich Schinkel and Salomo Sachs, 1816^[221]
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  Cast iron railing detail of the Schlossbrücke, Berlin, by Karl Friedrich Schinkel, designed in 1819 and produced in 1824^[222]
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  Burns Monument, Edinburgh, UK, by Thomas Hamilton, 1820-1831^[223]

Neoclassical architecture focused on Ancient Greek and Roman details, plain, white walls and grandeur of scale. Compared to the previous styles, Baroque and Rococo, Neoclassical exteriors tended to be more minimalist, featuring straight and angular lines, but being still ornamented. The style's clean lines and sense of balance and proportion worked well for grand buildings (such as the Panthéon in Paris) and for smaller structures alike (such as the Petit Trianon).

Excavations during the 18th century at Pompeii and Herculaneum, which had both been buried under volcanic ash during the 79 AD eruption of Mount Vesuvius, inspired a return to order and rationality, largely thanks to the writings of Johann Joachim Winckelmann.^[224][225] In the mid-18th century, antiquity was upheld as a standard for architecture as never before. Neoclassicism was a fundamental investigation of the very bases of architectural form and meaning. In the 1750s, an alliance between archaeological exploration and architectural theory started, which will continue in the 19th century. Marc-Antoine Laugier wrote in 1753 that 'Architecture owes all that is perfect to the Greeks'.^[226]

The Cenotaph of Newton, c. 1784 (never built), by Étienne-Louis Boullée^[220]

The style was adopted by progressive circles in other countries such as Sweden and Russia. Federal-style architecture is the name for the classicizing architecture built in North America between c. 1780 and 1830, and particularly from 1785 to 1815. This style shares its name with its era, the Federal Period. The term is also used in association with furniture design in the United States of the same time period. The style broadly corresponds to the middle-class classicism of Biedermeier style in the German-speaking lands, Regency style in Britain and to the French Empire style. In Central and Eastern Europe, the style is usually referred to as Classicism (German: Klassizismus, Russian: Классицизм), while the newer Revival styles of the 19th century until today are called neoclassical.

Étienne-Louis Boullée (1728–1799) was a visionary architect of the period. His utopian projects, never built, included a monument to Isaac Newton (1784) in the form of an immense dome, with an oculus allowing the light to enter, giving the impression of a sky full of stars. His project for an enlargement of the Royal Library (1785) was even more dramatic, with a gigantic arch sheltering the collection of books. While none of his projects were ever built, the images were widely published and inspired architects of the period to look outside the traditional forms.^[227]

Similarly with the Renaissance and Baroque periods, during the Neoclassical one urban theories of how a good city should be appeared too. Enlightenment writers of the 18th century decried the problems of Paris at that time, the biggest one being the big number of narrow medieval streets crowded with modest houses. Voltaire openly criticized the failure of the French Royal administration to initiate public works, improve the quality of life in towns, and stimulate the economy. 'It is time for those who rule the most opulent capital in Europe to make it the most comfortable and the most magnificent of cities. There must be public markets, fountains which actually provide water and regular pavements. The narrow and infected streets must be widened, monuments that cannot be seen must be revealed and new ones built for all to see', Voltaire insisted in a polemical essay on 'The Embellishments of Paris' in 1749. In the same year, Étienne La Font de Saint-Yenne, criticized how Louis XIV's great east façade of the Louvre, was all but hidden from views by a dense quarter of modest houses. Voltaire also said that in order to transform Paris into a city that could rival ancient Rome, it was necessary to demolish more than it was to build. 'Our towns are still what they were, a mass of houses crowded together haphazardly without system, planning or design', Marc-Antoine Laugier complained in 1753. Writing a decade later, Pierre Patte promoted an urban reform in quest of health, social order, and security, launching at the same time a medical and organic metaphor which compared the operations of urban design to those of the surgeons. With bad air and lack of fresh water its current state was pathological, Patte asserted, calling for fountains to be placed at principal intersections and markets. Squares are recommended promote the circulation of air, and for the same reason houses on the city's bridges should be demolished. He also criticized the location of hospitals next to markets and protested continued burials in overcrowded city churchyards.^[228] Besides cities, new ideas of how a garden should be appeared in 18th century England, making place for the English landscape garden (aka jardin à l'anglaise), characterized by an idealized view of nature, and the use of Greco-Roman or Gothic ruins, bridges, and other picturesque architecture, designed to recreate an idyllic pastoral landscape. It was the opposite of the symmetrical and geometrically planned Baroque garden (aka jardin à la française).

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  Russian Revival - Cathedral of Christ the Saviour, Moscow, Russia, 1839–1860, destroyed in 1931 and rebuilt in 1995–2000
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  Gothic Revival - Interior of the All Saints, London, by William Butterfield, 1850–1859
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  Eclectic - The Église Saint-Augustin de Paris, by Victor Baltard, 1860–1868
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  Indo-Saracenic - The Chhatrapati Shivaji Maharaj Terminus, previously Victoria Terminus, a mixture of Romanesque, Gothic and Mughal elements Mumbai, Maharashtra, by Frederick William Stevens 1878–1888
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  Byzantine Revival - Alexander Nevsky Cathedral, Sofia, Bulgaria, by Alexander Pomerantsev, 1882–1912
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  Neo-Baroque - Belfast City Hall, Belfast, UK, by Brumwell Thomas, 1898–1906
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  Tudor Revival architecture - The Beaney House of Art and Knowledge, Canterbury, England, by A.H. Campbell, 1899
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  Rococo Revival - Apartment building no. 8 on Rue de Miromesnil, Paris, by P. Lobrot, 1900
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  Louis XVI Revival - Apartment building no. 2 on Rue de Miromesnil, Paris, unknown architect, c.1900
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  Renaissance Revival - Peace Palace, The Hague, Netherlands, by Louis Marie Cordonnier, 1907
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  Romanian Revival - The C.N. Câmpeanu House on Bulevardul Dacia, Bucharest, Romania, c.1923, by Constantin Nănescu^[229]
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  First national movement - Ziraat Bank Museum, Ankara, Turkey, 1929, by Giulio Mongeri
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  Mediterranean Revival - General Mandiros Ciomac and Simion Ciomac Building (Strada Armenească no. 12), Bucharest, by Ion Giurgea, 1938^[230]

The 19th century was dominated by a wide variety of stylistic revivals, variations, and interpretations. Revivalism in architecture is the use of visual styles that consciously echo the style of a previous architectural era. Modern-day Revival styles can be summarized within New Classical architecture, and sometimes under the umbrella term traditional architecture.

The idea that architecture might represent the glory of kingdoms can be traced to the dawn of civilisation, but the notion that architecture can bear the stamp of national character is a modern idea, that appeared in the 18th century historical thinking and given political currency in the wake of the French Revolution. As the map of Europe was repeatedly changing, architecture was used to grant the aura of a glorious past to even the most recent nations. In addition to the credo of universal Classicism, two new, and often contradictory, attitudes on historical styles existed in the early 19th century. Pluralism promoted the simultaneous use of the expanded range of style, while Revivalism held that a single historical model was appropriate for modern architecture. Associations between styles and building types appeared, for example: Egyptian for prisons, Gothic for churches, or Renaissance Revival for banks and exchanges. These choices were the result of other associations: the pharaohs with death and eternity, the Middle Ages with Christianity, or the Medici family with the rise of banking and modern commerce.

Whether their choice was Classical, medieval, or Renaissance, all revivalists shared the strategy of advocating a particular style based on national history, one of the great enterprises of historians in the early 19th century. Only one historic period was claimed to be the only one capable of providing models grounded in national traditions, institutions, or values. Issues of style became matters of state.^[231]

The most well-known Revivalist style is the Gothic Revival one, that appeared in the mid-18th century in the houses of a number of wealthy antiquarians in England, a notable example being the Strawberry Hill House. German Romantic writers and architects were the first to promote Gothic as a powerful expression of national character, and in turn use it as a symbol of national identity in territories still divided. Johann Gottfried Herder posed the question 'Why should we always imitate foreigners, as if we were Greeks or Romans?'.^[232]

In art and architecture history, the term Orientalism refers to the works of the Western artists who specialized in Oriental subjects, produced from their travels in Western Asia, during the 19th century. In that time, artists and scholars were described as Orientalists, especially in France.

In India, during the British Raj, a new style, Indo-Saracenic, (also known as Indo-Gothic, Mughal-Gothic, Neo-Mughal, or Hindoo style) was getting developed, which incorporated varying degrees of Indian elements into the Western European style. The Churches and convents of Goa are another example of the blending of traditional Indian styles with western European architectural styles. Most Indo-Saracenic public buildings were constructed between 1858 and 1947, with the peaking at 1880.^[233] The style has been described as "part of a 19th-century movement to project themselves as the natural successors of the Mughals".^[234] They were often built for modern functions such as transport stations, government offices, and law courts. It is much more evident in British power centres in the subcontinent like Mumbai, Chennai, and Kolkata.^[235]

• 
  Exterior of the Palais Garnier, Paris, by Charles Garnier, 1860–1875^[236]
• 
  Grand stairs of the Palais Garnier, by Charles Garnier, 1860–1875^[236]
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  The CEC Palace on Victory Avenue, Bucharest, Romania, by Paul Gottereau, 1897-1900^[237]
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  Cantacuzino Palace, Bucharest, by Ion D. Berindey, 1898-1906^[238]
• 
  Petit Palais, Paris, by Charles Giraud, 1900^[239]
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  Anker Building, Bucharest, by Leonida Negrescu, c.1900^[240]
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  Grand Central Terminal, New York City, by Reed and Stem and Warren and Wetmore, 1903^[241]
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  Hôtel Roxoroid de Belfort, Paris, 1911, by André Arfvidson
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  Villa, Antwerp, Belgium, by Michel De Braey, 1913^[242]

The Beaux-Arts style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Due to the fact that international students studied here, there are buildings from the second half of the 19th century and the early 20th century of this type all over the world, designed by architects like Charles Girault, Thomas Hastings, Ion D. Berindey or Petre Antonescu. Today, from Bucharest to Buenos Aires and from San Francisco to Brussels, the Beaux-Arts style survives in opera houses, civic structures, university campuses commemorative monuments, luxury hotels and townhouses. The style was heavily influenced by the Paris Opéra House (1860–1875), designed by Charles Garnier, the masterpiece of the 19th century renovation of Paris, dominating its entire neighbourhood and continuing to astonish visitors with its majestic staircase and reception halls. The Opéra was an aesthetic and societal turning point in French architecture. Here, Garnier showed what he called a style actuel, which was influenced by the spirit of the time, aka Zeitgeist, and reflected the designer's personal taste.

Beaux-Arts façades were usually imbricated, or layered with overlapping classical elements or sculpture. Often façades consisted of a high rusticated basement level, after it a few floors high level, usually decorated with pilasters or columns, and at the top an attic level and/or the roof. Beaux-Arts architects were often commissioned to design monumental civic buildings symbolic of the self-confidence of the town or city. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. However, it was not just a revival of the Baroque, being more of a synthesis of Classicist styles, like Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassicism etc.^{[243][244][245]}

• 
  Les Halles, Paris, by Victor Baltard, 1852-1855^[246]
• 
  Plan and elevation for the Crystal Palace, London, by Joseph Paxton, 1854^[247]
• 
  Paleis voor Volksvlijt, Amsterdam, Netherlands, by Cornelis Outshoorn, 1859–1964
• 
  Le Bon Marché, Paris, by Louis-Charles Boileau in collaboration with the engineering firm of Gustave Eiffel, 1872^[248]
• 
  Interior of the Bradbury Building, with its exposed staircases and free-standing hydraulic elevators, Los Angeles, USA, by George Herbert Wyman, 1889-1893^[249]
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  Tietz Department Store, with its huge shop windows running through all the floors, Berlin, Germany, by Bernhard Sehring and L.Lachmann, 1899-1900^[250]

Because of the Industrial Revolution and the new technologies it brought, new types of buildings appeared. By 1850 iron was quite present in daily life at every scale, from mass-produced decorative architectural details and objects of apartment buildings and commercial buildings to train sheds. A well-known 19th century glass and iron building is the Crystal Palace from Hyde Park (London), built in 1851 to house the Great Exhibition, having an appearance similar to a greenhouse. Its scale was daunting.

The marketplace pioneered novel uses of iron and glass to create an architecture of display and consumption that made the temporary display of the world fairs a permanent feature of modern urban life. Just after a year after the Crystal Palace was dismantaled, Aristide Boucicaut opened what historians of mass consumption have labelled the first department store, Le Bon Marché in Paris. As the store expanded, its exterior took on the form of a public monument, being highly decorated with French Renaissance Revival motifs. The entrances advanced subtly onto the pavemenet, hoping to captivate the attention of potential customers. Between 1872 and 1874, the interior was remodelled by Louis-Charles Boileau, in collaboration with the young engineering firm of Gustave Eiffel. In place of the open courtyard required to permit more daylight into the interior, the new building focused around three skylight atria.^[251]

• 
  Hôtel Tassel, Brussels, Belgium, by Victor Horta, 1894^[252]
• 
  Entrance of the Castel Béranger, Paris, by Hector Guimard, 1895–1898^[253]
• 
  Secession Building, Vienna, Austria, by Joseph Maria Olbrich, 1897^[254]
• 
  La Fermette Marbeuf, Paris, by Émile Hurtré, 1898^[255]
• 
  Ernst Ludwig House in Darmstadt Artists' Colony, Darmstadt, Germany, by Joseph Maria Olbrich (1900)
• 
  The Porte Dauphine Métro Station, Paris, by Hector Guimard, 1900^[256]
• 
  Maison Huot, Nancy, France, by Émile André, 1903^[257]
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  Casa Batlló, Barcelona, Spain, by Antoni Gaudí, 1904–1906^[258]

Popular in many countries from the early 1890s until the outbreak of World War I in 1914, Art Nouveau was an influential although relatively brief art and design movement and philosophy. Despite being a short-lived fashion, it paved the way for the modern architecture of the 20th century. Between c. 1870 and 1900, a crisis of historicism occurred, during which the historicist culture was critiqued, one of the voices being Friedrich Nietzsche in 1874, who diagnosed 'a malignant historical fervour' as one of the crippling symptoms of a modern culture burdened by archaeological study and faith in the laws of historical progression.

Focusing on natural forms, asymmetry, sinuous lines and whiplash curves, architects and designers aimed to escape the excessively ornamental styles and historical replications, popular during the 19th century. However, the style was not completely new, since Art Nouveau artists drew on a huge range of influences, particularly Beaux-Arts architecture, the Arts and Crafts movement, aestheticism and Japanese art. Buildings used materials associated in the 19th century with modernity, such as cast-iron and glass. A good example of this is the Paris Metro entrance at Porte Dauphine by Hector Guimard (1900). Its cast-iron and glass canopy is as much sculpture as it is architecture. In Paris, Art Nouveau was even called Le Style Métro by some. The interest for stylized organic forms of ornamentation originated in the mid 19th century, when it was promoted in The Grammar of Ornament (1854), a pattern book by British architect Owen Jones (architect) (1809–1874).

Whiplash curves and sinuous organic lines are its most familiar hallmarks, however the style can not be summarized only to them, since its forms are much more varied and complex. The movement displayed many national interpretations. Depending on where it manifested, it was inspired by Celtic art, Gothic Revival, Rococo Revival, and Baroque Revival. In Hungary, Romania and Poland, for example, Art Nouveau incorporated folkloric elements. This is true especially in Romania, because it facilitated the appearance of the Romanian Revival style, which draws inspiration from Brâncovenesc architecture and traditional peasant houses and objects. The style also had different names, depending on countries. In Britain it was known as Modern Style, in the Netherlands as Nieuwe Kunst, in Germany and Austria as Jugendstil, in Italy as Liberty style, in Catalonia as Modernisme, in Romania as Arta 1900, and in Japan as Shiro-Uma. It would be wrong to credit any particular place as the only one where the movement appeared, since it seems to have arisen in multiple locations.^{[259][260][261][262]}

• 
  AEG turbine factory, Berlin, Germany, by Peter Behrens, 1909
• 
  Steiner House, Vienna, Austria, by Adolf Loos, 1910^[263]
• 
  Fagus Factory, Alfeld, Germany, by Walter Gropius, 1911^[264]
• 
  Villa Tugendhat, Brno, Czech Republic, by Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich, 1930^[265]

Rejecting ornament and embracing minimalism and modern materials, Modernist architecture appeared across the world in the early 20th century. Art Nouveau paved the way for it, promoting the idea of non-historicist styles. It developed initially in Europe, focusing on functionalism and the avoidance of decoration. Modernism reached its peak during the 1930s and 1940s with the Bauhaus and the International Style, both characterised by asymmetry, flat roofs, large ribbon windows, metal, glass, white rendering and open-plan interiors.^[266]

• 
  Piazza d'Italia, New Orleans, USA, by Charles Moore, 1978^[286]
• 
  Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Germany, by James Stirling, 1984^[287]
• 
  AT&T Headquarters, New York City, by Philip Johnson and John Burgee, 1984^[288]
• 
  Team Disney Building, Los Angeles, USA, by Michael Graves, 1990^[289]
• 
  Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988^[290]
• 
  Multicolour interior of the Cambridge Judge Business School, Cambridge, UK, by John Outram, 1995^[291]
• 
  House for Essex, Wrabness, Essex, UK, by FAT and Grayson Perry, 2014^[292]

Not one definable style, Postmodernism is an eclectic mix of approaches that appeared in the late 20th century in reaction against Modernism, which was increasingly perceived as monotonous and conservative. As with many movements, a complete antithesis to Modernism developed. In 1966, the architect Robert Venturi (1925–2018) had published his book, Complexity and Contradiction in Architecture, which praised the originality and creativity of Mannerist and Baroque architecture of Rome, and encouraged more ambiguity and complexity in contemporary design. Complaining about the austerity and tedium of so many smooth steel and glass Modernist buildings, and in deliberate denunciation of the famous Modernist 'Less is more', Venturi stated 'Less is a bore'. His theories became a majore influence on the development of Postmodernism.^[286]