Arte alemán

El arte medieval alemán comienza realmente con el Imperio franco de Carlomagno (m. 814), el primer estado que gobernó la gran mayoría del territorio actual de Alemania, así como Francia y gran parte de Italia. El arte carolingio se limitó a un número relativamente pequeño de objetos producidos para un círculo cercano a la corte y varias abadías imperiales que patrocinaban, pero tuvo una enorme influencia en el arte medieval posterior en toda Europa. El tipo de objeto más común que ha sobrevivido es el manuscrito iluminado ; las pinturas murales eran evidentemente comunes, pero, al igual que los edificios que las albergaban, casi todas han desaparecido. Los primeros centros de iluminación se ubicaron en la actual Francia, pero posteriormente Metz en Lorena y la Abadía de San Galo en la actual Suiza llegaron a rivalizar con ellos. El Sacramentario de Drogo y el Salterio de Folchard se encuentran entre los manuscritos que produjeron. ^{[ 7 ]}

No se conserva ninguna escultura monumental carolingia , aunque quizás el mecenazgo más importante de Carlomagno fue el encargo de una figura de oro de tamaño natural de Cristo crucificado para su capilla palatina en Aquisgrán ; esta obra solo se conoce por referencias literarias y probablemente consistía en una lámina de oro sobre una base de madera, modelada probablemente con una capa de estuco , como la posterior y algo arrugada Virgen Dorada de Essen . El arte paleocristiano no había incluido esculturas monumentales de figuras religiosas en contraposición a las de gobernantes, ya que los Padres de la Iglesia las asociaban fuertemente con los ídolos de culto de la religión romana antigua . El arte bizantino y el arte religioso ortodoxo oriental moderno han mantenido esta prohibición hasta nuestros días, pero el arte occidental se vio aparentemente influenciado decisivamente por el ejemplo de Carlomagno para abandonarla. El círculo de Carlomagno deseaba revivir las glorias del estilo clásico, que conocían principalmente en su forma de la Antigüedad tardía , y también competir con el arte bizantino , en lo que parece que contaron con la ayuda de artistas refugiados de las convulsiones de la iconoclasia bizantina . Como Carlomagno mismo no parece haber estado muy interesado en las artes visuales, su rivalidad política con el Imperio bizantino , apoyado por el Papado , puede haber contribuido a la fuerte postura a favor de las imágenes expresada en los Libri Carolini , que establecieron la posición sobre las imágenes que la Iglesia occidental mantuvo con poca variación durante el resto de la Edad Media y más allá. ^{[ 8 ]}

Bajo la siguiente dinastía otoniana , cuyo territorio central se aproximaba más a la Alemania, Austria y Suiza de habla alemana actuales, el arte otoniano fue principalmente producto de los grandes monasterios, especialmente Reichenau , que fue el principal centro artístico occidental en la segunda mitad del siglo X. El estilo de Reichenau utiliza formas simplificadas y con patrones para crear imágenes muy expresivas, lejos de las aspiraciones clásicas del arte carolingio y anticipando el románico. La cruz de Gero de madera de 965-970 en la catedral de Colonia es a la vez la figura de crucifijo de tamaño casi natural más antigua y mejor conservada de principios de la Edad Media; los historiadores del arte se habían mostrado reacios a dar crédito a los registros que daban su fecha hasta que fueron confirmados por la dendrocronología en 1976. ^{[ 9 ]} Como en el resto de Europa, la orfebrería seguía siendo la forma de arte más prestigiosa, en obras como la Cruz de Lotario enjoyada , hecha alrededor del año 1000, probablemente en Colonia .

El arte románico fue el primer movimiento artístico que abarcó toda Europa Occidental , aunque con variantes regionales. Alemania fue una parte central del movimiento, si bien la arquitectura románica alemana hizo un uso menor de la escultura que la francesa. Con la creciente prosperidad, se construyeron iglesias monumentales en ciudades de toda Alemania, y ya no solo en aquellas patrocinadas por el círculo imperial. ^{[ 10 ]}

El arte románico alemán, que abarca desde el siglo X hasta el XII, desempeñó un papel significativo en el desarrollo general de la arquitectura y el arte románicos europeos. Si bien la arquitectura románica suele asociarse con grandes iglesias fortificadas, monasterios y castillos, la variante alemana tuvo características distintivas, influenciadas por el marco político y religioso del Sacro Imperio Romano Germánico. ^{[ 11 ]}

Una de las características clave de la arquitectura románica alemana fue su énfasis en la escala monumental. Las iglesias se construían típicamente con un marcado énfasis en la verticalidad y proporciones grandiosas, con muros gruesos, torres macizas y ventanas pequeñas y profundamente empotradas. Estos edificios a menudo presentaban plantas cruciformes (con forma de cruz), lo que permitía una división organizada del espacio que también cumplía funciones litúrgicas. Los interiores de estas iglesias se caracterizaban frecuentemente por bóvedas de cañón y bóvedas de arista, que se utilizaban para soportar las pesadas estructuras de piedra. ^{[ 12 ]}

Los franceses inventaron el estilo gótico , y Alemania tardó en adoptarlo, pero una vez que lo hizo, los alemanes lo hicieron suyo y continuaron usándolo mucho después de que el resto de Europa lo hubiera abandonado. Según Henri Focillon , el gótico permitió al arte alemán «definir por primera vez ciertos aspectos de su genio nativo: una concepción vigorosa y enfática de la vida y la forma, en la que la ostentación teatral se mezclaba con una vehemente franqueza emocional». ^{[ 13 ]} El Jinete de Bamberg de la década de 1330, en la Catedral de Bamberg , es la estatua ecuestre de piedra vertical más antigua de gran tamaño posterior a la Antigüedad; se conservan más monumentos funerarios de príncipes medievales de Alemania que de Francia o Inglaterra. Las iglesias románicas y del gótico temprano tenían pinturas murales en versiones locales de estilos internacionales, de las cuales se conocen pocos nombres de artistas. ^{[ 14 ]}

La corte del Sacro Emperador Romano Germánico , entonces radicada en Praga , desempeñó un papel importante en la formación del estilo gótico internacional a finales del siglo XIV. ^{[ 15 ]} El estilo se extendió por las ciudades ricas del norte de Alemania gracias a artistas como Conrad von Soest en Westfalia , el Maestro Bertram en Hamburgo y, posteriormente, Stefan Lochner en Colonia . Hamburgo fue una de las ciudades de la Liga Hanseática , cuando esta se encontraba en la cúspide de su prosperidad. Bertram fue sucedido en la ciudad por artistas como el Maestro Francke , el Maestro del Altar de Malchin , Hans Bornemann , Hinrik Funhof y Wilm Dedeke, quienes perduraron hasta el Renacimiento. Los artistas hanseáticos realizaron encargos para ciudades bálticas en Escandinavia y los actuales estados bálticos al este. En el sur, el Maestro del Altar de Bamberg es el primer pintor importante radicado en Núremberg , mientras que el Maestro de la Cruz de la Santa Cruz y, posteriormente, Michael Pacher trabajaron en Austria.

Al igual que el de Pacher, el taller de Bernt Notke , pintor de la ciudad hanseática de Lübeck , pintaba retablos o los tallaba en el estilo cada vez más elaborado de pintura y dorado, utilizado como marcos o alternativas para paneles pintados. La escultura en madera del sur de Alemania fue importante para el desarrollo de nuevos temas que reflejaban la intensa vida devocional fomentada por movimientos del catolicismo bajomedieval, como el misticismo alemán . Estos se conocen a menudo en inglés como andachtsbilder (imágenes devocionales) e incluyen la Piedad , Cristo pensativo , el Varón de Dolores , Arma Christi , el Velo de Verónica , la cabeza cortada de Juan el Bautista y la Virgen de los Dolores , muchos de los cuales se extenderían por Europa y seguirían siendo populares hasta el Barroco y, en la iconografía religiosa popular, más allá. De hecho, «barroco gótico tardío» es un término que a veces se utiliza para describir el arte hiperdecorado y emotivo del siglo XV, sobre todo en Alemania. ^{[ 16 ]}

Martin Schongauer , que trabajó en Alsacia a finales del siglo XV, representó la culminación de la pintura gótica alemana tardía, con un estilo sofisticado y armonioso, pero dedicó cada vez más tiempo a la producción de grabados, para los que se desarrollaron canales de distribución nacionales e internacionales, de modo que sus estampas eran conocidas en Italia y otros países. Sus predecesores fueron el Maestro de los Naipes y el Maestro ES , ambos también de la región del Alto Rin. ^{[ 17 ]} El conservadurismo alemán se manifiesta en el uso tardío de fondos dorados, que muchos artistas siguieron utilizando hasta bien entrado el siglo XV. ^{[ 18 ]}

La impresión mediante xilografía , aguafuerte (inventado por Daniel Hopfer ) y grabado (quizás otra invención alemana) ya estaba más desarrollada en Alemania y los Países Bajos que en cualquier otro lugar, y los alemanes lideraron el desarrollo de las ilustraciones de libros, generalmente de un nivel artístico relativamente bajo, pero presentes en toda Europa, con frecuencia cediéndose los bloques de madera a impresores de ediciones en otras ciudades o idiomas. El mayor artista del Renacimiento alemán, Albrecht Dürer , comenzó su carrera como aprendiz en un importante taller de Núremberg, el de Michael Wolgemut , quien había abandonado en gran medida la pintura para explotar el nuevo medio. Dürer trabajó en el libro más profusamente ilustrado de la época, la Crónica de Núremberg , publicada por su padrino Anton Koberger , el mayor impresor y editor de Europa en aquel entonces. ^{[ 19 ]}

Tras completar su aprendizaje en 1490, Durero viajó por Alemania durante cuatro años y por Italia durante unos meses, antes de establecer su propio taller en Núremberg. Pronto se hizo famoso en toda Europa por sus enérgicos y equilibrados grabados en madera y aguafuertes, además de pintar. Si bien conservaba un estilo distintivamente alemán, su obra muestra una fuerte influencia italiana y a menudo se la considera el inicio del Renacimiento alemán en las artes visuales, que durante los siguientes cuarenta años reemplazó a los Países Bajos y Francia como la región que produjo la mayor innovación en el arte del norte de Europa. Durero apoyó a Martín Lutero , pero continuó creando Madonas y otras imágenes católicas, y pintando retratos de líderes de ambos bandos de la incipiente escisión de la Reforma Protestante . ^{[ 19 ]}

Durero murió en 1528, antes de que quedara claro que la escisión de la Reforma se había vuelto permanente, pero sus discípulos de la siguiente generación no pudieron evitar tomar partido. La mayoría de los principales artistas alemanes se convirtieron al protestantismo, lo que les privó de pintar obras religiosas, que antes constituían la principal fuente de ingresos de los artistas. Martín Lutero se había opuesto a gran parte de la iconografía católica, pero no a la iconografía en sí, y Lucas Cranach el Viejo , amigo íntimo de Lutero, había pintado varios retablos luteranos, que representaban principalmente la Última Cena , algunos con retratos de los principales teólogos protestantes como los Doce Apóstoles . Esta fase del arte luterano terminó antes de 1550, probablemente bajo la influencia más anicónica del calvinismo , y la producción de obras religiosas para exhibición pública prácticamente cesó en las zonas protestantes. Presumiblemente debido en gran parte a esto, el desarrollo del arte alemán prácticamente se detuvo hacia 1550, pero en las décadas anteriores los artistas alemanes habían sido muy prolíficos en el desarrollo de temas alternativos para llenar el vacío en sus encargos. Lucas Cranach el Joven , además de retratos, desarrolló un formato de delgados retratos verticales de desnudos provocativos, a los que dio títulos clásicos o bíblicos. ^{[ 20 ]}

En cierto modo al margen de estos desarrollos se encuentra Matthias Grünewald , quien dejó muy pocas obras, pero cuya obra maestra, el Retablo de Isenheim (terminado en 1515), ha sido ampliamente considerada como la mayor pintura del Renacimiento alemán desde que recuperó el interés de la crítica en el siglo XIX. Es una obra de intensa emotividad que continúa la tradición gótica alemana de gestos y expresiones sin restricciones, utilizando principios compositivos renacentistas, pero todo ello dentro de la forma más gótica de todas: el tríptico de múltiples alas . ^{[ 21 ]}

La Escuela del Danubio es el nombre de un círculo de artistas del primer tercio del siglo XVI en Baviera y Austria, entre los que se incluyen Albrecht Altdorfer , Wolf Huber y Augustin Hirschvogel . Con Altdorfer a la cabeza, la escuela produjo los primeros ejemplos de arte paisajístico independiente en Occidente (casi 1000 años después de China), tanto en pinturas como en grabados. ^{[ 22 ]} Sus pinturas religiosas tenían un estilo expresionista algo similar al de Grünewald. Los alumnos de Durero, Hans Burgkmair y Hans Baldung Grien, trabajaron principalmente en grabados, y Baldung desarrolló el tema recurrente de las brujas en una serie de grabados enigmáticos. ^{[ 23 ]}

Hans Holbein el Viejo y su hermano Sigismund Holbein pintaron obras religiosas al estilo gótico tardío. Hans el Viejo fue un pionero y líder en la transformación del arte alemán del estilo gótico al renacentista. Su hijo, Hans Holbein el Joven, fue un importante pintor de retratos y algunas obras religiosas, que trabajó principalmente en Inglaterra y Suiza. La conocida serie de pequeños grabados en madera de Holbein sobre la Danza de la Muerte se relaciona con las obras de los Pequeños Maestros , un grupo de grabadores que se especializaban en grabados muy pequeños y detallados para coleccionistas burgueses, incluyendo muchos temas eróticos. ^{[ 25 ]}

A los logros sobresalientes de la primera mitad del siglo XVI les siguieron varias décadas con una notable ausencia de arte alemán destacable, aparte de retratos bien logrados que nunca rivalizaron con los logros de Holbein o Durero. Los siguientes artistas alemanes importantes trabajaron en el estilo bastante artificial del Manierismo nórdico , que tuvieron que aprender en Italia o Flandes. Hans von Aachen y el neerlandés Bartholomeus Spranger fueron los pintores más destacados en las cortes imperiales de Viena y Praga, y la prolífica familia de grabadores neerlandeses Sadeler se extendió por toda Alemania, entre otros países. ^{[ 26 ]} Este estilo fue continuado durante otra generación por Bartholomeus Strobel , un ejemplo de un artista esencialmente alemán nacido y que trabajó en Silesia , en la actual Polonia , hasta que emigró para escapar de la Guerra de los Treinta Años y convertirse en pintor en la corte polaca. Adam Elsheimer , el artista alemán más influyente del siglo XVII, pasó toda su carrera de madurez en Italia, donde comenzó trabajando para otro emigrado, Hans Rottenhammer . Ambos produjeron pinturas de gabinete de gran calidad , principalmente sobre cobre, con temas clásicos y paisajes de fondo.

La pintura barroca tardó en llegar a Alemania, con muy poca presencia antes de 1650 aproximadamente, pero una vez establecida parece haberse adaptado bien al gusto alemán. Los períodos barroco y rococó vieron al arte alemán producir principalmente obras derivadas de desarrollos de otros lugares, aunque hubo muchos artistas hábiles en varios géneros que estuvieron activos. El período sigue siendo poco conocido fuera de Alemania, y aunque "nunca pretendió estar entre las grandes escuelas de pintura", su olvido por parte de la historia del arte no alemana sigue siendo sorprendente. ^{[ 29 ]} Muchos pintores extranjeros distinguidos pasaron períodos trabajando en Alemania para príncipes, entre ellos Bernardo Bellotto en Dresde y otros lugares, y Gianbattista Tiepolo , quien pasó tres años pintando la Residencia de Würzburg con su hijo . Muchos pintores alemanes trabajaron en el extranjero, incluidos Johann Liss , quien trabajó principalmente en Venecia , Joachim von Sandrart y Ludolf Bakhuisen , el principal artista marino de los últimos años de la pintura de la Edad de Oro holandesa . A finales del siglo XVIII, el retratista Heinrich Füger y su alumno Johann Peter Krafft , cuyas obras más conocidas son tres grandes murales en el Hofburg , se habían mudado a Viena como estudiantes y se quedaron allí. ^{[ 30 ]}

El neoclasicismo , que nació en gran parte gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann , aparece bastante antes en Alemania que en Francia, con Anton Raphael Mengs (1728–79), el pintor danés Asmus Jacob Carstens (1754–98) y el escultor Gottfried Schadow (1764–1850). Mengs fue uno de los artistas más prestigiosos de su época, trabajando en Roma, Madrid y otros lugares, y encontrando un estilo neoclásico temprano que ahora parece bastante refinado, aunque sus retratos son más efectivos. La carrera más corta de Carstens fue turbulenta y problemática, dejando un rastro de obras inacabadas, pero a través de alumnos y amigos como Gottlieb Schick , Joseph Anton Koch y Bonaventura Genelli , más influyente. ^{[ 31 ]} Koch nació en las montañas del Tirol austriaco y se convirtió en el principal pintor continental de paisajes , concentrándose en vistas de montaña, a pesar de pasar gran parte de su carrera en Roma.

Daniel Chodowiecki nació en Danzig y se identificaba al menos parcialmente como polaco, aunque solo hablaba alemán y francés. Sus pinturas y cientos de grabados, ilustraciones de libros y caricaturas políticas son un valioso registro visual de la vida cotidiana y la mentalidad cada vez más compleja de la Alemania de la Ilustración y su incipiente nacionalismo . ^{[ 32 ]} El suizo Anton Graff fue un prolífico retratista en Dresde, que pintó figuras literarias así como a la corte. La dinastía de la familia Tischbein eran artistas polifacéticos que abarcaron la mayor parte del siglo XVIII, al igual que la familia Zick , inicialmente principalmente pintores de grandes techos barrocos, que seguían activos en el siglo XX en la persona del ilustrador Alexander Zick . ^{[ 33 ]} Tanto los hermanos Asam como Johann Baptist Zimmermann y su hermano pudieron ofrecer un servicio integral para encargos de iglesias y palacios, diseñando el edificio y ejecutando los estucos y las pinturas murales. El efecto combinado de todos los elementos de estos edificios en el sur de Alemania, Austria y Bohemia , especialmente sus interiores, representa algunas de las realizaciones más completas y extremas de la aspiración barroca de abrumar al espectador con el «radiante mundo de hadas de la morada del noble», o el «anticipo de las glorias del Paraíso» en el caso de las iglesias. ^{[ 34 ]}

La primera academia alemana fue la Akademie der Künste, fundada en Berlín en 1696, y durante los dos siglos siguientes, varias ciudades establecieron sus propias instituciones, en paralelo con el desarrollo de otras naciones europeas. En Alemania, la incertidumbre del mercado del arte en un país dividido en multitud de pequeños estados hizo que, hasta la fecha, los artistas alemanes más destacados tuvieran mayor probabilidad de aceptar puestos docentes en las academias y sus instituciones sucesoras que sus homólogos en Inglaterra o Francia. En general, las academias alemanas impusieron un estilo particular con menos rigidez que durante mucho tiempo en París, Londres, Moscú u otros lugares.

Durante la Ilustración, los escritores alemanes se convirtieron en destacados teóricos y críticos de arte, liderados por Johann Joachim Winckelmann , quien exaltó el arte de la Antigua Grecia y, a pesar de no haber visitado nunca Grecia ni haber visto muchas estatuas griegas antiguas, elaboró ​​un análisis que distinguía entre los principales periodos del arte griego antiguo y los relacionaba con movimientos históricos más amplios. La obra de Winckelmann marcó la entrada de la historia del arte en el discurso filosófico de la cultura alemana; fue leído con avidez por Goethe y Friedrich Schiller , quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su descripción del Grupo de Laocoonte provocó una respuesta de Lessing . Goethe había intentado formarse como artista, y sus bocetos de paisajes muestran «destellos ocasionales de emoción en presencia de la naturaleza que son bastante aislados en la época». ^{[ 35 ]}

El surgimiento del arte como tema principal de especulación filosófica se consolidó con la aparición de la Crítica del Juicio de Immanuel Kant en 1790, y se profundizó con las Lecciones de Estética de Hegel . En el siglo siguiente, las universidades alemanas fueron las primeras en impartir historia del arte como asignatura académica, sentando así las bases de la posición de liderazgo que Alemania (y Austria) ocuparían en el estudio de la historia del arte hasta la dispersión de los académicos en el extranjero durante el período nazi. Johann Gottfried Herder defendió lo que identificó en el gótico y Durero como estilos específicamente germánicos, iniciando un debate sobre los modelos adecuados para un artista alemán contra la llamada «tiranía de Grecia sobre Alemania», un debate que duraría casi dos siglos. ^{[ 36 ]}

El Romanticismo alemán propició un resurgimiento de la innovación y la singularidad en el arte alemán. Fuera de Alemania, solo Caspar David Friedrich es conocido, pero existieron varios artistas con estilos muy particulares, en particular Philipp Otto Runge , quien, al igual que Friedrich, se formó en la Academia de Copenhague y cayó en el olvido tras su muerte hasta su resurgimiento en el siglo XX. Friedrich pintó casi exclusivamente paisajes, con un distintivo aire nórdico y siempre una sensación de quietud casi religiosa. A menudo, sus figuras se ven de espaldas; al igual que el espectador, están absortas en la contemplación del paisaje. ^{[ 37 ]} Los retratos de Runge, en su mayoría de su círculo íntimo, son naturalistas, salvo los de sus niños con rostros enormes, pero las demás obras de su breve carrera reflejaron cada vez más un panteísmo visionario . ^{[ 38 ]} Adrian Ludwig Richter es recordado principalmente por sus retratos, y Carl Wilhelm Kolbe fue un grabador puro (además de filólogo ), cuyas últimas estampas muestran figuras casi engullidas por una vegetación gigantesca. ^{[ 39 ]}

El movimiento nazareno , término acuñado por un crítico burlón, designa a un grupo de pintores románticos alemanes de principios del siglo XIX que buscaban revivir la honestidad y la espiritualidad en el arte cristiano. La principal motivación de los nazarenos era la reacción contra el neoclasicismo y la educación artística rutinaria del sistema académico. Anhelaban regresar a un arte que encarnara valores espirituales y buscaban inspiración en artistas de la Baja Edad Media y el Renacimiento temprano, rechazando lo que consideraban el virtuosismo superficial del arte posterior. Su programa no era muy diferente al de la Hermandad Prerrafaelita inglesa de la década de 1850, aunque el grupo principal lo llevó al extremo de usar vestimentas pseudomedievales especiales. En 1810, Johann Friedrich Overbeck , Franz Pforr , Ludwig Vogel y el suizo Johann Konrad Hottinger se trasladaron a Roma , donde ocuparon el monasterio abandonado de San Isidoro. Se les unieron Philipp Veit , Peter von Cornelius , Julius Schnorr von Carolsfeld , Friedrich Wilhelm Schadow y un grupo heterogéneo de otros artistas alemanes. Se reunieron con el paisajista romántico austriaco Joseph Anton Koch (1768-1839), quien se convirtió en tutor no oficial del grupo. En 1827 se les unió Joseph von Führich , y posteriormente Eberhard Wächter se asoció con el grupo. A diferencia del fuerte apoyo que el crítico de arte dominante de la época, John Ruskin , brindó a los prerrafaelitas , Goethe desdeñó a los nazarenos: «Este es el primer caso en la historia del arte en el que verdaderos talentos han tenido la fantasía de formarse a sí mismos al revés, refugiándose en el vientre materno, y así fundar una nueva época en el arte». ^{[ 40 ]}

Liderada por el nazareno Schadow, hijo del escultor, la escuela de Düsseldorf fue un grupo de artistas que pintaban principalmente paisajes y que estudiaron en la Academia de Düsseldorf , fundada en 1767, o recibieron su influencia. La influencia de la academia creció en las décadas de 1830 y 1840, y contó con muchos estudiantes estadounidenses, varios de los cuales se vincularon con la Escuela del Río Hudson . ^{[ 41 ]}

Biedermeier se refiere a un estilo en la literatura, la música, las artes visuales y el diseño de interiores del período comprendido entre el final de las guerras napoleónicas en 1815 y las revoluciones de 1848. El arte Biedermeier atrajo a las prósperas clases medias por su realismo detallado pero refinado , que a menudo celebraba las virtudes domésticas, y llegó a dominar los gustos aristocráticos de tendencia francesa, así como las aspiraciones del Romanticismo. Carl Spitzweg fue un destacado artista alemán de este estilo. ^{[ 42 ]} El Zimmerbild o «retrato» de una habitación vacía se convirtió en una forma popular.

En la segunda mitad del siglo XIX se desarrollaron varios estilos, en paralelo a las tendencias de otros países europeos, aunque la falta de una capital dominante probablemente contribuyó a una diversidad de estilos aún mayor que en otros países. ^{[ 43 ]}

Adolph Menzel gozó de enorme popularidad tanto entre el público alemán como entre la burocracia; en su funeral, Guillermo II, emperador alemán, caminó detrás de su ataúd. Dramatizó los éxitos militares prusianos , tanto del pasado como del presente, en pinturas y brillantes grabados en madera que ilustraban libros, si bien sus temas domésticos son íntimos y conmovedores. Siguió el desarrollo del impresionismo temprano para crear un estilo que utilizó para representar grandes ocasiones públicas, entre otros temas como su obra El muro del estudio . Karl von Piloty fue un destacado pintor académico de temas históricos a finales de siglo que impartió clases en Múnich ; entre sus alumnos más famosos se encontraban Hans Makart , Franz von Lenbach , Franz Defregger , Gabriel von Max y Eduard von Grützner . El término «escuela de Múnich» se utiliza tanto para la pintura alemana como para la griega , después de que griegos como Georgios Jakobides estudiaran con él. El alumno más influyente de Piloty fue Wilhelm Leibl. Como líder del llamado Círculo Leibl, un grupo informal de artistas con un enfoque no académico del arte, tuvo un gran impacto en el Realismo en Alemania. ^{[ 44 ]}

La Secesión de Berlín fue un grupo fundado en 1898 por pintores como Max Liebermann , quien compartía ampliamente el enfoque artístico de Manet y los impresionistas franceses , y Lovis Corinth, que por entonces aún pintaba en un estilo naturalista. El grupo sobrevivió hasta la década de 1930, a pesar de las escisiones, y sus exposiciones regulares ayudaron a lanzar a las dos siguientes generaciones de artistas berlineses, sin imponer un estilo particular. ^{[ 45 ]} Hacia finales de siglo, la Escuela de Arte Benedictina Beuron desarrolló un estilo, principalmente para murales religiosos, en colores bastante apagados, con un interés medievalista en el patrón que se inspiró en Les Nabis y en cierto modo anticipó el Art Nouveau o Jugendstil ("Estilo Juvenil") como se le conoce en alemán. ^{[ 46 ]} Franz von Stuck y Max Klinger son los principales pintores simbolistas alemanes .

Incluso más que en otros países, el arte alemán de principios del siglo XX se desarrolló a través de diversos grupos y movimientos informales, muchos de los cuales abarcaban también otros medios artísticos y, a menudo, con un componente político específico, como el Arbeitsrat für Kunst y el November Group , ambos fundados en 1918. En 1922, el November Group, la Secesión de Dresde, Das Junge Rheinland y otros grupos progresistas formaron un «Cártel de grupos artísticos avanzados en Alemania» (Kartell fortschrittlicher Künstlergruppen in Deutschland) con el fin de darse a conocer. ^{[ 47 ]}

Die Brücke ("El Puente") fue uno de los dos grupos de pintores alemanes fundamentales para el expresionismo , siendo el otro el grupo Der Blaue Reiter . Die Brücke fue un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905 por estudiantes de arquitectura que querían ser pintores: Fritz Bleyl (1880–1966), Erich Heckel (1883–1970), Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) y Karl Schmidt-Rottluff (1884–1976), a quienes se unieron más tarde Max Pechstein y otros. ^{[ 48 ]} El notoriamente individualista Emil Nolde (1867–1956) fue brevemente miembro de Die Brücke, pero estaba en desacuerdo con los miembros más jóvenes del grupo. Die Brücke se trasladó a Berlín en 1911, donde finalmente se disolvió en 1913. Quizás su contribución más importante fue el redescubrimiento del grabado en madera como un medio válido para la expresión artística original.

El grupo Der Blaue Reiter ("El Jinete Azul") se formó en Múnich , Alemania, en 1911. Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , Marianne von Werefkin y otros fundaron el grupo en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky, El Juicio Final, en una exposición organizada por la Neue Künstlervereinigung, otro grupo de artistas del que Kandinsky había sido miembro. El nombre Der Blaue Reiter proviene del entusiasmo de Marc por los caballos y del amor de Kandinsky por el color azul. Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el anhelo humano por lo eterno (véase su libro de 1911, Sobre lo espiritual en el arte). Kandinsky también tituló un cuadro Der Blaue Reiter (véase la ilustración) en 1903. ^{[ 49 ]} La intensa escultura y el grabado de Käthe Kollwitz estuvieron fuertemente influenciados por el expresionismo , que también constituyó el punto de partida para los jóvenes artistas que posteriormente se unieron a otras tendencias dentro de los movimientos de principios del siglo XX. ^{[ 50 ]}

Die Brücke y Der Blaue Reiter fueron ejemplos de la tendencia del arte alemán de principios del siglo XX a ser "honesto, directo y espiritualmente comprometido" ^{[ 51 ].} Sin embargo, la diferencia en cómo ambos grupos abordaron esto fue reveladora. Los artistas de Der Blaue Reiter estaban menos orientados a la expresión intensa de la emoción y más a la teoría, una tendencia que llevaría a Kandinsky a la abstracción pura. Aun así, eran las propiedades espirituales y simbólicas de la forma abstracta las que eran importantes. Por lo tanto, había tonos utópicos en las abstracciones de Kandinsky: "Tenemos ante nosotros una era de creación consciente, y este nuevo espíritu en la pintura va de la mano con pensamientos hacia una época de mayor espiritualidad." ^{[ 52 ]} Die Brücke también tenía tendencias utópicas, pero tomó el gremio artesanal medieval como modelo de trabajo cooperativo que podía mejorar la sociedad: "Todo aquel que con franqueza y autenticidad transmite aquello que lo impulsa a crear nos pertenece". ^{[ 53 ]} La Bauhaus también compartía estas inclinaciones utópicas, buscando combinar las bellas artes y las artes aplicadas ( Gesamtkunstwerk ) con miras a crear una sociedad mejor.

Hecho en Alemania ( alemán : Den macht uns keiner nach ), por George Grosz , dibujado a pluma 1919, fotolitografía 1920

Hannah Höch , Cortar con el cuchillo de cocina a través de la última época de la cultura de la barriga cervecera de Weimar en Alemania , 1919, collage de papeles pegados, 90 × 144  cm, Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin

Una característica importante del arte alemán a principios del siglo XX hasta 1933 fue un auge en la producción de obras de arte de estilo grotesco . ^{[ 54 ] [ 55 ]} Entre los artistas que utilizaron el género satírico - grotesco se encontraban George Grosz , Otto Dix y Max Beckmann , al menos en sus obras de la década de 1920. El dadaísmo en Alemania, cuyos principales exponentes fueron Kurt Schwitters y Hannah Höch , se centró en Berlín, donde tendía a tener una orientación más política que los grupos dadaístas de otros lugares. ^{[ 56 ]} Hicieron importantes contribuciones al desarrollo del collage como medio para el comentario político; Schwitters desarrolló posteriormente su Merzbau , precursor del arte de instalación. ^{[ 56 ]} Dix y Grosz también estuvieron asociados con el grupo dadaísta de Berlín. Max Ernst dirigió un grupo dadaísta en Colonia, donde también practicó el collage, pero con mayor interés en la fantasía gótica que en el contenido político explícito ; esto aceleró su transición al surrealismo , del cual se convirtió en el principal exponente alemán. ^{[ 57 ]} El suizo Paul Klee , Lyonel Feininger y otros experimentaron con el cubismo .

La Nueva Objetividad , o Neue Sachlichkeit (nueva objetividad), fue un movimiento artístico surgido en Alemania durante la década de 1920 como consecuencia del expresionismo y en oposición a este. Es, por lo tanto, postexpresionista y se aplicó a obras de arte visual, así como a literatura, música y arquitectura. Describe el estilo arquitectónico austero y simplificado de la Bauhaus y el asentamiento de Weissenhof , los proyectos de planificación urbana y vivienda pública de Bruno Taut y Ernst May , y la industrialización del hogar, ejemplificada por la cocina de Frankfurt . Grosz y Dix fueron figuras destacadas, conformando la rama "verista" del movimiento junto con Beckmann y Christian Schad , Rudolf Schlichter , Georg Scholz (en sus primeros trabajos), Elfriede Lohse-Wächtler y Karl Hubbuch . La otra tendencia se denomina a veces Realismo Mágico e incluía a Anton Räderscheidt , Georg Schrimpf , Alexander Kanoldt y Carl Grossberg . A diferencia de otros grupos, la Nueva Objetividad nunca fue un grupo formal, y sus artistas estaban asociados a otros colectivos; el término fue acuñado por un curador afín, y «Realismo Mágico» por un crítico de arte. ^{[ 58 ]}

El Plakatstil , que significa "estilo de cartel" en alemán, fue un estilo primitivo de diseño de carteles que surgió a principios del siglo XX, caracterizado por el uso de tipografías audaces y rectas con diseños muy sencillos, en contraste con los carteles del Art Nouveau . Lucian Bernhard fue una figura destacada.

El régimen nazi prohibió el arte moderno , al que condenaba como arte degenerado (del alemán: entartete Kunst). Según la ideología nazi, el arte moderno se desviaba de la norma prescrita de belleza clásica . Si bien las décadas de 1920 a 1940 se consideran el apogeo de los movimientos artísticos modernos, existían movimientos nacionalistas contrapuestos que rechazaban el arte abstracto, y Alemania no fue la excepción. Los artistas alemanes de vanguardia fueron tachados de enemigos del Estado y una amenaza para la nación alemana. Muchos se exiliaron, y relativamente pocos regresaron después de la Segunda Guerra Mundial. Dix fue uno de los que se quedó, siendo reclutado en la milicia de la Guardia Nacional Volkssturm ; Pechstein se mantuvo discreto en la Pomerania rural . Nolde también se quedó, creando sus "cuadros sin pintar" en secreto tras tener prohibido pintar. Beckmann, Ernst, Grosz, Feininger y otros se fueron a Estados Unidos; Klee a Suiza, donde murió. Kirchner se suicidó. ^{[ 59 ]}

En julio de 1937, los nazis organizaron en Múnich una exposición polémica titulada Entartete Kunst ( Arte degenerado ), que posteriormente viajó a otras once ciudades de Alemania y Austria. La muestra pretendía ser una condena oficial del arte moderno e incluía más de 650 pinturas, esculturas, grabados y libros procedentes de las colecciones de treinta y dos museos alemanes. El expresionismo, originario de Alemania, representaba la mayor proporción de pinturas. Simultáneamente, y con gran pompa, los nazis presentaron la Grosse deutsche Kunstausstellung (Gran Exposición de Arte Alemán) en la majestuosa Haus der deutschen Kunst (Casa del Arte Alemán). Esta exposición exhibía la obra de artistas oficialmente aprobados, como Arno Breker y Adolf Wissel . Al cabo de cuatro meses, Entartete Kunst había atraído a más de dos millones de visitantes, casi tres veces y media la cantidad que visitó la cercana Grosse deutsche Kunstausstellung . ^{[ 60 ]}

Las tendencias artísticas de la posguerra en Alemania se pueden dividir a grandes rasgos en el realismo socialista en la RDA ( Alemania Oriental comunista ) y, en Alemania Occidental, una variedad de movimientos mayoritariamente internacionales, entre los que se incluyen el neoexpresionismo y el arte conceptual .

Entre los representantes más destacados del realismo socialista se encuentran o se incluyeron Walter Womacka , Willi Sitte , Werner Tübke y Bernhard Heisig .

Entre los neoexpresionistas más destacados se encuentran o se incluyeron Georg Baselitz , Anselm Kiefer , Jörg Immendorff , AR Penck , Markus Lüpertz , Peter Robert Keil y Rainer Fetting . Otros artistas notables que trabajan con medios tradicionales o imágenes figurativas son Martin Kippenberger , Gerhard Richter , Sigmar Polke y Neo Rauch .

Entre los principales artistas conceptuales alemanes se encuentran o se encuentran Bernd y Hilla Becher , Hanne Darboven , Hans-Peter Feldmann , Hans Haacke y Charlotte Posenenske . ^{[ 61 ]}

El artista de performance , escultor y teórico Joseph Beuys fue quizás el artista alemán más influyente de finales del siglo XX. ^{[ 62 ]} Su principal contribución a la teoría fue la expansión del Gesamtkunstwerk para incluir a toda la sociedad, como lo expresa su famosa frase "Todos somos artistas". Este concepto ampliado de arte, conocido como escultura social , define todo aquello que contribuye creativamente a la sociedad como de naturaleza artística. La forma que esto tomó en su obra varió desde performances ricamente metafóricas, casi chamánicas, basadas en su mitología personal ( Cómo explicarle cuadros a una liebre muerta , Me gusta América y a América le gusto ) hasta expresiones más directas y utilitarias, como 7000 Robles y sus actividades en el Partido Verde .

H.A. Schult y Wolf Vostell son famosos por sus happenings . Wolf Vostell también es conocido por sus primeras instalaciones con televisión. Su primera instalación con televisión, Cycle Black Room de 1958, se mostró en Wuppertal en la Galerie Parnass en 1963 y su instalación 6 TV Dé-coll/age se mostró en la Smolin Gallery ^{[ 63 ]} de Nueva York también en 1963. ^{[ 64 ] [ 65 ]}

El grupo artístico Gruppe SPUR estaba integrado por Lothar Fischer (1933–2004), Heimrad Prem (1934–1978), Hans-Peter Zimmer (1936–1992) y Helmut Sturm (1932). Los artistas de SPUR se conocieron en la Academia de Bellas Artes de Múnich y, antes de distanciarse de ella, estuvieron vinculados a la Internacional Situacionista . Otros grupos destacados fueron los Junge Wilde, de finales de los años setenta y principios de los ochenta.

La pintura de paisaje figurativa en el arte alemán de posguerra ocupa un lugar destacado dentro de la evolución artística posterior a 1945. En un período marcado por una profunda agitación política e incertidumbre, el paisaje se convirtió, para algunos artistas, en un espacio de proyección para la memoria, la pérdida, la renovación y la reflexión social. Inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, varios artistas retomaron tradiciones realistas, impresionistas y expresionistas anteriores. Los paisajes a menudo aparecían heridos, áridos o desprovistos de presencia humana, reflejando las experiencias de la guerra y la destrucción. Un representante significativo de esta tendencia es Franz Radziwill , cuyos paisajes —situados entre el realismo y el realismo mágico— transmiten una atmósfera opresiva, frecuentemente apocalíptica. ^{[ 66 ]}

En la RDA, la pintura de paisaje figurativa se desarrolló bajo diferentes condiciones políticas. ^{[ 67 ]} Algunos artistas emplearon el género para articular temas personales o de crítica social de manera indirecta. Particularmente influyente fue la llamada «Escuela de Leipzig», cuyos principales exponentes, aunque conocidos principalmente por sus composiciones figurativas, usaban con frecuencia el paisaje como un espacio cargado de simbolismo. Wolfgang Mattheuer creó paisajes que pueden interpretarse como emblemas de conflicto interno, restricciones políticas o amenazas ecológicas. ^{[ 68 ] [ 69 ]}

Werner Tübke integró paisajes en sus complejos mundos pictóricos, moldeados por capas históricas y alegóricas. Sus detallados panoramas aluden a precedentes histórico-artísticos y combinan representaciones de la naturaleza con crítica social y reflexiones sobre la historia. ^{[ 70 ] [ 71 ]} Harald Metzkes, por el contrario, desarrolló un lenguaje visual poético y melancólico en el que los paisajes suelen aparecer como espacios tranquilos y atemporales que ofrecen al espectador una distancia contemplativa del presente. ^{[ 72 ]}

En Alemania Occidental, la pintura paisajística figurativa permaneció eclipsada por la abstracción durante mucho tiempo ^{[ 73 ]} , pero a partir de la década de 1960 recibió nuevos impulsos. En sus primeras obras paisajísticas, Gerhard Richter se basó en fuentes fotográficas y las transformó mediante el desenfoque en espacios pictóricos ambivalentes que oscilan entre la realidad y la memoria. ^{[ 74 ]} Posteriormente, Anselm Kiefer también empleó el paisaje como motivo central, y sus representaciones predominantemente oscuras y densas de bosques, campos y ruinas alemanas se convirtieron en portadoras de la memoria colectiva, la mitología y la historia de la culpa. ^{[ 75 ]}

En resumen, la pintura paisajística figurativa en el arte alemán de posguerra fue más que una simple continuación de las representaciones tradicionales de la naturaleza. Funcionó como un espejo de las condiciones sociales, como un espacio simbólico para el trauma histórico y como un medio de autoafirmación individual, a menudo en contra de la indiscutible hegemonía de los movimientos abstractos.

Las artistas femeninas también hicieron importantes contribuciones en este contexto, aunque durante mucho tiempo recibieron menos reconocimiento. ^{[ 76 ]} Entre ellas se encuentran Ingrid Goltzsche‑Schwarz, Ida Kerkovius , Hal Busse, Gabriele Münter , Lotte Laserstein y Bettina Heinen-Ayech , esta última asociada con la colonia de artistas de Solingen y orientada hacia la pintura figurativa al aire libre, en plein air, en la tradición de la pintura paisajística inglesa de principios del siglo XIX, la Escuela de Barbizon de mediados del siglo XIX , el impresionismo , los pintores de Skagen y la colonia de artistas de Dachau .

La obra de la pintora Lotte Laserstein posterior a 1945 es igualmente figurativa. Exiliada en Suecia, trabajó por encargo, creando retratos, composiciones florales y paisajes. Gabriele Münter retomó repetidamente la pintura paisajística figurativa en la posguerra, junto con sus «improvisaciones» abstractas. Tras el fin de la guerra, Ida Kerkovius también adoptó un enfoque figurativo, creando impresiones de viajes y bodegones florales. ^{[ 77 ]}

Documenta (sic) es una importante exposición de arte contemporáneo que se celebra en Kassel cada cinco años (2007, 2012...), Art Cologne es una feria de arte anual, también principalmente de arte contemporáneo, y Transmediale es un festival anual de arte y cultura digital que se celebra en Berlín.

Otros artistas alemanes contemporáneos son Jonathan Meese , Daniel Richter , Albert Oehlen , Markus Oehlen , Rosemarie Trockel , Andreas Gursky , Thomas Ruff , Blinky Palermo , Hans-Jürgen Schlieker , Günther Uecker , Aris Kalaizis , Katharina Fritsch , Fritz Schwegler , Thomas Schütte , Katharina Sieverding e Isa Genzken .