Apropiación (arte)

Muchos artistas hicieron referencia a obras de artistas anteriores o a temas recurrentes.

En 1856, Ingres pintó el retrato de Madame Moitessier . Se sabe que la inusual pose se inspiró en la famosa pintura mural romana antigua «Heracles encuentra a su hijo Télefas» . Al hacerlo, el artista creó un vínculo entre su modelo y una diosa olímpica. ^{[ 7 ]}

Édouard Manet pintó Olympia en 1865, inspirado en la Venus de Urbino de Tiziano . Su cuadro El almuerzo sobre la hierba también se inspiró en la obra de los antiguos maestros; concretamente, su composición se basa en un detalle de El juicio de Paris (1515) de Marcantonio Raimondi . ^{[ 8 ]}

Se cree que Gustave Courbet vio el famoso grabado en madera a color La gran ola de Kanagawa del artista japonés Katsushika Hokusai antes de pintar una serie del Océano Atlántico durante el verano de 1869. ^{[ 9 ]}

Vincent van Gogh muestra influencias inspiradas en Jean François Millet , Delacroix y los grabados japoneses que tenía en su colección. ^{[ 10 ]} En 1889, Van Gogh creó 20 copias pintadas inspiradas en grabados en blanco y negro de Millet. Amplió las composiciones de los grabados y luego las pintó en color según su propia imaginación. Vincent escribió en sus cartas que se había propuesto "traducirlas a otro idioma". Dijo que no era simplemente copiar: si un intérprete "toca algo de Beethoven, le añadirá su interpretación personal... no es una regla estricta que solo el compositor toque sus propias composiciones". ^{[ 11 ]} Se pueden encontrar más ejemplos en Copias de Vincent van Gogh .

Claude Monet , coleccionista de grabados japoneses, creó varias obras inspiradas en ellos, como El jardín de Sainte-Adresse, 1867, inspirado en Fuji desde la plataforma de Sasayedo de Katsushika Hokusai; la serie El estanque de nenúfares bajo el puente Mannen en Fukagawa, 1830-1831 de Hokusai o La Japonaise , 1876, probablemente inspirada en Kitagawa Tsukimaro Geisha, un par de pinturas en rollo colgante, 1820-1829. ^{[ 12 ] [ 13 ] [ 14 ]}

A principios del siglo XX , Pablo Picasso y Georges Braque incorporaron objetos ajenos al arte a su obra. En 1912, Picasso pegó un trozo de tela encerada sobre el lienzo. ^{[ 15 ]} Composiciones posteriores, como Guitarra, periódico, vaso y botella (1913), en la que Picasso utilizó recortes de periódico para crear formas, constituyen un ejemplo temprano de collage que se clasificó dentro del cubismo sintético . Ambos artistas incorporaron aspectos del "mundo real" a sus lienzos, lo que dio pie a un debate sobre la significación y la representación artística .

Marcel Duchamp introdujo en 1915 el concepto del ready-made , en el que "los objetos utilitarios producidos industrialmente... alcanzan el estatus de arte simplemente a través del proceso de selección y presentación". ^{[ 16 ]} Duchamp exploró esta noción ya en 1913 cuando montó un taburete con una rueda de bicicleta y de nuevo en 1915 cuando compró una pala de nieve y la inscribió "antes del brazo roto, Marcel Duchamp". ^{[ 17 ] [ 18 ]} En 1917, Duchamp organizó la presentación de un ready-made en la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes bajo el seudónimo "R. Mutt". ^{[ 19 ]} Titulada Fuente , consistía en un urinario de porcelana que estaba apoyado sobre un pedestal y firmado "R. Mutt 1917". La obra planteó un desafío directo, yuxtaponiendo marcadamente las percepciones tradicionales de las bellas artes, la propiedad, la originalidad y el plagio, y posteriormente fue rechazada por el comité de la exposición. ^{[ 20 ]} La revista neoyorquina dadaísta The Blind Man defendió Fountain , afirmando que «si el Sr. Mutt hizo la fuente con sus propias manos o no, no tiene importancia. Él la ELIGIÓ. ^{[ 21 ]} Tomó un objeto cotidiano, lo colocó de tal manera que su significado útil desapareció bajo el nuevo título y punto de vista, y creó un nuevo pensamiento para ese objeto». ^{[ 20 ]}

El movimiento dadaísta continuó experimentando con la apropiación de objetos cotidianos y su combinación en collages. Las obras dadaístas se caracterizaban por una irracionalidad deliberada y el rechazo de los cánones artísticos imperantes. Kurt Schwitters muestra una sensibilidad similar en sus obras "Merz" . Construyó partes de estas a partir de objetos encontrados, ^{[ 22 ]} y adoptaron la forma de grandes construcciones Gesamtkunstwerk que ahora se denominan instalaciones .

Durante su período en Niza (1908-1913), Henri Matisse pintó varios cuadros de odaliscas , inspirados en las pinturas de Las mujeres de Argel de Delacroix . ^{[ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]}

Los surrealistas , surgidos tras el movimiento dadaísta, también incorporaron el uso de « objetos encontrados », como en «Objeto (Almuerzo en piel)» (1936) de Méret Oppenheim o «Teléfono langosta» (1936) de Salvador Dalí . Estos objetos encontrados adquirieron un nuevo significado al combinarse con otros objetos insólitos e inquietantes.

En la década de 1950, Robert Rauschenberg creó lo que denominó "Pinturas Combinadas" , combinando objetos encontrados, como neumáticos o camas, con pintura, serigrafía , collage y fotografía. De manera similar, Jasper Johns incorporó imágenes de objetos hallados en su obra, como en su Bandera Blanca . En 1958, Bruce Conner produjo la influyente A Movie, en la que recombinó fragmentos de películas ya existentes.

A principios de la década de 1960, el movimiento artístico Fluxus también utilizó la apropiación: ^{[ 26 ]} sus miembros fusionaron diferentes disciplinas artísticas, incluyendo artes visuales, música experimental y literatura. A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, organizaron Happening Events a partir de objetos encontrados y produjeron obras escultóricas con objetos y materiales no convencionales. También a principios de la década de 1960, artistas como Claes Oldenburg y Andy Warhol se apropiaron de imágenes del arte comercial y la cultura popular, así como de las técnicas de estas industrias, con (por ejemplo) la pintura de Warhol, Green Coca-Cola Bottles , que representa botellas de Coca-Cola . ^{[ 27 ]} Llamados " artistas pop ", veían la cultura popular de masas como el principal lenguaje vernáculo de la cultura. Estos artistas se involucraron plenamente con lo efímero producido por esta cultura de producción masiva, al tiempo que se distanciaban del trabajo evidente de la mano del artista. Roy Lichtenstein se hizo conocido por apropiarse de imágenes de cómics con pinturas como Masterpiece (1962) o Drowning Girl (1963) y de artistas famosos como Picasso o Matisse . ^{[ 28 ]} Elaine Sturtevant (también conocida simplemente como Sturtevant ), por otro lado, creó réplicas de obras famosas de sus contemporáneos. Entre los artistas que «imitó» se incluyen Warhol, Jasper Johns, Joseph Beuys , Duchamp, James Rosenquist , Roy Lichtenstein y otros. Si bien no reproducía exclusivamente el Pop Art, ese fue un enfoque significativo de su práctica. ^{[ 29 ]} Replicó Flowers de Andy Warhol en 1965 en la Galería Bianchini en la ciudad de Nueva York, por ejemplo. ^{[ 30 ]}

En Francia, en la década de 1960, un grupo de artistas llamado los "Nuevos Realistas" utilizó objetos banales en su arte. Por ejemplo, el escultor César ^{[ 31 ]} comprimió automóviles para crear esculturas monumentales, y el artista Arman ^{[ 32 ]} incluyó objetos cotidianos fabricados a máquina, desde botones y cucharas hasta automóviles y cajas llenas de basura. Los artistas alemanes Sigmar Polke y su amigo Gerhard Richter , quienes definieron el término Realismo Capitalista , ofrecieron una crítica irónica del consumismo en la Alemania de posguerra. Utilizaron fotografías preexistentes y las transformaron en pinturas. Las obras más conocidas de Polke fueron sus collages de imágenes de la cultura pop y la publicidad, como sus escenas de " Supermercados " de superhéroes comprando en un supermercado . ^{[ 33 ]}

Mientras que la apropiación en épocas pasadas utilizaba cosas como el "lenguaje", la apropiación contemporánea se ha vuelto más "icónica" al usar la fotografía para explorar "modelos semióticos de representación". ^{[ 34 ]} La Generación de las Imágenes fue un grupo de artistas, influenciados por el arte conceptual y pop , que utilizaron la apropiación y el montaje para revelar la naturaleza construida de las imágenes. ^{[ 35 ]} Una exposición llamada La Generación de las Imágenes, 1974-1984 en el Museo Metropolitano de Arte (The Met) en la ciudad de Nueva York del 29 de abril al 2 de agosto de 2009 incluyó, entre otros artistas, a John Baldessari , Barbara Kruger , Sherrie Levine , Richard Prince , David Salle y Cindy Sherman .

Sherrie Levine abordó el acto de apropiarse como tema en el arte. ^{[ 36 ]} Levine a menudo cita obras completas en su propio trabajo, por ejemplo, fotografiando fotografías de Walker Evans . Desafiando las ideas de originalidad, llamando la atención sobre las relaciones entre poder , género y creatividad , consumismo y valor de mercancía, las fuentes sociales y los usos del arte, Levine juega con el tema de "casi lo mismo".

Durante las décadas de 1970 y 1980, Richard Prince volvió a fotografiar anuncios publicitarios, como los de los cigarrillos Marlboro ^{[ 37 ]} , o fotografías de fotoperiodismo . Su obra toma campañas publicitarias anónimas y omnipresentes de vallas publicitarias de cigarrillos, eleva su estatus y centra nuestra mirada en las imágenes.

Los artistas que recurren a la apropiación comentan sobre todos los aspectos de la cultura y la sociedad. Joseph Kosuth se apropió de imágenes para abordar la epistemología y la metafísica .

Otros artistas que trabajaron con la apropiación durante este tiempo fueron Greg Colson y Malcolm Morley .

A finales de la década de 1970, Dara Birnbaum trabajaba con la apropiación para producir obras de arte feministas . ^{[ 38 ]} En 1978-79 produjo una de las primeras apropiaciones en vídeo. Tecnología/Transformación: Mujer Maravilla utilizó videoclips de la serie de televisión Mujer Maravilla . ^{[ 39 ]}

Richard Pettibone comenzó a replicar a escala miniatura obras de artistas recién famosos como Andy Warhol, y más tarde también de maestros modernistas, firmando con el nombre del artista original y el suyo propio. ^{[ 40 ] [ 33 ]}

Jeff Koons alcanzó el reconocimiento en la década de 1980 al crear esculturas conceptuales de la serie The New , una serie de aspiradoras , a menudo seleccionadas por marcas que le resultaban atractivas, como la icónica Hoover , y en la línea de los ready-mades de Duchamp. Posteriormente, creó esculturas en acero inoxidable inspiradas en juguetes inflables como conejos o perros. ^{[ 41 ] [ 42 ]}

En la década de 1990, los artistas continuaron produciendo arte de apropiación, usándolo como medio para abordar teorías y problemas sociales, en lugar de centrarse en las obras en sí mismas. Este es típicamente el caso del pintor peruano Herman Braun-Vega , en quien la apropiación de las obras de los antiguos maestros es casi sistemática ^{[ 43 ]} y quien, después de comenzar haciendo comentarios pintados de la pintura de otros a finales de la década de 1960, ^{[ 44 ]} termina colocando los personajes tomados de la iconografía de la pintura occidental en presencia de la realidad social y política de su tiempo. ^{[ 45 ]} El gran tríptico de la colección permanente del Museo Ralli en Marbella , La familia informal (Velázquez, Goya, Picasso) , ^{[ 46 ]} es un ejemplo de múltiples apropiaciones que coexisten dentro de la misma obra con contemporáneos del pintor en escenas que describen la situación social en países del tercer mundo donde la familia en sentido amplio es un círculo de economía de subsistencia. ^{[ 47 ]} Braun-Vega recontextualiza obras apropiadas y les da un nuevo significado. ^{[ 48 ]} Por su parte, Damian Loeb utilizó el cine para comentar los temas del simulacro y la realidad. Otros artistas destacados que trabajaban en ese momento incluían a Christian Marclay , Deborah Kass y Genco Gulan . ^{[ 49 ]}

Yasumasa Morimura es un artista japonés de la apropiación que toma prestadas imágenes de artistas históricos (como Édouard Manet o Rembrandt ) y de artistas modernos como Cindy Sherman , e inserta su propio rostro y cuerpo en ellas. ^{[ 50 ]}

El artista Robert Houle, perteneciente a las Primeras Naciones de Saulteaux, alcanzó notoriedad mediante la apropiación de imágenes y documentos históricos para criticar la violencia histórica contra los pueblos indígenas en Canadá . ^{[ 51 ]} La obra Kanata (1992) de Houle utilizó imágenes de La muerte del general Wolfe (1770) de Benjamin West , prescindiendo del color en la mayor parte del cuadro para resaltar la imagen de un guerrero Delaware insertada por West. ^{[ 51 ]}

Sherrie Levine se apropió de lo apropiado cuando creó urinarios de bronce fundido pulido llamados Fountain . Se consideran un «homenaje al renombrado ready-made de Duchamp». Sumándose a la audaz acción de Duchamp, Levine transforma su gesto en un «objeto de arte» al elevar su materialidad y acabado. Como artista feminista, Levine reinterpreta obras específicamente de artistas masculinos que se apropiaron del dominio patriarcal en la historia del arte. ^{[ 52 ]}

La apropiación es frecuentemente utilizada por artistas contemporáneos que a menudo reinterpretan obras de arte previas, como el artista francés Zevs , quien reinterpretó logotipos de marcas como Google u obras de David Hockney. ^{[ 53 ]} Muchos artistas urbanos y callejeros también utilizan imágenes de la cultura popular, como Shepard Fairey o Banksy , ^{[ 54 ]} quienes se apropiaron de obras de Claude Monet o Vermeer con su Niña con el tímpano perforado. ^{[ 55 ]}

El artista canadiense cree Kent Monkman se apropia de pinturas icónicas de la historia del arte europeo y norteamericano y las puebla con visiones indígenas de resistencia. ^{[ 56 ]}

En 2014, Richard Prince publicó una serie de obras titulada New Portraits , apropiándose de fotografías de personas anónimas y famosas (como Pamela Anderson ) que habían publicado una selfie en Instagram. Las modificaciones que el artista realizó a las imágenes son los comentarios que Prince añadió debajo de las fotos. ^{[ 57 ] [ 58 ]}

Damien Hirst fue acusado en 2018 de apropiarse del trabajo de Emily Kngwarreye y otros miembros de la comunidad pictórica de Utopia, Territorio del Norte , con las pinturas de la serie Veil, que según Hirst estaban "inspiradas en técnicas puntillistas y pintores impresionistas y postimpresionistas como Bonnard y Seurat". ^{[ 59 ] [ 60 ] [ 61 ] [ 62 ]}

Mr. Brainwash ^{[ 63 ]} es un artista urbano que se hizo famoso gracias a Banksy y cuyo estilo fusiona imágenes pop históricas e iconografía cultural contemporánea para crear su versión de un híbrido de arte pop-graffiti popularizado por primera vez por otros artistas callejeros. ^{[ 64 ]}

Brian Donnelly, conocido como Kaws , ha utilizado la apropiación en su serie, The Kimpsons, y pintó The Kaws Album inspirado en el Simpsons Yellow Album , que a su vez era una parodia de la portada del álbum de los Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band reemplazada con personajes de Los Simpson . ^{[ 65 ]} El 1 de abril de 2019, en Sotheby's en Hong Kong, The Kaws Album (2005) se vendió por 115,9 millones de dólares de Hong Kong, o aproximadamente 14,7 millones de dólares estadounidenses. ^{[ 66 ]} Además, ha reelaborado otros personajes conocidos como Mickey Mouse , el Hombre Michelin , los Pitufos , Snoopy y Bob Esponja . ^{[ 67 ]}

La Ley de Derechos de Autor de 1976 en los Estados Unidos ofrece una defensa contra la infracción de derechos de autor cuando un artista puede demostrar que su uso de la obra original es "justo".

La ley establece cuatro factores a considerar para determinar si un uso particular es un uso legítimo:

1. la finalidad y el carácter del uso (comercial o educativo, transformador o reproductivo, político);
2. la naturaleza de la obra protegida por derechos de autor (ficción o realidad, el grado de creatividad);
3. la cantidad y la importancia de la porción de la obra original utilizada; y
4. el efecto del uso sobre el mercado (o mercado potencial) de la obra original.

Andy Warhol se enfrentó a una serie de demandas de fotógrafos cuyas obras se apropió y reprodujo en serigrafía . Patricia Caulfield, una de estas fotógrafas, había tomado una fotografía de flores para una demostración fotográfica para una revista de fotografía. Sin su permiso, Warhol cubrió las paredes de la galería neoyorquina de Leo Castelli con reproducciones serigrafiadas de la fotografía de Caulfield en 1964. Tras ver un póster de las reproducciones no autorizadas de Warhol en una librería, Caulfield lo demandó por violar sus derechos como titular de los derechos de autor, y Warhol llegó a un acuerdo económico extrajudicial. ^{[ 82 ]}

En 2021, el Segundo Circuito dictaminó que el uso que Warhol hizo de una fotografía de Prince para crear una serie de 16 serigrafías e ilustraciones a lápiz no constituía un uso legítimo . La fotografía, tomada por la reconocida fotógrafa Lynn Goldsmith , fue encargada en 1981 como referencia artística para la revista Newsweek . En 1984, Warhol utilizó la fotografía como fuente para crear una obra para Vanity Fair, junto con otras 15 piezas. Goldsmith no tuvo conocimiento de la serie hasta después de la muerte del músico en 2016, cuando Condé Nast publicó un homenaje que incluía una de las obras de Warhol. En su dictamen, el Tribunal sostuvo que cada uno de los cuatro factores del "uso legítimo" favorecía a Goldsmith, y además determinó que las obras eran sustancialmente similares desde el punto de vista legal, dado que "cualquier espectador razonable... no tendría dificultad en identificar la [fotografía de Goldsmith] como el material de origen de la Serie Prince de Warhol". ^{[ 83 ]} La Corte Suprema confirmó en una decisión de 7-2, sosteniendo que la licencia del Príncipe Naranja para su uso como portada de revista no calificaba como uso legítimo de una fotografía con derechos de autor tomada para su uso en una revista, dejando para otro día si la pintura en sí misma podría calificar como uso legítimo. ^{[ 84 ]}

Por otro lado, las famosas latas de sopa Campbell de Warhol se consideran generalmente un uso legítimo y no infractor de la marca registrada del fabricante de sopas , a pesar de ser claramente apropiadas, porque "es improbable que el público vea la pintura como patrocinada por la compañía de sopas o que represente un producto de la competencia. Las pinturas y las latas de sopa no son en sí mismas productos de la competencia", según el abogado experto en marcas Jerome Gilson . ^{[ 85 ]}

Jeff Koons también se ha enfrentado a problemas de derechos de autor debido a su obra de apropiación (véase Rogers v. Koons ). El fotógrafo Art Rogers demandó a Koons por infracción de derechos de autor en 1989. La obra de Koons, String of Puppies, reproducía escultóricamente una fotografía en blanco y negro de Rogers que había aparecido en una tarjeta de felicitación de aeropuerto que Koons había comprado. Aunque alegó uso legítimo y parodia en su defensa, Koons perdió el caso, en parte debido al enorme éxito que tuvo como artista y a la forma en que fue retratado en los medios. El argumento de la parodia también fracasó, ya que el tribunal de apelaciones estableció una distinción entre crear una parodia de la sociedad moderna en general y una parodia dirigida a una obra específica, considerando que la parodia de una obra específica, especialmente de una muy desconocida, era demasiado débil para justificar el uso legítimo del original.

En octubre de 2006, Koons defendió con éxito otra obra alegando el " uso legítimo ". Para un encargo de siete pinturas para el Deutsche Guggenheim de Berlín, Koons se basó en parte de una fotografía de Andrea Blanch titulada "Silk Sandals by Gucci" y publicada en la edición de agosto de 2000 de la revista Allure para ilustrar un artículo sobre maquillaje metalizado. Koons tomó la imagen de las piernas y las sandalias de diamantes de esa foto (omitiendo otros detalles del fondo) y la utilizó en su pintura "Niagara" , que también incluye otros tres pares de piernas de mujer que cuelgan surrealistamente sobre un paisaje de tartas y pasteles.

En su decisión, el juez Louis L. Stanton del Tribunal de Distrito de los Estados Unidos dictaminó que Niágara constituía, en efecto, un "uso transformador" de la fotografía de Blanch. "El uso de la pintura no 'sustituye' ni duplica el objetivo del original", escribió el juez, "sino que lo utiliza como materia prima de una manera novedosa para crear nueva información, nueva estética y nuevas perspectivas. Dicho uso, sea o no exitoso artísticamente, es transformador".

El detalle de la fotografía de Blanch que Koons utilizó es apenas susceptible de protección por derechos de autor. Blanch no tiene derechos sobre las sandalias Gucci, «quizás el elemento más llamativo de la fotografía», escribió el juez. Y sin las sandalias, solo queda la representación de las piernas de una mujer, lo cual se consideró «poco original como para merecer mucha protección por derechos de autor».

En el año 2000, la escultura Hymn de Damien Hirst (que Charles Saatchi había comprado por un millón de libras, según se informó) se exhibió en la exposición Ant Noises en la Galería Saatchi. Hirst fue demandado por infracción de derechos de autor por esta escultura. El tema era un «Juego de Anatomía para Jóvenes Científicos» perteneciente a su hijo Connor, del cual el fabricante de juguetes Hull (Emms) vende 10.000 unidades al año. Hirst creó una ampliación de 6 metros y seis toneladas de la figura del Juego de Ciencias, cambiando radicalmente la percepción del objeto. Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust, en un acuerdo extrajudicial. La donación fue menor de lo que Emms esperaba. Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera. ^{[ 86 ]}

Apropiarse de un objeto familiar para crear una obra de arte puede impedir que el artista reclame la propiedad intelectual. Jeff Koons amenazó con demandar a una galería por infracción de derechos de autor, alegando que la galería había violado sus derechos de propiedad al vender sujetalibros con forma de perros de globos. ^{[ 87 ]} Koons desistió de esa demanda después de que la galería presentara una demanda de declaración judicial afirmando: «Como prácticamente cualquier payaso puede atestiguar, nadie es dueño de la idea de hacer un perro de globos, y la forma creada al retorcer un globo para darle forma de perro es de dominio público». ^{[ 88 ]}

En 2008, el fotoperiodista Patrick Cariou demandó al artista Richard Prince , a la Galería Gagosian y a la editorial Rizzoli por infracción de derechos de autor. Prince se había apropiado de 40 fotografías de Cariou sobre rastafaris , extraídas de un libro, creando una serie de pinturas conocida como Canal Zone . Prince alteró las fotografías de diversas maneras, pintando objetos, manos de gran tamaño, mujeres desnudas y torsos masculinos sobre ellas, y posteriormente vendió obras por valor de más de 10 millones de dólares. En marzo de 2011, un juez falló a favor de Cariou, pero Prince y Gagosian apelaron en varios puntos. Tres jueces del Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos confirmaron el derecho a apelar. ^{[ 89 ]} El abogado de Prince argumentó que «el arte de la apropiación es una forma de arte moderno y posmoderno bien reconocida que ha desafiado la manera en que la gente piensa sobre el arte, la manera en que la gente piensa sobre los objetos, las imágenes, los sonidos y la cultura». ^{[ 90 ]} El 24 de abril de 2013, el tribunal de apelaciones revocó en gran medida la decisión original, dictaminando que muchas de las pinturas habían transformado suficientemente las imágenes originales y, por lo tanto, su uso estaba permitido. ^{[ 91 ]} Véase Cariou v. Prince . ^{[ 92 ]}

En noviembre de 2010, Chuck Close amenazó con emprender acciones legales contra el artista digital Scott Blake por crear un filtro de Photoshop que construía imágenes a partir de pinturas diseccionadas de Chuck Close. ^{[ 93 ] [ 94 ]} La historia fue publicada inicialmente por la revista de arte en línea Hyperallergic , se reimprimió en la portada de Salon.com y se difundió rápidamente por la web. ^{[ 95 ]} Kembrew McLeod , autor de varios libros sobre muestreo y apropiación, afirmó en Wired que el arte de Scott Blake debería acogerse a la doctrina del uso legítimo . ^{[ 96 ]}

En septiembre de 2014, el Tribunal de Apelaciones del Séptimo Circuito de los Estados Unidos cuestionó la interpretación que el Segundo Circuito hizo de la doctrina del uso legítimo en el caso Cariou . Cabe destacar que el Séptimo Circuito señaló que el "uso transformador" no es uno de los cuatro factores enumerados para determinar el uso legítimo, sino que forma parte del primer factor, que considera el "propósito y carácter" del uso. La crítica del Séptimo Circuito respalda el argumento de que existe una división entre los tribunales estadounidenses respecto al papel que debe desempeñar la "transformación" en cualquier análisis sobre el uso legítimo. ^{[ 92 ]}

En 2013, Andrew Gilden y Timothy Greene publicaron un artículo en la revista jurídica The University of Chicago Law Review que analizaba las similitudes fácticas y las diferencias legales entre el caso Cariou y el caso Salinger v. Colting , expresando su preocupación de que los jueces pudieran estar creando un "privilegio de uso legítimo reservado en gran medida para los ricos y famosos". ^{[ 97 ]}