Banjo

El banjo moderno deriva de instrumentos que, según consta, se utilizaban en Norteamérica y el Caribe desde el  siglo XVII por personas esclavizadas procedentes de África Occidental y Central, como la kora . Estos instrumentos de estilo africano se fabricaban con calabazas partidas y pieles de animales tensadas sobre ellas. Las cuerdas, hechas de tripa o fibras vegetales, se fijaban a un mástil de madera. ^{[ 8 ]} Existen referencias escritas al banjo en Norteamérica y el Caribe que datan de los siglos XVII y XVIII  . ^{[ 8 ]}

La primera mención escrita de un instrumento similar al banjo data del  siglo XVII: Richard Jobson (1621), al describir Gambia , escribió sobre un instrumento que algunos consideran similar al banjo.

Tienen poca variedad de instrumentos; el más común está hecho de una calabaza grande, a la que se le sujeta un mástil, parecido en cierto modo a nuestra bandora; pero carecen de trastes, y las cuerdas que fabrican son las que el lugar les permite o las que su ingenio les permite producir, siendo muy poco aptas para generar un sonido dulce y musical, a pesar de que con clavijas las enrollan y las afinan en notas melodiosas, teniendo su instrumento más grande no más de seis cuerdas. ^{[ 8 ]}

Michel Étienne Descourtilz , un naturalista que visitó Haití a principios del siglo XIX, lo describió como banzas , un instrumento negro que los nativos preparan serrando longitudinalmente una calabaza o un calabacín grande, al que le añaden un mástil y cuerdas sonoras hechas del filamento de plantas de aloe. ^{[ 14 ]} Se tocaba en cualquier ocasión, desde el aburrimiento hasta fiestas alegres y calendas , pasando por ceremonias fúnebres. Era costumbre combinar este sonido con el más ruidoso bamboula , un tipo de tambor hecho con un palo de bambú cubierto por ambos lados con una piel que se tocaba con los dedos y los nudillos sentado a horcajadas. ^{[ 15 ] [ 13 ]}

Diversos instrumentos africanos, entre los que destaca la kora , presentan un parche de piel y un cuerpo de calabaza (o concha similar). ^{[ 16 ]} Estos instrumentos se diferencian de los primeros banjos afroamericanos en que sus mástiles no poseen un diapasón ni clavijas de afinación al estilo occidental; en su lugar, tienen mástiles de varilla, con cuerdas sujetas al mástil mediante bucles para la afinación. ^{[ 16 ]}

Otro posible pariente del banjo es el mencionado akonting , un laúd folclórico de púas que se construye utilizando un cuerpo de calabaza, un mástil largo de madera y tres cuerdas ^{[ 17 ]} tocado por la tribu Jola de Senegambia , y el ubaw-akwala de los Igbo . ^{[ 18 ]} Instrumentos similares incluyen el xalam de Senegal ^{[ 19 ]} y el ngoni de la región de Wassoulou que incluye partes de Mali , Guinea y Costa de Marfil , así como una variación más grande del ngoni , conocida como gimbri , desarrollada en Marruecos por africanos subsaharianos ( Gnawa o Haratin ).

Los instrumentos similares al banjo parecen haber sido inventados de forma independiente en varios lugares distintos, además de los numerosos instrumentos africanos mencionados anteriormente, ya que se conocen instrumentos parecidos al banjo en una gran variedad de países lejanos. Por ejemplo, el sanxian chino, el shamisen japonés , el tar persa y el sintir marroquí . ^{[ 18 ]}

Se conocen banjos con diapasones y clavijas de afinación en el Caribe desde el  siglo XVII. ^{[ 16 ]} Algunos escritores de los siglos XVIII y principios del XIX transcribieron el nombre de estos instrumentos de diversas maneras como bangie , banza , bonjaw , ^{[ 20 ]} banjer ^{[ 21 ]} y banjar . En 1812, un turista británico describió una sala de juegos en Wheeling, Virginia, mencionando los bangies : «¡Ojalá Hogarth hubiera vivido para ver esa sala! En una esquina había una parte de la asamblea, inmersa en los fascinantes juegos de all-fours, three-up y cribbage; en otra se encontraba una mesa con refrescos, whisky y galletas, rodeada por una multitud de bebedores y fumadores; un grupo de ruidosos políticos ocupaba la tercera; y en la cuarta se ubicaba la música, que consistía en dos bangies tocados por negros casi desnudos, y un laúd a través del cual un chickasaw exhalaba una deliciosa armonía». ^{[ 22 ]}

El instrumento se hizo cada vez más accesible comercialmente a partir del segundo cuarto del siglo XIX debido a las representaciones de espectáculos de juglares . ^{[ 2 ]}

En el Sur anterior a la Guerra Civil , muchos africanos esclavizados tocaban el banjo, difundiéndolo al resto de la población. ^{[ 8 ]} En sus memorias Con sable y bisturí: La autobiografía de un soldado y cirujano , el veterano confederado y cirujano John Allan Wyeth recuerda haber aprendido a tocar el banjo de niño de una persona esclavizada en la plantación de su familia. ^{[ 8 ]} Otro hombre que aprendió a tocar de afroamericanos, probablemente en la década de 1820, fue Joel Walker Sweeney , un artista de juglares de Appomattox Court House , Virginia . ^{[ 23 ] [ 24 ]} A Sweeney se le ha atribuido la adición de una cuerda al banjo afroamericano de cuatro cuerdas y la popularización del banjo de cinco cuerdas. ^{[ 23 ] [ 24 ]} Aunque Robert McAlpin Williamson es el primer banjista blanco documentado, ^{[ 25 ]} en la década de 1830 Sweeney se convirtió en el primer intérprete blanco en tocar el banjo en el escenario. ^{[ 23 ]} Las actuaciones musicales de Sweeney tuvieron lugar al comienzo de la era de los juglares, cuando los banjos dejaron de ser exclusivamente instrumentos folclóricos caseros para convertirse en instrumentos de un estilo más moderno. ^{[ 26 ]} Sweeney participó en esta transición animando al fabricante de tambores William Boucher de Baltimore a fabricar banjos comercialmente para que él los vendiera. ^{[ 24 ]}

En 1949, Arthur Woodward atribuyó a Sweeney la sustitución de la calabaza por una caja de resonancia de madera cubierta de piel y la adición de una quinta cuerda corta alrededor de 1831. ^{[ 27 ]} Sin embargo, el erudito moderno Gene Bluestein señaló en 1964 que Sweeney podría no haber sido el creador ni de la quinta cuerda ni de la caja de resonancia. ^{[ 27 ]} Este nuevo banjo se afinó inicialmente en d'Gdf♯a, aunque en la década de 1890 se había transpuesto a g'cgbd'. Los banjos fueron introducidos en Gran Bretaña por el grupo de Sweeney, los American Virginia Minstrels , en la década de 1840, y se hicieron muy populares en los music halls . ^{[ 28 ]}

El instrumento ganó popularidad durante la década de 1840 después de que Sweeney comenzara su espectáculo itinerante de juglares. ^{[ 29 ]} A finales de la década de 1840, el instrumento se había extendido desde el Caribe para arraigarse en lugares de América y al otro lado del Atlántico en Inglaterra. ^{[ 30 ] [ 31 ]} Se estimó en 1866 que probablemente había 10 000 banjos en la ciudad de Nueva York, en comparación con solo un puñado en 1844. La gente estuvo expuesta a los banjos no solo en los espectáculos de juglares, sino también en los espectáculos de medicina, los espectáculos del Viejo Oeste, los espectáculos de variedades y los espectáculos itinerantes de vodevil. ^{[ 32 ]} La popularidad del banjo también se vio impulsada por la Guerra Civil, ya que los militares de ambos bandos en el Ejército o la Marina estuvieron expuestos al banjo tocado en los espectáculos de juglares y por otros militares. ^{[ 33 ]} Un movimiento popular de aspirantes a banjistas comenzó ya en 1861. ^{[ 34 ]} El entusiasmo por el instrumento fue denominado "fiebre del banjo" o "manía del banjo". ^{[ 34 ]}

Para la década de 1850, los aspirantes a intérpretes de banjo tenían opciones para ayudarlos a aprender su instrumento. ^{[ 35 ]} Había más maestros que enseñaban los fundamentos del banjo en la década de 1850 que en la década de 1840. ^{[ 35 ]} También había manuales de instrucción y, para aquellos que podían leerla, música impresa en los manuales. ^{[ 36 ]} El primer libro de música notada fue The Complete Preceptor de Elias Howe, publicado bajo el seudónimo Gumbo Chaff , que consistía principalmente en melodías de Christy's Minstrels . ^{[ 36 ]} El primer método de banjo fue Briggs' Banjo Instructor (1855) de Tom Briggs. ^{[ 36 ]} Otros métodos incluyeron New American Banjo School de Howe (1857) y Method for the Banjo, With or Without a Master de Phil Rice (1858). ^{[ 36 ]} Estos libros enseñaban el "estilo de golpeteo" o "estilo banjo", similar a los estilos modernos "frailing" o " clawhammer ". ^{[ 36 ]}

En 1868, la música para banjo ya estaba disponible impresa en una revista, cuando J. K. Buckley escribió y arregló música popular para Buckley's Monthly Banjoist . ^{[ 37 ]} Frank B. Converse también publicó su colección completa de composiciones en The Complete Banjoist en 1868, que incluía "polkas, valses, marchas y hornpipes de zuecos". ^{[ 38 ]}

En la década de 1840, las oportunidades de trabajo se encontraban no solo en compañías de juglares y circos, sino también en teatros ambulantes y teatros de variedades, que sirvieron como precursores del espectáculo de variedades y el vodevil . ^{[ 35 ]}

El término banjo clásico se usa hoy para referirse a un estilo de guitarra con los dedos desnudos que fue muy popular entre los intérpretes de banjo de finales del siglo XIX y principios del XX. ^{[ 39 ]} Todavía lo usan los banjistas hoy en día. El término también diferencia ese estilo de tocar de los estilos de banjo bluegrass con punteo de dedos, como el estilo Scruggs y el estilo Keith . ^{[ 39 ]}

El método de banjo de Briggs , considerado el primer método de banjo y que enseñaba el estilo de tocar con golpes, también mencionaba la existencia de otra forma de tocar, el estilo de guitarra. ^{[ 40 ] [ 41 ]} Conocido también como "estilo de dedos", la nueva forma de tocar el banjo desplazó al método de golpes, hasta que en 1870 se convirtió en el estilo dominante. ^{[ 42 ]} Aunque Briggs lo mencionó, no se enseñó. El primer método de banjo que enseñó la técnica fue el Nuevo y completo método para el banjo con o sin maestro de Frank B. Converse , publicado en 1865. ^{[ 43 ] [ 44 ]}

Para tocar al estilo de la guitarra, los guitarristas usan el pulgar y dos o tres dedos de la mano derecha para pulsar las notas. Samuel Swaim Stewart resumió el estilo en 1888, diciendo:

En el estilo de tocar el banjo con guitarra... el dedo meñique de la mano derecha se apoya sobre la cabeza cerca del puente... [y] sirve de apoyo para la mano y de resistencia al movimiento de pulsar las cuerdas... Al principio, lo mejor es adquirir el conocimiento de pulsar las cuerdas usando solo el índice, el dedo medio y el pulgar, dejando el tercer dedo inactivo hasta que los demás dedos se hayan acostumbrado completamente a su función... los tres dedos se utilizan casi invariablemente para tocar acordes y acompañamientos de canciones." ^{[ 40 ]}

El banjo, aunque popular, tenía connotaciones de clase baja debido a su papel en espectáculos de juglares con la cara pintada de negro , espectáculos ambulantes, espectáculos de variedades o vodevil. ^{[ 45 ]} En el siglo XIX hubo un impulso para que el instrumento alcanzara la "respetabilidad". ^{[ 45 ]} Músicos como William A. Huntley se esforzaron por "elevar" el instrumento o hacerlo más "artístico", "llevándolo a un nivel más sofisticado de técnica y repertorio basado en estándares europeos". ^{[ 46 ]} Huntley pudo haber sido el primer intérprete blanco en hacer la transición exitosa de actuar con la cara pintada de negro a ser él mismo en el escenario, como señaló el Boston Herald en noviembre de 1884. ^{[ 46 ]} Fue apoyado por otro antiguo intérprete con la cara pintada de negro, Samuel Swaim Stewart, en su revista corporativa que popularizó a profesionales de gran talento. ^{[ 47 ]}

A medida que las imitaciones "estridentes" de la vida en las plantaciones disminuían en los espectáculos de juglares, el banjo se volvió más aceptable como instrumento de la alta sociedad, llegando incluso a ser aceptado en los salones de las mujeres. ^{[ 29 ] [ 48 ]} Parte de ese cambio fue un cambio del estilo de rasgueo al estilo de tocar la guitarra. ^{[ 29 ] [ 48 ] [ 43 ]} Un periódico de 1888 decía: "Todas las doncellas y muchas mujeres también tocan el instrumento, abundan las clases de banjo por doquier y los recitales de banjo se encuentran entre las diversiones más novedosas de la moda... Jóvenes y ancianos también se han contagiado de la fiebre... los mejores intérpretes masculinos son solicitados en las fiestas más elegantes y tienen la compañía de las chicas más encantadoras." ^{[ 49 ]}

Algunos de esos artistas, como Alfred A. Farland , se especializaban en música clásica. Sin embargo, los músicos que querían entretener a su público y ganarse la vida, la mezclaban con la música popular que el público deseaba. ^{[ 50 ]} El alumno de Farland, Frederick J. Bacon, fue uno de ellos. Antiguo artista de espectáculos ambulantes, Bacon interpretaba música clásica junto con canciones populares como Massa's in de cold, cold ground , un popurrí de aires escoceses , un popurrí de aires sureños y la polka de West Lawn de Thomas Glynn .

La innovación en el banjo, que comenzó en la época de los juglares, continuó con un mayor uso de piezas metálicas, maderas exóticas, trastes metálicos elevados y un aro de resonancia que mejoraba el sonido. ^{[ 51 ]} Los instrumentos se diseñaron en una variedad de tamaños y rangos de tono para interpretar diferentes partes en las orquestas de banjo. ^{[ 51 ]} Entre los ejemplos expuestos en el museo se incluyen banjorines y banjos piccolo.

Nuevos estilos de interpretación, una nueva apariencia, instrumentos en una variedad de rangos de tono para reemplazar diferentes secciones en una orquesta: todo contribuyó a separar el instrumento de la tosca imagen de juglar de los 50-60 años anteriores. ^{[ 51 ]} El instrumento era ahora moderno, algo brillante y nuevo, con laterales de metal pulido. ^{[ 51 ]}

A principios del siglo XX, comenzaron a popularizarse nuevos banjos, modelos de cuatro cuerdas, que se tocaban con púa en lugar de con la técnica de clawhammer del banjo de juglares o el estilo de punteo clásico del banjo. Estos nuevos banjos fueron el resultado de la evolución de los gustos musicales. La nueva música impulsó la creación de "variaciones evolutivas" del banjo, desde el modelo de cinco cuerdas vigente desde la década de 1830 hasta los nuevos banjos de cuatro cuerdas con púa y los banjos tenor . ^{[ 52 ]}

Los instrumentos se adornaron profusamente en la década de 1920 para ser visualmente dinámicos para el público teatral. ^{[ 52 ]} Los instrumentos se modificaron cada vez más o se fabricaron con un nuevo estilo: mástiles acortados para acomodar las cuatro cuerdas de acero (no de fibra como antes), cuerdas que se tocaban con púa en lugar de dedos, cuatro cuerdas en lugar de cinco y afinadas de manera diferente. ^{[ 52 ]} Los cambios reflejaban la naturaleza de la música posterior a la Primera Guerra Mundial. ^{[ 52 ]} El país se estaba alejando de los clásicos europeos, prefiriendo el "ambiente alegre y despreocupado" del jazz, y los soldados estadounidenses que regresaban de la guerra contribuyeron a impulsar este cambio. ^{[ 52 ]}

El cambio en los gustos hacia la música de baile y la necesidad de instrumentos más potentes comenzó unos años antes de la guerra, con el ragtime. ^{[ 52 ]} Esta música impulsó a los músicos a modificar sus banjos de cinco cuerdas a cuatro, añadir cuerdas de acero más potentes y usar púa o plectro, todo ello en un esfuerzo por hacerse oír por encima de los instrumentos de viento metal y lengüeta que se utilizaban en los salones de baile. ^{[ 52 ]} Los banjos de cuatro cuerdas con púa y los banjos tenor no eliminaron la variedad de cinco cuerdas. Eran productos de su época y de sus propósitos musicales: el ragtime, la música de baile jazz y la música teatral.

La Gran Depresión es una línea visible que marca el final de la Era del Jazz . ^{[ 52 ]} La recesión económica redujo las ventas de banjos de cuatro y cinco cuerdas, y para la Segunda Guerra Mundial, los banjos estaban en fuerte declive, el mercado para ellos estaba muerto. ^{[ 53 ]}

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, el banjo experimentó un resurgimiento, interpretado por estrellas de la música como Earl Scruggs (bluegrass), Bela Fleck (jazz, rock, músicas del mundo), Gerry O'Connor (música celta e irlandesa), Perry Bechtel (jazz, big band), Pete Seeger (folk) y Otis Taylor (raíces afroamericanas, blues, jazz). ^{[ 54 ]}

Pete Seeger «fue una figura clave en el resurgimiento del interés nacional por la música folk». ^{[ 24 ]} Tras aprender a tocar el banjo con la técnica de fingerstyle en los Apalaches, de la mano de músicos que nunca dejaron de tocarlo, escribió el libro Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas , que durante años fue el único método de banjo disponible en el mercado. ^{[ 24 ]} Le siguió un movimiento de músicos folk, como Dave Guard de The Kingston Trio y Erik Darling de The Weavers and Tarriers . ^{[ 24 ]}

Earl Scruggs fue considerado tanto una leyenda como un "innovador musical contemporáneo" que dio nombre a su estilo de tocar, el estilo Scruggs . ^{[ 55 ]} Scruggs tocaba el banjo "con una velocidad y destreza nunca antes vistas", utilizando una técnica de punteo para el banjo de 5 cuerdas que perfeccionó a partir de técnicas de punteo de 2 y 3 dedos en la zona rural de Carolina del Norte. ^{[ 55 ]} Su música llegó a los estadounidenses a través del Grand Ole Opry y a los hogares de estadounidenses que no escuchaban música country o bluegrass, a través del tema musical de la comedia televisiva The Beverly Hillbillies , así como la música de fondo durante las secuencias de persecución en otra comedia, The Dukes of Hazzard . ^{[ 55 ]}

Durante los últimos cien años, el banjo tenor se ha convertido en una parte intrínseca del mundo de la música tradicional irlandesa. ^{[ 56 ]} Es un instrumento relativamente nuevo en el género.

El banjo también se ha utilizado más recientemente en la escena hardcore punk , sobre todo por Show Me the Body en su álbum debut, Body War .

El banjo moderno de cinco cuerdas es una variación del diseño original de Sweeney. La quinta cuerda suele tener el mismo calibre que la primera, pero comienza en el quinto traste, con una longitud tres cuartas partes de la de las demás cuerdas. Esto permite afinarla a un tono abierto más alto que el que se podría lograr con cuerdas de longitud completa. Debido a la corta longitud de la quinta cuerda, el banjo de cinco cuerdas utiliza una afinación reentrante : los tonos de las cuerdas no siguen un orden descendente a lo largo del diapasón. En cambio, la cuarta cuerda es la más grave, seguida de la tercera, la segunda, la primera y la quinta, la más aguda.

La quinta cuerda, al ser corta, presenta problemas especiales para el uso de un capo . Para pequeños cambios (subir o bajar uno o dos semitonos, por ejemplo), basta con reajustar la afinación de la quinta cuerda. En otros casos, existen dispositivos llamados "cejillas de quinta cuerda" que acortan la parte vibrante de la cuerda. Muchos intérpretes de banjo utilizan clavos de maquetas de trenes o de titanio (generalmente instalados en el séptimo traste y a veces en otros), con los que enganchan la cuerda para presionarla contra el traste .

Los intérpretes de banjo de cinco cuerdas utilizan muchas afinaciones. (Las afinaciones se dan en orden de izquierda a derecha, vistas desde el frente del instrumento con el mástil apuntando hacia arriba para un instrumento de mano derecha. Los instrumentos de mano izquierda invierten el orden de las cuerdas). Probablemente la más común, particularmente en el bluegrass, es la afinación en Sol abierto G4 D3 G3 B3 D4. Antiguamente, se usaba comúnmente la afinación G4 C3 G3 B3 D4, y esta sigue siendo la afinación preferida para algunos tipos de música folk y para el banjo clásico . Otras afinaciones que se encuentran en la música tradicional incluyen doble C (G4 C3 G3 C4 D4), "sawmill", también llamada "mountain modal" (G4 D3 G3 C4 D4), y Re abierto (F#4 D3 F#3 A3 D4). Estas afinaciones a menudo se suben un tono, ya sea afinando más arriba o usando una cejilla. Por ejemplo, la afinación "doble D" (A4 D3 A3 D4 E4), que se suele obtener afinando desde doble C, se usa a menudo para acompañar melodías de violín en la tonalidad de Re, y la afinación en La abierto (A4 E3 A3 C#4 E4) se usa generalmente para tocar melodías en la tonalidad de La. Existen docenas de otras afinaciones de banjo, sobre todo en la música tradicional. Estas afinaciones se utilizan para facilitar la ejecución de melodías específicas, generalmente melodías de violín o grupos de melodías de violín.

El tamaño del banjo de cinco cuerdas está estandarizado en gran medida, con una longitud de escala de 26,25 pulgadas (667 mm) , pero existen tamaños más pequeños y más grandes, incluyendo la variante de mástil largo o "mástil Seeger" diseñada por Pete Seeger . Las variantes pequeñas del banjo de cinco cuerdas están disponibles desde la década de 1890. SS Stewart introdujo el banjeaurine , afinado una cuarta por encima de un banjo estándar de cinco cuerdas. Los banjos piccolo son más pequeños y se afinan una octava por encima de un banjo estándar. Entre estos tamaños y el estándar se encuentra el banjo de escala A, que es dos trastes más corto y generalmente se afina un tono completo por encima de las afinaciones estándar. Muchos fabricantes han producido banjos de otras longitudes de escala y con diversas innovaciones.  

La música tradicional estadounidense suele utilizar el banjo de cinco cuerdas con caja abierta. Se toca en varios estilos diferentes, siendo el más común el clawhammer o frailing, caracterizado por el uso de un golpe hacia abajo en lugar de hacia arriba al pulsar las cuerdas con la uña. Las técnicas de frailing utilizan el pulgar para alcanzar la quinta cuerda y crear un bordón después de la mayoría de los rasgueos o después de cada golpe ("doble pulgar"), o para puntear notas melódicas adicionales en lo que se conoce como drop-thumb. Pete Seeger popularizó un estilo folk combinando el clawhammer con el up picking, generalmente sin el uso de púas . Otro estilo común de banjo tradicional es el fingerpicking o banjo clásico. Este estilo se basa en la guitarra de estilo parlor . ^{[ 64 ]}

La música bluegrass, que utiliza casi exclusivamente el banjo resonador de cinco cuerdas, se interpreta en varios estilos comunes. Entre ellos se encuentran el estilo Scruggs, que recibe su nombre de Earl Scruggs; el melódico, o estilo Keith , que lleva el nombre de Bill Keith ; y el estilo de tres dedos con trabajo de una sola cuerda, también llamado estilo Reno, en honor a Don Reno . En estos estilos, el énfasis recae en las figuras arpegiadas que se tocan con un ritmo continuo de corcheas, conocidas como redobles . Todos estos estilos se suelen tocar con púas de dedos.

El primer banjo eléctrico de cinco cuerdas y cuerpo sólido fue desarrollado por Charles Wilburn (Buck) Trent , Harold "Shot" Jackson y David Jackson en 1960.

El banjo de cinco cuerdas se ha utilizado en la música clásica desde antes del cambio de siglo XX. Obras contemporáneas y modernas han sido escritas o arregladas para el instrumento por Don Vappie, Jerry Garcia , Buck Trent, Béla Fleck , Tony Trischka , Ralph Stanley , George Gibson, Steve Martin , Clifton Hicks, George Crumb , Tim Lake , Modest Mouse , Jo Kondo , Paul Elwood , Hans Werner Henze (en particular en su Sexta Sinfonía ), Daniel Mason, Beck , los Water Tower Bucket Boys , Todd Taylor , JP Pickens , Peggy Honeywell, Norfolk & Western , Putnam Smith, Iron & Wine , The Avett Brothers , The Well Pennies , Punch Brothers , Julian Koster , Sufjan Stevens y Sarah Jarosz .

George Gershwin incluye un banjo en su ópera Porgy and Bess.

Frederick Delius compuso para banjo en su ópera Koanga .

Ernst Krenek incluye dos banjos en su Kleine Symphonie ( Pequeña Sinfonía ).

Kurt Weill incluye un banjo en su ópera El ascenso y la caída de la ciudad de Mahagonny .

Viktor Ullmann incluyó una parte de banjo tenor en su Concierto para piano (op. 25).

Virgil Thomson incluye un banjo en la música orquestal que compone para acompañar la película El arado que rompió las llanuras (1936).

El banjo de púa de cuatro cuerdas es un banjo estándar sin la cuerda de bordón corta. Generalmente tiene 22 trastes en el mástil y una longitud de escala de 26 a 28  pulgadas, y originalmente se afinaba en C3 G3 B3 D4. También se puede afinar como las cuatro cuerdas superiores de una guitarra, lo que se conoce como "afinación de Chicago". ^{[ 65 ]} Como su nombre indica, se suele tocar con una púa de guitarra (es decir, una sola sujeta entre el pulgar y el índice), a diferencia del banjo de cinco cuerdas, que se toca con una púa de pulgar y dos de dedo, o con los dedos desnudos. El banjo de púa evolucionó a partir del banjo de cinco cuerdas para adaptarse a estilos musicales que incluyen acordes rasgueados. La púa también aparece en muchas grabaciones y arreglos de jazz primitivo. ^{[ 66 ]}

Los banjos de cuatro cuerdas se pueden usar para acompañamiento de acordes (como en el jazz primitivo), para tocar melodías en una sola cuerda (como en la música tradicional irlandesa), en estilo "melodía de acordes" (una sucesión de acordes en la que las notas más agudas llevan la melodía), en estilo trémolo (tanto en acordes como en cuerdas individuales) y una técnica mixta llamada "estilo dúo" que combina trémolo en una sola cuerda y acordes rítmicos. ^{[ 67 ]}

El banjo de cuatro cuerdas se usa ocasionalmente en el teatro musical. Algunos ejemplos son: Hello, Dolly!, Mame , Chicago , Cabaret , Oklahoma !, Half a Sixpence , Annie , Barnum , La ópera de tres centavos , Spamalot de Monty Python y muchos otros. Joe Raposo lo usó de forma variada en la imaginativa orquestación de siete instrumentos para el longevo programa de televisión Sesame Street , y a veces lo ha doblado con sí mismo o con una guitarra eléctrica. El banjo todavía se usa (aunque raramente) en el arreglo actual del programa.

banjo tenor

banjos tenor

Hombre tocando un banjo de cuatro cuerdas.

Dos banjos tenor Gibson de principios del siglo XX en el Museo Americano del Banjo . (Derecha) Un banjo tenor de 15 trastes. (Izquierda) Un banjo tenor de 19 trastes.

El banjo tenor de mástil más corto, con 17 ("escala corta") o 19 trastes, también se toca típicamente con púa. Se convirtió en un instrumento popular después de 1910 aproximadamente. Los primeros modelos utilizados para punteo melódico generalmente tenían 17 trastes en el mástil y una longitud de escala de 19 1/2 a 21 1/2 pulgadas . A mediados de la década de 1920, cuando el instrumento se usaba principalmente para acompañamiento de acordes rasgueados, los mástiles de 19 trastes con una longitud de escala de 21 3/4 a 23 pulgadas se convirtieron en el estándar. La afinación habitual es la afinación de quintas C3 G3 D4 A4, en la que ocurren exactamente siete semitonos (una quinta justa ) entre las notas al aire de cuerdas consecutivas ; esto es idéntico a la afinación de una viola . Otros intérpretes (sobre todo en la música tradicional irlandesa) afinan el banjo en G2 D3 A3 E4 como una mandolina de octava , lo que permite al banjista imitar la digitación del violín y la mandolina. ^{[ 68 ]} La popularización de esta afinación se atribuye generalmente al fallecido Barney McKenna , banjista de The Dubliners . ^{[ 69 ]}  

El banjo tenor era un instrumento rítmico común en las orquestas de baile de principios del siglo XX. Su volumen y timbre se adaptaban al jazz primitivo (y a los estilos de música popular influenciados por el jazz) y podían competir con otros instrumentos (como los de viento metal y los saxofones), además de ser claramente audibles en grabaciones acústicas. La Rhapsody in Blue de George Gershwin , en el arreglo original para orquesta de jazz de Ferde Grofe , incluye el banjo tenor, con acordes muy espaciados que no se pueden tocar fácilmente con un banjo de púa en sus afinaciones convencionales. Con el desarrollo de la guitarra archtop y la guitarra eléctrica, el banjo tenor prácticamente desapareció del jazz y la música popular, aunque conservó su lugar en el jazz tradicional "Dixieland".

Algunos intérpretes de banjo irlandeses de la década de 1920 tocaban las melodías de jigas, reels y hornpipes en banjos tenores, adornando las melodías con rápidos adornos de tresillos. El intérprete de banjo irlandés más importante de esta época fue Mike Flanagan, de los Flanagan Brothers , con sede en Nueva York , uno de los grupos irlandeses-americanos más populares del momento. Otros intérpretes de banjo irlandeses anteriores a la Segunda Guerra Mundial fueron Neil Nolan, quien grabó con la Shamrock Band de Dan Sullivan en Boston, y Jimmy McDade, quien grabó con la Four Provinces Orchestra en Filadelfia. Mientras tanto, en Irlanda, el auge de las bandas de ceili proporcionó un nuevo mercado para un instrumento de sonido potente como el banjo tenor. El uso del banjo tenor en la música irlandesa ha aumentado considerablemente desde el resurgimiento del folk en la década de 1960. ^{[ 69 ]}

El banjo de seis cuerdas comenzó como una innovación británica de William Temlett, uno de los primeros fabricantes de banjos de Inglaterra. Abrió una tienda en Londres en 1846 y vendió banjos de siete cuerdas que comercializó como banjos "cítara" a partir de su patente de 1869. ^{[ 70 ]} Un banjo cítara generalmente tiene la parte trasera y los laterales cerrados con el cuerpo del tambor y el sistema de tensión de la piel suspendidos dentro del aro de madera, el mástil y el cordal montados en el exterior del aro, y la cuerda del bordón que pasa a través de un tubo en el mástil para que la clavija de afinación pueda montarse en el parche. A menudo eran fabricados por constructores que usaban afinadores de guitarra que venían en grupos de tres, por lo que los instrumentos de cinco cuerdas tenían un afinador redundante; estos banjos podían convertirse con relativa facilidad en un banjo de seis cuerdas.

El estadounidense Alfred Davis Cammeyer (1862-1949), un joven violinista convertido en intérprete de banjo concertista, ideó el banjo cítara de seis cuerdas alrededor de 1880. La diva de la ópera británica Adelina Patti le aconsejó a Cammeyer que el banjo cítara podría ser popular entre el público inglés, ya que se había inventado allí, y Cammeyer viajó a Londres en 1888. Con su virtuosismo, contribuyó a demostrar que el banjo podía interpretar música más sofisticada que la que solían tocar los juglares con la cara pintada de negro . Pronto empezó a actuar para la alta sociedad londinense, donde conoció a Sir Arthur Sullivan , quien le recomendó que pasara de arreglar la música de otros para banjo a componer su propia música.

Se han fabricado banjos modernos de bluegrass de seis cuerdas. Estos añaden una cuerda de bajo entre la cuerda más grave y la cuerda de bordón de un banjo de cinco cuerdas, y suelen estar afinados en G4 G2 D3 G3 B3 D4. Sonny Osborne tocó uno de estos instrumentos durante varios años. Fue modificado por el luthier Rual Yarbrough a partir de un modelo Vega de cinco cuerdas. Una foto de Sonny con este banjo aparece en el libro de método de banjo de bluegrass de Pete Wernick . ^{[ 71 ]}

Los banjos de seis cuerdas, conocidos como guitarras banjo, consisten básicamente en un mástil de guitarra de seis cuerdas unido al cuerpo de un banjo de bluegrass o de púa, lo que permite a los músicos que han aprendido a tocar la guitarra obtener un sonido de banjo sin tener que reaprender la digitación. Este fue el instrumento del gran músico de jazz Johnny St. Cyr , de los jazzistas Django Reinhardt , Danny Barker , Papa Charlie Jackson y Clancy Hayes , así como del cantante de blues y gospel Reverend Gary Davis . Hoy en día, músicos tan diversos como Keith Urban , Rod Stewart , Taj Mahal , Joe Satriani , David Hidalgo , Larry Lalonde y Doc Watson tocan el banjo de seis cuerdas. Su popularidad ha ido en aumento desde mediados de la década de 1990.

A finales del siglo XIX y principios del XX, en los conjuntos de instrumentos de cuerda pulsada —orquestas de guitarras, orquestas de mandolinas , orquestas de banjos—, la instrumentación se hacía paralela a la de la sección de cuerdas de las orquestas sinfónicas. ^{[ 72 ]} Así, «violín, viola, violonchelo, contrabajo» se convirtió en «mandolina, mandola, mandocello, mandobajo», ^{[ 73 ]} o en el caso de los banjos, «banjolín, banjola, banjocello, banjobass». ^{[ 74 ]} Debido a que el registro de los instrumentos de cuerda pulsada generalmente no es tan amplio como el de los instrumentos de cuerda frotada de tamaño comparable, a menudo se añadían otros instrumentos a estas orquestas de cuerda pulsada para ampliar el registro del conjunto hacia arriba y hacia abajo. ^{[ 75 ]}

El violonchelo banjo se afinaba normalmente en C2-G2-D3-A3, una octava por debajo del banjo tenor, al igual que el violonchelo y el mandocello. La compañía Goldtone ha fabricado un violonchelo banjo de cinco cuerdas, configurado como un banjo bluegrass (con la quinta cuerda corta), pero afinado una octava más baja. ^{[ 76 ]}

Los banjos bajos se han fabricado tanto en formato de contrabajo vertical como con cuerpos de banjo estándar, transportados horizontalmente. También se han fabricado banjos contrabajo de tres o cuatro cuerdas; algunos de estos tenían clavijeros similares a los de los violines bajos. La afinación varía en estos grandes instrumentos: los modelos de cuatro cuerdas a veces se afinan en cuartas como un violín bajo (E1-A1-D2-G2) y otras veces en quintas, como un banjo violonchelo de cuatro cuerdas, una octava más baja (C1-G1-D2-A2). ^{[ 77 ]}

También llamados banjos Seeger por haber sido inventados por Pete Seeger , estos banjos cuentan con tres trastes adicionales, lo que le da al instrumento un mástil más largo y una mayor versatilidad al tocar. ^{[ 78 ]} Con tres trastes adicionales, estos banjos se pueden tocar un tono y medio más bajo que un banjo regular, lo que algunos músicos encuentran ventajoso para cantar o tocar acompañando. Casi siempre son de parte trasera abierta. Cabe destacar que las cuerdas de bordón en los banjos Seeger no están desplazadas tres trastes hacia atrás, por lo que la clavija de afinación para la quinta cuerda está alineada con el octavo traste en lugar del quinto traste.

Existen varios instrumentos híbridos que combinan el banjo con otros instrumentos de cuerda. La mayoría de ellos utilizan la caja de resonancia del banjo, a menudo con un resonador, y el mástil del otro instrumento. Algunos ejemplos son la mandolina banjo (patentada por primera vez en 1882) ^{[ 79 ]} y el ukelele banjo , popularizado por el comediante inglés George Formby . ^{[ 80 ]} Estos instrumentos fueron especialmente populares en las primeras décadas del siglo XX y probablemente surgieron del deseo de permitir que músicos de otros instrumentos se sumaran a la moda del banjo en su apogeo, o de obtener los beneficios de amplificación natural del resonador del banjo en una época anterior a la amplificación eléctrica.

Por el contrario, las guitarras tenor y de púa utilizan los mástiles de banjo correspondientes en cuerpos de guitarra. Surgieron a principios del siglo XX como una forma para que los intérpretes de banjo pudieran tocar también la guitarra sin tener que volver a aprender el instrumento por completo. ^{[ 81 ]}

También se han fabricado instrumentos que tienen un mástil de banjo de cinco cuerdas en un cuerpo de madera (por ejemplo, un cuerpo de guitarra, bouzouki o dobro ), como la banjola . Un instrumento turco del siglo XX similar al banjo se llama cümbüş , que combina un resonador parecido al del banjo con un mástil derivado del oud . A finales del siglo XX, una evolución del banjo de cinco cuerdas fue el BanSitar . ^{[ 82 ]} Este presenta un puente de hueso, lo que le da al instrumento una resonancia similar a la del sitar .

El banjo de samba brasileño es básicamente un mástil de cavaquinho sobre el cuerpo de un banjo, lo que produce un sonido más fuerte que el cavaquinho. Se afina igual que las cuatro cuerdas superiores de un banjo de cinco cuerdas, una octava más arriba (o cualquier afinación de cavaquinho).

• Castelnero, Gordon y Russell, David L. Earl Scruggs: Icono del banjo. Rowman & Littlefield, 2017.

• Conway, Cecelia (1995). African Banjo Echoes in Appalachia: A Study of Folk Traditions , University of Tennessee Press. Tapa blanda: ISBN 0-87049-893-2; tela: ISBN 0-87049-892-4Un estudio sobre la influencia de los afroamericanos en la interpretación del banjo a lo largo de la historia de Estados Unidos.
• De Smaele G. (1983). "Banjo a cinq cordes". Bruselas: Musée Instrumental (MIM), Bruselas. D 1983-2170-1
• De Smaele G. (2015). "Actitudes del banjo". París: L'Harmattan, 2015.
• De Smaele G. (2019). "A Five-String Banjo Sourcebook." París: L'Harmattan, 2019.
• Dubois, Laurent (2016). El banjo: el instrumento africano de América. Cambridge, MA: Harvard University Press, 2016.
• Epstein, Dena (1977). Sinful Tunes and Spirituals: Black Folk Music to the Civil War . University of Illinois Press, 2003. Ganadora del Premio Simkins de la Southern Historical Association, 1979. Ganadora del Premio de Folclore de Chicago. Edición de aniversario de un estudio clásico sobre la música de los esclavos negros en Estados Unidos.
• Gaddy, Kristina (2022). El pozo de las almas: Descubriendo la historia oculta del banjo . WW Norton & Company, 2022. ISBN 978-0393866803El autor desvela el papel fundamental del banjo en la espiritualidad, los rituales y la rebelión de la comunidad afroamericana.
• Gibson, George R. (2018). "El banjo, el violín y la danza afroamericanos en Kentucky y la fusión de la música folclórica afroamericana y angloamericana". Banjo Roots and Branches (Winans, 2018). University of Illinois Press, 2018. El capítulo historiográfico de Gibson revela mucha información nueva sobre los intérpretes de banjo y violín afroamericanos, así como sobre la danza en Kentucky, y su influencia en los músicos blancos desde la década de 1780.
• Gura, Philip F. y James F. Bollman (1999). El instrumento de Estados Unidos: El banjo en el siglo XIX . The University of North Carolina Press. ISBN 0-8078-2484-4La historia definitiva del banjo, centrada en el desarrollo del instrumento en el siglo XIX.
• Museo de Arte Katonah (2003). El nacimiento del banjo . Museo de Arte Katonah, Katonah, Nueva York. ISBN 0-915171-64-3.
• Linn, Karen (1994). Ese sonido medio bárbaro: El banjo en la cultura popular estadounidense . University of Illinois Press. ISBN 0-252-06433-XHistoria cultural académica del banjo, centrada en cómo ha evolucionado su imagen a lo largo de los años.
• Tsumura, Akira (1984). Banjos: la colección Tsumura . Kodansha Internacional Ltd. ISBN 0-87011-605-3Una historia ilustrada del banjo que presenta la colección más importante del mundo.
• Webb, Robert Lloyd (1996). ¡Llama al Banjar! 2.ª edición. Centerstream Publishing. ISBN 1-57424-016-1Breve historia del banjo, con fotografías de una exposición en el Museo del MIT.
• Winans, Robert (2018). Raíces y ramificaciones del banjo . University of Illinois Press, 2018. La historia del viaje del banjo desde África hasta el hemisferio occidental combina música, historia y la fusión de culturas. En Raíces y ramificaciones del banjo, Robert B. Winans presenta una investigación vanguardista que abarca los orígenes del instrumento en África Occidental, así como sus adaptaciones y difusión en el Caribe y Estados Unidos.