Música folklórica

La música folclórica es un género musical que incluye la música folclórica tradicional y el género contemporáneo que evolucionó a partir de la primera durante el resurgimiento folclórico del siglo XX . Algunos tipos de música folclórica pueden denominarse música del mundo . La música folclórica tradicional se ha definido de varias maneras: como música transmitida oralmente, música con compositores desconocidos, música interpretada con instrumentos tradicionales, música sobre identidad cultural o nacional, música que cambia entre generaciones (proceso folclórico), música asociada al folclore de un pueblo o música interpretada por costumbre durante un largo período de tiempo. Se ha contrastado con los estilos comerciales y clásicos . El término se originó en el siglo XIX, pero la música folclórica se extiende más allá de esa época.

A partir de mediados del siglo XX, una nueva forma de música folclórica popular evolucionó a partir de la música folclórica tradicional. Este proceso y período se conoce como el (segundo) renacimiento folclórico y alcanzó su apogeo en la década de 1960. Esta forma de música a veces se denomina música folclórica contemporánea o música de renacimiento folclórico para distinguirla de las formas folclóricas anteriores. ^{[ 1 ]} Se han producido renacimientos similares de menor escala en otras partes del mundo en otros momentos, pero el término música folclórica generalmente no se ha aplicado a la nueva música creada durante esos renacimientos. Este tipo de música folclórica también incluye géneros de fusión como el folk rock , el folk metal y otros. Si bien la música folclórica contemporánea es un género generalmente distinto de la música folclórica tradicional, en inglés estadounidense comparte el mismo nombre y a menudo comparte los mismos intérpretes y lugares que la música folclórica tradicional.

Música folclórica tradicional

Definición

La música folk es fascinante, ¡porque prácticamente todo el mundo tiene una opinión sobre lo que es y lo que no es!

- Mina de oro (19 de septiembre de 2019) ^[²^]

Los términos música folclórica , canción folclórica y danza folclórica son expresiones relativamente recientes. Son extensiones del término folclore , acuñado en 1846 por el anticuario inglés William Thoms para describir "las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas". ^{[ 3 ]} El término deriva además de la expresión alemana Volk , en el sentido de "el pueblo en su conjunto", tal como la aplicaron a la música popular y nacional Johann Gottfried Herder y los románticos alemanes más de medio siglo antes. ^{[ 4 ]} Aunque se entiende que la música folclórica es la música del pueblo, los observadores encuentran que una definición más precisa es difícil de encontrar. ^{[ 5 ]}^{[ 6 ]} Algunos ni siquiera están de acuerdo en que se deba usar el término música folclórica. ^{[ 5 ]} La música folclórica puede tender a tener ciertas características ^{[ 3 ]} pero no se puede diferenciar claramente en términos puramente musicales. Un significado que se suele dar es el de "canciones antiguas, sin compositores conocidos" ^{[ 7 ]} otro es el de música que ha sido sometida a un "proceso evolutivo de transmisión oral ... la creación y reelaboración de la música por la comunidad que le da su carácter folclórico" ^{[ 8 ] .}

Estas definiciones dependen de "procesos (culturales) más que de tipos musicales abstractos...", de " la continuidad y la transmisión oral ... vistas como características de un lado de una dicotomía cultural , cuyo otro lado se encuentra no solo en las capas inferiores de las sociedades feudales , capitalistas y algunas orientales, sino también en sociedades 'primitivas' y en partes de las 'culturas populares'". ^{[ 9 ]} Una definición ampliamente utilizada es simplemente "La música folclórica es lo que canta la gente". ^{[ 10 ]}

Para Scholes, ^{[ 3 ]} así como para Cecil Sharp y Béla Bartók , ^{[ 11 ]} existía una concepción de la música rural distinta de la urbana. La música folclórica ya se consideraba «la expresión auténtica de una forma de vida pasada o a punto de desaparecer (o, en algunos casos, preservada o revivida de alguna manera)», ^{[ 12 ]} particularmente en «una comunidad no influenciada por la música culta» ^{[ 8 ]} ni por la música comercial e impresa. Lloyd rechazó esta idea en favor de una simple distinción de clase económica, ^{[ 11 ]} pero para él, la verdadera música folclórica estaba, en palabras de Charles Seeger , «asociada a una clase baja» ^{[ 13 ]} en sociedades estratificadas cultural y socialmente. En estos términos, la música folclórica puede considerarse parte de un «esquema que comprende cuatro tipos musicales: “primitivo” o “tribal”; “de élite” o “culto”; “folclórico”; y “popular”». ^{[ 14 ]}

La música de este género también se suele denominar «música tradicional». Aunque el término suele ser meramente descriptivo, en algunos casos se utiliza como nombre de un género. Por ejemplo, los premios Grammy utilizaban anteriormente los términos «música tradicional» y «folk tradicional» para referirse a la música folclórica que no es música folclórica contemporánea. ^{[ 15 ]} La música folclórica puede incluir la mayor parte de la música indígena . ^{[ 5 ]}

Características

Desde una perspectiva histórica, la música folclórica tradicional tenía estas características: ^{[ 13 ]}

Se transmitía a través de la tradición oral . Antes del siglo XX, la gente común solía ser analfabeta y aprendía las canciones de memoria. Principalmente, esto no se transmitía mediante libros ni medios grabados o transmitidos. Los cantantes podían ampliar su repertorio con hojas sueltas o cancioneros , pero estas adaptaciones secundarias eran del mismo carácter que las canciones originales, vividas en persona.
La música solía estar ligada a la cultura nacional . Era culturalmente particular; propia de una región o cultura específica. En el contexto de un grupo inmigrante, la música folclórica adquiere una dimensión adicional para la cohesión social. Es especialmente notable en las sociedades inmigrantes, donde los grecoaustralianos , los somalíes estadounidenses , los punjabíes canadienses y otros se esfuerzan por enfatizar su identidad cultural. Aprenden canciones y bailes originarios de los países de origen de sus abuelos.
Conmemoran eventos históricos y personales. En ciertos días del año, como Navidad, Pascua y el Primero de Mayo, se interpretan canciones específicas que celebran el ciclo anual. Cumpleaños, bodas y funerales también se celebran con canciones, bailes y trajes especiales. Las fiestas religiosas suelen incluir música folclórica. La música coral en estos eventos invita a niños y cantantes no profesionales a participar en un espacio público, creando un vínculo emocional que trasciende las cualidades estéticas de la música.
Estas canciones se han interpretado, por costumbre , durante un largo período de tiempo, generalmente durante varias generaciones .

Como efecto secundario, a veces se presentan las siguientes características:

Las canciones no tienen derechos de autor . Cientos de canciones folclóricas del siglo XIX tienen autores conocidos, pero se han transmitido oralmente hasta el punto de considerarse tradicionales a efectos de publicación musical. Esto se ha vuelto mucho menos frecuente desde la década de 1940. Hoy en día, casi todas las canciones folclóricas grabadas llevan la autoría de un arreglista.
Fusión de culturas: Dado que las culturas interactúan y cambian con el tiempo, las canciones tradicionales que evolucionan pueden incorporar y reflejar influencias de culturas diversas. Entre los factores relevantes se incluyen la instrumentación , la afinación , las armonías vocales , el fraseo , la temática e incluso los métodos de producción.
Los acordes y las armonías que acompañaban a una canción se improvisaban. Los cancioneros y las hojas sueltas contenían poca información (si acaso alguna) sobre la melodía y la armonía de una canción, por lo que los intérpretes elegían sus propias opciones y componían arreglos espontáneos. Esto contrasta con las partituras detalladas y prescriptivas que se utilizaban en aquella época para transcribir composiciones de música clásica.

Melodía

En la música folclórica, una melodía es una pieza instrumental corta , una melodía , a menudo con secciones repetidas , y generalmente se toca varias veces. ^[¹⁶^] Una colección de melodías con similitudes estructurales se conoce como familia de melodías . America's Musical Landscape ^[¹⁷^] dice que "la forma más común para las melodías en la música folclórica es AABB, también conocida como forma binaria ". ^[¹⁸^]

En algunas tradiciones, las melodías pueden unirse en popurrís o conjuntos. ^{[ 19 ]} Los estudios demuestran que patrones musicales tradicionales específicos de la herencia musical europea siguen secuencias matemáticas que ayudan a que las canciones tradicionales sobrevivan a través de la transmisión oral de melodías entre generaciones. ^{[ 20 ]}

Orígenes

Músico folclórico indio nepalí Navneet Aditya Waiba

Durante la mayor parte de la historia de la humanidad, escuchar música grabada no era posible. ^{[ 21 ]}^{[ 22 ]} La música era creada por la gente común tanto en su trabajo como en su ocio, así como durante las actividades religiosas. El trabajo de producción económica solía ser manual y comunitario. ^{[ 23 ]} El trabajo manual a menudo incluía el canto de los trabajadores, que cumplía varios propósitos prácticos. ^{[ 24 ]} Redujo el aburrimiento de las tareas repetitivas, mantuvo el ritmo durante los empujes y tirones sincronizados y marcó el ritmo de muchas actividades como plantar , desherbar , cosechar , trillar , tejer y moler . En el tiempo libre , cantar y tocar instrumentos musicales eran formas comunes de entretenimiento y narración de historias, incluso más comunes que hoy en día, cuando las tecnologías habilitadas eléctricamente y la alfabetización generalizada hacen que otras formas de entretenimiento e intercambio de información sean competitivas. ^{[ 25 ]}

Algunos creen que la música folclórica se originó como música culta que fue modificada y probablemente degradada por la transmisión oral, reflejando al mismo tiempo el carácter de la sociedad que la produjo. ^{[ 3 ]} En muchas sociedades, especialmente en las prealfabetizadas, la transmisión cultural de la música folclórica requiere aprendizaje auditivo , aunque la notación ha evolucionado en algunas culturas. ^{[ 26 ]} Diferentes culturas pueden tener distintas nociones respecto a la división entre la música «folclórica», por un lado, y la música «culta» y «cortesana», por otro. En la proliferación de géneros de música popular, parte de la música folclórica tradicional también pasó a denominarse « música del mundo » o «música de raíces». ^{[ 27 ]}

El término inglés « folklore », para describir la música y la danza folclóricas tradicionales, se incorporó al vocabulario de muchas naciones europeas continentales, cada una de las cuales contaba con sus recopiladores y promotores de canciones folclóricas. ^{[ 3 ]} La distinción entre la música folclórica «auténtica» y la canción nacional y popular en general siempre ha sido difusa, especialmente en Estados Unidos y Alemania ^{[ 3 ]} – por ejemplo, compositores populares como Stephen Foster podrían ser denominados «folk» en Estados Unidos. ^{[ 3 ]}^{[ 28 ]} La definición del Consejo Internacional de Música Folclórica permite que el término también se aplique a la música que «...se originó con un compositor individual y posteriormente se ha incorporado a la tradición viva y no escrita de una comunidad. Pero el término no abarca una canción, danza o melodía que se ha adoptado ya hecha y permanece inalterada». ^{[ 29 ]}

Una canción popular asamés cantada por las mujeres de la comunidad Sonowal Kachari en India.

El resurgimiento del folk posterior a la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos y Gran Bretaña dio origen a un nuevo género, la música folk contemporánea , y aportó un significado adicional al término "música folk": canciones de nueva composición, de forma fija y de autores conocidos, que imitaban alguna forma de música tradicional. La popularidad de las grabaciones de "folk contemporáneo" provocó la aparición de la categoría "Folk" en los Premios Grammy de 1959; ^{[ 30 ]} en 1970 el término se abandonó en favor de "Mejor grabación étnica o tradicional (incluido el blues tradicional)", ^{[ 31 ]} mientras que en 1987 se estableció una distinción entre "Mejor grabación de folk tradicional" y "Mejor grabación de folk contemporáneo". ^{[ 32 ]} Después de eso, tuvieron una categoría de "Música tradicional" que posteriormente evolucionó en otras. A principios del siglo XXI, el término «folk» podía abarcar a cantautores como Donovan ^{[ 33 ]} de Escocia y Bob Dylan ^{[ 34 ]} de Estados Unidos, que surgieron en la década de 1960, y muchos más. Esto completó un proceso en el que «música folk» dejó de significar únicamente música folk tradicional. ^{[ 7 ]}

Tema

música folclórica asiria — Asirios tocando una *zurna* y un *davul* , instrumentos que se utilizan habitualmente en la música y la danza folclóricas asirias.

La música folclórica tradicional a menudo incluye palabras cantadas , aunque la música instrumental folclórica es común en las tradiciones de música de baile . El verso narrativo ocupa un lugar destacado en la música folclórica tradicional de muchas culturas. ^{[ 35 ]}^{[ 36 ]} Esto abarca formas como la poesía épica tradicional , gran parte de la cual fue concebida originalmente para ser interpretada oralmente, a veces acompañada de instrumentos. ^{[ 37 ]}^{[ 38 ]} Muchos poemas épicos de diversas culturas fueron compuestos a partir de fragmentos más cortos de verso narrativo tradicional, lo que explica su estructura episódica, sus elementos repetitivos y sus frecuentes desarrollos argumentales in medias res . Otras formas de verso narrativo tradicional relatan los resultados de batallas o lamentan tragedias o desastres naturales . ^{[ 39 ]}

A veces, como en el triunfal Canto de Débora ^{[ 40 ]} que se encuentra en el Libro de los Jueces de la Biblia , estas canciones celebran la victoria. Los lamentos por las batallas y guerras perdidas, y las vidas que se perdieron en ellas, son igualmente prominentes en muchas tradiciones; estos lamentos mantienen viva la causa por la que se libró la batalla. ^[⁴¹^]^[⁴²^] Las narrativas de las canciones tradicionales a menudo también recuerdan a héroes populares como John Henry ^[⁴³^]^[⁴⁴^] o Robin Hood . ^[⁴⁵^] Algunas narrativas de canciones tradicionales recuerdan eventos sobrenaturales o muertes misteriosas. ^[⁴⁶^]

Los himnos y otras formas de música religiosa suelen ser de origen tradicional y desconocido. ^{[ 47 ]} La notación musical occidental se creó originalmente para preservar las líneas del canto gregoriano , que antes de su invención se enseñaba como tradición oral en las comunidades monásticas . ^{[ 48 ]}^{[ 49 ]} Canciones tradicionales como «Green grow the rushes, O» presentan la tradición religiosa de forma mnemotécnica , al igual que los villancicos navideños occidentales y otras canciones tradicionales similares. ^{[ 50 ]}

Las canciones de trabajo frecuentemente presentan estructuras de llamada y respuesta y están diseñadas para permitir que los trabajadores que las cantan coordinen sus esfuerzos de acuerdo con los ritmos de las canciones. ^{[ 51 ]} En las fuerzas armadas estadounidenses , una animada tradición oral conserva las llamadas jody ("cantos de Duckworth") que se cantan mientras los soldados marchan. ^{[ 52 ]} Los marineros profesionales hicieron un uso similar de un gran repertorio de canciones marineras . ^{[ 53 ]}^{[ 54 ]} La poesía amorosa , a menudo de naturaleza trágica o de arrepentimiento, ocupa un lugar destacado en muchas tradiciones populares. ^{[ 55 ]}^{[ 56 ]} Las rimas infantiles , las canciones para niños y los versos sin sentido utilizados para entretener o calmar a los niños también son temas frecuentes de las canciones tradicionales. ^{[ 57 ]}

Transformaciones y variaciones de canciones folclóricas

La música transmitida oralmente dentro de una comunidad, con el tiempo, desarrolla muchas variantes, ya que esta transmisión no puede garantizar una reproducción exacta palabra por palabra ni nota por nota. Además, los cantantes folclóricos pueden optar por modificar las canciones que escuchan.

Por ejemplo, hacia 1970, la canción Mullā Mohammed Jān se extendió desde Herat al resto de Afganistán e Irán , donde fue grabada. Debido a su estribillo repetitivo y la previsibilidad de la segunda mitad de cada verso , permitió tanto su popularización como que cada cantante creara su propia versión sin preocuparse demasiado por una melodía o un ritmo poético restrictivo. ^{[ 58 ]}

Debido a la proliferación natural de variantes, generalmente no existe una versión "autorizada" de la canción. Los investigadores de canciones tradicionales han encontrado innumerables versiones de la balada de Barbara Allen en todo el mundo angloparlante, y estas versiones suelen diferir enormemente entre sí. Se desconoce la original; muchas versiones reclaman la misma autenticidad.

El influyente folclorista Cecil Sharp creía que estas variantes de una canción tradicional, que competían entre sí, experimentarían un proceso de mejora similar a la selección natural biológica : solo las nuevas variantes más atractivas para los cantantes comunes serían adoptadas por otros y transmitidas a lo largo del tiempo. Por lo tanto, con el tiempo, cabría esperar que cada canción tradicional se volviera más atractiva estéticamente, gracias a la mejora gradual de la comunidad.

El interés literario por la balada popular se remonta al menos a Thomas Percy y William Wordsworth . Los compositores ingleses de las épocas isabelina y estuardo a menudo habían desarrollado su música a partir de temas folclóricos; la suite clásica se basaba en danzas folclóricas estilizadas, y se destaca el uso que hizo Joseph Haydn de melodías folclóricas. Pero el surgimiento del término "folk" coincidió con un "estallido de sentimiento nacional en toda Europa", particularmente fuerte en los confines del continente, donde la identidad nacional se afirmaba con mayor fuerza. Surgieron compositores nacionalistas en Europa Central, Rusia, Escandinavia, España y Gran Bretaña: la música de Dvořák , Smetana , Grieg , Rimsky-Korsakov , Brahms , Liszt , de Falla , Wagner , Sibelius , Vaughan Williams , Bartók y muchos otros se inspiraron en melodías folclóricas.

Formas regionales

Si bien la pérdida de la música folclórica tradicional frente al auge de la música popular es un fenómeno mundial, ^{[ 59 ]} no se produce a un ritmo uniforme en todo el mundo. ^{[ 60 ]} El proceso está más avanzado «donde la industrialización y la comercialización de la cultura están más avanzadas» ^{[ 61 ]} , pero también se produce de forma más gradual incluso en entornos con menor desarrollo tecnológico. Sin embargo, la pérdida de la música tradicional se ralentiza en naciones o regiones donde la música folclórica tradicional es un símbolo de identidad cultural o nacional. Los etnomusicólogos señalan que el programa de Patrimonio Cultural Inmaterial organizado por la UNESCO se encuentra entre las principales medidas implementadas por los gobiernos para proteger las tradiciones musicales regionales de la desaparición. ^[⁶²^]

Música folclórica antigua, trabajo de campo y estudios académicos.

Gran parte de lo que se sabe sobre la música folclórica antes del desarrollo de la tecnología de grabación de audio en el siglo XIX proviene del trabajo de campo y los escritos de académicos, coleccionistas y defensores. ^{[ 63 ]}

Europa del siglo XIX

A partir del siglo XIX, académicos y aficionados, al percatarse de la pérdida de las tradiciones musicales, iniciaron diversos esfuerzos para preservar la música popular. ^{[ 64 ]} Uno de estos esfuerzos fue la recopilación, a finales del siglo XIX, por parte de Francis James Child, de los textos de más de trescientas baladas de las tradiciones inglesa y escocesa (conocidas como las Baladas de Child ), algunas de las cuales datan de antes del siglo XVI. ^{[ 10 ]}

Contemporáneamente con Child, el reverendo Sabine Baring-Gould y, posteriormente, Cecil Sharp trabajaron para preservar un gran repertorio de canciones, música y danzas tradicionales rurales inglesas, bajo los auspicios de lo que se convirtió y sigue siendo la Sociedad Inglesa de Danza y Canción Folclórica (EFDSS). ^{[ 65 ]} Sharp hizo campaña, con cierto éxito, para que las canciones tradicionales inglesas (en sus propias versiones muy editadas y expurgadas) se enseñaran a los escolares con la esperanza de revivir y prolongar la popularidad de esas canciones. ^{[ 66 ]}^{[ 67 ]} A lo largo de la década de 1960 y principios y mediados de la década de 1970, el erudito estadounidense Bertrand Harris Bronson publicó una exhaustiva colección de cuatro volúmenes de las variaciones entonces conocidas tanto de los textos como de las melodías asociadas con lo que llegó a conocerse como el Canon Child. ^{[ 68 ]} También presentó algunas teorías significativas sobre el funcionamiento de la tradición oral-auditiva. ^{[ 69 ]}

Actividad similar también se desarrollaba en otros países. Una de las más extensas fue quizás la labor realizada en Riga por Krišjānis Barons , quien entre 1894 y 1915 publicó seis volúmenes que incluían los textos de 217.996 canciones populares letonas , las Latvju dainas , que almacenó en el Gabinete de Canciones Populares . ^{[ 70 ]} En Noruega, la obra de coleccionistas como Ludvig Mathias Lindeman fue ampliamente utilizada por Edvard Grieg en sus Piezas Líricas para piano y en otras obras, que alcanzaron una inmensa popularidad. ^{[ 71 ]}

Por esta época, los compositores de música clásica desarrollaron un gran interés por recopilar canciones tradicionales, y varios de ellos llevaron a cabo su propio trabajo de campo sobre música tradicional. Entre ellos se encontraban Percy Grainger ^{[ 72 ]} y Ralph Vaughan Williams ^{[ 73 ]} en Inglaterra, y Béla Bartók ^{[ 74 ]} en Hungría. Estos compositores, al igual que muchos de sus predecesores, realizaron arreglos de canciones folclóricas e incorporaron material tradicional en composiciones clásicas originales. ^{[ 75 ]}^{[ 76 ]}

América del norte

Localidades del sur y centro de los Apalaches visitadas por el folclorista británico Cecil Sharp en 1916 (azul), 1917 (verde) y 1918 (rojo). Sharp buscaba baladas inglesas y escocesas de la vieja escuela, transmitidas a los habitantes de la región por sus ancestros británicos. Recopiló cientos de estas baladas, siendo las zonas más productivas las montañas Blue Ridge de Carolina del Norte y las montañas Cumberland de Kentucky.

La llegada de la tecnología de grabación de audio proporcionó a los folcloristas una herramienta revolucionaria para preservar formas musicales en vías de extinción. ^{[ 77 ]} Los primeros estudiosos de la música folclórica estadounidense fueron los de la American Folklore Society (AFS), que surgió a finales del siglo XIX. ^{[ 78 ]} Sus estudios se ampliaron para incluir la música de los nativos americanos , pero aún trataban la música folclórica como un elemento histórico preservado también en sociedades aisladas. ^{[ 79 ]} En Norteamérica, durante las décadas de 1930 y 1940, la Biblioteca del Congreso trabajó a través de las oficinas de los coleccionistas de música tradicional Robert Winslow Gordon , ^{[ 80 ]} Alan Lomax ^{[ 81 ]}^{[ 82 ]}^{[ 83 ]} y otros para recopilar la mayor cantidad posible de material de campo norteamericano. ^{[ 84 ]} John Lomax (el padre de Alan Lomax) fue el primer erudito prominente en estudiar la música folclórica distintivamente estadounidense, como la de los vaqueros y los negros del sur. Su primera obra importante publicada fue en 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads . ^{[ 85 ]} John Lomax fue posiblemente el erudito más destacado de la música folclórica estadounidense de su época, especialmente durante los inicios del resurgimiento de la música folclórica en las décadas de 1930 y 1940. Cecil Sharp también trabajó en Estados Unidos, grabando las canciones tradicionales de los Montes Apalaches entre 1916 y 1918 en colaboración con Maud Karpeles y Olive Dame Campbell , y es considerado el primer gran erudito en abordar la música folclórica estadounidense. ^{[ 86 ]} Campbell y Sharp están representados con otros nombres por actores en la película moderna Songcatcher . ^{[ 87 ]}

Un tema recurrente entre los estudiosos del folclore en las primeras décadas del siglo XX fue el regionalismo , ^{[ 88 ]} el análisis de la diversidad de la música folclórica (y culturas relacionadas) basado en las regiones de los Estados Unidos en lugar de en las raíces históricas de una canción determinada. ^{[ 89 ]}^{[ 90 ]} Posteriormente, se añadió a esto una dinámica de clase y circunstancias. ^{[ 91 ]} Los regionalistas más prominentes fueron figuras literarias con un interés particular en el folclore. ^{[ 92 ]}^{[ 93 ]} Carl Sandburg viajó frecuentemente por los Estados Unidos como escritor y poeta. ^{[ 94 ]} También recopiló canciones en sus viajes y, en 1927, las publicó en el libro The American Songbag . ^{[ 95 ]} Rachel Donaldson, historiadora que trabajó para Vanderbilt, afirmó posteriormente lo siguiente acerca de The American Songbag en su análisis del resurgimiento de la música folclórica: «En sus colecciones de canciones folclóricas, Sandburg añadió una dinámica de clase a la comprensión popular de la música folclórica estadounidense. Este fue el elemento final de la base sobre la cual los primeros promotores del resurgimiento de la música folclórica construyeron su propia visión del americanismo. Los estadounidenses de clase trabajadora de Sandburg se unieron a los ciudadanos étnica , racial y regionalmente diversos que otros académicos, intelectuales públicos y folcloristas celebraban, para definir el folclore estadounidense, definiciones que los promotores del resurgimiento folclórico utilizaron para construir su propia comprensión de la música folclórica estadounidense y una identidad estadounidense general». ^{[ 96 ]}

Antes de la década de 1930, el estudio de la música folclórica era principalmente dominio de académicos y coleccionistas. En la década de 1930 se observaron los inicios de temas, similitudes y vínculos a mayor escala en la música folclórica, que se desarrollaron tanto en la población como en los intérpretes, a menudo relacionados con la Gran Depresión . ^{[ 97 ]} El regionalismo y el pluralismo cultural crecieron como influencias y temas. Durante este tiempo, la música folclórica comenzó a entrelazarse con temas y movimientos de activismo político y social. ^{[ 97 ]} Dos desarrollos relacionados fueron el interés del Partido Comunista de los Estados Unidos en la música folclórica como una forma de llegar a los estadounidenses e influir en ellos, ^{[ 98 ]} y la visión de músicos y académicos folclóricos prominentes y políticamente activos que veían el comunismo como un posible sistema mejor, a través del prisma de la Gran Depresión. ^{[ 99 ]} Woody Guthrie ejemplifica a los compositores y artistas con esta perspectiva. ^{[ 100 ]}

Los festivales de música folclórica proliferaron durante la década de 1930. ^{[ 101 ]} El presidente Franklin Roosevelt era aficionado a la música folclórica, organizaba conciertos de este género en la Casa Blanca y solía patrocinar festivales de música folclórica. ^{[ 102 ]} Un festival destacado fue el Festival Nacional de Música Folclórica de Sarah Gertrude Knott , establecido en San Luis , Misuri, en 1934. ^[¹⁰³^] Bajo el patrocinio de The Washington Post , el festival se celebró en Washington, D.C., en el Constitution Hall de 1937 a 1942. ^[¹⁰⁴^] El movimiento de la música folclórica, los festivales y el esfuerzo bélico se consideraban fuerzas para el bien social, como la democracia, el pluralismo cultural y la eliminación de las barreras culturales y raciales. ^[¹⁰⁵^]

Los revitalizadores de la música folclórica estadounidense de la década de 1930 abordaron la música folclórica de diferentes maneras. ^{[ 106 ]} Surgieron tres escuelas de pensamiento principales: los "tradicionalistas" (por ejemplo, Sarah Gertrude Knott y John Lomax ) enfatizaron la preservación de las canciones como artefactos de culturas desaparecidas. Los folcloristas "funcionales" (por ejemplo, Botkin y Alan Lomax) sostuvieron que las canciones solo conservan relevancia cuando son utilizadas por aquellas culturas que mantienen las tradiciones que las originaron. Los revitalizadores folclóricos de "izquierda" (por ejemplo, Charles Seeger y Lawrence Gellert) enfatizaron el papel de la música "en las luchas del pueblo por los derechos sociales y políticos". ^{[ 106 ]} A finales de la década de 1930, estos y otros habían convertido la música folclórica estadounidense en un movimiento social. ^{[ 106 ]}

En ocasiones, los músicos folclóricos se convertían en eruditos y defensores. Por ejemplo, Jean Ritchie (1922-2015) era la menor de una familia numerosa de Viper, Kentucky , que había conservado muchas de las antiguas canciones tradicionales de los Apalaches . ^{[ 107 ]} Ritchie, que vivió en una época en la que los Apalaches se habían abierto a la influencia externa, recibió formación universitaria y finalmente se mudó a la ciudad de Nueva York, donde realizó varias grabaciones clásicas del repertorio familiar y publicó una importante recopilación de estas canciones. ^{[ 108 ]}

En enero de 2012, el Centro de Folclore Estadounidense de la Biblioteca del Congreso , junto con la Asociación para la Equidad Cultural, anunció la publicación en formato digital del extenso archivo de grabaciones de Lomax de 1946 en adelante. Lomax dedicó los últimos 20 años de su vida a un proyecto informático educativo multimedia interactivo que denominó Global Jukebox , el cual incluía 5000 horas de grabaciones de sonido, 400 000 pies de película, 3000 cintas de vídeo y 5000 fotografías. ^{[ 109 ]} En marzo de 2012, este proyecto se había completado. Aproximadamente 17 400 de las grabaciones de Lomax de 1946 en adelante se han puesto a disposición gratuitamente en línea. ^{[ 110 ]}^{[ 111 ]} Este material del archivo independiente de Alan Lomax, iniciado en 1946, que ha sido digitalizado y ofrecido por la Asociación para la Equidad Cultural, es "distinto de las miles de grabaciones anteriores en discos de acetato y aluminio que realizó de 1933 a 1942 bajo los auspicios de la Biblioteca del Congreso. Esta colección anterior, que incluye las famosas sesiones de Jelly Roll Morton , Woody Guthrie, Lead Belly y Muddy Waters , así como las prodigiosas colecciones de Lomax realizadas en Haití y el este de Kentucky (1937) , es la procedencia del American Folklife Center" ^{[ 110 ]} en la Biblioteca del Congreso.

Formas nacionales y regionales

África

África es un vasto continente ^{[ 112 ]} y sus regiones y naciones tienen tradiciones musicales distintas. ^{[ 113 ]}^{[ 114 ]} La música del norte de África, en su mayor parte, tiene una historia diferente a la de las tradiciones musicales del África subsahariana . ^{[ 115 ]}

Las formas musicales y de danza de la diáspora africana , incluyendo la música afroamericana y muchos géneros caribeños como la soca , el calipso y el zouk ; y géneros musicales latinoamericanos como la samba , la rumba cubana , la salsa ; y otros géneros basados en la clave (ritmo) , se fundaron en diversos grados en la música de los africanos esclavizados , lo que a su vez influyó en la música popular africana . ^{[ 116 ]}^{[ 117 ]}

Asia

Muchas civilizaciones asiáticas distinguen entre estilos artísticos /cortesanos/clásicos y música "folclórica". ^{[ 118 ]}^{[ 119 ]} Por ejemplo, el difunto Alam Lohar es un ejemplo de cantante del sur de Asia que fue clasificado como cantante folclórico. ^{[ 120 ]}

Khunung Eshei/Khuland Eshei es una antigua canción folclórica de la India, un país de Asia, de los Meitei de Manipur , que es un ejemplo de la música folclórica asiática y de cómo la convirtieron en un género propio. ^{[ 121 ]}

Música folclórica de China

Los descubrimientos arqueológicos datan la música folclórica china en 7000 años; ^{[ 122 ]} se basa en gran medida en la escala pentatónica . ^{[ 123 ]}

Las bodas y funerales tradicionales Han suelen incluir una forma de oboe llamada suona , ^{[ 124 ]} y conjuntos percusivos llamados chuigushou . ^{[ 125 ]} Los conjuntos que consisten en órganos de boca ( sheng ), chirimías ( suona ), flautas ( dizi ) e instrumentos de percusión (especialmente gongs yunluo ) son populares en las aldeas del norte; ^[¹²⁶^] su música desciende de la música de los templos imperiales de Beijing, Xi'an , Wutaishan y Tianjin . La música de tambores de Xi'an , que consiste en instrumentos de viento y percusión, ^[¹²⁷^] es popular alrededor de Xi'an y ha alcanzado cierta popularidad comercial fuera de China. ^[¹²⁸^] Otro instrumento importante es el sheng , un tipo de flauta china , un instrumento antiguo que es antepasado de todos los instrumentos de lengüeta libre occidentales , como el acordeón . ^[¹²⁹^] Son comunes los desfiles encabezados por bandas de metales de tipo occidental , que a menudo compiten en volumen con una banda de chirimías/chuigushou.

En el sur de Fujian y Taiwán , Nanyin o Nanguan es un género de baladas tradicionales. ^{[ 130 ]} Son cantadas por una mujer acompañada por un xiao y una pipa , así como otros instrumentos tradicionales. ^{[ 131 ]} La música es generalmente triste y suele tratar sobre personas afligidas por el amor. ^{[ 132 ]}^{[ 133 ]} Más al sur, en Shantou , Hakka y Chaozhou , son populares los conjuntos zheng . ^{[ 134 ]} Los conjuntos Sizhu utilizan flautas e instrumentos de cuerda frotada o pulsada para hacer música armoniosa y melodiosa que se ha vuelto popular en Occidente entre algunos oyentes. ^{[ 135 ]} Estos son populares en Nanjing y Hangzhou , así como en otros lugares a lo largo del área sur del Yangtsé . ^{[ 136 ]} Jiangnan Sizhu (música de seda y bambú de Jiangnan ) es un estilo de música instrumental, a menudo tocado por músicos aficionados en casas de té en Shanghái. ^{[ 137 ]} La música de Guangdong o música cantonesa es la música instrumental de Guangzhou y sus alrededores. ^{[ 138 ]} La música de esta región influyó en la música Yueju (ópera cantonesa), ^{[ 139 ]} que más tarde se popularizaría durante la autodenominada "Edad de Oro" de China bajo la República Popular China . ^{[ 140 ]}

Las canciones folclóricas se han registrado desde la antigüedad en China. El término Yuefu se usaba para una amplia gama de canciones como baladas, lamentos, canciones folclóricas, canciones de amor y canciones interpretadas en la corte. ^{[ 141 ]} China es un país vasto, con una multiplicidad de regiones lingüísticas y geográficas. Las canciones folclóricas se clasifican por región geográfica, tipo de idioma, etnia, función social (por ejemplo, canción de trabajo, canción ritual, canción de cortejo) y tipo musical. Las antologías modernas recopiladas por folcloristas chinos distinguen entre canciones tradicionales, canciones revolucionarias y canciones de nueva creación. ^{[ 142 ]} Las canciones del noroeste de China se conocen como "canciones de flores" ( hua'er ), una referencia a mujeres hermosas, mientras que en el pasado eran famosas por su contenido erótico. ^{[ 143 ]} Las "canciones de montaña" ( shan'ge ) de la provincia de Jiangsu también eran bien conocidas por sus temas amorosos. ^{[ 144 ]}^{[ 145 ]} Otras tradiciones musicales regionales incluyen las "letras rasgueadas" ( tanci ) del delta inferior del Yangtsé, la tradición cantonesa del pez de madera ( muyu o muk-yu ) y las canciones de tambor ( guci ) del norte de China. ^{[ 146 ]}

En el siglo XXI, muchas canciones folclóricas chinas muy apreciadas se han inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO . ^{[ 147 ]} En este proceso, canciones que antes se consideraban vulgares ahora se están reinterpretando como canciones románticas de cortejo. ^{[ 148 ]} Los concursos regionales de canto, populares en muchas comunidades, han impulsado el canto folclórico profesional como carrera, y algunos cantantes folclóricos han alcanzado renombre nacional. ^{[ 149 ]}

Música folclórica tradicional de Sri Lanka

El arte, la música y la danza de Sri Lanka derivan de los elementos de la naturaleza y se han disfrutado y desarrollado en el entorno budista . ^{[ 150 ]} La música es de varios tipos y utiliza solo unos pocos tipos de instrumentos. ^{[ 151 ]} Las canciones y poemas folclóricos se utilizaban en reuniones sociales para trabajar juntos. La música clásica de influencia india se ha vuelto única. ^{[ 152 ]}^{[ 153 ]}^{[ 154 ]}^{[ 155 ]} El drama, la música y las canciones tradicionales de la música ligera cingalesa son típicamente de Sri Lanka. ^{[ 156 ]} Las pinturas y tallas de los templos presentan aves, elefantes, animales salvajes, flores y árboles, y las 18 danzas tradicionales muestran la danza de aves y animales. ^{[ 157 ]} Por ejemplo:

Mayura Wannama – La danza del pavo real ^{[ 158 ]}^{[ 159 ]}
Hanuma Wannama – La danza del mono ^{[ 160 ]}
Gajaga Wannama – La danza del elefante. Los tipos musicales incluyen:
La música dramática local incluye los tipos Kolam ^{[ 161 ]} y Nadagam. ^{[ 162 ]} La música Kolam se basa en melodías de las tierras bajas, principalmente para acompañar la danza de máscaras en rituales de exorcismo . ^{[ 163 ]}^{[ 164 ]} Se considera menos desarrollada/evolucionada, fiel a la tradición folclórica y una preservación de una forma de arte más antigua. ^{[ 165 ]} Se limita a aproximadamente 3-4 notas y es utilizada por la gente común para placer y entretenimiento. ^{[ 166 ]}
La música Nadagam es una forma más desarrollada de drama influenciada por el teatro callejero del sur de la India, introducida por algunos artistas de esa región. Phillippu Singho de Negombo representó en 1824 "Harishchandra Nadagama" en Hnguranketha , originalmente escrito en telugu . Posteriormente se introdujeron "Maname" ^{[ 167 ]} , "Sanda kinduru" ^{[ 168 ]} y otros. Don Bastian de Dehiwala introdujo el Noorthy, primero observando los dramas indios, y luego John de Silva lo desarrolló, al igual que el Ramayanaya en 1886. ^{[ 169 ]}
La música ligera cingalesa es actualmente el tipo de música más popular en Sri Lanka y está enriquecida con la influencia de la música folclórica, la música kolam, la música nadagam, la música noorthy, la música de cine , la música clásica, la música occidental y otras. ^{[ 170 ]} Algunos artistas visitaron la India para aprender música y posteriormente comenzaron a introducir la música ligera. Ananda Samarakone fue el pionero de esto ^{[ 171 ]}^{[ 172 ]} y también compuso el himno nacional. ^{[ 173 ]}

La orquesta clásica cingalesa consta de cinco categorías de instrumentos, pero entre los instrumentos de percusión, el tambor es esencial para la danza. ^{[ 174 ]} El vibrante ritmo de los tambores constituye la base de la danza. ^{[ 175 ]} Los pies de los bailarines rebotan en el suelo y saltan y giran en patrones que reflejan los complejos ritmos del tambor. Este ritmo puede parecer simple a primera escucha, pero se necesita mucho tiempo para dominar los intrincados ritmos y variaciones, que el percusionista a veces puede llevar a un crescendo de intensidad. Hay seis tipos comunes de tambores que se dividen en 3 estilos (de una cara, de dos caras y de cara plana): ^{[ 176 ]}^{[ 177 ]}

La danza cingalesa típica se identifica como la danza de Kandy y el tambor Gatabera es indispensable para esta danza. ^{[ 178 ]}
El yak-bera es el tambor demoníaco o el tambor utilizado en la danza de las tierras bajas en la que los bailarines usan máscaras y realizan danzas diabólicas, que se ha convertido en una forma de arte muy desarrollada. ^{[ 179 ]}
El Daula es un tambor con forma de barril , y antiguamente se utilizaba como tambor acompañante del Thammattama para mantener un ritmo preciso. ^{[ 180 ]}
El Thammattama es un tambor plano de dos caras. El percusionista golpea el tambor en las dos superficies superiores con baquetas, a diferencia de los demás, donde se golpean los laterales. Este es un tambor complementario del Dawula mencionado anteriormente. ^{[ 181 ]}
Se utiliza un pequeño tambor de mano de doble cabeza para acompañar las canciones. Se escucha principalmente en danzas poéticas como el vannam.
La rabana es un tambor circular de cara plana y viene en varios tamaños. ^{[ 182 ]} La rabana grande, llamada banku rabana, debe colocarse en el suelo como una mesa circular de patas cortas y varias personas (tradicionalmente mujeres) pueden sentarse a su alrededor y golpearla con ambas manos. ^{[ 183 ]} Se utiliza en festivales como el Año Nuevo cingalés y ceremonias como bodas. ^{[ 184 ]} El resonante ritmo de la rabana simboliza la alegría de la ocasión. La rabana pequeña es un tambor portátil, ya que quien la toca la lleva consigo a donde quiera que vaya. ^{[ 185 ]}

Otros instrumentos incluyen:

La Thalampata: 2 platillos pequeños unidos por una cuerda. ^{[ 186 ]}
La sección de viento está dominada por un instrumento similar al clarinete. Este instrumento no se suele utilizar en los bailes. Es importante destacar esto porque la danza cingalesa no se acompaña de música tal como la conocemos en Occidente; el ritmo es fundamental.
Las flautas de metal, como la plata y el latón, producen música estridente para acompañar las danzas de Kandy, mientras que las melodías lastimeras de la flauta de caña pueden perforar el aire en las danzas diabólicas. La caracola ( Hakgediya ) es otro instrumento natural, y el intérprete la toca para anunciar el inicio de ceremonias grandiosas. ^{[ 187 ]}
El Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron o ravana hasta veena) es un violín de arco que fue popular en el oeste de la India. ^{[ 188 ]}^{[ 189 ]} Se cree que se originó entre la civilización Hela de Sri Lanka en la época del rey Ravana. ^{[ 190 ]} La caja de resonancia está hecha de cáscara de coco cortada, cuya boca está cubierta con piel de cabra. Un dandi, hecho de bambú, está unido a esta cáscara. ^{[ 190 ]} Las cuerdas principales son dos: una de acero y la otra de crin de caballo. El arco largo tiene cascabeles. ^{[ 191 ]}^{[ 192 ]}

Australia

La música indígena australiana incluye la música de los aborígenes australianos y los isleños del Estrecho de Torres , quienes se denominan colectivamente indígenas australianos ; ^{[ 193 ]} incorpora una variedad de estilos musicales tradicionales distintivos practicados por los pueblos indígenas australianos, así como una gama de estilos musicales contemporáneos y fusiones con tradiciones europeas, interpretados por artistas indígenas australianos. ^{[ 194 ]} La música ha formado parte integral de las observancias sociales , culturales y ceremoniales de estos pueblos, a lo largo de los milenios de sus historias individuales y colectivas hasta la actualidad. ^{[ 195 ]}^{[ 196 ]} Las formas tradicionales incluyen muchos aspectos de la interpretación e instrumentos musicales únicos de regiones o grupos indígenas australianos particulares . ^{[ 197 ]} Elementos similares de la tradición musical son comunes en gran parte del continente australiano, e incluso más allá. ^{[ 198 ]} La cultura de los isleños del Estrecho de Torres está relacionada con la de partes adyacentes de Nueva Guinea y, por lo tanto, su música también lo está. La música es una parte vital del mantenimiento cultural de los indígenas australianos. ^{[ 199 ]}

Las tradiciones de canciones folclóricas fueron llevadas a Australia por los primeros colonos de Inglaterra, Escocia e Irlanda y se arraigaron particularmente en el interior rural . ^{[ 200 ]}^{[ 201 ]} Las canciones, poemas y cuentos rimados escritos en forma de baladas del monte a menudo se relacionan con el espíritu itinerante y rebelde de Australia en el monte , y a los autores e intérpretes se les suele llamar bardos del monte. ^{[ 202 ]} El siglo XIX fue la edad de oro de las baladas del monte. ^{[ 203 ]} Varios coleccionistas han catalogado las canciones, incluido John Meredith , cuya grabación en la década de 1950 se convirtió en la base de la colección de la Biblioteca Nacional de Australia . ^{[ 202 ]}

Las canciones cuentan historias personales de la vida en la vasta y abierta campiña australiana. ^{[ 204 ]}^{[ 205 ]} Los temas típicos incluyen la minería, la cría y el arreo de ganado, el esquileo de ovejas , las andanzas, las historias de guerra, la huelga de esquiladores australianos de 1891 , los conflictos de clase entre la clase trabajadora sin tierra y los terratenientes , y forajidos como Ned Kelly , así como intereses amorosos y temas más modernos como el transporte por carretera . ^{[ 206 ]} La balada rural más famosa es " Waltzing Matilda ", que ha sido llamada "el himno nacional no oficial de Australia". ^{[ 207 ]}

Europa

música tradicional celta

La música celta es un término utilizado por artistas, compañías discográficas, tiendas de música y revistas musicales para describir un amplio grupo de géneros musicales que evolucionaron a partir de las tradiciones musicales folclóricas de los pueblos celtas . ^{[ 208 ]} Estas tradiciones incluyen las tradiciones irlandesas , escocesas , manesas , córnicas , galesas y bretonas . ^{[ 209 ]} La música asturiana y gallega se incluye a menudo, aunque no hay investigaciones significativas que demuestren que tengan una relación musical estrecha. ^{[ 210 ]}^{[ 211 ]} El renacimiento del folk bretón comenzó en la década de 1950 con el "bagadoù" y el "kan-ha-diskan" antes de alcanzar fama mundial gracias al trabajo de Alan Stivell desde mediados de la década de 1960. ^{[ 212 ]}

En Irlanda, The Clancy Brothers y Tommy Makem (aunque todos sus miembros eran irlandeses de nacimiento, el grupo se hizo famoso mientras residía en Greenwich Village, Nueva York ^{[ 213 ]} ), The Dubliners , ^{[ 214 ]} Clannad , Planxty , ^[²¹⁵^] The Chieftains , ^[²¹⁶^]^[²¹⁷^] The Pogues , ^[²¹⁸^] The Corrs , ^[²¹⁹^] The Irish Rovers , ^[²²⁰^] y una variedad de otras bandas de folk han hecho mucho en las últimas décadas para revitalizar y repopularizar la música tradicional irlandesa . ^[²²¹^] Estas bandas estaban arraigadas, en mayor o menor medida, en una tradición de la música irlandesa y se beneficiaron de los esfuerzos de artistas como Seamus Ennis y Peter Kennedy . ^[²¹²^]

En Escocia , The Corries , ^{[ 222 ]} Silly Wizard , ^{[ 223 ]}^{[ 224 ]} Capercaillie , ^{[ 225 ]} Runrig , ^{[ 226 ]} Jackie Leven , ^{[ 227 ]} Julie Fowlis , ^{[ 228 ]} Karine Polwart , ^{[ 229 ]} Alasdair Roberts , ^{[ 230 ]}^{[ 231 ]} Dick Gaughan , ^{[ 232 ]} Wolfstone , ^{[ 233 ]} Boys of the Lough , ^{[ 234 ]} y The Silencers ^{[ 235 ]} han mantenido el folk escocés vibrante y fresco al mezclar canciones folclóricas tradicionales escocesas y gaélicas con géneros más contemporáneos. ^{[ 236 ]} Estos artistas también han tenido éxito comercial en Europa continental y América del Norte. ^{[ 237 ]} Existe una creciente riqueza de talento en la escena de la música tradicional escocesa, con bandas como Mànran , ^{[ 238 ]} Skipinnish , ^{[ 239 ]} Barluath ^{[ 240 ]} y Breabach ^{[ 241 ]} y artistas solistas como Patsy Reid, ^{[ 242 ]} Robyn Stapleton ^{[ 243 ]} y Mischa MacPherson ^{[ 244 ]} que han cosechado un gran éxito en los últimos años. ^{[ 245 ]}

Europa Central y Oriental

Durante la época del Bloque del Este , el Estado promovió activamente las danzas folclóricas nacionales. ^{[ 246 ]} Compañías de danza de Rusia y Polonia realizaron giras por la Europa no comunista desde aproximadamente 1937 hasta 1990. ^{[ 247 ]} El Coro del Ejército Rojo grabó muchos álbumes, convirtiéndose en la banda militar más popular. ^{[ 248 ]} Europa del Este es también el origen de la tradición judía klezmer . ^{[ 249 ]}

Ľubomír Párička tocando la gaita, Eslovaquia

La polka es un baile centroeuropeo y también un género de música bailable conocido en toda Europa y América. Se originó a mediados del siglo XIX en Bohemia . ^{[ 250 ]} La polka sigue siendo un género popular de música folclórica en muchos países europeos y es interpretada por artistas folclóricos en Polonia , Letonia , Lituania , República Checa , Países Bajos , Croacia , Eslovenia , Alemania, Hungría , Austria , Suiza, Italia, Ucrania , Bielorrusia , Rusia y Eslovaquia . ^{[ 251 ]} También se encuentran variedades locales de este baile en los países nórdicos , Reino Unido, República de Irlanda , Latinoamérica (especialmente México) y en Estados Unidos.

Los cantos populares alemanes perpetuados por manuscritos como Carmina Burana ^{[ 252 ]} se remontan a las tradiciones medievales de Minnesang y Meistersinger . ^{[ 253 ]} Esas canciones populares, revividas a finales del siglo XVIII durante el Romanticismo alemán , ^{[ 254 ]} fueron promovidas inicialmente por Johann Gottfried Herder ^{[ 255 ]}^{[ 256 ]} y otros defensores de la Ilustración , ^{[ 257 ]} y posteriormente recopiladas por Achim von Arnim ^{[ 258 ]} y Clemens Brentano ( Des Knaben Wunderhorn ) ^{[ 259 ]} así como por Ludwig Uhland . ^{[ 260 ]}

El género Volksmusik y las danzas folclóricas , especialmente en las regiones alpinas de Baviera , Austria , Suiza ( Kuhreihen ) y el Tirol del Sur , ha perdurado hasta hoy en comunidades rurales en el contexto de la industrialización ^{[ 261 ]} , siendo excepciones notables las canciones marineras en bajo alemán o el Wienerlied ^{[ 262 ]} ( Schrammelmusik ) . La música folclórica eslovena en Alta Carniola y Estiria también tiene su origen en las tradiciones alpinas, como el prolífico Lojze Slak Ensemble. ^{[ 263 ]} La Volksmusik tradicional no debe confundirse con la Volkstümliche Musik comercial , que es una derivación de esta. ^{[ 264 ]}

El grupo húngaro Muzsikás realizó numerosas giras por Estados Unidos ^{[ 265 ]} y participó en la película de Hollywood El paciente inglés ^{[ 266 ],} mientras que la cantante Márta Sebestyén trabajó con la banda Deep Forest . ^{[ 267 ]} El movimiento húngaro táncház , que comenzó en la década de 1970, implica una fuerte cooperación entre expertos en musicología y aficionados entusiastas. ^{[ 268 ]} Sin embargo, la música y la cultura folclórica tradicionales húngaras apenas sobrevivieron en algunas zonas rurales de Hungría, y también han comenzado a desaparecer entre los húngaros étnicos de Transilvania . El movimiento táncház revivió tradiciones folclóricas más amplias de música, danza y vestimenta, y creó un nuevo tipo de club musical. ^{[ 269 ]} El movimiento se extendió a comunidades húngaras étnicas en otras partes del mundo. ^{[ 269 ]}

música balcánica

La música folclórica balcánica fue influenciada por la mezcla de grupos étnicos balcánicos durante el período del Imperio Otomano . ^{[ 270 ]} Comprende la música de Bosnia y Herzegovina , Bulgaria , Croacia , Grecia , Montenegro , Serbia , Rumania , Macedonia del Norte , Albania , algunos de los estados históricos de Yugoslavia o Serbia y Montenegro y regiones geográficas como Tracia . ^{[ 271 ]} Parte de la música se caracteriza por un ritmo complejo. ^{[ 272 ]}

Un ejemplo notable es el álbum Mystery of the Bulgarian Voices , que ganó el premio Grammy a la Mejor Grabación de Música Folclórica Tradicional en la 32.ª ceremonia anual . ^{[ 273 ]}^{[ 274 ]}

Una parte importante de toda la música folclórica balcánica es la música de la minoría étnica romaní local, que se llama tallava y música de banda de metales . ^{[ 275 ]}^{[ 276 ]}

música folclórica nórdica

La música folclórica nórdica abarca diversas tradiciones de los países del norte de Europa, especialmente de los escandinavos. Generalmente, se considera que los países nórdicos incluyen Islandia , Noruega , Finlandia , Suecia, Dinamarca y Groenlandia . ^{[ 277 ]} A veces se incluye también a los países bálticos de Estonia , Letonia y Lituania . ^{[ 278 ]}

Las numerosas regiones de los países nórdicos comparten ciertas tradiciones, muchas de las cuales han divergido significativamente, como el salmodicon de Dinamarca, Suecia y Noruega. ^{[ 279 ]} Es posible agrupar a los estados bálticos (o, a veces, solo Estonia) y partes del noroeste de Rusia por compartir similitudes culturales, ^{[ 280 ]} aunque la relación se ha enfriado en los últimos años. ^{[ 281 ]} En contraste con Noruega, Suecia, Dinamarca y las islas atlánticas de Islandia y las Islas Feroe, que prácticamente no comparten similitudes de ese tipo. La cultura inuit de Groenlandia tiene sus propias tradiciones musicales únicas. ^{[ 282 ]} Finlandia comparte muchas similitudes culturales tanto con las naciones bálticas como con las escandinavas. Los sami de Suecia, Noruega, Finlandia y Rusia tienen su propia cultura única, con vínculos con las culturas vecinas. ^{[ 283 ]}

La música folclórica sueca es un género musical basado en gran medida en el trabajo de recopilación folclórica que comenzó a principios del siglo XIX en Suecia. ^{[ 284 ]} El instrumento principal de la música folclórica sueca es el violín . ^{[ 285 ]} Otro instrumento común , único de las tradiciones suecas, es la nyckelharpa . ^{[ 286 ]} La mayor parte de la música folclórica instrumental sueca es música de baile ; la forma musical y de baile característica dentro de la música folclórica sueca es la polska . ^{[ 287 ]} Las tradiciones vocales e instrumentales en Suecia han tendido a compartir melodías históricamente, aunque se han interpretado por separado. ^{[ 288 ]} A partir del resurgimiento de la música folclórica en la década de 1970, los vocalistas e instrumentistas también han comenzado a actuar juntos en conjuntos de música folclórica .

América Latina

La música folclórica de las Américas consiste en el encuentro y la unión de tres tipos musicales principales: la música tradicional europea, la música tradicional de los nativos americanos y la música tribal africana que llegó con los esclavos de ese continente.

El caso particular de la música latinoamericana y sudamericana apunta a la música andina ^{[ 289 ]} entre otros estilos musicales nativos (como el caribeño ^{[ 290 ]} y el pampeano), la música ibérica de España y Portugal , y en términos generales la música tribal africana , las tres fusionadas evolucionando en formas musicales diferenciadas en América Central y del Sur.

La música andina proviene de la región de los quechuas , aimaras y otros pueblos que habitaban la zona del Imperio Inca antes del contacto europeo. ^{[ 291 ]} Incluye la música folclórica de partes de Bolivia , Ecuador , ^{[ 292 ]} Chile, Colombia , Perú y Venezuela . La música andina es popular en distintos grados en toda Latinoamérica, con su público principal en las zonas rurales y entre las poblaciones indígenas. El movimiento de la Nueva Canción de la década de 1970 revitalizó el género en toda Latinoamérica y lo llevó a lugares donde era desconocido u olvidado.

Nueva canción es un movimiento y género dentro delatinoamericanaeibérica, la música de inspiración folclórica y la música con compromiso social. En algunos aspectos, su desarrollo y papel son similares a los del segundo renacimiento de la música folclórica en Norteamérica. Esto incluye la evolución de este nuevo género a partir de la música folclórica tradicional, esencialmente música folclórica contemporánea, aunque este término inglés no se aplica comúnmente. Se reconoce que la Nueva canción desempeñó un papel fundamental en las convulsiones sociales de Portugal, España y Latinoamérica durante las décadas de 1970 y 1980.

La nueva canción surgió en Chile durante la década de 1960 como "La Nueva Canción Chilena". Poco después, este estilo musical se extendió a España y otras zonas de Latinoamérica, donde se conoció con nombres similares. La nueva canción revitalizó la música folclórica tradicional latinoamericana y, gracias a sus letras políticas, pronto se asoció con movimientos revolucionarios, la Nueva Izquierda Latinoamericana , la Teología de la Liberación , el movimiento hippie y los derechos humanos. Alcanzó gran popularidad en toda Latinoamérica y se la considera precursora del rock en español .

La cueca es un conjunto de estilos musicales y danzas asociadas originarias de Chile, Bolivia y Perú .

La trova y el son son estilos de música tradicional cubana originarios de la provincia de Oriente que incluyen influencias de la canción y la danza españolas, como el bolero y la contradanza, así como elementos rítmicos y de percusión afrocubanos .

Moda de viola es el nombre que recibe la música folclórica brasileña. Se suele interpretar con una guitarra acústica de seis cuerdas de nylon, pero el instrumento más tradicional es la viola caipira . Las canciones suelen describir las dificultades de la vida de quienes trabajan en el campo. Los temas generalmente giran en torno a la tierra, los animales, el folclore, el amor imposible y la separación. Si bien existen algunas canciones alegres, la mayoría son nostálgicas y melancólicas.

América del norte

Canadá

La música folclórica tradicional de Canadá es particularmente diversa. ^{[ 293 ]} Incluso antes de la liberalización de sus leyes de inmigración en la década de 1960, Canadá era étnicamente diversa, con docenas de grupos indígenas y europeos diferentes presentes. En términos musicales, los académicos no hablan de una tradición canadiense, sino más bien de tradiciones étnicas ( música acadiana , música irlandesa-canadiense , música blackfoot , música innu , música inuit , violín métis , etc.) y, posteriormente en el este de Canadá, tradiciones regionales ( música de Terranova , música de violín de Cabo Bretón , música quebequense , etc.).

La música folclórica tradicional de origen europeo ha estado presente en Canadá desde la llegada de los primeros colonos franceses y británicos en los siglos XVI y XVII... Ellos pescaban en las aguas costeras y cultivaban las orillas de lo que se convertiría en Terranova, Nueva Escocia, Nuevo Brunswick, la Isla del Príncipe Eduardo y el valle del río San Lorenzo en Quebec.
El comercio de pieles y sus viajeros llevaron esta práctica más al norte y al oeste, hasta Canadá; posteriormente, la explotación maderera y los leñadores continuaron este proceso.
El asentamiento agrícola en el este y el sur de Ontario y el oeste de Quebec a principios del siglo XIX creó un entorno propicio para la supervivencia de muchas canciones populares anglocanadienses y baladas populares de Gran Bretaña y Estados Unidos. A pesar de la industrialización masiva, las tradiciones de la música folclórica han persistido en muchas zonas hasta el día de hoy. En el norte de Ontario, una numerosa población franco-ontariense mantuvo viva la música folclórica de origen francés.
Las populosas comunidades acadianas de las provincias atlánticas contribuyeron con sus variantes musicales al vasto corpus de música folclórica de origen francés, centrado en la provincia de Quebec. Una rica fuente de música folclórica anglocanadiense se encuentra en la región atlántica, especialmente en Terranova. Completan este mosaico de folclore musical la música gaélica de los asentamientos escoceses, particularmente en Cabo Bretón, y los cientos de canciones irlandesas cuya presencia en el este de Canadá se remonta a la hambruna irlandesa de la década de 1840, que provocó las grandes migraciones de irlandeses a Norteamérica. ^{[ 293 ]}

«El conocimiento de la historia de Canadá », escribió Isabelle Mills en 1974, «es esencial para comprender el mosaico de la canción folclórica canadiense. Parte de este mosaico lo proporcionan las canciones folclóricas de Canadá traídas por los colonos europeos y anglosajones a la nueva tierra». ^{[ 13 ]} Describe cómo la colonia francesa de Quebec trajo inmigrantes franceses, seguidos poco después por oleadas de inmigrantes de Gran Bretaña, Alemania y otros países europeos, todos ellos trayendo música de sus tierras de origen, parte de la cual sobrevive hasta nuestros días. El etnógrafo y folclorista Marius Barbeau estimó que se habían recopilado en Canadá más de diez mil canciones folclóricas francesas y sus variantes. Muchas de las más antiguas ya se habían extinguido en Francia.

La música como entretenimiento remunerado y profesionalizado creció relativamente despacio en Canadá, especialmente en las zonas rurales más remotas, durante el siglo XIX y principios del XX. Mientras que en las ciudades se popularizaron los clubes de música de salón y vodevil , seguidos por el jazz, el Canadá rural siguió siendo mayoritariamente una tierra de música tradicional. Sin embargo, cuando las cadenas de radio estadounidenses comenzaron a emitir en Canadá en las décadas de 1920 y 1930, la audiencia de la música tradicional canadiense disminuyó progresivamente en favor de la música country estadounidense al estilo de Nashville y estilos urbanos como el jazz.

La americanización de la música canadiense llevó a la Liga de Radio Canadiense a presionar por la creación de una emisora pública nacional en la década de 1930, lo que finalmente condujo a la creación de la Corporación Canadiense de Radiodifusión (CBC) en 1936. La CBC promovió la música canadiense, incluyendo la música tradicional, a través de sus servicios de radio y, posteriormente, de televisión, pero la moda de mediados de siglo por todo lo "moderno" provocó el declive de la música folk en relación con el rock y el pop. Sin embargo, Canadá se vio influenciada por el resurgimiento de la música folk en las décadas de 1950 y 1960, cuando locales como el Taller Folclórico de Montreal, y otros clubes y cafés folk de todo el país, se convirtieron en crisoles para compositores e intérpretes emergentes, así como para el intercambio con artistas extranjeros.

Estados Unidos

La música tradicional estadounidense también se conoce como música de raíces. Este género abarca una amplia categoría musical que incluye bluegrass , country , gospel , música tradicional , jug bands , folk de los Apalaches , blues , música cajún y música nativa americana . Se considera música estadounidense bien porque es originaria de Estados Unidos o bien porque se desarrolló allí, a partir de orígenes extranjeros, hasta tal punto que los musicólogos la consideraron algo completamente nuevo. Se la denomina "música de raíces" porque sirvió de base para la música que posteriormente se desarrolló en Estados Unidos, como el rock and roll , el folk contemporáneo, el rhythm and blues y el jazz . Algunos de estos géneros se consideran música folk tradicional.

La música cajún , un género emblemático de Luisiana , tiene sus raíces en las baladas de los acadianos francófonos de Canadá. A menudo se la menciona junto con el zydeco , un género musical de base criolla e influenciado por la música cajún , ambos originarios de Acadiana . Estos sonidos franco-luisianos han influido en la música popular estadounidense durante décadas, especialmente en la música country , y han impactado la cultura pop a través de los medios de comunicación, como los anuncios televisivos.
La música de los Apalaches es la música tradicional de la región de los Apalaches en el este de los Estados Unidos. Proviene de diversas influencias europeas y africanas, incluyendo baladas inglesas , música tradicional irlandesa y escocesa (especialmente música de violín ), himnos y blues afroamericano . Grabada por primera vez en la década de 1920, la música de los Apalaches influyó decisivamente en el desarrollo inicial de la música tradicional , la música country y el bluegrass , y fue una parte importante del resurgimiento de la música folk estadounidense . Los instrumentos que se suelen usar para interpretar la música de los Apalaches incluyen el banjo , el violín americano , el dulcimer con trastes y la guitarra. ^{[ 294 ]}

Entre los primeros músicos de los Apalaches cuyas grabaciones fueron realizadas se encuentran Fiddlin' John Carson , Henry Whitter , Bascom Lamar Lunsford , la familia Carter , Clarence Ashley , Frank Proffitt y Dock Boggs , todos ellos grabados inicialmente en las décadas de 1920 y 1930. Varios músicos de los Apalaches alcanzaron renombre durante el resurgimiento del folk en las décadas de 1950 y 1960, entre ellos Jean Ritchie , Roscoe Holcomb , Ola Belle Reed , Lily May Ledford y Doc Watson . Artistas de country y bluegrass como Loretta Lynn , Roy Acuff , Dolly Parton , Earl Scruggs , Chet Atkins y Don Reno estuvieron fuertemente influenciados por la música tradicional de los Apalaches. ^{[ 294 ]} Artistas como Bob Dylan , Dave Van Ronk , Jerry Garcia y Bruce Springsteen han interpretado canciones de los Apalaches o versiones reescritas de canciones de los Apalaches.

La familia Carter fue un grupo de música folk tradicional estadounidense que grabó entre 1927 y 1956. Su música tuvo un profundo impacto en músicos de bluegrass , country , gospel sureño , pop y rock. Fueron el primer grupo vocal en convertirse en estrellas de la música country, marcando el inicio de la divergencia entre este género y la música folk tradicional. Sus grabaciones de canciones como " Wabash Cannonball " (1932), " Will the Circle Be Unbroken " (1935), " Wildwood Flower " (1928) y " Keep On the Sunny Side " (1928) las convirtieron en clásicos del country. ^{[ 295 ]}
Oklahoma y las llanuras del sur de EE. UU.: Antes de la historia escrita, los indígenas americanos de esta zona utilizaban canciones e instrumentos; la música y la danza siguen siendo el núcleo de las actividades ceremoniales y sociales. ^{[ 296 ]} La " danza del pisotón " sigue siendo, en esencia, una forma de llamada y respuesta ; la instrumentación la proporcionan sonajeros o grilletes que llevan las mujeres en las piernas. ^{[ 296 ]} "Otras naciones del sureste tienen sus propios complejos de canciones sagradas y sociales, incluidas las de danzas de animales y danzas de amistad, y canciones que acompañan a los juegos de stickball . El tambor es fundamental en la música de los indios de las llanuras del sur , al que se le ha llamado el latido del corazón de la música de los indios de las llanuras. La mayor parte de ese género se puede rastrear hasta las actividades de caza y guerra, en las que se basaba la cultura de las llanuras." ^{[ 296 ]} El tambor es fundamental en la música de los indios de las llanuras del sur. Durante el período de las reservas, utilizaban la música para aliviar el aburrimiento. Los vecinos se reunían, intercambiaban y creaban canciones y danzas; esto es parte de las raíces del moderno powwow intertribal . Otro instrumento común es la flauta de cortejo . ^{[ 296 ]}
La música folclórica afroamericana en la zona tiene raíces en la esclavitud y la emancipación. La música sacra —a capella y con acompañamiento instrumental— está en el corazón de la tradición. Los primeros espirituales enmarcaron las creencias cristianas dentro de las prácticas nativas y fueron fuertemente influenciados por la música y los ritmos de África." ^{[ 296 ]} Los espirituales son prominentes y a menudo utilizan un patrón de llamada y respuesta. ^{[ 296 ]} " El gospel se desarrolló después de la Guerra Civil (1861-1865). Se basó en gran medida en el texto bíblico para su dirección, y el uso de metáforas e imágenes era común. El gospel es un "ruido alegre", a veces acompañado de instrumentación y casi siempre puntuado por palmas, golpeteo de pies y movimiento corporal." ^{[ 296 ]} " El canto de notas de figuras o Sacred Harp se desarrolló a principios del siglo XIX como una forma para que los instructores de canto itinerantes enseñaran canciones de iglesia en comunidades rurales. Enseñaban usando libros de canciones en los que las notaciones musicales de los tonos estaban representadas por formas geométricas que estaban diseñadas para asociar una forma con su tono. El canto de arpa sagrada se popularizó en muchas comunidades rurales de Oklahoma, independientemente de la etnia. ^{[ 296 ]} Posteriormente se desarrolló la tradición del blues, con raíces y paralelismos con la música sacra. ^{[ 296 ]} Luego se desarrolló el jazz, nacido de una «mezcla de ragtime, gospel y blues». ^{[ 296 ]}
Las tradiciones musicales anglo-escocesas-irlandesas se asentaron en Oklahoma tras la Repartición de Tierras de 1889. Debido a su tamaño y portabilidad, el violín fue el instrumento principal de la música anglo- holandesa temprana, pero posteriormente se añadieron otros instrumentos como la guitarra, la mandolina , el banjo y la guitarra de acero . Varias tradiciones musicales de Oklahoma tienen sus raíces en las Islas Británicas, incluyendo las baladas vaqueras , el swing occidental y la música country y western contemporánea . ^{[ 296 ]} Otros europeos (como bohemios y alemanes) se establecieron a finales del siglo XIX. Sus actividades sociales se centraban en los salones comunitarios, «donde los músicos locales tocaban polkas y valses con el acordeón, el piano y los instrumentos de viento metal ». ^{[ 296 ]}

Los inmigrantes mexicanos comenzaron a llegar a Oklahoma en la década de 1870, trayendo consigo hermosas canciones y corridos , canciones de amor, valses y baladas. Al igual que en las comunidades indígenas americanas, cada rito de iniciación en las comunidades hispanas está acompañado de música tradicional. La guitarra acústica, el contrabajo y el violín proporcionan la instrumentación básica de la música mexicana, con maracas , flauta, trompas o, a veces, acordeón que enriquecen el sonido. ^{[ 296 ]} Posteriormente, los asiáticos contribuyeron a la mezcla musical. "Las antiguas tradiciones musicales y de danza de los templos y cortes de China , India e Indonesia se conservan en las comunidades asiáticas de todo el estado, y los géneros de canciones populares se superponen continuamente a estas formas de música clásica" ^{[ 296 ]}

Resurgimientos de la música folclórica

"Es autosostenible, regenerativa. Es lo que se podría llamar una canción estadounidense perenne. No creo que necesite un renacimiento, una resurrección. Vive y florece. En realidad, solo necesita que la gente de 18 años la conozca. Pero seguirá existiendo con o sin ellos. La canción folclórica es más poderosa que cualquier cosa que suene en la radio, que cualquier cosa que se publique... Es esa esencia de las voces lo que perdura durante mucho, mucho tiempo, y eso es lo que las hace fuertes." ^{[ 297 ]}

— Ketch Secor

El término «resurgimiento de la música folclórica» se refiere a un período de renovado interés por la música folclórica tradicional, o a un evento o período que la transforma; este último suele incluir un componente de activismo social. Un ejemplo destacado del primer caso es el resurgimiento folclórico británico de aproximadamente 1890-1920. El ejemplo más prominente e influyente del segundo caso —hasta el punto de que se suele denominar « el resurgimiento de la música folclórica» — es el resurgimiento folclórico de mediados del siglo XX, centrado en el mundo angloparlante, en particular en Estados Unidos, que dio origen a la música folclórica contemporánea . ^{[ 298 ]}

Un resurgimiento anterior influyó en la música clásica occidental. Compositores como Percy Grainger , Ralph Vaughan Williams y Béla Bartók realizaron grabaciones de campo o transcripciones de cantantes y músicos folclóricos.

En España, Isaac Albéniz (1860–1909) compuso obras para piano que reflejan su herencia española, como la Suite Iberia (1906–1909). Enrique Granados (1867–1918) compuso zarzuela , ópera ligera española, y Danzas Españolas . Manuel de Falla (1876–1946) se interesó por el cante jondo del flamenco andaluz , cuya influencia se percibe claramente en muchas de sus obras, entre las que destacan Noches en los jardines de España y Siete canciones populares españolas ("Siete canciones populares españolas", para voz y piano). Compositores como Fernando Sor y Francisco Tárrega consolidaron la guitarra como instrumento nacional de España. Abundan los artistas folclóricos españoles modernos ( Mil i María , Russian Red , etc.) que modernizan su música respetando las tradiciones de sus antepasados.

El flamenco ganó popularidad a lo largo del siglo XX, al igual que otros estilos nórdicos como la música celta de Galicia . Compositores clásicos franceses, desde Bizet hasta Ravel , también se inspiraron en temas españoles, y los géneros españoles distintivos llegaron a ser reconocidos universalmente.

Los resurgimientos de la música folclórica o de raíces abarcan diversos fenómenos en todo el mundo donde se observa un renovado interés por la música tradicional. Este interés suele provenir de jóvenes, a menudo de la música tradicional de sus propios países, e incluye la incorporación de conciencia social, causas y nuevas composiciones dentro del mismo estilo. La " nueva canción" , una evolución similar de una nueva forma de música con compromiso social, se dio en varios países de habla hispana.

Música folk contemporánea

Festivales

Estados Unidos

A veces se afirma que el primer festival de música folclórica de los Estados Unidos fue el Mountain Dance and Folk Festival, ^{[ 299 ]}^{[ 300 ]} 1928, en Asheville, Carolina del Norte , fundado por Bascom Lamar Lunsford . ^{[ 301 ]} El National Folk Festival (USA) es un festival folclórico itinerante en los Estados Unidos. ^{[ 302 ]} Desde 1934, ha sido organizado por el National Council for the Traditional Arts (NCTA) y se ha presentado en 26 comunidades de todo el país. ^{[ 303 ]} Después de dejar algunas de estas comunidades, el National Folk Festival ha dado origen a varios festivales folclóricos locales, entre ellos el Lowell Folk Festival , ^{[ 304 ]} el Richmond Folk Festival, ^{[ 305 ]} el American Folk Festival ^{[ 306 ]} y, más recientemente, el Montana Folk Festival. ^{[ 307 ]}

El Festival Folclórico de Newport es un festival folclórico anual que se celebra cerca de Newport, Rhode Island. ^{[ 308 ]} Se celebró la mayoría de los años desde 1959 hasta 1970 y desde 1985 hasta la actualidad, con una asistencia de aproximadamente 10 000 personas cada año. ^{[ 309 ]}

El Festival Folclórico de Filadelfia, de cuatro días de duración, comenzó en 1962. ^{[ 310 ]} Está patrocinado por la organización sin fines de lucro Philadelphia Folksong Society. ^{[ 311 ]} El evento presenta artistas contemporáneos y tradicionales de géneros como World/Fusion, Celtic, Singer-Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer y Dance. ^{[ 312 ]}^{[ 313 ]} Se celebra anualmente el tercer fin de semana de agosto. ^{[ 314 ]} Actualmente, el evento recibe aproximadamente a 12 000 visitantes y presenta bandas en 6 escenarios. ^{[ 315 ]}

La Fiesta de la Luna del Cazador en Indiana atrae aproximadamente a 60.000 visitantes al año. ^{[ 316 ]}

Reino Unido

El Festival de Sidmouth comenzó en 1954, ^{[ 317 ]} y el Festival Folclórico de Cambridge comenzó en 1965. ^{[ 318 ]} El Festival Folclórico de Cambridge en Cambridge , Inglaterra, se destaca por tener una definición muy amplia de quiénes pueden ser invitados como músicos folclóricos. ^{[ 319 ]} Las "carpas de club" permiten a los asistentes descubrir a un gran número de artistas desconocidos, quienes, durante diez o quince minutos cada uno, presentan su trabajo al público del festival. ^{[ 320 ]}

Australia

El Festival Nacional de Música Folclórica es el principal festival de música folclórica de Australia y cuenta con la asistencia de más de 50 000 personas. ^{[ 321 ]}^{[ 322 ]} El Festival de Música Folclórica de Woodford y el Festival de Música Folclórica de Port Fairy también se encuentran entre los eventos anuales más importantes de Australia, atrayendo a destacados artistas folclóricos internacionales, así como a numerosos artistas locales. ^{[ 323 ]}^{[ 324 ]}

Canadá

Stan Rogers es una figura emblemática del festival de música folk canadiense Summerfolk , que se celebra anualmente en Owen Sound, Ontario , donde el escenario principal y el anfiteatro están dedicados como el "Stan Rogers Memorial Canopy". ^{[ 325 ]} El festival está firmemente arraigado en la tradición, con la canción de Rogers " The Mary Ellen Carter " cantada por todos los participantes, incluyendo el público y una selección de actuaciones en el festival. ^{[ 326 ]}^{[ 327 ]} El Festival de Música Folk de Canmore es el festival de música folk de mayor trayectoria en Alberta. ^{[ 328 ]}

En Canadá se celebran multitud de festivales folclóricos. Canso, Nueva Escocia , acoge el Festival Folclórico Stan Rogers el último fin de semana de julio de cada año desde 1997. La ciudad de Wolfville celebra el Festival de Música Deep Roots en septiembre. El festival de música celta Celtic Colours se celebra cada otoño, coincidiendo con el cambio de color de las hojas de los árboles, en la isla de Cabo Bretón , con diferentes escenarios por toda la isla. Lunenburg, Nueva Escocia, acoge el Festival Folclórico del Puerto de Lunenburg desde 1986.

Otro

Urkult Näsåker, Ångermanland, que se celebra cada año en agosto, es supuestamente el festival de música mundial más grande de Suecia. ^{[ 329 ]}

Véase también

Antología de música folclórica estadounidense
Premios de Música Folclórica Canadiense
Proceso popular
Lista de tradiciones de música clásica y culta
La antología de canciones folclóricas británicas " La Voz del Pueblo"

Referencias

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