John Ford

John Martin Feeney (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973), más conocido como John Ford , fue un director y productor de cine estadounidense. Es considerado uno de los cineastas más importantes e influyentes durante la Edad de Oro de Hollywood , ^{[ 2 ]}^{: Prefacio} y fue uno de los primeros directores estadounidenses en ser reconocido como autor . ^{[ 3 ]}^{[ 4 ]} En una carrera de más de 50 años, dirigió más de 130 películas entre 1917 y 1970 (aunque la mayoría de sus películas mudas ahora están perdidas ), y recibió un récord de cuatro Premios de la Academia al Mejor Director por El delator (1935), Las uvas de la ira (1940), Qué verde era mi valle (1941) y El hombre tranquilo (1952).

Ford es famoso por sus westerns , como La diligencia (1939), Mi querida Clementine (1946), Fuerte Apache (1948), Centauros del desierto (1956) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962); aunque trabajó en muchos otros géneros, incluyendo comedias , dramas de época y documentales . Hizo un uso frecuente de rodajes en exteriores y planos generales , en los que sus personajes se enmarcaban contra un terreno natural vasto, agreste y accidentado. Se le atribuye haber lanzado las carreras de algunas de las mayores estrellas de Hollywood durante las décadas de 1930, 1940 y 1950, incluyendo a John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara y James Stewart .

La obra de Ford fue muy apreciada por sus contemporáneos, entre ellos Akira Kurosawa , Orson Welles , Frank Capra , ^{[ 5 ]} Andrei Tarkovsky e Ingmar Bergman, quienes lo nombraron uno de los más grandes directores de todos los tiempos. ^{[ 6 ]} Generaciones posteriores de directores, incluyendo muchas de las figuras principales del movimiento del Nuevo Hollywood , han citado su influencia. ^{[ 5 ]}^{[ 7 ]} El Archivo Cinematográfico de Harvard escribe que "la amplitud y el alcance de las principales contribuciones de Ford a la Edad de Oro del cine de Hollywood, y al lenguaje cinematográfico en general, siguen siendo algo difíciles de discernir... Rara vez se reconocen plenamente los grandes logros de Ford como consumado estilista visual y maestro narrador". ^{[ 4 ]}

Primeros años y educación

Ford nació como John Martin "Jack" Feeney (aunque más tarde a menudo dio sus nombres de pila como Seán Aloysius, a veces con el apellido O'Feeny u Ó Fearna; un equivalente en lengua irlandesa de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine , hijo de John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran, el 1 de febrero de 1894, ^{[ 8 ]} (aunque ocasionalmente dijo 1895 y esa fecha está inscrita erróneamente en su lápida). ^{[ 9 ]} Su padre, John Augustine Feeney, nació en Spiddal , ^{[ 10 ]} Condado de Galway , Irlanda, en 1854. ^{[ 9 ]} Barbara Curran nació en las Islas Aran , en la ciudad de Kilronan en la isla de Inishmore (Inis Mór). ^{[ 9 ]} Se decía que la abuela de John Augustine Feeney, Barbara Morris, era miembro de una rama empobrecida de una familia de la nobleza irlandesa , los Morris de Spiddal (encabezada actualmente por Lord Killanin ).

John Augustine Feeney y Barbara Curran llegaron a Boston y Portland respectivamente en mayo y junio de 1872. Presentaron sus intenciones de casarse el 31 de julio de 1875 y se convirtieron en ciudadanos estadounidenses cinco años después, el 11 de septiembre de 1880. ^{[ 9 ]} La familia de John Augustine Feeney residía en Sheridan Street, en el barrio irlandés de Munjoy Hill en Portland, Maine, y su padre trabajaba en una variedad de trabajos ocasionales para mantener a la familia: agricultura, pesca, obrero para la compañía de gas, dueño de un salón y concejal. ^{[ 9 ]} En entrevistas, John Ford dijo que su familia era acomodada, dijo que tenían una granja y que su padre pescaba. John y Barbara tuvieron once hijos: Mamie (Mary Agnes), nacida en 1876; Delia (Edith), 1878–1881; Patrick; Francis Ford , 1881–1953; Bridget, 1883–1884; Barbara, nacida y fallecida en 1888; Edward, nacido en 1889; Josephine, nacida en 1891; Hannah (Joanna), nacida y fallecida en 1892; John Martin, 1894–1973; y Daniel, nacido y fallecido en 1896 (o 1898). ^{[ 9 ]}

Feeney asistió a la escuela secundaria Portland High School en Portland, Maine , donde jugó como fullback y tackle defensivo. Se ganó el apodo de "Bull" porque, según se dice, bajaba el casco y embestía contra la línea. Un pub de Portland, llamado "Bull Feeney's" en su honor, estuvo abierto desde 2002 hasta 2023. Posteriormente se mudó a California y, en 1914, comenzó a trabajar en la producción cinematográfica, además de actuar para su hermano mayor Francis , adoptando "Jack Ford" como nombre artístico. Además de los papeles acreditados, apareció sin acreditar como miembro del Ku Klux Klan en la película de D.W. Griffith de 1915 , El nacimiento de una nación . ^{[ 11 ]}^{[ 12 ]}

Se casó con Mary McBride Smith el 3 de julio de 1920 y tuvieron dos hijos. Su hija Barbara estuvo casada con el cantante y actor Ken Curtis de 1952 a 1964. El matrimonio entre Ford y Smith duró toda la vida a pesar de varios problemas, uno de ellos el hecho de que Ford era católico ^{[ 13 ]} mientras que ella era una divorciada no católica. ^{[ 14 ]} No está claro qué dificultad causó esto, ya que el grado de compromiso de Ford con la fe católica es objeto de debate. ^{[ 15 ]} Otra tensión fueron las numerosas relaciones extramatrimoniales de Ford. ^{[ 2 ]}^{: 380}

Carrera como director

Ford comenzó su carrera cinematográfica tras mudarse a California en julio de 1914. Siguió los pasos de su talentoso hermano mayor, Francis Ford, doce años mayor que él, quien había abandonado su hogar años antes y había trabajado en el vodevil antes de convertirse en actor de cine. Francis participó en cientos de películas mudas para cineastas como Thomas Edison , Georges Méliès y Thomas Ince , llegando a ser un destacado actor, guionista y director de Hollywood con su propia productora (101 Bison) en Universal . ^{[ 2 ]}^{: 6}

Ford comenzó en las películas de su hermano como asistente, manitas, especialista y actor ocasional, frecuentemente doblando a su hermano, a quien se parecía mucho. ^{[ 16 ]} Francis le dio a su hermano menor su primer papel actoral en The Mysterious Rose (noviembre de 1914). A pesar de una relación a menudo conflictiva, en tres años Jack había progresado hasta convertirse en el asistente principal de Francis y a menudo trabajaba como su camarógrafo. ^{[ 2 ]}^{: 13–15} Para cuando Jack Ford tuvo su primera oportunidad como director, el perfil de Francis estaba en declive y dejó de trabajar como director poco después.

Las películas de Ford utilizaban un elenco fijo de actores, mucho más que muchos directores. Muchas estrellas famosas aparecieron en al menos dos o más películas de Ford, incluyendo a Harry Carey Sr. (estrella de 25 películas mudas de Ford), Will Rogers , John Wayne , Henry Fonda , Maureen O'Hara , James Stewart , Woody Strode , Richard Widmark , Victor McLaglen , Vera Miles y Jeffrey Hunter . Muchos de sus actores secundarios aparecieron en múltiples películas de Ford, a menudo durante varias décadas, incluyendo a Ben Johnson , Chill Wills , Andy Devine , Ward Bond , Grant Withers , Mae Marsh , Anna Lee , Harry Carey Jr. , Ken Curtis , Frank Baker, Dolores del Río , Pedro Armendáriz , Hank Worden , John Qualen , Barry Fitzgerald , Arthur Shields , John Carradine , OZ Whitehead y Carleton Young . Los miembros principales de esta extensa "compañía", entre los que se encontraban Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker y Ben Johnson, eran conocidos informalmente como la Compañía de Acciones de John Ford .

Asimismo, Ford mantuvo relaciones laborales duraderas con su equipo de producción, y muchos de sus colaboradores trabajaron con él durante décadas. Realizó numerosas películas con los mismos colaboradores principales, entre ellos el productor y socio comercial Merian C. Cooper , los guionistas Nunnally Johnson , Dudley Nichols y Frank S. Nugent , y los directores de fotografía Ben F. Reynolds, John W. Brown y George Schneiderman (quienes filmaron la mayoría de las películas mudas de Ford), Joseph H. August , Gregg Toland , Winton Hoch , Charles Lawton Jr., Bert Glennon , Archie Stout y William H. Clothier . La mayoría de las películas de Ford posteriores a la guerra fueron editadas por Jack Murray hasta su fallecimiento en 1961. Otho Lovering , quien había trabajado por primera vez con Ford en La diligencia (1939), se convirtió en el editor principal de Ford tras la muerte de Murray.

Era muda

Durante su primera década como director, Ford trabajó en docenas de largometrajes (incluidos muchos westerns), pero solo diez de las más de sesenta películas mudas que realizó entre 1917 y 1928 aún sobreviven en su totalidad. ^{[ 2 ]}^{: 502–46} Sin embargo, copias de varias películas mudas de Ford que se creían perdidas han sido redescubiertas en archivos cinematográficos extranjeros en los últimos años; en 2009, un tesoro de 75 películas mudas de Hollywood fue redescubierto en el Archivo Cinematográfico de Nueva Zelanda , entre las cuales se encontraba la única copia que sobrevivió de la comedia muda de Ford de 1927, Upstream . ^{[ 17 ]} La copia fue restaurada en Nueva Zelanda por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas antes de ser devuelta a Estados Unidos, donde se le dio un "Reestreno" en el Teatro Samuel Goldwyn en Beverly Hills el 31 de agosto de 2010, con una banda sonora encargada recientemente a Michael Mortilla. ^{[ 18 ]}

A lo largo de su carrera, Ford fue uno de los directores más ocupados de Hollywood, pero fue extraordinariamente productivo en sus primeros años como director: realizó diez películas en 1917, ocho en 1918 y quince en 1919. Dirigió un total de 62 cortometrajes y largometrajes entre 1917 y 1928, aunque no apareció en los créditos de la mayoría de sus primeras películas.

Existe cierta incertidumbre sobre la identidad de la primera película de Ford como director: el escritor de cine Ephraim Katz señala que Ford podría haber dirigido la película de cuatro partes Lucille the Waitress ya en 1914 ^{[ 19 ]} , pero la mayoría de las fuentes citan su debut como director como el cortometraje mudo de dos rollos The Tornado , estrenado en marzo de 1917. Según el propio relato de Ford, el trabajo le fue dado por el jefe de Universal, Carl Laemmle, quien supuestamente dijo: "Denle el trabajo a Jack Ford, grita bien". A The Tornado le siguió rápidamente una serie de cortometrajes de dos y tres rollos: The Trail of Hate , The Scrapper , The Soul Herder y Cheyenne's Pal ; estos se hicieron en el espacio de unos pocos meses y cada uno generalmente se filmó en solo dos o tres días; ahora se presume que todos están perdidos. El pastor de almas también es notable por ser el comienzo de la asociación de cuatro años y 25 películas de Ford con el veterano escritor y actor Harry Carey , quien (junto con el hermano de Ford, Francis) fue una fuerte influencia temprana en el joven director, así como una de las principales influencias en la personalidad en pantalla del protegido de Ford, John Wayne . ^{[ 2 ]}^{: 17} El hijo de Carey, Harry "Dobe" Carey Jr. , quien también se convirtió en actor, fue uno de los amigos más cercanos de Ford en años posteriores y apareció en muchos de sus westerns más célebres.

La primera producción de largometrajes de Ford fue Straight Shooting (agosto de 1917), que también es su película completa más antigua que se conserva como director, y una de las únicas tres que se conservan de su colaboración de veintiséis películas con Harry Carey. Al hacer la película, Ford y Carey ignoraron las órdenes del estudio y entregaron cinco rollos en lugar de dos, y fue solo gracias a la intervención de Carl Laemmle que la película evitó ser cortada para su primer estreno, aunque posteriormente se editó a dos rollos para su reestreno a finales de la década de 1920. ^{[ 2 ]}^{: 19} La última película de Ford de 1917, Bucking Broadway , se creyó perdida durante mucho tiempo, pero en 2002 se descubrió la única copia conocida que se conservaba en los archivos del Centro Nacional Francés de Cinematografía ^{[ 20 ]} y desde entonces ha sido restaurada y digitalizada. De manera similar, The Scarlet Drop , su película de 1918 que se creía perdida, fue redescubierta en un almacén en Santiago de Chile . ^{[ 21 ]}^{[ 22 ]}

Ford dirigió alrededor de 36 películas a lo largo de tres años para Universal antes de pasarse al estudio de William Fox en 1920; su primera película para ellos fue Just Pals (1920). Su largometraje de 1923, Cameo Kirby , protagonizado por el ídolo de la pantalla John Gilbert —otra de las pocas películas mudas de Ford que se conservan— marcó su primer crédito como director bajo el nombre de "John Ford", en lugar de "Jack Ford", como había aparecido anteriormente.

El primer gran éxito de Ford como director fue el drama histórico El caballo de hierro (1924), un relato épico de la construcción del primer ferrocarril transcontinental . Fue una producción grande, larga y difícil, filmada en exteriores en Sierra Nevada . La logística fue enorme: se construyeron dos pueblos enteros, hubo 5000 extras, 100 cocineros, 2000 colocadores de rieles, un regimiento de caballería, 800 nativos americanos, 1300 bisontes, 2000 caballos, 10 000 cabezas de ganado y 50 000 propiedades, incluyendo la diligencia original utilizada por Horace Greeley , la pistola derringer de Wild Bill Hickok y réplicas de las locomotoras " Jupiter " y " 119 " que se encontraron en Promontory Summit cuando se unieron los dos extremos de la línea el 10 de mayo de 1869. ^[²^]^:³¹

Aunque Ford se convertiría en uno de los directores más aclamados de Hollywood (tanto por cineastas como por la crítica), su reputación en 1928 era, en el mejor de los casos, modesta. Si bien demostró ser un director comercialmente responsable, solo dos o tres de sus películas habían recibido más que una mención pasajera. El Ford anterior a 1929, según Andrew Sarris , parecía merecer "como mucho una nota a pie de página en la historia del cine".

— Historiador de cine Richard Koszarski , 1976 ^{[ 23 ]}

El hermano de Ford, Eddie, era miembro del equipo y se peleaban constantemente; en una ocasión, según se cuenta, Eddie "atacó al anciano con el mango de un pico". Solo se escribió una breve sinopsis al comienzo del rodaje, y Ford escribió y filmó la película día tras día. La producción se retrasó debido al mal tiempo constante y al frío intenso, y los ejecutivos de Fox exigieron resultados repetidamente, pero Ford rompía los telegramas o los sostenía y hacía que el especialista en acrobacias Edward "Pardner" Jones disparara sobre el nombre del remitente. ^{[ 24 ]} A pesar de la presión para detener la producción, el jefe del estudio, William Fox, finalmente apoyó a Ford y le permitió terminar la película, y su apuesta dio sus frutos: The Iron Horse se convirtió en una de las películas más taquilleras de la década, recaudando más de 2 millones de dólares en todo el mundo, frente a un presupuesto de 280 000 dólares. ^{[ 2 ]}^{: 31}

Durante este periodo, Ford realizó una amplia variedad de películas y se hizo famoso por sus westerns y filmes ambientados en la frontera, pero el género perdió rápidamente su atractivo para los grandes estudios a finales de la década de 1920. Su último western mudo fue Tres hombres malos (1926), ambientado durante la fiebre de la tierra en Dakota y filmado en Jackson Hole , Wyoming, y en el desierto de Mojave . Pasarían trece años antes de que rodara su siguiente western, La diligencia , en 1939.

Durante la década de 1920, Ford también fue presidente de la Motion Picture Directors Association , precursora del actual Directors Guild of America .

Películas sonoras: 1928–1939

Ford fue uno de los directores pioneros del cine sonoro; filmó la primera canción de Fox en pantalla para su película Mother Machree (1928), de la cual solo se conservan cuatro de los siete rollos originales. Esta película también destaca por ser la primera de Ford en la que apareció el joven John Wayne (como extra sin acreditar), quien participó como extra en varias películas de Ford durante los dos años siguientes. Además, Hangman's House (1928) es notable porque presenta la primera aparición confirmada de John Wayne en pantalla en una película de Ford, interpretando a un espectador entusiasmado durante la secuencia de la carrera de caballos.

Justo antes de que el estudio se convirtiera al cine sonoro, Fox le dio un contrato al director alemán FW Murnau , y su película Sunrise: A Song of Two Humans (1927), todavía muy apreciada por la crítica, tuvo un poderoso efecto en Ford. ^{[ 2 ]}^{: 49–61} La influencia de Murnau se puede ver en muchas de las películas de Ford de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930: Four Sons (1928) se filmó en algunos de los suntuosos decorados que quedaron de la producción de Murnau.

En noviembre de ese año, Ford dirigió el primer largometraje dramático totalmente hablado de Fox, Napoleon's Barber (1928), un rollo de 3 rollos que ahora se considera una película perdida. ^{[ 25 ]} A Napoleon's Barber le siguieron sus dos últimos largometrajes mudos, Riley the Cop (1928) y Strong Boy (1929), protagonizados por Victor McLaglen ; ambos fueron lanzados con bandas sonoras y efectos de sonido sincronizados, el último ahora está perdido (aunque el libro de Tag Gallagher registra que se rumoreaba que la única copia sobreviviente de Strong Boy , una copia de nitrato de 35 mm, se encontraba en una colección privada en Australia. ^{[ 2 ]}^{: 519}The Black Watch (1929), una aventura del ejército colonial ambientada en el paso de Khyber protagonizada por Victor McLaglen y Myrna Loy es el primer largometraje totalmente hablado de Ford; fue rehecho en 1954 por Henry King como King of the Khyber Rifles .

La producción de Ford fue bastante constante desde 1928 hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial; realizó cinco largometrajes en 1928 y luego hizo dos o tres películas cada año desde 1929 hasta 1942, ambos inclusive. Tres películas se estrenaron en 1929: Strong Boy , The Black Watch y Salute . Sus tres películas de 1930 fueron Men Without Women , Born Reckless y Up the River , que es notable por ser la película debut tanto de Spencer Tracy como de Humphrey Bogart , quienes fueron contratados por Fox por recomendación de Ford (pero posteriormente despedidos). Las películas de Ford en 1931 fueron Seas Beneath , The Brat y Arrowsmith ; la última, adaptada de la novela de Sinclair Lewis y protagonizada por Ronald Colman y Helen Hayes , marcó el primer reconocimiento de Ford en los Premios de la Academia , con cinco nominaciones, incluyendo Mejor Película.

La eficiencia de Ford y su habilidad para crear películas que combinaban arte con un fuerte atractivo comercial le granjearon una creciente fama. En 1940, era reconocido como uno de los directores de cine más importantes del mundo. Su creciente prestigio se reflejó en su remuneración: en 1920, cuando se unió a Fox, cobraba entre 300 y 600 dólares semanales. A medida que su carrera despegaba a mediados de la década de 1920, sus ingresos anuales aumentaron significativamente. Ganó casi 134.000 dólares en 1929 y superó los 100.000 dólares anuales entre 1934 y 1941, alcanzando la asombrosa cifra de 220.068 dólares en 1938, más del doble del salario del presidente de Estados Unidos en aquel entonces (aunque esto seguía siendo menos de la mitad de los ingresos de Carole Lombard , la estrella mejor pagada de Hollywood en la década de 1930, que ganaba alrededor de 500.000 dólares anuales en ese momento). ^[²^]^:^498f

Debido a la crisis económica que afectó a la producción cinematográfica, Ford realizó dos películas tanto en 1932 como en 1933: Air Mail (para Universal), con un joven Ralph Bellamy , y Flesh (para MGM), con Wallace Beery . En 1933, regresó a Fox para rodar Pilgrimage y Doctor Bull , la primera de sus tres películas con Will Rogers .

El drama del desierto de la Primera Guerra Mundial, The Lost Patrol (1934), basado en el libro Patrol de Philip MacDonald , fue una mejor adaptación de la película muda de 1929 Lost Patrol . Protagonizada por Victor McLaglen como El Sargento —el papel interpretado por su hermano Cyril McLaglen en la versión anterior— junto a Boris Karloff , Wallace Ford , Alan Hale y Reginald Denny (quien más tarde fundaría una compañía que fabricaba aviones objetivo radiocontrolados durante la Segunda Guerra Mundial). Fue uno de los primeros grandes éxitos de Ford en la era del sonido: fue calificada tanto por el National Board of Review como por The New York Times como una de las 10 mejores películas de ese año y ganó una nominación al Oscar por su conmovedora banda sonora de Max Steiner . ^{[ 2 ]}^{: 97} Le siguieron más tarde ese mismo año The World Moves On con Madeleine Carroll y Franchot Tone , y la exitosa Judge Priest , su segunda película con Will Rogers, que se convirtió en una de las películas más taquilleras del año.

La primera película de Ford de 1935 (realizada para Columbia ) fue la comedia de enredos The Whole Town's Talking, protagonizada por Edward G. Robinson y Jean Arthur , estrenada en el Reino Unido como Passport to Fame , y que recibió elogios de la crítica. Steamboat Round The Bend fue su tercera y última película con Will Rogers; es probable que hubieran seguido trabajando juntos, pero su colaboración se vio truncada por la prematura muerte de Rogers en un accidente aéreo en mayo de 1935, lo que devastó a Ford.

Ford consolidó su posición entre los mejores directores estadounidenses con el drama sobre el Ejército Republicano Irlandés, influenciado por Murnau , El delator (1935), protagonizado por Victor McLaglen. Recibió grandes elogios de la crítica, fue nominada a Mejor Película, le valió a Ford su primer Premio de la Academia a Mejor Director y fue aclamada en su momento como una de las mejores películas jamás realizadas, aunque su reputación ha disminuido considerablemente en comparación con otras contendientes como Ciudadano Kane o la posterior película de Ford, Centauros del desierto (1956).

La película de contenido político El prisionero de la isla del tiburón (1936), que marcó el debut con Ford del veterano actor de la "Compañía de Teatro" John Carradine, exploraba la poco conocida historia de Samuel Mudd , un médico que se vio envuelto en la conspiración del asesinato de Abraham Lincoln y fue encarcelado en una prisión en alta mar por tratar al herido John Wilkes Booth . Otras películas de este período incluyen el melodrama ambientado en los Mares del Sur El huracán (1937) y la comedia protagonizada por Shirley Temple Wee Willie Winkie (1937), cada una de las cuales recaudó más de un millón de dólares en su primer año en Estados Unidos. Durante el rodaje de Wee Willie Winkie , Ford mandó construir elaborados decorados en el rancho cinematográfico Iverson en Chatsworth, California , un rancho muy utilizado como lugar de rodaje y asociado principalmente con seriales y westerns de serie B, que se convertiría, junto con Monument Valley , en uno de los lugares de rodaje preferidos del director, y un sitio al que Ford regresaría en los años siguientes para La diligencia y Las uvas de la ira .

La versión revisada y más extensa de " Dirigido por John Ford", emitida en Turner Classic Movies en noviembre de 2006, cuenta con la participación de los directores Steven Spielberg , Clint Eastwood y Martin Scorsese , quienes sugieren que la serie de películas clásicas que Ford dirigió entre 1936 y 1941 se debió en parte a una intensa aventura extramatrimonial de seis meses con Katharine Hepburn , la protagonista de "María de Escocia" (1936), un drama de época isabelino.

1939–1941

La diligencia (1939) fue el primer western de Ford desde Tres hombres malos (1926), y también el primero con sonido. Orson Welles afirmó haber visto La diligencia cuarenta veces como preparación para Ciudadano Kane . Sigue siendo una de las películas de Hollywood más admiradas e imitadas, sobre todo por su emocionante persecución en diligencia y la vertiginosa escena de salto a caballo, interpretada por el especialista Yakima Canutt .

El guion de Dudley Nichols y Ben Hecht se basó en una historia de Ernest Haycox que Ford había visto en la revista Collier's y compró los derechos cinematográficos por tan solo 2500 dólares. El jefe de producción, Walter Wanger, instó a Ford a contratar a Gary Cooper y Marlene Dietrich para los papeles principales, pero finalmente aceptó la decisión de Ford de elegir a Claire Trevor como Dallas y a un prácticamente desconocido, su amigo John Wayne , como Ringo; según se informa, Wanger tuvo poca influencia posterior en la producción. ^{[ 2 ]}^{: 146}

Al realizar La diligencia , Ford se enfrentó a los arraigados prejuicios de la industria sobre el género, ahora manido, que él mismo había ayudado a popularizar. Si bien los estudios de " Poverty Row " seguían produciendo en masa películas y seriales del oeste de bajo presupuesto, el género había caído en desgracia entre los grandes estudios durante la década de 1930 y, en el mejor de los casos, se consideraban películas de serie B. Como resultado, Ford ofreció el proyecto a Hollywood durante casi un año, presentándolo sin éxito a Joseph Kennedy y David O. Selznick antes de finalmente asociarse con Walter Wanger, un productor independiente que trabajaba para United Artists .

La diligencia es significativa por varias razones: rompió prejuicios de la industria al convertirse en un éxito tanto de crítica como comercial, recaudando más de US$1 millón en su primer año (frente a un presupuesto de poco menos de $400,000), y su éxito (junto con los westerns de 1939 Destry Rides Again con James Stewart y Marlene Dietrich , Union Pacific de Cecil B. DeMille con Joel McCrea y Dodge City de Michael Curtiz con Errol Flynn), revitalizó el género moribundo, demostrando que los westerns podían ser "inteligentes, artísticos, gran entretenimiento y rentables". ^[²^]^:¹⁴⁵ Fue nominada a siete premios de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y ganó dos Oscar, a Mejor Actor de Reparto (Thomas Mitchell) y Mejor Banda Sonora. La diligencia se convirtió en la primera de una serie de siete westerns clásicos de Ford filmados en Monument Valley , ^[²⁶^] con metraje adicional grabado en otro de los lugares de rodaje favoritos de Ford, el rancho cinematográfico Iverson en Chatsworth, California , donde había filmado gran parte de Wee Willie Winkie dos años antes. Ford combinó hábilmente Iverson y Monument Valley para crear las imágenes icónicas del Oeste americano de la película.

John Wayne tenía buenas razones para estar agradecido por el apoyo de Ford; La diligencia le brindó al actor el gran salto en su carrera que lo catapultó al estrellato internacional. A lo largo de 35 años, Wayne apareció en 24 películas de Ford y tres episodios de televisión. Se le atribuye a Ford un papel fundamental en la formación de la imagen de Wayne en la pantalla. La actriz Louise Platt, en una carta que relataba la experiencia de la producción de la película, citó a Ford diciendo sobre el futuro de Wayne en el cine: "Será la mayor estrella de todos los tiempos porque es el 'hombre común' perfecto". ^{[ 27 ]}

La diligencia marcó el inicio de la fase más exitosa de la carrera de Ford: en tan solo dos años, entre 1939 y 1941, creó una serie de películas clásicas que ganaron numerosos premios Óscar. Su siguiente película, la biografía El joven Lincoln (1939), protagonizada por Henry Fonda , tuvo menos éxito que La diligencia , recibiendo poca atención de la crítica y sin ganar ningún premio. No fue un gran éxito de taquilla, aunque recaudó unos respetables 750.000 dólares en su primer año en Estados Unidos, pero el estudioso de Ford, Tag Gallagher, la describe como «una obra más profunda y compleja que La diligencia ... (que) parece, en retrospectiva, una de las mejores películas de antes de la guerra». ^{[ 2 ]}^{: 162}

Tambores a lo largo del Mohawk (1939) fue un fastuoso drama del Lejano Oeste coprotagonizado por Henry Fonda, Claudette Colbert y John Carradine; además, fue la primera película en color de Ford e incluyó contribuciones no acreditadas al guion de William Faulkner . Fue un gran éxito de taquilla, recaudando 1,25 millones de dólares en su primer año en Estados Unidos y valiendo a Edna May Oliver una nominación al Óscar a la Mejor Actriz de Reparto por su interpretación.

A pesar de su postura humanista y política inquebrantable, la adaptación cinematográfica de Ford de Las uvas de la ira de John Steinbeck (con guion de Nunnally Johnson y fotografía de Gregg Toland ) fue un gran éxito de taquilla y de crítica, y aún hoy se la considera una de las mejores películas de Hollywood de la época. El reconocido crítico Andrew Sarris la describió como la película que transformó a Ford de "un narrador de la pantalla en el poeta laureado del cine estadounidense". ^[²⁸^] La tercera película de Ford en un año y su tercera película consecutiva con Fonda, recaudó 1,1 millones de dólares en Estados Unidos en su primer año y ganó dos premios Óscar: el segundo Óscar de Ford a "Mejor Director" y el de "Mejor Actriz de Reparto" para la magistral interpretación de Jane Darwell como Ma Joad. ^[²^]^:⁴⁹⁹ Durante la producción, Ford regresó al Iverson Movie Ranch en Chatsworth, California , para filmar una serie de tomas clave, incluida la imagen fundamental que muestra la primera vista completa de la familia migrante de las fértiles tierras de cultivo de California , que estaba representada por el Valle de San Fernando visto desde el Iverson Ranch.

A Las uvas de la ira le siguieron dos películas menos exitosas y menos conocidas. El largo viaje a casa (1940), al igual que La diligencia , se realizó con Walter Wanger a través de United Artists. Adaptada de cuatro obras de teatro de Eugene O'Neill , el guion fue escrito por Dudley Nichols y Ford, en consulta con O'Neill. Aunque no fue un gran éxito de taquilla (recaudó solo 600.000 dólares en su primer año), recibió elogios de la crítica y fue nominada a siete premios Óscar: Mejor película, Mejor guion (Nichols), Mejor música original ( Richard Hageman ), Mejor fotografía ( Gregg Toland ), Mejor montaje (Sherman Todd), Mejores efectos especiales (Ray Binger y RT Layton) y Mejor sonido ( Robert Parrish ). Era una de las películas favoritas de Ford; fotogramas de la película decoraban su casa y, según se dice, a O'Neill también le encantaba y la veía periódicamente.^{[ 2 ]}^{: 182}

Tobacco Road (1941) fue una comedia rural con guion de Nunnally Johnson , adaptada de la exitosa versión teatral de Jack Kirkland de la novela de Erskine Caldwell . Protagonizada por el veterano actor Charley Grapewin , el reparto secundario incluía a los habituales de Ford, Ward Bond y Mae Marsh , con Francis Ford en un pequeño papel sin acreditar; también destaca por las primeras apariciones en pantalla de las futuras estrellas Gene Tierney y Dana Andrews . Aunque no fue muy bien recibida por algunos críticos, tuvo un éxito moderado en taquilla, recaudando 900.000 dólares en su primer año. La película fue prohibida en Australia.^{[ 29 ]}

El último largometraje de Ford antes de que Estados Unidos entrara en la Segunda Guerra Mundial fue su adaptación cinematográfica de How Green Was My Valley (1941), protagonizada por Walter Pidgeon , Maureen O'Hara y Roddy McDowall en su papel que lo catapultó a la fama como Huw. El guion fue escrito por Philip Dunne a partir de la novela superventas de Richard Llewellyn . Originalmente se planeó como una epopeya de cuatro horas para rivalizar con Lo que el viento se llevó —solo los derechos cinematográficos le costaron a Fox 300.000 dólares— y se iba a filmar en Gales, pero esto se abandonó debido a los intensos bombardeos alemanes sobre Gran Bretaña. Una búsqueda de locaciones en el sur de California resultó en que el decorado del pueblo se construyera en los terrenos del Crags Country Club (más tarde el rancho Fox, ahora el núcleo del Parque Estatal Malibu Creek). ^{[ 30 ]} Otro factor mencionado fue el nerviosismo de los ejecutivos de Fox sobre el tono pro-sindical de la historia. William Wyler fue contratado originalmente para dirigir, pero abandonó el proyecto cuando Fox decidió filmarlo en California; Ford fue contratado en su lugar y la producción se pospuso durante varios meses hasta que estuviera disponible. El productor Darryl F. Zanuck tuvo una gran influencia en la película y tomó varias decisiones clave, incluyendo la idea de que el personaje de Huw narrara la película en voz en off (un concepto novedoso en aquel entonces), y la decisión de que el personaje de Huw no envejeciera ( originalmente, Tyrone Power iba a interpretar al Huw adulto). ^[²^]^:^184f

¡Qué verde era mi valle! se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1941. Fue nominada a diez premios Óscar, incluyendo Mejor Actriz de Reparto ( Sara Allgood ), Mejor Montaje, Mejor Guion, Mejor Música y Mejor Sonido, y ganó cinco Óscar: Mejor Director, Mejor Película, Mejor Actor de Reparto ( Donald Crisp ), Mejor Fotografía en Blanco y Negro ( Arthur C. Miller ) y Mejor Dirección Artística/Decoración de Interiores. Fue un gran éxito de taquilla, situándose solo por detrás de Sergeant York como la segunda película más taquillera del año en Estados Unidos, recaudando casi 3 millones de dólares frente a su considerable presupuesto de 1.250.000 dólares. ^{[ 2 ]}^{: 499} Ford también fue nombrado Mejor Director por los Críticos de Cine de Nueva York, y este fue uno de los pocos premios de su carrera que recogió en persona (generalmente evitaba la ceremonia de los Óscar). ^{[ 2 ]}^{: 184}

Años de guerra

Durante la Segunda Guerra Mundial , Ford fue jefe de la unidad fotográfica de la Oficina de Servicios Estratégicos y realizó documentales para el Departamento de la Marina. Fue nombrado comandante de la Reserva de la Marina de los Estados Unidos . Según Searching for John Ford , "Ford y sus hombres se concentraron principalmente en misiones fotográficas secretas para la OSS". ^{[ 31 ]} En 1961, Ford declaró a una revista: "Nuestro trabajo consistía en fotografiar, tanto para los registros como para nuestra evaluación de inteligencia, la labor de guerrilleros, saboteadores y grupos de la Resistencia". ^{[ 31 ]} Ganó dos premios Óscar más durante este período: uno por el semidocumental The Battle of Midway (1942) y otro por la película de propaganda December 7: The Movie (1943). Ford filmó el ataque japonés a Midway desde la central eléctrica de Sand Island y resultó herido en el brazo izquierdo por una bala de ametralladora . ^{[ 32 ]}^{[ 33 ]}^{[ 34 ]}

Ford también estuvo presente en Omaha Beach el Día D. Cruzó el Canal de la Mancha en el USS Plunkett (DD-431) , que ancló frente a Omaha Beach a las 06:00. Observó la primera oleada desembarcar en la playa desde el barco, desembarcando él mismo más tarde con un equipo de camarógrafos de la Guardia Costera que filmaron la batalla desde detrás de los obstáculos de la playa, con Ford dirigiendo las operaciones. La película fue editada en Londres, pero se estrenó muy poco al público. Ford explicó en una entrevista de 1964 que el Gobierno de EE. UU. tenía "miedo de mostrar tantas bajas estadounidenses en la pantalla", y agregó que toda la película del Día D "todavía existe en color almacenada en Anacostia cerca de Washington, DC" ^{[ 35 ]} Treinta años después, el historiador Stephen E. Ambrose informó que el Centro Eisenhower no había podido encontrar la película. ^{[ 36 ]} En 2014, los Archivos Nacionales de EE. UU. descubrieron una película que coincidía parcialmente con la descripción de Ford. ^{[ 37 ]} Otros investigadores afirman que Ford no desembarcó personalmente en la playa de Omaha el Día D (llegó uno o dos días después) y que las imágenes del Día D de John Ford son, en general, una "historia exagerada". ^{[ 38 ]}

Ford llegó a ser un asesor principal del jefe de la OSS, William Joseph Donovan . Según los registros publicados en 2008, sus superiores lo condecoraron por su valentía al tomar una posición para filmar una misión que era "un objetivo obvio y claro". Sobrevivió a "ataques continuos y resultó herido" mientras seguía filmando, según consta en una mención honorífica de su expediente. ^{[ 39 ]} En 1945, Ford firmó declaraciones juradas que atestiguaban la integridad de las películas filmadas para documentar las condiciones en los campos de concentración nazis . ^{[ 40 ]}

Su última película en tiempos de guerra fue They Were Expendable (MGM, 1945), un relato de la desastrosa derrota de Estados Unidos en Filipinas, contado desde el punto de vista de un escuadrón de lanchas torpederas y su comandante. Ford creó un papel para Ward Bond , quien se recuperaba de una lesión y necesitaba dinero. Aunque se le veía a lo largo de la película, no caminó hasta que incluyeron una escena en la que le disparaban en la pierna. Durante el resto del filme, pudo usar una muleta en la marcha final. Ford declaró repetidamente que no le gustaba la película y que nunca la había visto, quejándose de que lo habían obligado a hacerla, ^{[ 41 ]} aunque fue defendida con vehemencia por el cineasta Lindsay Anderson . ^{[ 42 ]} Estrenada varios meses después del final de la guerra, estuvo entre las 20 películas más taquilleras del año, aunque Tag Gallagher señala que muchos críticos han afirmado erróneamente que fue una pérdida de dinero. ^{[ 2 ]}^{: 225}

carrera de posguerra

Tras la guerra, Ford siguió siendo oficial en la Reserva de la Armada de los Estados Unidos . Regresó al servicio activo durante la Guerra de Corea y fue ascendido a Contralmirante el mismo día que dejó el servicio.

Ford dirigió dieciséis largometrajes y varios documentales en la década comprendida entre 1946 y 1956. Al igual que en su carrera anterior a la guerra, sus películas alternaron entre fracasos (relativos) de taquilla y grandes éxitos, pero la mayoría de sus películas posteriores obtuvieron buenas ganancias, y Fort Apache , El hombre tranquilo , Mogambo y Centauros del desierto se ubicaron entre los 20 mayores éxitos de taquilla de sus respectivos años. ^{[ 2 ]}^{: 499f}

La primera película de Ford después de la guerra, My Darling Clementine (Fox, 1946), fue una reinterpretación romántica de la leyenda primigenia del Oeste de Wyatt Earp y el tiroteo en el OK Corral , con secuencias exteriores filmadas en locaciones del visualmente espectacular (pero geográficamente inapropiado) Monument Valley . Reunió a Ford con Henry Fonda (como Earp) y coprotagonizó Victor Mature en uno de sus mejores papeles como el tuberculoso y amante de Shakespeare Doc Holliday , con Ward Bond y Tim Holt como los hermanos Earp, Linda Darnell como la seductora camarera Chihuahua, una sólida actuación de Walter Brennan (en un raro papel de villano) como el venenoso Viejo Clanton, con Jane Darwell y una de las primeras apariciones en pantalla de John Ireland como Billy Clanton. A diferencia de la serie de éxitos de 1939-1941, no ganó ningún premio importante en Estados Unidos, aunque recibió una cinta de plata a la Mejor Película Extranjera en 1948 por parte del Sindicato Nacional Italiano de Periodistas Cinematográficos, y fue un sólido éxito financiero, recaudando 2,75 millones de dólares en Estados Unidos y 1,75 millones de dólares a nivel internacional en su primer año de estreno. ^{[ 2 ]}^{: 499}

Años de Argosy

Al rechazar un lucrativo contrato ofrecido por Zanuck en 20th Century Fox que le habría garantizado 600.000 dólares al año, Ford se lanzó como director y productor independiente y realizó muchas de sus películas en este período con Argosy Pictures Corporation, que era una sociedad entre Ford y su viejo amigo y colega Merian C. Cooper . ^{[ 2 ]}^{: 454} Ford y Cooper habían estado involucrados previamente con la distinta Argosy Corporation, que se estableció después del éxito de La diligencia (1939); Argosy Corporation produjo una película, El largo viaje a casa (1940), antes de que interviniera la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 43 ]}^{[ 44 ]} El fugitivo (1947), nuevamente protagonizada por Fonda, fue el primer proyecto de Argosy Pictures. Era una adaptación libre de El poder y la gloria de Graham Greene , que Ford originalmente había planeado hacer en Fox antes de la guerra, con Thomas Mitchell como el sacerdote. Filmada en locaciones de México, fue fotografiada por el distinguido director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa (quien más tarde trabajó con Luis Buñuel ). El reparto secundario incluyó a Dolores del Río , J. Carrol Naish , Ward Bond , Leo Carrillo y Mel Ferrer (en su debut cinematográfico), además de un elenco de extras, en su mayoría mexicanos. Según se informa, Ford la consideraba su mejor película ^[⁴⁵^] , pero tuvo un desempeño relativamente pobre en comparación con su predecesora, recaudando solo $750,000 en su primer año. También provocó una ruptura entre Ford y el guionista Dudley Nichols, lo que puso fin a su exitosa colaboración. El propio Greene sentía una particular aversión por esta adaptación de su obra. ^[²^]^:²³⁴

Fort Apache (Argosy/RKO, 1948) fue la primera parte de la llamada 'Trilogía de Caballería' de Ford, todas basadas en historias de James Warner Bellah . Contó con muchos de sus actores habituales, incluyendo a John Wayne, Henry Fonda, Ward Bond, Victor McLaglen, Mae Marsh, Francis Ford (como camarero), Frank Baker, Ben Johnson y también con Shirley Temple , en su última aparición para Ford y una de sus últimas apariciones cinematográficas. También marcó el inicio de la larga asociación entre Ford y el guionista Frank S. Nugent , un antiguo crítico de cine del New York Times que (al igual que Dudley Nichols) no había escrito un guion cinematográfico hasta que fue contratado por Ford.^{[ 2 ]}^{: 247} Fue un gran éxito comercial, recaudando casi 5 millones de dólares en todo el mundo en su primer año y ubicándose entre los 20 mayores éxitos de taquilla de 1948^{[ 2 ]}^{: 499} .

Durante ese año, Ford también ayudó a su amigo y colega Howard Hawks , quien tenía problemas con su película actual, Red River (que protagonizaba John Wayne) y, según se informa, Ford hizo numerosas sugerencias de edición, incluido el uso de un narrador. ^{[ 2 ]}^{: 531} Fort Apache fue seguida por otro western, 3 Godfathers , una nueva versión de una película muda de 1916 protagonizada por Harry Carey (a quien estaba dedicada la versión de Ford), que Ford mismo ya había rehecho en 1919 como Marked Men , también con Carey y que se creía perdida. Protagonizada por John Wayne, Pedro Armendáriz y Harry "Dobe" Carey Jr. (en uno de sus primeros papeles importantes) como tres forajidos que rescatan a un bebé después de que su madre ( Mildred Natwick ) muere al dar a luz, con Ward Bond como el sheriff que los persigue. ^{[ 46 ]}^{[ 47 ]} El tema recurrente del sacrificio también se puede encontrar en The Outcasts of Poker Flat , Three Godfathers , The Wallop , Desperate Trails , Hearts of Oak , Bad Men , Men without Women . ^{[ 48 ]}

En 1949, Ford regresó brevemente a Fox para dirigir Pinky . Preparó el proyecto, pero solo trabajó un día antes de enfermarse, supuestamente de herpes zóster , y Elia Kazan lo reemplazó (aunque Tag Gallagher sugiere que la enfermedad de Ford fue un pretexto para abandonar la película, que a Ford no le gustaba). ^{[ 2 ]}^{: 346}

Su única película completa de ese año fue la segunda entrega de su Trilogía de la Caballería, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy/RKO, 1949), protagonizada por John Wayne y Joanne Dru , con Victor McLaglen, John Agar , Ben Johnson , Mildred Natwick y Harry Carey Jr. Filmada nuevamente en locaciones de Monument Valley, fue ampliamente aclamada por su impresionante cinematografía en Technicolor (incluida la famosa escena de la caballería filmada frente a una tormenta inminente); le valió a Winton Hoch el Premio de la Academia de 1950 a la Mejor Cinematografía en Color y fue un gran éxito en su primer estreno, recaudando más de 5 millones de dólares en todo el mundo. John Wayne, que entonces tenía 41 años, también recibió grandes elogios por su papel como el Capitán Nathan Brittles, de 60 años.

década de 1950

La primera película de Ford de 1950 fue la peculiar comedia militar When Willie Comes Marching Home , protagonizada por Dan Dailey y Corinne Calvet , con William Demarest , de la compañía de Preston Sturges , y las primeras apariciones (sin acreditar) en pantalla de Alan Hale Jr. y Vera Miles . Le siguió Wagon Master , protagonizada por Ben Johnson y Harry Carey Jr., que es particularmente notable por ser la única película de Ford desde 1930 cuyo guion escribió él mismo. Posteriormente fue adaptada a la longeva serie de televisión Wagon Train (con Ward Bond retomando el papel principal hasta su repentina muerte en 1960). Aunque tuvo un éxito mucho menor que la mayoría de sus otras películas de este período, Ford citó Wagon Master como su favorita personal de entre todas sus películas, diciéndole a Peter Bogdanovich que "fue la que más se acercó a lo que esperaba lograr". ^{[ 49 ]}

Río Grande (Republic, 1950), la tercera parte de la «Trilogía de la Caballería», contó con John Wayne y Maureen O'Hara como coprotagonistas , y su hijo Patrick Wayne hizo su debut cinematográfico (apareció en varias películas posteriores de Ford, incluyendo Centauros del desierto ). Se rodó por insistencia de Republic Pictures , que exigía un western rentable como condición para financiar el siguiente proyecto de Ford, El hombre tranquilo . Como muestra de la legendaria eficiencia de Ford, Río Grande se filmó en tan solo 32 días, con solo 352 tomas de 335 cámaras, y fue un rotundo éxito, recaudando 2,25 millones de dólares en su primer año.

La ansiedad de Republic se disipó con el rotundo éxito de El hombre tranquilo (Republic, 1952), un proyecto personal que Ford había querido realizar desde la década de 1930 (y que casi logró en 1937 con una cooperativa independiente llamada Renowned Artists Company). Se convirtió en su película más taquillera hasta la fecha, recaudando casi 4 millones de dólares solo en Estados Unidos en su primer año y ubicándose entre las 10 películas más taquilleras del año. Fue nominada a siete premios Óscar y le valió a Ford su cuarto Óscar a Mejor Director, así como un segundo Óscar a Mejor Fotografía para Winton Hoch . Le siguió ¿Qué precio tiene la gloria? (1952), un drama sobre la Primera Guerra Mundial, la primera de las dos películas que Ford hizo con James Cagney ( Mister Roberts fue la otra) que también tuvo un buen desempeño en taquilla (2 millones de dólares).

El sol brilla con fuerza (1953), la primera película de Ford en el Festival de Cannes , fue un western con toques de comedia dramática en el que Charles Winninger retomó el papel del juez Priest, popularizado por Will Rogers en la década de 1930. Ford la mencionó posteriormente como una de sus favoritas, pero tuvo una mala acogida y Republic la recortó drásticamente (de 90 a 65 minutos) poco después de su estreno, y se presume que algunas escenas eliminadas se han perdido. Su fracaso en taquilla contribuyó a la posterior quiebra de Argosy Pictures.

La siguiente película de Ford fue la comedia romántica de aventuras Mogambo (MGM, 1953), una adaptación libre de la célebre película de 1932, Polvo rojo . Filmada en locaciones de África, fue fotografiada por el director de fotografía británico Freddie Young y protagonizada por el viejo amigo de Ford, Clark Gable , junto a Ava Gardner , Grace Kelly (quien reemplazó a una enferma Gene Tierney ) y Donald Sinden . Aunque la producción fue difícil (agravada por la irritante presencia del entonces esposo de Gardner, Frank Sinatra ), Mogambo se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la carrera de Ford, con la mayor recaudación en su primer año en Estados Unidos de todas sus películas (5,2 millones de dólares); también revitalizó la carrera en declive de Gable y le valió a Gardner y Kelly nominaciones al Oscar a Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto, respectivamente (de quien se rumoreaba que había tenido un breve romance con Gable durante el rodaje).

En 1955, Ford realizó para Columbia Pictures el drama menos conocido sobre West Point, The Long Gray Line , la primera de dos películas de Ford en las que participó Tyrone Power , quien originalmente iba a interpretar al Huw adulto en How Green Was My Valley en 1941. Más tarde, en 1955, Warner Bros contrató a Ford para dirigir la comedia naval Mister Roberts , protagonizada por Henry Fonda , Jack Lemmon , William Powell y James Cagney , pero hubo un conflicto entre Ford y Fonda, quien había estado interpretando el papel principal en Broadway durante los últimos siete años y tenía dudas sobre la dirección de Ford. Durante una reunión a tres bandas con el productor Leland Hayward para intentar solucionar los problemas, Ford se enfureció y golpeó a Fonda en la mandíbula, lanzándolo al otro lado de la habitación, una acción que creó una ruptura duradera entre ellos. Después del incidente, Ford se volvió cada vez más taciturno, bebía en exceso y finalmente se recluyó en su yate, el Araner , negándose a comer o ver a nadie. La producción se detuvo durante cinco días y Ford se recuperó de la borrachera, pero poco después sufrió una rotura de vesícula biliar que requirió una cirugía de emergencia, y fue reemplazado por Mervyn LeRoy .

Ford también hizo sus primeras incursiones en la televisión en 1955, dirigiendo dos dramas de media hora para la televisión abierta. En el verano de 1955 realizó Rookie of the Year (Hal Roach Studios) para la serie de televisión Studio Directors Playhouse ; con guion de Frank S. Nugent, contó con la participación de los habituales de Ford, John y Pat Wayne, Vera Miles y Ward Bond, y el propio Ford apareció en la introducción. En noviembre realizó The Bamboo Cross (Lewman Ltd-Revue, 1955) para la serie Fireside Theater ; fue protagonizada por Jane Wyman con un elenco asiático-americano y los veteranos de Stock Company Frank Baker y Pat O'Malley en papeles secundarios.

Ford regresó a la gran pantalla con Centauros del desierto (Warner Bros, 1956), el único western que realizó entre 1950 y 1959, considerado hoy en día no solo una de sus mejores películas, sino también por muchos como uno de los mejores westerns y una de las mejores interpretaciones de la carrera de John Wayne. Ambientada en Texas en 1868, pero filmada en exteriores en Monument Valley, Utah-Arizona, narra la historia de Ethan Edwards, un veterano amargado de la Guerra Civil que pasa años buscando a su sobrina, secuestrada por los comanches cuando era niña. El reparto secundario incluía a Jeffrey Hunter , Ward Bond , Vera Miles y la prometedora Natalie Wood . Fue la primera película de Hunter con Ford. Tuvo un gran éxito en su estreno y se convirtió en una de las 20 películas más taquilleras del año, recaudando 4,45 millones de dólares, aunque no recibió ninguna nominación al Óscar . Sin embargo, su reputación ha crecido enormemente a lo largo de los años transcurridos: fue nombrada la mejor película del Oeste de todos los tiempos por el American Film Institute en 2008 y también ocupó el puesto 12 en la lista de 2007 del instituto de las 100 mejores películas de todos los tiempos. ^{[ 50 ]} The Searchers ha ejercido una amplia influencia en el cine y la cultura popular: ha inspirado (y ha sido citada directamente por) muchos cineastas, incluidos David Lean y George Lucas , la frase característica del personaje de Wayne, "That'll be the day", inspiró a los texanos Buddy Holly y a su baterista Jerry Allison a escribir su famosa canción del mismo nombre, y el grupo pop británico The Searchers también tomó su nombre de la película.

La película The Searchers estuvo acompañada de uno de los primeros documentales sobre su realización, un programa promocional de cuatro partes creado para el segmento "Behind the Camera" del programa semanal Warner Bros. Presents (la primera incursión del estudio en la televisión), que se emitió en la cadena ABC entre 1955 y 1956. Presentado por Gig Young , los cuatro segmentos incluían entrevistas con Jeffrey Hunter y Natalie Wood, así como imágenes del rodaje filmadas durante la producción de la película.

Las alas de las águilas (MGM, 1957) fue una biografía novelada del viejo amigo de Ford, el aviador convertido en guionista Frank "Spig" Wead , quien había escrito varios de los primeros filmes sonoros de Ford. Protagonizada por John Wayne y Maureen O'Hara , con Ward Bond como John Dodge (un personaje basado en el propio Ford). Le siguió una de las películas menos conocidas de Ford, La historia del Growler , un documental dramatizado de 29 minutos sobre el USS Growler . Realizado para la Armada de los Estados Unidos y filmado por el Grupo de Cámara de Combate del Comando de la Flota del Pacífico, contó con Ward Bond y Ken Curtis junto a personal real de la Armada y sus familias.

Las dos siguientes películas de Ford se distinguen un tanto del resto de su filmografía en cuanto a producción, y cabe destacar que no cobró salario por ninguna de ellas. El origen de la luna (Warner Bros, 1957) fue una película colectiva de tres partes rodada en Irlanda y basada en relatos cortos irlandeses. Fue producida por Four Province Productions, una compañía fundada por el magnate irlandés Lord Killanin , quien recientemente se había convertido en presidente del Comité Olímpico Internacional , y con quien Ford tenía un parentesco lejano. Killanin también fue el productor (aunque no acreditado) de El hombre tranquilo . La película no logró recuperar su inversión, recaudando menos de la mitad (100.000 dólares) de su coste de producción, que ascendía a poco más de 256.000 dólares, y generó cierta controversia en Irlanda.

Las dos películas de Ford de 1958 fueron realizadas para Columbia Pictures y ambas representaron importantes desviaciones de la norma de Ford. Gideon's Day (titulada Gideon of Scotland Yard en EE. UU.) fue adaptada de la novela del escritor británico John Creasey . Es la única película de género policíaco de Ford y una de las pocas películas de Ford ambientadas en la actualidad de la década de 1950. Fue filmada en Inglaterra con un elenco británico encabezado por Jack Hawkins , a quien Ford (de manera inusual) elogió como "el mejor actor dramático con el que he trabajado". Fue mal promocionada por Columbia, que solo la distribuyó en blanco y negro, aunque fue filmada en color. ^{[ 2 ]}^{: 359} Tampoco logró obtener ganancias en su primer año, ganando solo $400,000 frente a su presupuesto de $453,000.

El último hurra (Columbia, 1958), ambientada de nuevo en la actualidad de los años 50, estuvo protagonizada por Spencer Tracy , quien había hecho su primera aparición cinematográfica en Río arriba de Forden 1930. Tracy interpreta a un político anciano que lucha en su última campaña, con Jeffrey Hunter como su sobrino. Según se dice, Katharine Hepburn facilitó un acercamiento entre los dos hombres, poniendo fin a una larga disputa, y convenció a Tracy para que aceptara el papel principal, que originalmente se le había ofrecido a Orson Welles (pero fue rechazado por el agente de Welles sin su conocimiento, para su gran disgusto). Tuvo un éxito comercial considerablemente mayor que cualquiera de las dos películas anteriores de Ford, recaudando 950.000 dólares en su primer año.^{[ 2 ]}^{: 500} Anna Lee declaró que Ford estaba "decepcionado con la película" y que Columbia no le había permitido supervisar el montaje.

Corea: Campo de batalla por la libertad (1959), el segundo documental de Ford sobre la Guerra de Corea , fue realizado para el Departamento de Defensa de los Estados Unidos como película de orientación para los soldados estadounidenses destinados allí.

Le siguió su último largometraje de la década, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), una historia de la Guerra Civil muy ficcionalizada protagonizada por John Wayne, William Holden y Constance Towers . Aunque Ford manifestó su descontento con el proyecto, fue un éxito comercial, debutando en el número 1 y figurando entre los 20 éxitos de taquilla más taquilleros del año, recaudando 3,6 millones de dólares en su primer año y obteniendo para Ford su mayor honorario hasta la fecha: 375.000 dólares, más el 10% de la recaudación. ^{[ 2 ]}^{: 500} Según se informa, la producción fue difícil para el director y el reparto, y generó importantes sobrecostes, exacerbados por los salarios sin precedentes otorgados a Holden y Wayne (750.000 dólares, más el 20% de las ganancias totales, cada uno). Reflejando las tensiones en pantalla entre los personajes de Wayne y Holden, los dos actores discutían constantemente; Wayne también luchaba por ayudar a su esposa Pilar a superar su adicción a los barbitúricos, que culminó con su intento de suicidio mientras la pareja estaba rodando juntos en Luisiana. Los problemas de Ford alcanzaron su punto álgido con la trágica muerte del especialista Fred Kennedy, quien sufrió una fractura de cuello fatal al simular una caída de caballo durante la secuencia de batalla final. Ford quedó devastado por el accidente y perdió el interés en la película, trasladando la producción de nuevo a Hollywood. También descartó el final previsto, que mostraba la entrada triunfal de Marlowe en Baton Rouge, y en su lugar concluyó la película con la despedida de John Marlowe a Hannah Hunter y el cruce y la demolición del puente.

Últimos años, 1960–1973

En sus últimos años, Ford sufrió un deterioro progresivo de su salud, en gran parte consecuencia de décadas de consumo excesivo de alcohol y tabaco, agravado por las heridas sufridas durante la Batalla de Midway. Su visión, en particular, comenzó a deteriorarse rápidamente y, en un momento dado, la perdió por completo; su prodigiosa memoria también empezó a fallar, lo que le obligó a depender cada vez más de sus asistentes. Su trabajo también se vio restringido por el nuevo régimen de Hollywood, y le resultó difícil sacar adelante muchos proyectos. En la década de 1960, se le había encasillado como director de westerns y se quejaba de que ahora le resultaba casi imposible conseguir financiación para proyectos de otros géneros.

El sargento Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) fue la última película de caballería de Ford. Ambientada en la década de 1880, cuenta la historia de un soldado de caballería afroamericano (interpretado por Woody Strode ) acusado injustamente de violar y asesinar a una joven blanca. Warner Bros. la comercializó erróneamente como una película de suspense y no tuvo éxito comercial. Durante 1960, Ford realizó su tercera producción televisiva, The Colter Craven Story , un episodio de una hora de la serie de televisión Wagon Train , que incluía imágenes de Wagon Master de Ford (en la que se basaba la serie). También visitó el set de El Álamo , producida, dirigida y protagonizada por John Wayne, donde su intromisión provocó que Wayne lo enviara a filmar escenas de la segunda unidad que nunca se utilizaron (ni se pretendía utilizar) en la película.^{[ 51 ]}

La película Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) contó con James Stewart y Richard Widmark como coprotagonistas , junto a Shirley Jones y los habituales de Stock Company Andy Devine , Henry Brandon , Harry Carey Jr., Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh y Frank Baker, además de una de las primeras apariciones en pantalla de Linda Cristal , quien más tarde protagonizaría la serie de televisión del Oeste The High Chaparral . Tuvo un éxito comercial moderado, recaudando 1,6 millones de dólares en su primer año.

Fotografías promocionales de El hombre que mató a Liberty Valance.

John Wayne y James Stewart

Vera Miles y Stewart

El hombre que mató a Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) es frecuentemente citada como la última gran película de la carrera de Ford. Protagonizada por John Wayne y James Stewart , el reparto secundario incluye a la actriz principal Vera Miles , Edmond O'Brien como un locuaz editor de periódico, Andy Devine como el inepto alguacil Appleyard, Denver Pyle , John Carradine y Lee Marvin en un papel importante como el brutal Valance, con Lee Van Cleef y Strother Martin como sus secuaces. También es notable por ser la película en la que Wayne usó con mayor frecuencia su frase característica "Pilgrim" (su apodo para el personaje de James Stewart). La película fue un gran éxito, recaudando más de 3 millones de dólares en su primer año, aunque el reparto principal era poco creíble: los personajes interpretados por Stewart (entonces de 53 años) y Wayne (entonces de 54) podrían haber parecido tener poco más de 20 años dadas las circunstancias, y se dice que Ford consideró contratar a un actor más joven para el papel de Stewart, pero temía que resaltara la edad de Wayne. Aunque a menudo se afirma que las limitaciones presupuestarias obligaron a rodar la mayor parte de la película en los estudios de Paramount, los registros contables del estudio muestran que esto formaba parte del concepto artístico original, según el biógrafo de Ford, Joseph McBride. Según Lee Marvin en una entrevista grabada, Ford luchó con ahínco para rodar la película en blanco y negro y así acentuar el uso de las sombras. Aun así, fue una de las películas más caras de Ford, con un coste de 3,2 millones de dólares.

Tras completar Liberty Valance , Ford fue contratado para dirigir la sección sobre la Guerra Civil de la épica película de MGM, La conquista del Oeste , la primera película no documental en utilizar el formato panorámico Cinerama . El segmento de Ford contó con George Peppard , junto a Andy Devine , Russ Tamblyn , Harry Morgan como Ulysses S. Grant y John Wayne como William Tecumseh Sherman . Wayne ya había interpretado a Sherman en un episodio de 1960 de la serie de televisión Wagon Train que Ford dirigió en apoyo de la estrella de la serie , Ward Bond , titulado " The Coulter Craven Story ", para el cual contó con la participación de la mayor parte de su compañía habitual. También en 1962, Ford dirigió su cuarta y última producción televisiva, Flashing Spikes , una historia de béisbol realizada para la serie Alcoa Premiere y protagonizada por James Stewart, Jack Warden , Patrick Wayne y Tige Andrews , con Harry Carey Jr. y una larga aparición sorpresa de John Wayne, acreditado como "Michael Morris", como también lo había sido para el episodio Wagon Train dirigido por Ford.

Donovan's Reef (Paramount, 1963) fue la última película de Ford con John Wayne. Filmada en la isla hawaiana de Kauai (que representaba una isla ficticia de la Polinesia Francesa ), era una obra moralizante disfrazada de comedia de acción que abordaba de forma sutil pero contundente temas como el racismo, la connivencia corporativa, la avaricia y la creencia estadounidense en la superioridad social. El reparto secundario incluía a Lee Marvin , Elizabeth Allen , Jack Warden , Dorothy Lamour y Cesar Romero . Fue también el último éxito comercial de Ford, recaudando 3,3 millones de dólares con un presupuesto de 2,6 millones.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) fue la épica despedida de Ford al Oeste, que él mismo declaró públicamente como una elegía a los nativos americanos. Fue su último western, su película más larga y la más cara de su carrera (4,2 millones de dólares), pero no logró recuperar su inversión en taquilla y perdió alrededor de 1 millón de dólares en su primer estreno. El reparto estelar estuvo encabezado por Richard Widmark , con Carroll Baker , Karl Malden , Dolores del Río , Ricardo Montalbán , Gilbert Roland , Sal Mineo , James Stewart como Wyatt Earp, Arthur Kennedy como Doc Holliday, Edward G. Robinson , Patrick Wayne , Elizabeth Allen , Mike Mazurki y muchos de los fieles actores de la Stock Company de Ford, incluyendo a John Carradine , Ken Curtis , Willis Bouchey , James Flavin , Danny Borzage, Harry Carey Jr. , Chuck Hayward , Ben Johnson , Mae Marsh y Denver Pyle . William Clothier fue nominado al Oscar a la Mejor Fotografía y Gilbert Roland fue nominado al Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del anciano cheyenne Dull Knife .

En 1965, Ford comenzó a trabajar en Young Cassidy (MGM), un drama biográfico basado en la vida del dramaturgo irlandés Seán O'Casey , pero enfermó al principio de la producción y fue reemplazado por Jack Cardiff .

La última película que Ford completó fue 7 Women (MGM, 1966), un drama ambientado alrededor de 1935, sobre mujeres misioneras en China que intentan protegerse de los avances de un bárbaro caudillo mongol. Anne Bancroft asumió el papel principal de Patricia Neal , quien sufrió un derrame cerebral casi mortal dos días después de comenzar el rodaje. El reparto secundario incluía a Margaret Leighton , Flora Robson , Sue Lyon , Mildred Dunnock , Anna Lee , Eddie Albert , Mike Mazurki y Woody Strode , con música de Elmer Bernstein . Desafortunadamente, fue un fracaso comercial, recaudando solo la mitad de su presupuesto de 2,3 millones de dólares. Algo inusual para Ford, se filmó en continuidad para realzar las interpretaciones y, por lo tanto, expuso aproximadamente cuatro veces más película de lo habitual. Anna Lee recordó que Ford era "absolutamente encantador" con todo el mundo y que el único altercado importante se produjo cuando Flora Robson se quejó de que el letrero de la puerta de su camerino no incluía su título ("Dama") y, como resultado, Ford la "destrozó por completo" delante del reparto y el equipo técnico.

El siguiente proyecto de Ford, El milagro de Merriford , fue cancelado por MGM menos de una semana antes de que comenzara el rodaje. Su último trabajo terminado fue Chesty: Un tributo a una leyenda , un documental sobre el marine estadounidense más condecorado, el general Lewis B. Puller , con narración de John Wayne, que se realizó en 1970 pero no se estrenó hasta 1976, tres años después de la muerte de Ford.

La salud de Ford se deterioró rápidamente a principios de la década de 1970; sufrió una fractura de cadera en 1970 que lo dejó en silla de ruedas. Tuvo que mudarse de su casa en Bel Air a una casa de una sola planta en Palm Desert, California , cerca del Centro Médico Eisenhower , donde recibía tratamiento para el cáncer de estómago. El Sindicato de Directores de Cine (Screen Directors Guild) le rindió homenaje en octubre de 1972, y en marzo de 1973 el Instituto Americano de Cine (AFI) le otorgó su primer Premio a la Trayectoria en una ceremonia que se transmitió a nivel nacional. El presidente Richard Nixon ascendió a Ford a Almirante y le entregó la Medalla Presidencial de la Libertad .

Según John Wayne , socio y amigo de Ford durante muchos años , Ford podría haber seguido dirigiendo películas. Le dijo a Roger Ebert en 1976:

Hasta los últimos años de su vida... Pappy podría haber dirigido otra película, y una muy buena. Pero decían que Pappy era demasiado viejo. ¡Caramba, nunca fue demasiado viejo! En Hollywood hoy en día, no apoyan a nadie. Prefieren convertirlo en una leyenda y olvidarse de él. ^{[ 52 ]}

Ford falleció el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert ^{[ 9 ]} y su funeral se celebró el 5 de septiembre en la Iglesia del Santísimo Sacramento de Hollywood. Fue sepultado en el cementerio Holy Cross en Culver City, California . ^{[ 53 ]}

Personalidad y estilo de dirección

Personalidad

Ford era una personalidad enérgica con muchas idiosincrasias y excentricidades. A partir de la década de 1930, solía usar gafas oscuras o un parche sobre su ojo izquierdo, que era sensible a la luz. ^{[ 2 ]}^{: 347} Era un fumador empedernido de pipa y, mientras filmaba, masticaba un pañuelo de lino; cada mañana su esposa le daba una docena de pañuelos nuevos, pero al final de la jornada de rodaje, las esquinas de todos ellos estaban hechas jirones. Siempre ponía música en el plató y hacía una pausa para tomar té ( Earl Grey ) a media tarde todos los días durante el rodaje. Desaprobaba las charlas y le disgustaba que se dijeran palabrotas en el plató; su uso, especialmente delante de una mujer, solía resultar en la expulsión del infractor de la producción. Rara vez bebía durante el rodaje, pero al finalizar una producción solía encerrarse en su estudio, envuelto únicamente en una sábana, y se entregaba a una borrachera solitaria durante varios días, seguida de un arrepentimiento habitual y la promesa de no volver a beber jamás. Era extremadamente sensible a las críticas y siempre le enfurecía cualquier comparación entre su trabajo y el de su hermano mayor, Francis. Rara vez asistía a estrenos o ceremonias de premios, aunque sus Óscar y otros galardones se exhibían con orgullo en la repisa de la chimenea de su casa.

Hubo rumores ocasionales sobre sus preferencias sexuales. ^{[ 2 ]}^{: 381} En su autobiografía de 2004 , 'Tis Herself' , Maureen O'Hara recordó haber visto a Ford besando a un famoso actor (a quien no nombró) en su oficina en los estudios Columbia. ^{[ 54 ]}

Era desordenado, y su estudio siempre estaba lleno de libros, papeles y ropa. Compró un Rolls-Royce nuevo en la década de 1930, pero nunca lo usó porque su esposa, Mary, no le permitía fumar dentro. Su propio coche, un Ford roadster destartalado, estaba tan destrozado y desordenado que una vez llegó tarde a una reunión en el estudio porque el guardia de la entrada no creyó que el mismísimo John Ford pudiera conducir semejante coche y se negó a dejarlo entrar.

Ford sentía antipatía por los ejecutivos de los estudios. Se dice que en una de sus primeras películas para Fox ordenó a un guardia que mantuviera al jefe del estudio, Darryl F. Zanuck, fuera del plató, y en otra ocasión, llevó a un ejecutivo frente al equipo, lo puso de perfil y anunció: "Este es un productor asociado; mírenlo bien, porque no lo volverán a ver en esta película". Mientras filmaban Río Grande en 1950, el productor Herbert Yates y el ejecutivo de Republic, Rudy Ralston, visitaron el lugar y cuando Yates señaló la hora (eran las 10 de la mañana) y preguntó cuándo pensaba Ford comenzar a filmar, Ford espetó: "¡Tan pronto como se larguen de mi plató!". En la cena, según se cuenta, Ford reclutó al miembro del reparto Alberto Morin para que se hiciera pasar por un camarero francés inepto, quien procedió a derramar sopa sobre ellos, romper platos y causar un caos general, pero los dos ejecutivos aparentemente no se dieron cuenta de que eran víctimas de una de las bromas pesadas de Ford.

Disfrutaba enormemente pasando tiempo en su yate, el Araner , que compró en 1934 y en el que invirtió cientos de miles de dólares en reparaciones y mejoras a lo largo de los años; se convirtió en su principal refugio entre películas y en un lugar de encuentro para su círculo de amigos íntimos, entre los que se encontraban John Wayne y Ward Bond.

Ford era muy inteligente, erudito, sensible y sentimental, pero para protegerse en el ambiente despiadado de Hollywood cultivó la imagen de un "irlandés hijo de puta, duro, de dos puños y bebedor empedernido". ^{[ 2 ]}^{: 381} Un famoso suceso, presenciado por el amigo de Ford, el actor Frank Baker, ilustra de forma impactante la tensión entre la persona pública y el hombre privado. Durante la Gran Depresión, Ford —para entonces un hombre muy rico— fue abordado fuera de su oficina por un antiguo actor de Universal que estaba en la indigencia y necesitaba 200 dólares para una operación para su esposa. Mientras el hombre relataba sus desgracias, Ford pareció enfurecerse y luego, para horror de los presentes, se abalanzó sobre el hombre, lo tiró al suelo y gritó "¿Cómo te atreves a venir aquí así? ¿Quién te crees que eres para hablarme de esta manera?" antes de salir furioso de la habitación. Sin embargo, cuando el anciano, visiblemente afectado, salió del edificio, Frank Baker vio al gerente de negocios de Ford, Fred Totman, recibirlo en la puerta. Totman le entregó un cheque de 1000 dólares e indicó al chófer de Ford que lo llevara a casa. Allí, una ambulancia esperaba para trasladar a la esposa del hombre al hospital, donde un especialista, trasladado en avión desde San Francisco a expensas de Ford, realizó la operación. Tiempo después, Ford les compró una casa y les otorgó una pensión vitalicia. Cuando Baker le contó la historia a Francis Ford, este afirmó que el incidente ilustraba a la perfección la personalidad de su hermano.

En cualquier momento, si ese viejo actor hubiera seguido hablando, la gente se habría dado cuenta de lo sensible que es Jack. No habría podido soportar esa triste historia sin derrumbarse. Ha construido toda una leyenda de dureza a su alrededor para proteger su sensibilidad. ^{[ 2 ]}^{: 40f}

En el libro Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero de Nancy Schoenberger, la autora disecciona el impacto cultural de la masculinidad retratada en las películas de Ford. En una entrevista ^{[ 55 ]} con Portland Magazine , Schoenberger afirma: «Respecto a cómo Ford y Wayne "modificaron las convenciones de lo que es un "hombre" hoy en día", creo que Ford, habiendo crecido con hermanos a los que idolatraba, en un mundo rudo y bullicioso de boxeadores, bebedores y peones, encontró su tema más profundo en la camaradería masculina, especialmente en el ejército, uno de los pocos lugares donde los hombres pueden expresar su amor por otros hombres. Pero le preocupaba que los hombres actuaran heroicamente, por lo que el tipo más machista no siempre era el más heroico. McLaglen a menudo presentaba el lado cómico de la masculinidad fanfarrona. Ford sacó a relucir la ternura de Wayne, así como su dureza, especialmente en La diligencia ». ^{[ 56 ]}

Estilo general

Ford had many distinctive stylistic trademarks and a suite of thematic preoccupations and visual and aural motifs recurs throughout his work as a director. Film journalist Ephraim Katz summarized some of the keynote features of Ford's work in his Collins Film Encyclopedia entry:

Of all American directors, Ford probably had the clearest personal vision and the most consistent visual style. His ideas and his characters are, like many things branded "American", deceptively simple. His heroes ... may appear simply to be loners, outsiders to established society, who generally speak through action rather than words. But their conflict with society embodies larger themes in the American experience.
Ford's films, particularly the Westerns, express a deep aesthetic sensibility for the American past and the spirit of the frontier ... his compositions have a classic strength in which masses of people and their natural surroundings are beautifully juxtaposed, often in breathtaking long shots. The movement of men and horses in his Westerns has rarely been surpassed for regal serenity and evocative power. The musical score, often variations on folk themes, plays a more important part than dialogue in many Ford films.
Ford also championed the value and force of the group, as evidenced in his many military dramas ... [he] expressed a similar sentiment for camaraderie through his repeated use of certain actors in the lead and supporting roles ... he also felt an allegiance to places ...^[57]

A diferencia de su contemporáneo Alfred Hitchcock , Ford nunca usó storyboards, componiendo sus imágenes completamente en su cabeza, sin ningún esquema escrito o gráfico de las tomas que usaría. ^{[ 2 ]}^{: 464} El desarrollo del guion podía ser intenso pero, una vez aprobados, sus guiones rara vez se reescribían; también fue uno de los primeros cineastas en alentar a sus escritores y actores a preparar una historia de fondo completa para sus personajes. Odiaba las escenas expositivas largas y era famoso por arrancar páginas de un guion para recortar diálogos. Durante la realización de Mogambo , cuando el productor de la película, Sam Zimbalist, lo cuestionó por llevar tres días de retraso, Ford respondió arrancando tres páginas del guion y declarando "Estamos dentro del plazo" y, de hecho, nunca filmó esas páginas. ^{[ 58 ]} Mientras hacía Drums Along the Mohawk , Ford eludió hábilmente el desafío de filmar una escena de batalla grande y costosa: hizo que Henry Fonda improvisara un monólogo mientras lanzaba preguntas desde detrás de la cámara sobre el curso de la batalla (un tema sobre el que Fonda estaba bien versado) y luego simplemente editó las preguntas.

Era relativamente parco en el uso de movimientos de cámara y primeros planos, prefiriendo planos medios o largos estáticos, con sus actores enmarcados contra paisajes dramáticos o interiores iluminados al estilo expresionista , aunque a menudo usaba paneos y a veces un travelling dramático (por ejemplo, la primera aparición de John Wayne en La diligencia ). Ford es famoso por sus emocionantes planos secuencia, como la persecución de los apaches en La diligencia o el ataque al campamento comanche en Centauros del desierto .

Los motivos visuales recurrentes incluyen trenes y vagones (muchas películas de Ford comienzan y terminan con un vehículo de enlace como un tren o un vagón que llega y parte), puertas, caminos, flores, ríos, reuniones (desfiles, bailes, encuentros, escenas de bares, etc.); también empleó motivos gestuales en muchas películas, en particular el lanzamiento de objetos y el encendido de lámparas, fósforos o cigarrillos. ^{[ 59 ]} Si se mostraba a un personaje condenado jugando al póker (como Liberty Valance o el pistolero Tom Tyler en La diligencia ), la última mano que juega es la " mano de la muerte " (dos ochos y dos ases, uno de ellos el as de espadas), llamada así porque se dice que Wild Bill Hickok tenía esta mano cuando fue asesinado. Muchas de sus películas sonoras incluyen versiones o citas de su himno favorito, " Shall We Gather at the River? ", como su uso paródico para subrayar las escenas iniciales de Stagecoach , cuando la prostituta Dallas es expulsada del pueblo por las matronas locales. Los nombres de los personajes también se repiten en muchas películas de Ford: el nombre Quincannon, por ejemplo, se usa en varias películas, incluyendo The Lost Patrol , Rio Grande , She Wore A Yellow Ribbon y Fort Apache ; el personaje de John Wayne se llama "Kirby Yorke" tanto en Fort Apache como en Rio Grande ; y los nombres Tyree y Boone también se repiten en varias películas de Ford.

Trabajos recientes sobre las representaciones de los nativos americanos por parte de Ford han argumentado que, contrariamente a la creencia popular, sus personajes indígenas abarcaron una gama de imágenes que iban desde la hostilidad hasta la simpatía, desde El caballo de hierro hasta Otoño cheyenne . Su representación de los navajos en El maestro de carretas incluyó personajes que hablaban el idioma navajo . El rasgo distintivo de los westerns de Ford con temática indígena es que sus personajes nativos siempre permanecieron separados y apartados de la sociedad blanca. ^{[ 60 ]}

Ford era legendario por su disciplina y eficiencia en el set. ^{[ 2 ]}^{: 38} Era extremadamente duro con los actores, frecuentemente burlándose de ellos, gritándoles y acosándolos; también era infame por sus bromas pesadas a veces sádicas. Cualquier actor lo suficientemente tonto como para exigir un trato de estrella recibiría toda la fuerza de su implacable desprecio y sarcasmo. Una vez se refirió a John Wayne como un "gran idiota" e incluso golpeó a Henry Fonda. Henry Brandon (quien interpretó al Jefe Scar de The Searchers ) una vez se refirió a Ford como "el único hombre que podía hacer llorar a John Wayne". . De igual manera menospreció a Victor McLaglen, en una ocasión, según se informa, gritando a través del megáfono: "¿Sabes, McLaglen, que Fox te está pagando $1200 a la semana por hacer cosas que yo podría hacer que cualquier niño de la calle hiciera mejor?". ^[²^]^:³⁸ Según se informa, el veterano de Stock Company, Ward Bond, fue uno de los pocos actores que eran inmunes a las burlas y sarcasmos de Ford. Sir Donald Sinden , por aquel entonces actor contratado por la Rank Organisation en los estudios Pinewood cuando protagonizó Mogambo , no fue el único en sufrir las consecuencias del infame comportamiento de John Ford. Recuerda: «Diez cazadores blancos fueron asignados a nuestra unidad para nuestra protección y para proporcionarnos carne fresca. Entre ellos estaba Marcus, Lord Wallscourt, un hombre encantador al que Ford trataba fatal, a veces con gran sadismo. A ojos de Ford, el pobre hombre no hacía nada bien y lo regañaban constantemente delante de toda la unidad (en cierto modo, a veces me salvaba de la situación). Ninguno de nosotros entendía el motivo de este trato tan terrible, que aquel hombre tan bondadoso no merecía en absoluto. Él mismo estaba completamente desconcertado. Varias semanas después, descubrimos la causa gracias al cuñado de Ford: antes de emigrar a Estados Unidos, el abuelo de Ford había sido jornalero en la finca irlandesa del entonces Lord Wallscourt; Ford se estaba vengando de su descendiente. Un espectáculo nada agradable». ^[⁶¹^] "Ahora teníamos que regresar a los estudios MGM-British en Londres para filmar todas las escenas de interior. Alguien debió haberle hecho notar a Ford que se había portado fatal conmigo durante todo el rodaje en exteriores y, cuando llegué para mi primer día de trabajo, descubrí que había mandado pintar un gran cartel en la entrada de nuestro plató con letras mayúsculas que decía: 'SEMANA DE LA AMABLE CON DONALD'. Cumplió su palabra, durante exactamente siete días. Al octavo día arrancó el cartel y volvió a su comportamiento intimidatorio habitual." ^[⁶²^]

Ford solía dar pocas indicaciones explícitas a sus actores, aunque en ocasiones él mismo recorría la escena de forma casual, y se esperaba que los actores observaran cada gesto o ademanes sutiles; si no lo hacían, Ford les hacía repetir la escena hasta que lo hicieran bien, y a menudo reprendía y menospreciaba a quienes no lograban la interpretación deseada. En El hombre que mató a Liberty Valance , Ford ensayó una escena con Edmond O'Brien y terminó dejando caer la mano sobre una barandilla. O'Brien lo notó, pero lo ignoró deliberadamente, colocando su mano sobre la barandilla; Ford no lo corrigió explícitamente y, según se cuenta, hizo que O'Brien repitiera la escena cuarenta y dos veces antes de que el actor cediera y la hiciera a su manera.

A pesar de su personalidad a menudo difícil y exigente, muchos actores que trabajaron con Ford reconocieron que él sacaba lo mejor de ellos. John Wayne comentó que "Nadie podía manejar a los actores y al equipo como Jack". ^{[ 63 ]} Dobe Carey afirmó que "Tenía una cualidad que hacía que todos casi se mataran por complacerlo. Al llegar al set, sentías de inmediato que algo especial iba a suceder. Te sentías espiritualmente despierto de repente". ^{[ 64 ]} Carey le atribuye a Ford la inspiración de su última película, Comanche Stallion ( 2005 ).

El lugar predilecto de Ford para sus películas del Oeste era Monument Valley, en el sur de Utah . Aunque no era un escenario geográfico apropiado para sus tramas, el impacto visual expresivo de la zona le permitió a Ford plasmar imágenes del Oeste americano con algunas de las cinematografías más bellas y poderosas jamás filmadas, en películas como La diligencia , Centauros del desierto y Fuerte Apache . Un ejemplo notable es la famosa escena de La legión invencible, en la que se fotografía a la tropa de caballería frente a una tormenta inminente. Se ha analizado la influencia en las películas de artistas clásicos del Oeste como Frederic Remington y otros. ^[⁶⁵^] El uso evocador que Ford hizo del territorio para sus películas del Oeste definió las imágenes del Oeste americano con tanta fuerza que Orson Welles llegó a decir que otros cineastas se negaban a filmar en la región por temor al plagio. ^[⁶⁶^]

Ford solía filmar solo el material que necesitaba y a menudo lo hacía en secuencia, minimizando así el trabajo de sus editores. ^{[ 67 ]} En opinión de Joseph McBride, ^{[ 31 ]} la técnica de Ford de cortar en la cámara le permitió mantener el control creativo en un período en el que los directores a menudo tenían poca influencia en el montaje final de sus películas. Ford señaló:

No les doy mucha película para que jueguen con ella. De hecho, Eastman solía quejarse de que exponía muy poca película. Hago cortes en la cámara. Si les das mucha película, el comité toma el control. Empiezan a reorganizar las escenas, quitando esto y poniendo aquello. No pueden hacer eso con mis fotos. Corto en la cámara y listo. No queda mucha película en el suelo cuando termino. ^{[ 68 ]}

Ford odiaba el zoom y, por regla general, no permitía que ni las grúas para cámaras ni los objetivos en sus rodajes . Sin embargo, su última película, Chesty: A Tribute to a Legend , incluye un plano con zoom. ^{[ 69 ]}

Premios y distinciones

Ford won a total of four Academy Awards with all of them being for Best Director, for the films The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941), and The Quiet Man (1952)—none of them Westerns (also starring in the last two was Maureen O'Hara, "his favorite actress"). He was also nominated as Best Director for Stagecoach (1939). He later directed two documentaries, The Battle of Midway and December 7, which both won Best Documentary, although the award was not won by him. To this day Ford holds the record for winning the most Best Director Oscars, having won the award on four occasions. William Wyler and Frank Capra come in second having won the award three times. Ford was the first director to win consecutive Best Director awards, in 1940 and 1941. This feat was later matched by Joseph L. Mankiewicz exactly ten years later, when he won consecutive awards for Best Director in 1950 and 1951. As a producer, he also received a nomination for Best Picture for The Quiet Man. In 1955 and 1957, Ford was awarded the George Eastman Award^[70] given by George Eastman House for distinguished contribution to the art of film. He was the first recipient of the American Film Institute Life Achievement Award in 1973. Also in that year, Ford was awarded the Presidential Medal of Freedom by President Richard Nixon.

Ford directed 10 different actors in Oscar-nominated performances: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly and Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp and Lemmon won an Oscar for one of their roles in one of Ford's movies.

In 1998, a statue of Ford was unveiled in Portland, Maine, across the street from where his father once owned a pub. Sculpted by artist George Kelly, the statue is surrounded by a memorial containing facts about Ford's life and his films.^[71]

A television special featuring Ford, John Wayne, James Stewart, and Henry Fonda was broadcast over the CBS network on December 5, 1971, called The American West of John Ford, featuring clips from Ford's career interspersed with interviews conducted by Wayne, Stewart, and Fonda, who also took turns narrating the hour-long documentary.

En 2007, Twentieth Century Fox lanzó Ford at Fox , una caja recopilatoria en DVD con 24 películas de Ford. Richard Corliss, de la revista Time , la nombró una de las "10 mejores DVD de 2007", ubicándola en el puesto número 1. ^[⁷²^]

En 2019, Jean-Christophe Klotz estrenó el documental John Ford, l'homme qui inventa l'Amérique ("el hombre que inventó América"), sobre su influencia en la leyenda del Oeste americano en películas como La diligencia (1939), Las uvas de la ira (1940), El hombre que mató a Liberty Valance (1962) y Otoño cheyenne (1964). ^{[ 73 ]}

Preservación

El archivo cinematográfico de la Academia ha conservado varias películas de John Ford, entre ellas Qué verde era mi valle , La batalla de Midway , Tambores a lo largo del Mohawk , Sexo e higiene , Escuadrón de torpederos 8 y Cuatro hijos . ^{[ 74 ]}

Hasta 2024, once películas dirigidas o codirigidas por Ford se han añadido al Registro Nacional de Cine , igualando a Howard Hawks como el que más películas ha recibido. ^{[ 75 ]}

Premios de la Academia

Dirigió actuaciones ganadoras del premio de la Academia.

Política

En sus inicios, la política de Ford era convencionalmente progresista; sus presidentes favoritos eran los demócratas Franklin D. Roosevelt y John F. Kennedy , y el republicano Abraham Lincoln . ^{[ 76 ]} Pero a pesar de estas inclinaciones, muchos pensaban ^{[ 77 ]}^{[ 78 ]} que era republicano debido a su larga relación con los actores John Wayne , James Stewart , Maureen O'Hara y Ward Bond .

La postura de Ford ante el macartismo en Hollywood queda reflejada en una anécdota contada por Joseph L. Mankiewicz . Una facción del Sindicato de Directores de Estados Unidos (Directors Guild of America) , liderada por Cecil B. DeMille , intentó imponer la firma obligatoria de un juramento de lealtad a todos sus miembros . Se estaba llevando a cabo una campaña de desprestigio contra Mankiewicz, entonces presidente del sindicato, acusándolo de simpatizar con el comunismo. En una reunión crucial del sindicato, la facción de DeMille intervino durante cuatro horas hasta que Ford se pronunció en contra de DeMille y propuso un voto de confianza en Mankiewicz, que fue aprobado. Sus palabras fueron registradas por un taquígrafo.

Me llamo John Ford. Hago películas del Oeste. No creo que haya nadie en esta sala que sepa más sobre lo que quiere el público estadounidense que Cecil B. DeMille , y sin duda sabe cómo dárselo... [mirando a DeMille] Pero no me caes bien, CB. No me gusta lo que representas y no me gusta lo que has dicho esta noche. ^{[ 79 ]}

La versión de los hechos de Mankiewicz fue cuestionada en 2016 con el descubrimiento de la transcripción judicial, que se publicó como parte de los archivos de Mankiewicz. El relato de Mankiewicz atribuye exclusivamente a Ford el fracaso de DeMille. El relato contiene varias exageraciones. La decisión de DeMille de despedir a Mankiewicz provocó una oleada de protestas. DeMille fue blanco de un aluvión de ataques por parte de numerosos oradores durante la reunión y, en un momento dado, parecía que iba a ser expulsado de la junta directiva del gremio.

En ese momento, Ford se levantó para hablar. Comenzó defendiendo a la junta directiva. Reclamó un papel personal en el voto de confianza a favor de Joseph Mankiewicz. Luego pidió que se pusiera fin a la política en el gremio y que este se centrara en las condiciones laborales. Ford declaró ante la reunión que el gremio se formó para "protegernos de los productores". Argumentó en contra de "difundir información difamatoria sobre un director, ya sea que sea comunista, maltrate a su suegra o a los perros". Ford deseaba que el debate y la reunión terminaran, ya que su prioridad era la unidad del gremio. Afirmó que Mankiewicz había sido vilipendiado y merecía una disculpa. Su intervención final consistió en apoyar a DeMille frente a nuevas peticiones de dimisión. Las palabras de Ford sobre DeMille fueron: «Y creo que algunas de las acusaciones formuladas esta noche son bastante antiamericanas. Es decir, un grupo de hombres se ha ensañado con quien probablemente sea el decano de nuestra profesión. No estoy de acuerdo con CB DeMille. Lo admiro. No me cae bien, pero lo admiro. Tenía todo el derecho a decirlo. No me gusta oír acusaciones en su contra». Concluyó suplicando a los miembros que mantuvieran a DeMille en su puesto.

Ford temía que la salida de DeMille pudiera haber provocado el desmoronamiento de la organización. Su segunda medida fue lograr la renuncia de toda la junta directiva, lo que salvó la reputación de DeMille y permitió resolver el asunto sin dimisiones forzadas. Al día siguiente, Ford escribió una carta en apoyo de DeMille y luego lo llamó por teléfono, describiéndolo como "una figura magnífica", muy superior a esa "maldita pandilla de ratas".

En una reunión tensa y ardua, Ford salió en defensa de un colega que estaba siendo atacado constantemente por sus compañeros. Comprendió los peligros de expulsar a DeMille. Ford mantuvo la mirada fija durante toda la reunión para asegurarse de que DeMille permaneciera en el gremio. Posteriormente, presentó su propia renuncia —como parte de la junta directiva— para evitar la desintegración del gremio y permitir que DeMille se marchara sin perder prestigio. ^{[ 80 ]}

Posteriormente, Ford se alió públicamente con el Partido Republicano, declarándose "republicano de Maine" en 1947. Afirmó haber votado por Barry Goldwater en las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 1964 y haber apoyado a Richard Nixon en 1968, convirtiéndose en partidario de la guerra de Vietnam . En 1973, el presidente Nixon le otorgó la Medalla de la Libertad, a cuya campaña había apoyado públicamente. ^{[ 81 ]}

En 1952, Ford esperaba una fórmula presidencial republicana de Robert Taft y Douglas MacArthur . ^{[ 82 ]} Cuando Dwight Eisenhower ganó la nominación, Ford le escribió a Taft diciendo que, como "un millón de otros estadounidenses, estoy naturalmente desconcertado y dolido por el resultado de la Convención Republicana en Chicago ". ^{[ 83 ]}

En 1966, apoyó a Ronald Reagan en su candidatura a gobernador y nuevamente para su reelección en 1970. ^{[ 84 ]}

El estudioso de Ford, Tag Gallagher, afirma que Ford era "esencialmente apolítico", aunque también señala que el director se convirtió en un ferviente partidario del Ejército Republicano Irlandés ( IRA) tras su primera visita a Irlanda en la década de 1920, y que canalizó fondos al IRA durante el resto de su carrera. ^{[ 2 ]}^{: 29, 339}

Influencia

Ford es ampliamente considerado uno de los cineastas más influyentes de Hollywood. Flickside lo incluyó en su lista como el sexto director más influyente de todos los tiempos . ^{[ 85 ]} A continuación se presentan algunas de las personas que fueron influenciadas directamente por Ford o que admiraron profundamente su trabajo:

Georgy Avenarius , el crítico de cine, era un mayor soviético a cargo del estudio UFA GmbH Babelsberg en el Berlín soviético . Permitió que Budd Schulberg y los hombres de la Sección Fotográfica de Campo de la OSS tuvieran acceso a noticiarios y propaganda nazis al enterarse de que trabajaban para Ford. ^[⁸⁶^]
Ingmar Bergman ^{[ 5 ]} – Dijo de Ford: "el mejor director del mundo".
Bahram Beyzai escribió una reseña crítica elogiosa de las películas más famosas de Ford en 1961, que está antologizada en la colección de escritos de y sobre Ford en persa de Massoud Farasati de 2014 ^{[ 87 ].}
Peter Bogdanovich – Dirigida por John Ford (1971) ^{[ 5 ]}
Frank Capra ^{[ 5 ]} – Se refería a Ford como el "rey de los directores"
Michael Cimino ^{[ 88 ]}
Pedro Costa : "Me hace soñar y me hace volver. Me sentí tan bien cuando vi una película de John Ford y estaba frente a esas personas. Fue como un sueño. Fue algo real."
Clint Eastwood
Federico Fellini ^{[ 7 ]}
Jean-Luc Godard ^{[ 89 ]} – Una vez comparó el final de Centauros del desierto con "el reencuentro de Ulises con Telémaco "
Howard Hawks ^{[ 7 ]}
Alfred Hitchcock ^{[ 7 ]} – "Una película de John Ford era una gratificación visual"
Elia Kazan ^{[ 90 ]}
Satoshi Kon se inspiró en Los tres padrinos de Ford para su película de animación Tokyo Godfathers , una variación del western de Ford, ambientada en el Tokio contemporáneo.
Stanley Kubrick ^{[ 91 ]}
Akira Kurosawa ^{[ 92 ]} – "He respetado a John Ford desde el principio. Huelga decir que presto mucha atención a sus producciones y creo que me influyen."
David Lean se inspiró en la novela "Centauros del desierto" para su película "Lawrence de Arabia".
Sergio Leone
George Lucas
Juan Milius
Sam Peckinpah
Satyajit Ray ^{[ 93 ]} – "Un rasgo distintivo nunca es fácil de describir, pero la descripción más cercana a la de Ford sería una combinación de fuerza y sencillez. El equivalente más cercano que se me ocurre es uno musical: Beethoven de su período intermedio."
Jean Renoir ^{[ 5 ]} – Después de ver El delator , según se informa le dijo a George Seaton : "Aprendí mucho hoy... Aprendí a no mover mi cámara".
Martin Scorsese ^{[ 7 ]}
Steven Spielberg ^{[ 5 ]} – Una vez se encontró con Ford en un estudio en la década de 1960, un evento que dramatizó en la película de 2022 The Fabelmans , con David Lynch como Ford y Gabriel LaBelle como Sammy Fabelman , un personaje vagamente basado en Spielberg que se encuentra con Ford durante la escena final.
Jean-Marie Straub elogió a Ford como "el cineasta más brechtiano de todos".
Bertrand Tavernier
Andrei Tarkovsky citó a Ford como uno de sus directores de cine favoritos en una entrevista con el crítico Kazuo Yamada. ^{[ 94 ]}
François Truffaut ^{[ 7 ]}
John Wayne ^{[ 95 ]}
Orson Welles ^{[ 5 ]} – Cuando se le pidió que nombrara a los directores que más le atraían, respondió: "Me gustan los viejos maestros, con lo que me refiero a John Ford, John Ford y John Ford".
Wim Wenders ^{[ 7 ]}

Filmografía

Premios (militares y civiles)

Ford fue galardonado con la Legión al Mérito con "V" de Combate , ^{[ 96 ]}^{[ 32 ]}^{[ 97 ]}^{[ 98 ]} un Corazón Púrpura , ^{[ 32 ]}^{[ 97 ]} la Medalla al Servicio Meritorio , ^{[ 96 ]} la Medalla Aérea , ^{[ 32 ]} la Medalla de Encomio de la Armada y el Cuerpo de Marines con "V" de Combate, ^{[ 96 ]} la Cinta de Acción de Combate de la Armada ^{, [ 96 ]} la Medalla Presidencial de la Libertad , ^{[ 99 ]}^{[ 97 ]}^{[ 100 ]} la Medalla del Servicio en China , ^{[ 96 ]} la Medalla del Servicio de Defensa Estadounidense con estrella de servicio , ^{[ 96 ]}^{[ 97 ]} la Medalla de la Campaña Estadounidense , ^{[ 97 ]} la Medalla de la Campaña Europea-Africana-Medio Oriental con tres estrellas de campaña , ^{[ 96 ]}^{[ 97 ]} la Medalla de la Campaña Asiática-Pacífica también con tres estrellas de campaña, ^{[ 96 ]}^{[ 97 ]}^{[ 101 ]} la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial , ^{[ 97 ]} la Medalla del Servicio de Ocupación de la Armada , ^{[ 96 ]}^{[ 101 ]} la Medalla del Servicio de Defensa Nacional con estrella de servicio, ^{[ 96 ]}^{[ 101 ]} la Medalla del Servicio de Corea con una estrella de campaña, ^{[ 96 ]}^{[ 101 ]} la Medalla de la Reserva Naval , ^{[ 97 ]} la Medalla Samil de la Orden del Mérito de la Seguridad Nacional , ^{[ 96 ]} la Medalla de Corea de las Naciones Unidas , ^{[ 96 ]}^{[ 101 ]}la Cinta de Tiro con Pistola Distinguido (1952–1959) , ^{[ 96 ]} y la Orden de Leopoldo de Bélgica . ^{[ 96 ]}

Véase también

Lista de colaboraciones cinematográficas

Referencias

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Lecturas adicionales

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La furia humana /3 , invierno 2010

Número especial dedicado a John Ford, que incluye textos (en francés, italiano, inglés y portugués) de Julio Bressane, Paul Vecchiali, Raymond Bellour , Art Redding, Toni D'Angela, Juan Gorostidi Munguia, Tag Gallagher, Joseph McBride , Jacques Aumont , John Zorn, Barry Gifford, Giulio Giorello, Alberto Abruzzese, Eva Truffaut y otros.

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Enlaces externos

Sitios oficiales

John Ford Irlanda

Materiales de archivo

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Crítica

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Metadatos

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