Alfred Hitchcock

Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso encima de la frutería que sus padres alquilaban en el 517 de High Road en Leytonstone , que entonces formaba parte de Essex (ahora parte del distrito londinense de Waltham Forest ). Era hijo del frutero y avicultor William Edgar Hitchcock (1862–1914) y de Emma Jane (de soltera Whelan; 1863–1942). El hogar se caracterizaba por una atmósfera de disciplina. ^{[ 11 ]} Tenía un hermano mayor llamado William John (1888–1943) y una hermana mayor llamada Ellen Kathleen (1892–1979) que usaba el apodo de "Nellie". Sus padres eran católicos romanos con ascendencia inglesa e irlandesa. ^{[ 12 ] [ 13 ]} Su padre era frutero, como lo había sido su abuelo. ^{[ 14 ]} Había una gran familia extensa, incluyendo al tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road en Putney , con criada, cocinero, chófer y jardinero. Cada verano, su tío alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville , Kent. Hitchcock dijo que fue allí donde tomó conciencia de las clases sociales por primera vez, al notar las diferencias entre turistas y lugareños. ^{[ 15 ]}

Describiéndose a sí mismo como un niño bien portado —su padre lo llamaba su "corderito sin mancha" — Hitchcock dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos. ^{[ 17 ]} Una de sus historias favoritas para los entrevistadores era sobre cuando su padre lo envió a la comisaría local con una nota; el policía miró la nota y lo encerró en una celda durante unos minutos, diciendo: "Esto es lo que hacemos con los niños traviesos". La experiencia le dejó una fobia de por vida a la policía, y le dijo a Tom Snyder en 1973 que estaba "muerto de miedo de todo ... lo que tenga que ver con la ley" y que se negaría incluso a conducir un coche por si acaso recibía una multa de aparcamiento. ^{[ 18 ]} Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y alquiló dos locales en 130 y 175 Salmon Lane, que regentaron como una freiduría de pescado y patatas fritas y una pescadería respectivamente; vivían encima del primero. ^{[ 19 ]} Hitchcock asistió a su primera escuela, el convento Howrah House en Poplar , al que ingresó en 1907, a los 7 años. ^{[ 20 ]} Según el biógrafo Patrick McGilligan , permaneció en Howrah House como máximo dos años. También asistió a una escuela conventual, la Wode Street School "para las hijas de caballeros y niños pequeños" dirigida por los Compañeros Fieles de Jesús . Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y fue interno por un corto tiempo en el Salesian College en Battersea . ^{[ 21 ]}   

La familia se mudó de nuevo cuando Hitchcock tenía once años, esta vez a Stepney , y el 5 de octubre de 1910 fue enviado al St Ignatius College en Stamford Hill , una escuela de gramática jesuita con fama de disciplina. ^{[ 22 ]} Como castigo corporal, los sacerdotes usaban una herramienta plana, dura y elástica hecha de gutapercha y conocida como "férula" que golpeaba toda la palma; el castigo siempre era al final del día, así que los chicos tenían que sentarse en clase anticipando el castigo si habían sido amonestados por escrito. Más tarde dijo que fue allí donde desarrolló su sentido del miedo. ^{[ 23 ]} El registro escolar indica que su año de nacimiento es 1900 en lugar de 1899; el biógrafo Donald Spoto dice que fue matriculado deliberadamente a los diez años porque estaba un año atrasado en su escolarización. ^{[ 24 ]} Si bien el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era "un alumno promedio, o ligeramente superior al promedio", ^{[ 25 ]} Hitchcock dijo que "generalmente estaba entre los cuatro o cinco mejores de la clase"; ^{[ 26 ]} al final de su primer año, se destacó su trabajo en latín, inglés, francés y educación religiosa . ^{[ 27 ]} Le dijo a Peter Bogdanovich : "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis". ^{[ 25 ]}

La asignatura favorita de Hitchcock era geografía, y se interesó por los mapas y los horarios de trenes, tranvías y autobuses; según John Russell Taylor , podía recitar todas las paradas del Orient Express . ^{[ 28 ]} Tenía un interés particular en los tranvías de Londres . La gran mayoría de sus películas incluyen escenas de trenes o tranvías, en particular La dama desaparece , Extraños en un tren y Número diecisiete . Una claqueta muestra el número de la escena y el número de tomas, y Hitchcock solía tomar los dos números de la claqueta y susurrar los nombres de las rutas de tranvía de Londres. Por ejemplo, si la claqueta mostraba "Escena 23; Toma 3", susurraba " Woodford , Hampstead " — Woodford era la terminal de la ruta 23 del tranvía, y Hampstead la terminal de la ruta 3. ^{[ 29 ] [ 30 ]}

Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero, ^{[ 26 ]} y el 25 de julio de 1913, ^{[ 31 ]} dejó St Ignatius y se matriculó en clases nocturnas en la London County Council School of Engineering and Navigation en Poplar. En una entrevista extensa en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". ^{[ 26 ]} Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que había estado sufriendo de enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. ^{[ 32 ]} Para mantenerse a sí mismo y a su madre —sus hermanos mayores ya se habían ido de casa— Hitchcock aceptó un trabajo, por 15 chelines a la semana ( 75 libras esterlinas en 2025 ), ^{[ 33 ]} como empleado técnico en la Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street, cerca de London Wall . ^{[ 34 ]} Continuó con las clases nocturnas, esta vez de historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. ^{[ 35 ]} Su hermano mayor administraba las tiendas familiares, mientras que él y su madre seguían viviendo en Salmon Lane. ^{[ 36 ]}  

Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 ("libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar las condiciones de servicio en guarniciones en el país  ... solo apto para trabajo sedentario"). ^{[ 37 ]} Se unió a un regimiento de cadetes de los Ingenieros Reales y participó en sesiones informativas teóricas, ejercicios y simulacros de fin de semana. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park , Hitchcock tuvo que usar polainas . Nunca logró dominar la técnica para envolvérselas, y se le caían repetidamente hasta los tobillos. ^{[ 38 ]}

Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919, se convirtió en editor fundador y gerente comercial de la publicación interna de Henley, The Henley Telegraph (seis peniques el ejemplar), a la que envió varios cuentos. ^{[ 39 ] [ d ]} Henley lo ascendió al departamento de publicidad, donde escribió textos publicitarios y dibujó gráficos para anuncios de cable eléctrico. Disfrutaba del trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para revisar las pruebas; le dijo a Truffaut que este fue su "primer paso hacia el cine". ^{[ 26 ] [ 47 ]} Le gustaba ver películas, especialmente cine estadounidense, y desde los 16 años leía las revistas especializadas; vio a Charlie Chaplin , DW Griffith y Buster Keaton , y le gustó particularmente Der müde Tod de Fritz Lang (estrenada en Gran Bretaña en 1921 como Destiny ). ^{[ 26 ]}

Mientras aún estaba en Henley's, leyó en una revista especializada que Famous Players–Lasky , la división de producción de Paramount Pictures , iba a abrir un estudio en Londres. ^{[ 48 ]} Estaban planeando filmar Las penas de Satanás de Marie Corelli , así que hizo algunos dibujos para los títulos y envió su trabajo al estudio. ^{[ 49 ]} Lo contrataron y en 1919 empezó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton , como diseñador de títulos. ^{[ 48 ]}

Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con especificaciones de trabajo estrictas, pero se animaba a los trabajadores ingleses a probar suerte en cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock adquirió experiencia como coguionista, director artístico y jefe de producción en al menos 18 películas mudas. ^{[ 50 ]} The Times escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento de títulos artísticos especiales del estudio bajo la supervisión del Sr. AJ Hitchcock". ^{[ 51 ]} Su trabajo incluyó Número 13 (1922), también conocida como La Sra. Peabody; fue cancelada debido a problemas financieros -las pocas escenas terminadas se perdieron ^{[ 52 ]} - y Siempre díselo a tu esposa (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de abandonarla. ^{[ 48 ]} Hicks escribió más tarde sobre haber sido ayudado por "un joven gordo que estaba a cargo de la sala de utilería ... [n]o otro que Alfred Hitchcock". ^{[ 53 ]}  

Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva empresa dirigida en el mismo lugar por Michael Balcon , más tarde conocida como Gainsborough Pictures . ^{[ 48 ] [ 55 ]} Hitchcock trabajó en Mujer a mujer (1923) con el director Graham Cutts , diseñando el decorado, escribiendo el guion y produciendo. Dijo: "Fue la primera película en la que realmente puse mis manos". ^{[ 55 ]} La editora y "chica del guion" en Mujer a mujer fue Alma Reville , su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en La sombra blanca (1924), La apasionada aventura (1924), El guardaespaldas (1925) y La caída de la mojigata (1925). ^{[ 56 ]} El guardaespaldas se produjo en los estudios Babelsberg en Potsdam, donde Hitchcock vio parte de la realización de El último (1924) de FW Murnau . ^{[ 57 ]} Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y posteriormente utilizó muchas de sus técnicas para el diseño de escenografía en sus propias producciones. ^{[ 58 ]}

En el verano de 1925, Balcon le pidió a Hitchcock que dirigiera El jardín del placer (1926), protagonizada por Virginia Valli , una coproducción de Gainsborough y la empresa alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig cerca de Múnich. Reville, para entonces prometida de Hitchcock, era asistente de dirección y montaje. ^{[ 59 ] [ 52 ]} Aunque la película fue un fracaso comercial, ^{[ 60 ]} a Balcon le gustó el trabajo de Hitchcock; un titular del Daily Express lo llamó el "joven con una mente maestra". ^{[ 61 ]} Como una señal temprana de su gran popularidad, el British Film Institute (BFI) escribiría: "En una inusual muestra de confianza para un director novel, Hitchcock incluyó su propia firma en los títulos". ^{[ 62 ]} En marzo de 1926, la revista de cine británica Picturegoer publicó un artículo titulado "Alfred el Grande" del crítico de cine Cedric Belfrage , quien elogió a Hitchcock por poseer "un dominio tan completo de todas las diferentes ramas de la técnica cinematográfica que es capaz de tomar mucho más control de su producción que el director promedio con cuatro veces su experiencia". ^{[ 63 ]} La producción de El jardín del placer encontró obstáculos de los que Hitchcock aprendería más tarde: al llegar al paso del Brenner , no declaró su material fílmico a la aduana y fue confiscado; una actriz no pudo entrar al agua para una escena porque estaba menstruando ; los sobrecostos del presupuesto significaron que tuvo que pedir dinero prestado a los actores. ^{[ 64 ]} Hitchcock también necesitó un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo. ^{[ 64 ]}

En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine y la cinematografía alemanes , que tuvieron una gran influencia en él. ^{[ 65 ]} Cuando no estaba trabajando, visitaba las galerías de arte, conciertos y museos de Berlín. También se reunía con actores, escritores y productores para establecer contactos. ^{[ 66 ]} Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Múnich, El águila de la montaña (1926), basada en una historia original titulada El miedo a Dios . ^{[ 67 ]} La película se perdió y Hitchcock la calificó como "una película muy mala". ^{[ 61 ] [ 68 ]} Un año después, Hitchcock escribió y dirigió El anillo ; aunque el guion se le atribuyó únicamente a él, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. ^{[ 69 ]} El anillo obtuvo críticas positivas; el crítico de Bioscope la calificó como "la película británica más magnífica jamás realizada". ^{[ 70 ]}

Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. ^{[ 71 ]} A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov , Lev Kuleshov , Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . También socializaba con otros cineastas ingleses como Ivor Montagu , Adrian Brunel y Walter Mycroft . ^{[ 72 ]} Hitchcock reconoció el valor de cultivar su propia marca, y el director se promocionó agresivamente durante este período. ^{[ 73 ]} En una reunión de la London Film Society en 1925, declaró que los directores eran lo más importante en la realización de películas, y Donald Spoto escribió que Hitchcock proclamó: « Hacemos que una película tenga éxito. El nombre del director debe estar asociado en la mente del público con un producto de calidad. Los actores van y vienen, pero el nombre del director debe permanecer claramente en la mente del público». ^{[ 74 ]}

Hitchcock se consagró como director de renombre con su primer thriller, El inquilino: Historia de la niebla londinense (1927). ^{[ 76 ]} La película trata sobre la búsqueda de un asesino en serie al estilo de Jack el Destripador que, vestido con una capa negra y llevando una bolsa negra, está asesinando a jóvenes rubias en Londres, y solo los martes. ^{[ 77 ]} Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. ^{[ 78 ]} Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara de forma ambigua, pero la estrella era Ivor Novello , un ídolo de matinée , y el " sistema de estrellas " significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que dejarlo bien claro, en letras grandes: 'Él es inocente'". (Tuvo el mismo problema años después con Cary Grant en Sospecha (1941)). ^{[ 79 ]} Estrenada en enero de 1927, El inquilino fue un éxito comercial y de crítica en el Reino Unido. ^{[ 80 ] [ 81 ]} Tras su estreno, la revista especializada Bioscope escribió: "Es posible que esta película sea la mejor producción británica jamás realizada". ^{[ 76 ]} Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera suya influenciada por el expresionismo alemán : "En verdad, casi se podría decir que El inquilino fue mi primera película". ^{[ 82 ]} En una estrategia de autopromoción, en El inquilino hizo su primer cameo en una película, donde se sentó en una sala de redacción. ^{[ 83 ] [ 84 ]}

Tras el éxito de El inquilino , Hitchcock continuó promocionando su marca escribiendo una carta al London Evening News en noviembre de 1927 sobre su trabajo cinematográfico, participó en la publicidad producida por el estudio y, en diciembre de 1927, desarrolló el boceto original de su perfil ampliamente reconocido, el cual presentó enviándolo a amigos y colegas como regalo de Navidad. ^{[ 85 ]}

El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista inglesa Alma Reville en el Oratorio de Brompton en South Kensington . ^{[ 86 ]} La pareja pasó su luna de miel en París, el lago Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un piso alquilado en los dos últimos pisos del número 153 de Cromwell Road , Kensington. ^{[ 87 ]} Reville, que nació pocas horas después que Hitchcock, ^{[ 88 ]} se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente por insistencia de la madre de Hitchcock; fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la Catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio. ^{[ 89 ]}

En 1928, al enterarse de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron "Winter's Grace", una casa de campo Tudor situada en once acres en Stroud Lane, Shamley Green , Surrey, por 2500 libras esterlinas. ^{[ 90 ]} Su hija y única descendiente, Patricia (Pat) Alma Hitchcock , nació el 7 de julio de ese año. ^{[ 91 ]} Pat falleció el 9 de agosto de 2021 a la edad de 93 años. ^{[ 92 ]}

Reville se convirtió en la colaboradora más cercana de su esposo; Charles Champlin escribió en 1982: "El toque de Hitchcock tenía cuatro manos, y dos eran las de Alma". ^{[ 93 ]} Cuando Hitchcock aceptó el Premio AFI a la Trayectoria en 1979, dijo que quería mencionar a "cuatro personas que me han brindado el mayor afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. La primera de las cuatro es una editora de cine, la segunda es una guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es una cocinera tan buena como cualquiera que haya hecho milagros en una cocina doméstica. Y sus nombres son Alma Reville". ^{[ 94 ]} Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluyendo La sombra de una duda , Sospecha y Los 39 escalones . ^{[ 95 ]}

Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Blackmail (1929), cuando su compañía productora, British International Pictures (BIP), convirtió sus estudios Elstree al sonido . La película fue la primera " sona " británica; esto siguió al rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, desde el uso de breves segmentos de sonido en El cantante de jazz (1927) hasta el primer largometraje completamente sonoro Luces de Nueva York (1928). ^{[ 4 ]} Blackmail inició la tradición de Hitchcock de usar lugares emblemáticos famosos como telón de fondo para secuencias de suspenso, que incluye un ejemplo temprano de una cabina telefónica roja siendo utilizada para actividades criminales, mientras que el clímax tiene lugar en la cúpula del Museo Británico . ^{[ 96 ]} También presenta una de sus apariciones cameo más largas, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro en el metro de Londres . ^{[ 97 ]} En la serie de PBS The Men Who Made The Movies , Hitchcock explicó cómo utilizó la grabación de sonido temprana como un elemento especial de la película para crear tensión, con una mujer chismosa ( Phyllis Monkman ) enfatizando la palabra "cuchillo" en su conversación con la mujer sospechosa de asesinato. ^{[ 98 ]} Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista de BIP , Elstree Calling (1930), y dirigió un cortometraje, An Elastic Affair (1930), que presentaba a dos ganadores de becas de Film Weekly . ^{[ 99 ]} An Elastic Affair es una de las películas perdidas. ^{[ 100 ]}

En 1933, Hitchcock firmó un contrato para varias películas con Gaumont-British , trabajando una vez más para Michael Balcon. ^{[ 101 ] [ 102 ]} Su primera película para la compañía, El hombre que sabía demasiado (1934), fue un éxito; su segunda, Los 39 escalones (1935), fue aclamada en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los Estados Unidos. Esta última fue protagonizada por la quintaesencia de la "rubia de Hitchcock", Madeleine Carroll , quien fue el modelo para su sucesión de elegantes y frías protagonistas. ^{[ 103 ]} El guionista Robert Towne comentó: "No es una gran exageración decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con Los 39 escalones ". ^{[ 104 ]} John Buchan , autor de Los treinta y nueve escalones, en la que la película se basa libremente, se reunió con Hitchcock en el set y asistió al estreno de alto perfil en el New Gallery Cinema de Londres. Tras ver la película, el autor dijo que había mejorado el libro. ^{[ 103 ]} Esta película fue una de las primeras en introducir el recurso argumental del " MacGuffin ", un término acuñado por el guionista inglés y colaborador de Hitchcock, Angus MacPhail . ^{[ 105 ]} El MacGuffin es un objeto u objetivo que el protagonista persigue, que de otro modo no tiene valor narrativo; en Los treinta y nueve escalones , el MacGuffin es un conjunto robado de planos de diseño. ^{[ 106 ]}

Hitchcock estrenó dos thrillers de espías en 1936. Sabotage se basó libremente en la novela de Joseph Conrad , El agente secreto (1907), sobre una mujer que descubre que su marido es un terrorista, y Agente secreto , basada en dos relatos de Ashenden: o el agente británico (1928) de W. Somerset Maugham . ^{[ e ]} En su reseña positiva de Sabotage para The Spectator , el escritor y periodista Graham Greene identificó la escena de la matinée infantil como un «giro ingenioso y patético con el sello del propio Sr. Hitchcock ». ^{[ 107 ]} Agente secreto estuvo protagonizada por Madeleine Carroll y John Gielgud , con Peter Lorre interpretando al desquiciado asistente de Gielgud, y los temas típicos de Hitchcock incluyen la confusión de identidades , trenes y una «rubia de Hitchcock». ^{[ 108 ]}

En esta época, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas al elenco y al equipo. Estas bromas iban desde simples e inocentes hasta locas y maniáticas. Por ejemplo, organizó una cena donde tiñó toda la comida de azul porque, según él, no había suficientes alimentos azules. También hizo que le entregaran un caballo en el camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier . ^{[ 109 ]} La siguiente película de Hitchcock, Young and Innocent (1937), fue un thriller policíaco basado en la novela de 1936 A Shilling for Candles de Josephine Tey . ^{[ 110 ]} Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney , la película fue relativamente agradable de rodar para el elenco y el equipo. ^{[ 110 ]} Para cumplir con los requisitos de distribución en Estados Unidos, se redujo la duración de la película, lo que incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té infantil que se vuelve amenazante para los protagonistas. ^{[ 111 ]}

El siguiente gran éxito de Hitchcock fue La dama desaparece (1938), "una de las mejores películas de trenes de la época dorada del género", según Philip French , en la que la señorita Froy ( May Whitty ), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren a través del país europeo ficticio de Bandrika . ^{[ 112 ]} La película le valió a Hitchcock el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938 al Mejor Director. ^{[ 113 ]} Benjamin Crisler de The New York Times escribió en junio de 1938: "Tres instituciones únicas y valiosas que tienen los británicos y que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna , el Puente de la Torre y Alfred Hitchcock, el mejor director de melodramas cinematográficos del mundo". ^{[ 114 ]} La película se basó en la novela The Wheel Spins (1936) escrita por Ethel Lina White , y estuvo protagonizada por Michael Redgrave (en su debut cinematográfico) y Margaret Lockwood . ^{[ 115 ] [ 116 ]}

Para 1938, Hitchcock era consciente de que había alcanzado la cima de su carrera en Gran Bretaña. ^{[ 117 ]} Había recibido numerosas ofertas de productores en Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o consideraba que los proyectos eran repulsivos. ^{[ 118 ]} Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento del RMS Titanic  , que finalmente se archivó, pero Selznick persuadió a Hitchcock para que fuera a Hollywood . En junio de 1938, Hitchcock navegó hacia Nueva York a bordo del RMS Queen Mary , ^{[ 119 ]} y descubrió que ya era una celebridad; aparecía en revistas y daba entrevistas a estaciones de radio. ^{[ 120 ]} En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato para cuatro películas, aproximadamente $ 40 000 por cada una ( equivalente a $ 910 000 en 2025 ). ^{[ 120 ]} Antes de finalizar cualquier acuerdo estadounidense, Hitchcock tenía una última película que hacer en Inglaterra, como director de la película producida por Charles Laughton, Jamaica Inn (1939), que había firmado para realizar en mayo de 1938, justo antes de su primer viaje a los Estados Unidos. ^{[ 119 ]}

Selznick firmó con Hitchcock un contrato de siete años a partir de abril de 1939, ^{[ 121 ]} y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. ^{[ 122 ]} Los Hitchcock vivieron en un espacioso apartamento en Wilshire Boulevard y se adaptaron lentamente a la zona de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados ​​en asistir a fiestas ni en ser famosos. ^{[ 123 ]} Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero aún conservaba su estilo de vida de Inglaterra. ^{[ 124 ]} Le impresionó la cultura cinematográfica de Hollywood, sus amplios presupuestos y su eficiencia, ^{[ 124 ]} en comparación con las limitaciones que a menudo había enfrentado en Gran Bretaña. ^{[ 125 ]} En junio de ese año, Life lo llamó el "mayor maestro del melodrama en la historia del cine". ^{[ 126 ]}

Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban mutuamente, sus acuerdos laborales a veces eran difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros, y Hitchcock a menudo estaba descontento con el control creativo y la injerencia de Selznick en sus películas. A Selznick también le disgustaba el método de Hitchcock de filmar solo lo que estaba en el guion, y nada más, lo que significaba que la película no podía ser editada y rehecha de manera diferente más adelante. ^{[ 127 ]} Además de quejarse del "maldito montaje de rompecabezas" de Hitchcock, ^{[ 128 ]} sus personalidades eran incompatibles: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. ^{[ 129 ]} Finalmente, Selznick cedió generosamente a Hitchcock a los grandes estudios cinematográficos. ^{[ 130 ]} Selznick solo hacía unas pocas películas al año, al igual que su colega productor independiente Samuel Goldwyn , por lo que no siempre tenía proyectos para que Hitchcock dirigiera. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, pero Selznick le superó en la puja. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: «[Selznick] era el gran productor.  ... El productor era el rey. Lo más halagador que el Sr. Selznick dijo jamás sobre mí —y esto demuestra el grado de control que ejercía— fue que yo era el "único director" al que "confiaría una película"». ^{[ 131 ]}

Hitchcock se acercó al cine estadounidense con cautela; su primera película estadounidense se ambientó en Inglaterra, donde la "americanidad" de los personajes era incidental: ^{[ 132 ]} Rebecca (1940) se ambientó en una versión hollywoodense de la Cornualles inglesa y se basó en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier . Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock en el uso del humor. ^{[ 133 ] [ 134 ]} La película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine , trata sobre una joven ingenua sin nombre que se casa con un aristócrata viudo. Vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la reputación que aún perdura de su elegante y mundana primera esposa, Rebecca, quien murió en circunstancias misteriosas. La película ganó el premio a la Mejor Película en la 13.ª edición de los Premios Óscar ; la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director , la primera de sus cinco nominaciones. ^{[ 5 ] [ 135 ]}

La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Foreign Correspondent (1940), ambientado en Europa, basado en el libro Personal History (1935) de Vincent Sheean y producido por Walter Wanger . Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sentía incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra; su preocupación se reflejó en una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo bélico británico. ^{[ 136 ]} Filmada en 1939, se inspiró en los rápidos cambios en Europa, tal como los cubría un reportero estadounidense interpretado por Joel McCrea . Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un estudio de Hollywood , la película evitó referencias directas al nazismo , la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de Producción Cinematográfica de la época. ^{[ 137 ]}

En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron el rancho Cornwall de 200 acres (0,81 ^km² ) cerca de Scotts Valley , California, en las montañas de Santa Cruz . ^{[ 138 ]} Su residencia principal era una casa de estilo inglés en Bel Air , comprada en 1942. ^{[ 139 ]} Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Sr. y Sra. Smith (1941) hasta el sombrío film noir La sombra de una duda (1943). 

Sospecha (1941) marcó el debut de Hitchcock como productor y director. Está ambientada en Inglaterra; Hitchcock utilizó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia del litoral inglés. La película es la primera de cuatro en las queHitchcock contrató a Cary Grant , y es una de las raras ocasiones en que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador inglés cuyas acciones despiertan sospechas y ansiedad en su tímida joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ). ^{[ 140 ]} En una escena, Hitchcock colocó una luz dentro de un vaso de leche, posiblemente envenenada, que Grant le lleva a su esposa; la luz asegura que la atención del público se centre en el vaso. El personaje de Grant es en realidad un asesino, según el libro Antes del hecho de Francis Iles , pero el estudio consideró que la imagen de Grant se vería empañada por ello. Hitchcock hubiera preferido terminar con el asesinato de la esposa. ^{[ 141 ] [ f ]} En cambio, las acciones que ella consideró sospechosas son un reflejo de su propia desesperación y de su plan de suicidarse. Fontaine ganó el premio a Mejor Actriz por su interpretación. ^{[ 143 ]}

Saboteur (1942) es la primera de dos películas que Hitchcock hizo para Universal Studios durante la década. Hitchcock quería que Gary Cooper y Barbara Stanwyck o Henry Fonda y Gene Tierney fueran los protagonistas, pero Universal lo obligó a usar a Robert Cummings, actor contratado por Universal, y a Priscilla Lane , una actriz independiente que firmó un contrato para una sola película con el estudio, ambos conocidos por su trabajo en comedias y dramas ligeros. ^{[ 144 ]} La historia describe un enfrentamiento entre un presunto saboteador (Cummings) y un saboteador real ( Norman Lloyd ) en la cima de la Estatua de la Libertad . Hitchcock hizo un recorrido de tres días por la ciudad de Nueva York para buscarlocaciones de filmación de Saboteur . ^{[ 145 ]} También dirigió Have You Heard? (1942), una dramatización fotográfica para la revista Life sobre los peligros de los rumores durante la guerra . ^{[ 146 ]} En 1943, escribió una historia de misterio para Look , "El asesinato de Monty Woolley ", ^{[ 147 ]} una secuencia de fotografías con subtítulos que invitaban al lector a encontrar pistas sobre la identidad del asesino; Hitchcock eligió a los intérpretes para que se interpretaran a sí mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce.

De vuelta en Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, ​​estaba gravemente enferma; murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente de su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. ^{[ 148 ]} Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. ^{[ 149 ]} Hitchcock no era muy cercano a William, ^{[ 150 ]} pero su muerte hizo que Hitchcock tomara conciencia de sus propios hábitos alimenticios y de bebida. Tenía sobrepeso y sufría de dolores de espalda. Su propósito de Año Nuevo en 1943 fue tomarse en serio su dieta con la ayuda de un médico. ^{[ 151 ]} En enero de ese año, se estrenó La sombra de una duda , de cuya realización Hitchcock guardaba gratos recuerdos. ^{[ 152 ]} En la película, Charlotte "Charlie" Newton ( Teresa Wright ) sospecha que su querido tío Charlie Oakley ( Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en exteriores, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California . ^{[ 153 ]}

Le dijo a Truffaut en 1962:

En ese momento, estaba a dieta estricta, bajando dolorosamente de trescientos a doscientos kilos. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y hacer mi pequeño papel posando para fotos de "antes" y "después".  ... Literalmente me inundaron las cartas de personas con sobrepeso que querían saber dónde y cómo podían conseguir Reduco. ^{[ 154 ]}

La cena típica de Hitchcock antes de perder peso consistía en pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, guarniciones, ensalada, postre, una botella de vino y algo de brandy. Para adelgazar, su dieta consistía en café negro para el desayuno y el almuerzo, y bistec con ensalada para la cena, ^{[ 151 ]} pero era difícil de mantener; Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A finales de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida. ^{[ 155 ]}

Hitchcock regresó al Reino Unido para una larga visita a finales de 1943 y principios de 1944. Durante su estancia, realizó dos cortometrajes propagandísticos , Bon Voyage (1944) y Aventure Malgache (1944), para el Ministerio de Información . En junio y julio de 1945, Hitchcock colaboró ​​como asesor en un documental sobre el Holocausto que utilizaba imágenes de las Fuerzas Aliadas sobre la liberación de los campos de concentración nazis . La película se montó en Londres y fue producida por Sidney Bernstein del Ministerio de Información, quien incorporó a Hitchcock (amigo suyo) al proyecto. Originalmente, estaba previsto que se emitiera en Alemania, pero el gobierno británico la consideró demasiado traumática para mostrarla a una población conmocionada por la posguerra. En cambio, en 1952 fue transferida de los archivos cinematográficos del Ministerio de Guerra británico al Museo Imperial de la Guerra de Londres y permaneció inédita hasta 1985, cuando se emitió una versión editada como episodio de PBS Frontline , bajo el título que le había dado el Museo Imperial de la Guerra: Memory of the Camps (Memoria de los campos) . La versión completa de la película, German Concentration Camps Factual Survey (Estudio fáctico sobre los campos de concentración alemanes) , fue restaurada en 2014 por investigadores del Museo Imperial de la Guerra. ^{[ 157 ] [ 158 ] [ 159 ]}

Hitchcock volvió a trabajar con David Selznick cuando dirigió Spellbound (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia onírica diseñada por Salvador Dalí . ^{[ 160 ]} La secuencia onírica, tal como aparece en la película, es diez minutos más corta de lo que se había previsto originalmente; Selznick la editó para que "funcionara" de manera más efectiva. ^{[ 161 ]} Gregory Peck interpreta al Dr. Anthony Edwardes, un amnésico que está bajo el tratamiento de la analista Dra. Peterson ( Ingrid Bergman ), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. ^{[ 162 ]} Se lograron dos tomas en primera persona construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje desde cuyo punto de vista se filmaba) y accesorios de gran tamaño para que la sostuviera: un vaso de leche del tamaño de un cubo y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el disparo culminante se coloreó de rojo a mano en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa utiliza el theremin , y parte de ella fue posteriormente adaptada por el compositor en el Concierto para piano Op. 31 (1967) de Rozsa para piano y orquesta. ^{[ 163 ]}

La película de espías Notorious siguió en 1946. Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick vendió el guion de él, Ingrid Bergman, Cary Grant y Ben Hecht , a RKO Radio Pictures como un "paquete" por $500,000 (equivalente a $ 8.3  millones en 2025 ) debido a los sobrecostos de Duel in the Sun (1946) de Selznick. Notorious está protagonizada por Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, y presenta una trama sobre nazis, uranio y Sudamérica. Su uso premonitorio del uranio como recurso argumental lo llevó a ser puesto brevemente bajo vigilancia por la Oficina Federal de Investigación . ^{[ 164 ]} Según Patrick McGilligan, en o alrededor de marzo de 1945, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto Tecnológico de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la idea era "ciencia ficción", solo para encontrarse con la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945. ^{[ 165 ]}

Hitchcock fundó una productora independiente, Transatlantic Pictures , con su amigo Sidney Bernstein . Realizó dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primer largometraje en color. Con La soga (1948), Hitchcock experimentó con la creación de suspense en un entorno confinado, como ya lo había hecho con El bote salvavidas . La película parece constar de un número muy limitado de planos secuencia, pero en realidad se rodó en 10, con una duración de entre 4 minutos y medio y 10 minutos cada uno; 10 minutos era la capacidad máxima de un cargador de película en aquella época. Algunas transiciones entre rollos se disimulaban colocando un objeto oscuro que llenaba la pantalla por un instante. Hitchcock utilizaba esos puntos para ocultar el corte y comenzaba la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película cuenta con James Stewart en el papel principal y fue la primera de las cuatro que Stewart realizó con Hitchcock. Se inspiró en el caso Leopold y Loeb, ocurrido en la década de 1920. ^{[ 166 ]} La respuesta crítica en ese momento fue mixta. ^{[ 167 ]}

Bajo el signo de Capricornio (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la efímera técnica de las tomas largas, pero en menor medida. Volvió a usar Technicolor en esta producción, para luego regresar al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures se volvió inactiva después de las dos últimas películas. ^{[ 168 ] [ 169 ]} Hitchcock filmó Pánico en la escena (1950) en los estudios Elstree en Inglaterra, donde había trabajado durante su contrato con British International Pictures muchos años antes. ^{[ 170 ]} Emparejó a una delas estrellas más populares de Warner Bros. , Jane Wyman , con la actriz alemana expatriada Marlene Dietrich y utilizó a varios actores británicos prominentes, incluidos Michael Wilding , Richard Todd y Alastair Sim . ^{[ 171 ]} Esta fue la primera producción propiamente dicha de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido La soga y Bajo el signo de Capricornio , porque Transatlantic Pictures estaba experimentando dificultades financieras. ^{[ 172 ]}

Su thriller Extraños en un tren (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith . Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir los diálogos, pero Raymond Chandler se hizo cargo y luego los abandonó por desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se encuentran casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar; sugiere que dos personas, cada una deseando deshacerse de alguien, deberían cometer el asesinato de la otra. El papel de Farley Granger fue el de la víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker , conocido anteriormente por papeles de "chico de al lado", interpretó al villano. ^{[ 173 ]} Yo confieso (1953) se ambientó en Quebec con Montgomery Clift como un sacerdote católico. ^{[ 174 ]}

A I Confess le siguieron tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly : Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954) y To Catch a Thief (1955). En Dial M for Murder , Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su infiel esposa (Kelly) por su dinero. Ella mata al sicario en defensa propia, por lo que Milland manipula las pruebas para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday ( Robert Cummings ), y el inspector de policía Hubbard ( John Williams ) la salvan de la ejecución. ^{[ 175 ]} Hitchcock experimentó con la cinematografía 3D para Dial M for Murder . ^{[ 176 ]}

Hitchcock se trasladó a Paramount Pictures y filmó La ventana indiscreta (1954), protagonizada por James Stewart y Grace Kelly, además de Thelma Ritter y Raymond Burr . El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa ) que debe usar una silla de ruedas temporalmente. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio y se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su amigo policía ( Wendell Corey ) y a su novia (Kelly). Al igual que en El bote salvavidas y La soga , los personajes principales se muestran en espacios reducidos o estrechos, en este caso el estudio de Stewart. Hitchcock utiliza primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, "desde el voyeurismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror impotente al observar a Kelly y Burr en el apartamento del villano". ^{[ 177 ]}

De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión Alfred Hitchcock Presents . ^{[ 178 ]} Con su estilo ingenioso, su humor negro y sus rasgos distintivos, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia de títulos del programa mostraba una caricatura minimalista de su perfil (que él mismo dibujó; está compuesta por solo nueve trazos), que luego se completaba con su silueta real. ^{[ 179 ]} El tema musical de la serie era la Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818-1893). ^{[ 180 ]}

Sus introducciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una reciente ejecución de varias personas obstaculizada por tener solo una silla eléctrica , mientras que se muestran dos con un cartel que dice "¡Dos sillas, no esperen!". Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió de 1955 a 1965. Se convirtió en The Alfred Hitchcock Hour en 1962, y NBC emitió el último episodio el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, se produjo una nueva versión de Alfred Hitchcock Presents para televisión, utilizando las introducciones originales de Hitchcock en color . ^{[ 178 ]}

El éxito de Hitchcock en la televisión dio lugar a una serie de colecciones de cuentos que llevaban su nombre; entre ellas se encontraban Alfred Hitchcock's Anthology , Stories They Wouldn't Let Me Do on TV y Tales My Mother Never Told Me . ^{[ 181 ]} En 1956, HSD Publications también obtuvo la licencia del nombre del director para crear Alfred Hitchcock's Mystery Magazine , una revista mensual especializada en novela negra y detectivesca. ^{[ 181 ]} Las series de televisión de Hitchcock fueron muy rentables, y sus versiones en otros idiomas de sus libros generaban ingresos de hasta 100 000 dólares al año ( equivalente a 1 090 000 dólares en 2025 ). ^{[ 182 ]}

En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense. ^{[ 183 ]} Ese mismo año, se estrenó su tercera película con Grace Kelly, Atrapa a un ladrón ; está ambientada en la Riviera francesa y protagonizada por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones fuertes, interpretada por Kelly, adivina su verdadera identidad e intenta seducirlo. "A pesar de la evidente diferencia de edad entre Grant y Kelly y una trama ligera, el ingenioso guion (cargado de dobles sentidos) y la actuación de buen carácter resultaron un éxito comercial." ^{[ 184 ]} Fue la última película de Hitchcock con Kelly; ella se casó con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y terminó su carrera cinematográfica después. Hitchcock luego rehizo su propia película de 1934, El hombre que sabía demasiado, en 1956 . En esta ocasión, la película estuvo protagonizada por James Stewart y Doris Day , quienes interpretaron el tema principal " Que Sera, Sera ", ganador del Óscar a la Mejor Canción Original y que se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para impedir que interfieran en un asesinato. Al igual que en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall . ^{[ 185 ]}

El hombre equivocado (1956), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción discreta en blanco y negro basada en un caso real de identidad equivocada publicado en la revista Life en 1953. Esta fue la única película de Hitchcock protagonizada por Henry Fonda , quien interpreta a un músico del Stork Club confundido con un ladrón de licorería, arrestado y juzgado por robo mientras su esposa ( Vera Miles ) se derrumba emocionalmente bajo la presión. Hitchcock le contó a Truffaut que su miedo a la policía, que lo acompañó toda la vida, lo atrajo al tema y quedó plasmado en muchas escenas. ^{[ 186 ]}

Mientras dirigía episodios para Alfred Hitchcock Presents durante el verano de 1957, Hitchcock fue ingresado en el hospital por una hernia y cálculos biliares , y tuvieron que extirparle la vesícula biliar . Tras una exitosa operación, regresó inmediatamente al trabajo para prepararse para su siguiente proyecto. ^{[ 187 ] [ 167 ]} Vértigo (1958) volvió a estar protagonizada por James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes . Quería que Vera Miles interpretara el papel principal, pero estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci : «Le ofrecí un papel importante, la oportunidad de convertirse en una hermosa y sofisticada rubia, una verdadera actriz. Habríamos gastado un montón de dinero en ello, y ella tiene el mal gusto de quedarse embarazada. Odio a las mujeres embarazadas, porque luego tienen hijos». ^{[ 188 ]}

En Vértigo , Stewart interpreta a Scottie, un exinvestigador policial que sufre de acrofobia y se obsesiona con una mujer a la que debe vigilar (Novak). La obsesión de Scottie desemboca en tragedia, y esta vez Hitchcock no optó por un final feliz. Algunos críticos, como Donald Spoto y Roger Ebert , coinciden en que Vértigo es la película más personal y reveladora del director, que aborda las obsesiones, al estilo de Pigmalión , de un hombre que moldea a una mujer a su antojo. Vértigo explora con mayor franqueza y profundidad su interés por la relación entre el sexo y la muerte que cualquier otra obra de su filmografía. ^{[ 189 ]}

Vértigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como dolly zoom , que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián , y Hitchcock ganó el premio Concha de Plata. ^{[ 190 ]} Vértigo es considerada un clásico, pero recibió críticas mixtas y tuvo una baja recaudación en taquilla en su momento; ^{[ 191 ]} el crítico de Variety opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". ^{[ 192 ]} Bosley Crowther del New York Times pensó que era "diabólicamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del reparto y la dirección de Hitchcock. ^{[ 193 ]} La película también fue la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. ^{[ 194 ]} En las encuestas de Sight & Sound de 2002 , se clasificó justo detrás de Ciudadano Kane (1941); diez años después, en la misma revista, los críticos la eligieron como la mejor película jamás realizada. ^{[ 7 ]}

Tras Vértigo , el resto de 1958 fue un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de Con la muerte en los talones (1959), un proceso lento y angustioso, a su esposa Alma le diagnosticaron cáncer. ^{[ 195 ]} Mientras ella estaba hospitalizada, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo para televisión y la visitaba a diario. Alma fue operada y se recuperó por completo, pero esto hizo que Hitchcock imaginara, por primera vez, la vida sin ella. ^{[ 195 ]}

Hitchcock continuó con tres películas exitosas más, que también son reconocidas entre las mejores: North by Northwest , Psycho (1960) y The Birds (1963). En North by Northwest , Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue que es confundido con un agente secreto del gobierno. Es perseguido por todo Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall ( Eva Marie Saint ). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que es una agente enemiga; más tarde descubre que trabaja encubierta para la CIA . Durante sus dos primeras semanas en el Radio City Music Hall , la película recaudó $404,056 (equivalente a $ 4.5  millones en 2025 ), estableciendo un récord de recaudación fuera de temporada festiva para ese cine. ^{[ 196 ]} La revista Time calificó la película como "suavemente realizada y completamente entretenida". ^{[ 197 ]}

Psicosis (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. ^{[ 198 ]} Basada en lanovela de Robert Bloch de 1959, Psicosis , que se inspiró en el caso de Ed Gein , ^{[ 199 ]} la película se produjo con un presupuesto ajustado de $ 800 000 (equivalente a $ 8,7  millones en 2025 ) y se filmó en blanco y negro en un set austero utilizando miembros del equipo de Alfred Hitchcock Presents . ^{[ 200 ]} La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, ^{[ h ]} la muerte prematura de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en los sellos distintivos de un nuevo género de películas de terror. ^{[ 202 ]} La película resultó popular entre el público, con largas filas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la siguiente función. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, Sudamérica, Estados Unidos y Canadá, y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período. ^{[ 203 ]}

Psicosis fue la más rentable de la carrera de Hitchcock, y él personalmente ganó más de 15  millones de dólares (equivalente a 160  millones de dólares en 2025 ). Posteriormente, intercambió sus derechos sobre Psicosis y su serie antológica de televisión por 150.000 acciones de MCA , convirtiéndose en el tercer mayor accionista y su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no impidió la interferencia del estudio. ^{[ 204 ]} Tras la primera película, Psicosis se convirtió en una franquicia de terror estadounidense : Psicosis II , Psicosis III , Bates Motel , Psicosis IV: El comienzo y una nueva versión en color de la original en 1998. ^{[ 205 ]}

El 13 de agosto de 1962, día del 63 cumpleaños de Hitchcock, el director francés François Truffaut inició una entrevista de 50 horas con Hitchcock, filmada durante ocho días en los estudios Universal, durante la cual Hitchcock accedió a responder 500 preguntas. Se tardaron cuatro años en transcribir las cintas y organizar las imágenes; se publicó como libro en 1967, al que Truffaut apodó el "Hitchbook". Las cintas de audio sirvieron de base para un documental en 2015. ^{[ 206 ] [ 207 ]} Truffaut buscó la entrevista porque le resultaba evidente que Hitchcock no era simplemente el artista de entretenimiento para el gran público que los medios estadounidenses lo presentaban. Era obvio, escribió Truffaut, que Hitchcock había "reflexionado más sobre el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con "la consulta del oráculo de Edipo". ^{[ 208 ]}

El estudioso del cine Peter William Evans escribió que Los pájaros (1963) y Marnie (1964) son consideradas "obras maestras indiscutibles". ^{[ 167 ]} Hitchcock tenía la intención de filmar Marnie primero, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. ^{[ 209 ]} Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter , autor de La jungla de la pizarra (1954), para desarrollar un guion basado en un cuento de Daphne du Maurier , " Los pájaros " (1952), que Hitchcock había republicado en sus Mis favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para interpretar el papel principal. ^{[ 210 ]} Fue su primer papel; Ella era modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio de televisión de la NBC para Sego , una bebida dietética: ^{[ 211 ]} "La contraté porque es una belleza clásica. Ya no hay películas así. Grace Kelly fue la última". Insistió, sin dar explicaciones, en que su nombre se escribiera entre comillas simples: 'Tippi'. ^{[ i ]}

En Los pájaros , Melanie Daniels, una joven de la alta sociedad, conoce al abogado Mitch Brenner ( Rod Taylor ) en una pajarería; Jessica Tandy interpreta a su madre posesiva. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde se filmó Los pájaros ) ^{[ 212 ]} llevando una pareja de agapornis como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. ^{[ 214 ]} Hitchcock realizó la película con equipo del Revue Studio, que produjo Alfred Hitchcock presenta . Dijo que fue su película más desafiante técnicamente, utilizando una combinación de pájaros entrenados y mecánicos frente a un telón de fondo de pájaros salvajes. Cada toma fue esbozada con anticipación. ^{[ 212 ]}

Una película para televisión de HBO / BBC , The Girl (2012), retrató las experiencias de Hedren en el set; ella dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según los informes, la aisló del resto del equipo, la hizo seguir, le susurró obscenidades, hizo analizar su letra y mandó construir una rampa desde su oficina privada directamente a su caravana. ^{[ 215 ] [ 216 ]} Diane Baker , su coprotagonista en Marnie , dijo: "[N]ada podría haber sido más horrible para mí que llegar a ese set de filmación y ver cómo la trataban". ^{[ 217 ]} Mientras filmaban la escena del ataque en el ático , que duró una semana , la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta el codo le arrojaban pájaros vivos. Hacia el final de la semana, para evitar que los pájaros volaran demasiado pronto, una pata de cada pájaro fue sujetada con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior, y el rodaje se detuvo por orden del médico. ^{[ 218 ]}  

En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años y 500 dólares semanales con Hitchcock en octubre de 1961, ^{[ 219 ]} y él decidió darle el papel principal junto a Sean Connery . En 2016, al describir la actuación de Hedren como "una de las mejores en la historia del cine", Richard Brody calificó la película como una "historia de violencia sexual" infligida al personaje interpretado por Hedren: "La película es, sencillamente, enfermiza, y lo es porque Hitchcock estaba enfermo. Sufrió toda su vida de un deseo sexual furioso, sufrió por la falta de su gratificación, sufrió por la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego procedió a hacerlo virtualmente, a través de su arte". ^{[ 220 ]} Una reseña del New York Times de 1964 la calificó como la "película más decepcionante de Hitchcock en años", citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guion amateur y "escenarios de cartón descaradamente falsos". ^{[ 221 ]}

En la película, Marnie Edgar (Hedren) roba 40.000 dólares a su empleador y huye. Solicita un trabajo en la empresa de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Anteriormente, se la ve sufriendo un ataque de pánico durante una tormenta eléctrica y temiendo el color rojo. Mark la localiza y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la "luna de miel", Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido prostituta cuando Marnie era niña, y que, mientras la madre discutía con un cliente durante una tormenta eléctrica —la madre creía que el cliente había intentado abusar de Marnie— , Marnie mató al cliente para salvar a su madre. Cuando recuerda lo sucedido, decide quedarse con Mark. ^{[ 220 ] [ 222 ]}  

Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara debía colocarse lo más cerca posible de Hedren cuando filmara su rostro. ^{[ 223 ]} Evan Hunter , el guionista de Los pájaros que también escribía Marnie , le explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Según se informa, Hitchcock respondió: «¡Evan, cuando se la meta, quiero que la cámara esté justo en su cara!». ^{[ 224 ]} Cuando Hunter presentó dos versiones del guion, una sin la escena de la violación, Hitchcock lo reemplazó con Jay Presson Allen . ^{[ 225 ]}

Su delicada salud redujo la producción de Hitchcock durante las dos últimas décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas: Cortina rasgada (1966) y Topaz (1969), esta última basada en una novela de Leon Uris , ambientada en parte en Cuba. ^{[ 226 ]} Ambas eran películas de espías con temática de la Guerra Fría . Cortina rasgada , con Paul Newman y Julie Andrews , precipitó el amargo final de la colaboración de doce años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann . ^{[ 227 ]} Hitchcock no quedó satisfecho con la banda sonora de Herrmann y lo reemplazó con John Addison , Jay Livingston y Ray Evans . ^{[ 228 ]} Tras su estreno, Cortina rasgada fue un fracaso de taquilla, ^{[ 229 ]} y Topaz fue rechazada tanto por la crítica como por el estudio. ^{[ 230 ]}

Hitchcock regresó a Gran Bretaña para rodar su penúltima película, Frenesí (1972), basada en la novela Adiós Piccadilly, adiós Leicester Square (1966). Tras dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género del thriller de asesinatos. Richard Blaney ( Jon Finch ), un camarero volátil con antecedentes de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso en la investigación de los "Asesinatos de la Corbata", que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk ( Barry Foster ). En esta ocasión, Hitchcock convierte a la víctima y al villano en parientes, en lugar de opuestos, como en Extraños en un tren . ^{[ 231 ]}

En Frenesí , Hitchcock permitió la desnudez por primera vez. Dos escenas muestran mujeres desnudas, una de las cuales está siendo violada y estrangulada; ^{[ 167 ]} Donald Spoto calificó esta última como "uno de los ejemplos más repulsivos de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambas actrices, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey , se negaron a rodar las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. ^{[ 232 ]} Los biógrafos han señalado que Hitchcock siempre había desafiado los límites de la censura cinematográfica, logrando a menudo engañar a Joseph Breen , el director del Código de Producción Cinematográfica . Hitchcock añadía sutiles insinuaciones de incorrecciones prohibidas por la censura hasta mediados de la década de 1960. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se daban cuenta de que Hitchcock estaba insertando dicho material y, de hecho, les divertía, además de alarmarlos, por las "inevitables insinuaciones" de Hitchcock. ^{[ 233 ]}

Family Plot (1976) fue la última película de Hitchcock. Narra las andanzas de "Madame" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris , una espiritista fraudulenta, y su amante taxista, Bruce Dern , que se gana la vida con sus supuestos poderes. Si bien Family Plot se basó en lanovela de Victor Canning, The Rainbird Pattern (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception , con un tono oscuro, pero Hitchcock la llevó a un tono más ligero y cómico, donde tomó el nombre de Deceit y, finalmente, Family Plot . ^{[ 234 ]}

Hacia el final de su vida, Hitchcock trabajaba en el guion de un thriller de espías, La noche corta , en colaboración con James Costigan , Ernest Lehman y David Freeman . A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock se deterioraba y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral . El guion finalmente se publicó en el libro de Freeman, Los últimos días de Alfred Hitchcock (1999). ^{[ 235 ]}

Tras rechazar la Orden del Imperio Británico ( CBE) en 1962, ^{[ 236 ]} Hitchcock fue nombrado Caballero Comendador de la Muy Excelente Orden del Imperio Británico (KBE) en la lista de honores de Año Nuevo de 1980. [ ^{10 ] [ 237 ] Estaba} demasiado enfermo para viajar a Londres —tenía un marcapasos y recibía inyecciones de cortisona para su artritis—, así que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le entregó los documentos en los estudios Universal. Cuando un periodista le preguntó después de la ceremonia por qué la Reina había tardado tanto, Hitchcock bromeó: «Supongo que fue una cuestión de descuido». Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo posterior. ^{[ 238 ] [ 239 ]}

Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del año siguiente. ^{[ 238 ]} Murió de insuficiencia renal al mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air . ^{[ 139 ] [ 240 ]} Donald Spoto , uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, ^{[ 241 ]} pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron misa en la casa del cineasta, y Sullivan escuchó su confesión . ^{[ 242 ]} A Hitchcock le sobrevivieron su esposa y su hija. Su funeral se celebró en la Iglesia Católica del Buen Pastor en Beverly Hills el 30 de abril, después de lo cual su cuerpo fue cremado . Sus restos fueron esparcidos sobre el Océano Pacífico el 10 de mayo. ^{[ 243 ] [ 244 ]}

• Anthony Hopkins en Hitchcock (2012), sobre la realización de Psicosis.
• Toby Jones en The Girl (2012), sobre su relación con Tippi Hedren.
• Roger Ashton-Griffiths en Grace of Monaco (2014), sobre Grace Kelly.
• Ian McNeice en Archie (2023), sobre Cary Grant.
• Tom Hollander en Monster: The Ed Gein Story (2024).

• Clive Swift en Strangers on a Film (2016), sobre su relación con Raymond Chandler. ^{[ 304 ]}
• Toby Jones en Benny & Hitch (2024), sobre su relación con Bernard Herrmann. ^{[ 305 ]}
• Jeremy Swift en The Film (2025), sobre su relación con Sidney Bernstein y la realización del German Concentration Campos Factual Survey. ^{[ 306 ]}

• EpicLLOYD en la serie de comedia de YouTube Epic Rap Battles of History (2014)