Arte del Reino Unido

Las llamadas Actas de Unión de 1707 se produjeron en medio del largo período de dominio en Londres de Sir Godfrey Kneller , un retratista alemán que finalmente sucedió como pintor principal de la corte al holandés Sir Peter Lely , cuyo estilo adoptó para su enorme y formulista producción, de calidad muy variable, que a su vez fue imitada por un ejército de pintores menores. Su homólogo en Edimburgo, Sir John Baptist Medina , nacido en Bruselas de padres españoles, había fallecido justo antes de la Unión y fue uno de los últimos caballeros escoceses nombrados. Medina había trabajado primero en Londres, pero a mitad de su carrera se trasladó al entorno menos competitivo de Edimburgo, donde dominó el retrato de la élite escocesa. Sin embargo, tras la Unión, la tendencia se invirtió por completo, y los aristócratas escoceses se resignaron a pagar más para que les pintaran sus retratos en Londres, incluso si eran obra de pintores escoceses como el discípulo de Medina, William Aikman , que se trasladó allí en 1723, o Allan Ramsay . ^{[ 4 ]}

En el retrato británico existía una tradición alternativa, más directa, a la de Lely y Kneller, que se remontaba a William Dobson y al alemán u holandés Gerard Soest , quien formó a John Riley , a quien solo se le atribuyen con certeza unas pocas obras y quien a su vez formó a Jonathan Richardson , un excelente artista que formó a Thomas Hudson , quien formó a Joshua Reynolds y a Joseph Wright de Derby. Richardson también formó al retratista irlandés más notable de la época, Charles Jervas , quien gozó de éxito social y económico en Londres a pesar de sus claras limitaciones como artista. ^{[ 5 ]}

Una excepción al predominio de los " géneros inferiores " de la pintura fue Sir James Thornhill (1675/76–1734), el primer y último pintor inglés importante de grandes esquemas decorativos alegóricos barrocos , y el primer pintor nativo en ser nombrado caballero. Su obra más conocida se encuentra en el Hospital de Greenwich , el Palacio de Blenheim y la cúpula de la Catedral de San Pablo en Londres . Sus dibujos muestran un gusto por el realismo de trazo firme, en la dirección que seguiría su yerno William Hogarth , pero esto se ve en gran medida superado en las obras terminadas, y para Greenwich se tomó muy en serio su minuciosa lista de "Objeciones que surgirán de la representación simple del Desembarco del Rey tal como era en realidad y con la moda y vestimenta modernas", y pintó una glorificación barroca convencional. ^{[ 6 ]} Al igual que Hogarth, utilizó el nacionalismo para promocionarse y, finalmente, superó a Sebastiano Ricci en la obtención de suficientes encargos como para que en 1716 él y su equipo se retiraran a Francia, ya que Giovanni Antonio Pellegrini se había marchado en 1713. Una vez que los otros pintores extranjeros más destacados de temas alegóricos, Antonio Verrio y Louis Laguerre , fallecieron en 1707 y 1721 respectivamente, Thornhill tuvo el campo para sí mismo, aunque hacia el final de su vida los encargos de grandes proyectos se habían agotado debido a los cambios en los gustos. ^{[ 7 ]}

A partir de 1714, la nueva dinastía hannoveriana dirigió una corte mucho menos ostentosa y se retiró en gran medida del mecenazgo de las artes, salvo los retratos necesarios. Afortunadamente, la floreciente economía británica pudo proporcionar la riqueza aristocrática y mercantil necesaria para reemplazar a la corte, sobre todo en Londres. ^{[ 8 ]}

William Hogarth fue una figura destacada en el segundo cuarto del siglo XX. Su arte logró plasmar un marcado carácter inglés, con escenas de la vida contemporánea de gran carga moralizante, llenas de sátira y patetismo, que sintonizaban con los gustos y prejuicios de la burguesía protestante, la cual adquiría masivamente las versiones grabadas de sus pinturas. Otros temas se publicaron únicamente como grabados, y Hogarth fue el primer grabador británico de relevancia y aún hoy el más conocido. Muchas de sus obras eran series de cuatro o más escenas, entre las que destacan: « El progreso de una ramera» y «El progreso de un libertino» de la década de 1730, y «Matrimonio a la moda» de mediados de la década de 1740. De hecho, aunque solo abandonó Inglaterra brevemente en una ocasión y su propia propaganda afirmaba su identidad inglesa y atacaba con frecuencia a los antiguos maestros , su formación en grabado , su mayor conocimiento del arte continental que la mayoría de la pintura británica, y aparentemente su capacidad para asimilar rápidamente las lecciones de otros pintores, significaron que conocía mejor el arte continental y lo utilizaba más que la mayoría de sus contemporáneos.

Al igual que muchos pintores posteriores, Hogarth deseaba sobre todo alcanzar el éxito en la pintura histórica al estilo grandioso , pero sus pocos intentos no tuvieron éxito y hoy en día son poco valorados. Sus retratos eran principalmente de personas de clase media, representados con un realismo aparente que reflejaba tanto simpatía como adulación, e incluían algunos en la forma de moda del cuadro de conversación , introducido recientemente desde Francia por Philippe Mercier , que se convertiría en un género favorito en Gran Bretaña, adoptado por artistas como Francis Hayman , aunque generalmente abandonado una vez que el artista conseguía buenos encargos de retratos de figuras individuales. ^{[ 9 ]}

Se reconoció que, incluso más que en el resto de Europa debido a la escasez de artistas británicos, la formación artística debía extenderse más allá del taller de los maestros consagrados, y se hicieron varios intentos por establecer academias , comenzando con Kneller en 1711, con la ayuda de Pellegrini, en Great Queen Street. La academia fue asumida por Thornhill en 1716, pero parece haber quedado inactiva para cuando John Vanderbank y Louis Chéron fundaron su propia academia en 1720. Esta no duró mucho, y en 1724/5 Thornhill lo intentó de nuevo en su propia casa, con escaso éxito. Hogarth heredó el equipo necesario y lo utilizó para fundar la St. Martin's Lane Academy en 1735, que fue la más duradera y que finalmente fue absorbida por la Royal Academy en 1768. Hogarth también contribuyó a solucionar el problema de la falta de espacios para exposiciones en Londres, organizando muestras en el Foundling Hospital a partir de 1746. ^{[ 10 ]}

El retratista escocés Allan Ramsay trabajó en Edimburgo antes de trasladarse a Londres en 1739. Realizó estancias de tres años en Italia al principio y al final de su carrera, y se adelantó a Joshua Reynolds al introducir una versión más relajada del "Grand Manner" en el retrato británico, combinada con una gran sensibilidad en su mejor obra, que generalmente se considera que retrataba a mujeres. Su principal rival londinense a mediados de siglo, hasta que Reynolds se labró su reputación, fue el maestro de Reynolds, el pomposo Thomas Hudson . ^{[ 11 ]}

John Wootton , activo desde aproximadamente 1714 hasta su muerte en 1765, fue el principal pintor de temas deportivos de su época. Afincó en Newmarket , la capital de las carreras de caballos inglesas , y produjo numerosos retratos de caballos, así como escenas de batalla y diálogos ambientados en la caza o la equitación. Comenzó su vida como paje de la familia de los duques de Beaufort , quienes en la década de 1720 lo enviaron a Roma, donde adquirió un estilo paisajístico clasicista basado en el de Gaspard Dughet y Claude , que empleó en algunos paisajes puros, así como en vistas de casas de campo y temas ecuestres. Esto introdujo una alternativa a los diversos artistas holandeses y flamencos que hasta entonces habían establecido el estilo paisajístico predominante en Gran Bretaña, y, a través de artistas intermediarios como George Lambert , el primer pintor británico en basar su carrera en temas paisajísticos, influyó notablemente en otros artistas británicos como Gainsborough. ^{[ 12 ]} Samuel Scott fue el mejor de los artistas nativos de marinas y paisajes urbanos, aunque en esta última especialización no pudo igualar al visitante Canaletto , quien estuvo en Inglaterra durante nueve años a partir de 1746, y cuyas vistas venecianas fueron un recuerdo favorito del Grand Tour . ^{[ 13 ]}

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  Sir John Rushout, 4.º baronet , por Godfrey Kneller , 1716
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  William Hogarth , Los hijos de Graham , 1742
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  William Hogarth , Matrimonio a la moda (Hogarth) , c. 1743-45
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  Allan Ramsay , Retrato de Carlos Estuardo , 1745
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  Thomas Hudson , Retrato del almirante Byng , 1749
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  William Hogarth , Los humores de una elección, 1755

El anticuario y grabador George Vertue fue una figura destacada en la escena artística londinense durante la mayor parte de este período, y sus copiosos cuadernos fueron adaptados y publicados en la década de 1760 por Horace Walpole como Algunas anécdotas de la pintura en Inglaterra , que sigue siendo una fuente principal para la época. ^{[ 14 ]}

Desde su llegada a Londres en 1720, el escultor flamenco John Michael Rysbrack fue el líder en su campo hasta la llegada en 1730 de Louis-François Roubiliac, cuyo estilo rococó resultó muy efectivo en bustos y figuras pequeñas, aunque en la década siguiente también recibió encargos para obras de mayor tamaño. Asimismo, produjo modelos para la fábrica de porcelana de Chelsea, fundada en 1743, una empresa privada que buscaba competir con las fábricas continentales, en su mayoría establecidas por gobernantes. El estilo de Roubiliac influyó en el del destacado escultor local Sir Henry Cheere y en el de su hermano John, especializado en estatuas para jardines. ^{[ 15 ]}

El pujante oficio de platero londinense estaba dominado por descendientes de refugiados hugonotes como Paul de Lamerie , Paul Crespin , Nicholas Sprimont y la familia Courtauld , así como por Georges Wickes . Recibían encargos incluso de las cortes de Rusia y Portugal, aunque los estilos ingleses seguían estando marcados por París. ^{[ 16 ]} La fabricación de seda en Spitalfields , Londres, también era un negocio tradicional hugonote, pero desde finales de la década de 1720 el diseño de seda estuvo dominado por la sorprendente figura de Anna Maria Garthwaite , hija de un párroco de Lincolnshire , que a los 40 años se convirtió en diseñadora de motivos principalmente florales de estilo rococó. ^{[ 17 ]}

A diferencia de Francia y Alemania, la adopción inglesa del estilo rococó fue irregular en lugar de entusiasta, y hubo resistencia por motivos nacionalistas, liderada por Richard Boyle, tercer conde de Burlington, y William Kent , quienes promovieron estilos en el diseño de interiores y el mobiliario que armonizaran con el palladianismo de la arquitectura que produjeron juntos, dando inicio también a la influyente tradición británica del jardín paisajístico , ^{[ 18 ]} según Nikolaus Pevsner «la más influyente de todas las innovaciones inglesas en el arte». ^{[ 19 ]} El grabador de origen francés Hubert-François Gravelot , que residió en Londres entre 1732 y 1745, fue una figura clave en la importación del gusto rococó en las ilustraciones de libros y los grabados ornamentales para que los artesanos lo imitaran. ^{[ 20 ]}

Thomas Gainsborough , El niño azul , 1770

Joshua Reynolds , el coronel Acland y Lord Sydney: Los arqueros , 1769

En la mentalidad popular moderna, el arte inglés de aproximadamente 1750-1790 —hoy conocido como la "época clásica" de la pintura inglesa— estuvo dominado por Sir Joshua Reynolds (1723-1792), George Stubbs (1724-1806), Thomas Gainsborough (1727-1788) y Joseph Wright de Derby (1734-1797). En aquel entonces, Reynolds era considerado la figura dominante, Gainsborough gozaba de gran prestigio, pero Stubbs era visto como un simple pintor de animales y considerado una figura mucho menos significativa que muchos otros pintores que hoy son poco conocidos u olvidados. El período vio una prosperidad creciente para Gran Bretaña y los artistas británicos: "Hacia la década de 1780, los pintores ingleses se encontraban entre los hombres más ricos del país, sus nombres eran familiares para los lectores de periódicos, sus disputas y conspiraciones eran la comidilla de la ciudad, sus temas eran conocidos por todos gracias a los escaparates de las imprentas", según Gerald Reitlinger . ^{[ 21 ]}

Reynolds regresó de una larga visita a Italia en 1753 y rápidamente se labró una reputación como el retratista más de moda de Londres, y poco después como una figura formidable en la sociedad, el líder público de las artes en Gran Bretaña. Había estudiado arte italiano clásico y moderno, y sus composiciones reutilizaban discretamente modelos vistos en sus viajes. Era capaz de transmitir una amplia gama de estados de ánimo y emociones, ya fueran hombres militares heroicos o mujeres muy jóvenes, y a menudo lograba unir el fondo y la figura de forma dramática. ^{[ 22 ]}

La Sociedad para el fomento de las artes, las manufacturas y el comercio se fundó en 1754, principalmente para ofrecer un espacio para exposiciones. En 1761, Reynolds fue uno de los fundadores de la Sociedad de Artistas de Gran Bretaña , su rival, donde los artistas tenían mayor control. Esta situación se mantuvo hasta 1791, a pesar de la fundación de la Real Academia de las Artes en 1768, que se convirtió de inmediato en la organización de exposiciones más importante y en la escuela más prestigiosa de Londres. Reynolds fue su primer presidente, cargo que ocupó hasta su muerte en 1792. Sus Discursos , publicados y pronunciados inicialmente ante los estudiantes, fueron considerados la primera obra importante sobre arte en inglés y expusieron la aspiración a un estilo que igualara la grandeza clásica de la escultura clásica y la pintura del Alto Renacimiento . ^{[ 23 ]}

Tras la fundación de la academia, los retratos de Reynolds se volvieron más clasicistas y, a menudo, más distantes, hasta que a finales de la década de 1770 retomó un estilo más íntimo, quizás influenciado por el éxito de Thomas Gainsborough , ^{[ 24 ]} quien se estableció en Londres en 1773, después de trabajar en Ipswich y luego en Bath . Si bien la práctica de Reynolds de pintar retratos aristocráticos parece ajustarse perfectamente a su talento, Gainsborough, de no haber sido obligado a seguir las demandas del mercado, bien podría haberse desarrollado como paisajista puro o como retratista en el estilo informal de muchos de sus retratos familiares. Continuó pintando paisajes puros, principalmente por placer, hasta sus últimos años; el pleno reconocimiento de sus paisajes llegó recién en el siglo XX. Sus principales influencias fueron francesas en sus retratos y holandesas en sus paisajes, más que italianas, y es famoso por la brillante ligereza de su pincelada. ^{[ 25 ]}

George Romney también alcanzó prominencia alrededor de 1770 y se mantuvo activo hasta 1799, aunque con un declive en sus últimos años. Sus retratos son en su mayoría imágenes expresivas pero halagadoras de figuras dignas de la sociedad, pero desarrolló una obsesión con la joven y voluble Emma Hamilton a partir de 1781, pintándola unas sesenta veces en poses más extravagantes. ^{[ 26 ]} Su obra fue especialmente codiciada por los coleccionistas estadounidenses a principios del siglo XX y muchas de sus obras se encuentran ahora en museos estadounidenses. ^{[ 27 ]} Hacia el final del período, esta generación fue sucedida por retratistas más jóvenes, entre ellos John Hoppner , Sir William Beechey y el joven Gilbert Stuart , quien solo alcanzó su estilo maduro después de regresar a Estados Unidos. ^{[ 28 ]}

El pintor galés Richard Wilson regresó a Londres en 1757 tras pasar siete años en Italia, y durante las dos décadas siguientes desarrolló un estilo paisajístico "sublime" que adaptaba la tradición franco-italiana de Claude y Gaspard Dughet a temas británicos. Aunque muy admirados, al igual que los de Gainsborough, sus paisajes eran difíciles de vender, y a veces recurría, como se quejaba Reynolds, a la estratagema común de convertirlos en pinturas históricas añadiendo algunas figuras pequeñas, lo que duplicaba su precio hasta unas 80 libras. ^{[ 29 ]} Continuó pintando escenas ambientadas en Italia, así como en Inglaterra y Gales, y su muerte en 1782 coincidió con el inicio del auge de numerosos artistas que viajaban a Gales, y más tarde al Distrito de los Lagos y a Escocia, en busca de paisajes montañosos, tanto para óleos como para acuarelas, que comenzaban su largo periodo de popularidad en Gran Bretaña, tanto entre profesionales como entre aficionados. Paul Sandby , Francis Towne , John Warwick Smith y John Robert Cozens figuraban entre los principales pintores especializados, y el clérigo y artista aficionado William Gilpin fue un escritor importante que impulsó la popularidad de la pintura amateur de lo pintoresco , mientras que las obras de Alexander Cozens recomendaban formar composiciones paisajísticas a partir de manchas de tinta aleatorias; incluso Constable probó esta técnica. ^{[ 30 ]}

La pintura histórica de estilo grandioso continuó siendo la forma de arte más prestigiosa, aunque no la más fácil de vender, y Reynolds hizo varios intentos, tan infructuosos como los de Hogarth. La naturaleza poco heroica de la vestimenta moderna se consideraba un obstáculo importante en la representación de escenas contemporáneas, y el caballero-artista y marchante de arte escocés Gavin Hamilton prefería las escenas clásicas, además de pintar algunas basadas en sus viajes a Oriente, donde sus figuras europeas sorteaban el problema vistiendo ropa árabe. Pasó la mayor parte de su vida adulta radicado en Roma y tuvo al menos tanta influencia en el Neoclasicismo en Europa como en Gran Bretaña. El irlandés James Barry influyó en Blake, pero tuvo una carrera difícil y pasó años en su ciclo El progreso de la cultura humana en el Gran Salón de la Royal Society of Arts . Los pintores de historia más exitosos, que no temían los botones ni las pelucas, fueron dos estadounidenses afincados en Londres: Benjamin West y John Singleton Copley , aunque una de sus obras más exitosas, Watson y el tiburón (1778), logró evitarlos en gran medida, mostrando un rescate de un ahogamiento.

También fueron populares los temas de menor escala de la literatura, impulsados ​​por Francis Hayman , uno de los primeros en pintar escenas de Shakespeare , y Joseph Highmore , con una serie que ilustraba la novela Pamela . Al final del período, la Galería Boydell Shakespeare fue un ambicioso proyecto de pinturas y grabados posteriores, que ilustraban al "Bardo", como se le había convertido, al tiempo que exponía las limitaciones de la pintura histórica inglesa contemporánea. ^{[ 31 ]} Joseph Wright de Derby fue principalmente un retratista que también fue uno de los primeros artistas en representar la Revolución Industrial , además de desarrollar una mezcla entre la escena de conversación y la pintura histórica en obras como Un experimento con un pájaro en la bomba de aire (1768) y Un filósofo dando una conferencia sobre el planetario (c. 1766), que, como muchas de sus obras, están iluminadas solo con luz de velas, lo que produce un fuerte efecto de claroscuro . ^{[ 32 ]}

Las pinturas que registraban escenas del teatro eran otro subgénero, pintado, entre otros, por el alemán Johann Zoffany . Zoffany pintó retratos y escenas de conversación, y también pasó más de dos años en la India, pintando a los nababs ingleses y escenas locales, y el creciente Imperio Británico desempeñó un papel cada vez más importante en el arte británico. ^{[ 33 ]} La formación artística se consideraba una habilidad útil en el ejército para la elaboración de mapas y planos, y muchos oficiales británicos realizaron las primeras imágenes occidentales, a menudo en acuarela, de escenas y lugares de todo el mundo. En la India, el estilo de la Compañía se desarrolló como una forma híbrida entre el arte occidental e indio , producida por indios para el mercado británico.

Thomas Rowlandson produjo acuarelas y grabados que satirizaban la vida británica, pero en su mayoría evitó la política. El maestro de la caricatura política , vendida individualmente por imprentas (que a menudo también actuaban como editoras), ya fuera coloreada a mano o sin color, fue James Gillray . ^{[ 34 ]} El énfasis en la pintura de retratos en el arte británico no se debía enteramente a la vanidad de los retratados. Existía un gran mercado de coleccionistas de grabados de retratos, principalmente reproducciones de pinturas, que a menudo se montaban en álbumes. Desde mediados de siglo hubo un gran crecimiento en las costosas pero más efectivas reproducciones en mezzotinta de retratos y otras pinturas, con una demanda especial por parte de los coleccionistas de estados de prueba tempranos "antes de la letra" (es decir, antes de que se añadieran las inscripciones), que los grabadores complacían imprimiendo en cantidades cada vez mayores. ^{[ 35 ]}

Este periodo marcó uno de los puntos álgidos de las artes decorativas británicas. A mediados de siglo se abrieron numerosas fábricas de porcelana , entre ellas Bow en Londres, y en las provincias Lowestoft , Worcester , Royal Crown Derby , Liverpool y Wedgwood , seguidas por Spode en 1767. La mayoría comenzaron como pequeñas empresas, algunas con una vida útil de apenas unas décadas, mientras que otras aún perduran. Hacia finales de este periodo, la realeza extranjera encargaba vajillas de porcelana británica, y los fabricantes británicos se destacaron por su habilidad para conquistar el mercado internacional de la clase media, en rápida expansión, desarrollando porcelana de hueso y piezas estampadas por transferencia, así como auténtica porcelana pintada a mano. ^{[ 36 ]}

Los tres principales fabricantes de muebles, Thomas Chippendale (1718–1779), Thomas Sheraton (1751–1806) y George Hepplewhite (1727?–1786) tenían estilos variados y alcanzaron la fama duradera que tienen principalmente como autores de libros de patrones utilizados por otros fabricantes en Gran Bretaña y en el extranjero. De hecho, no está nada claro si los dos últimos mencionados alguna vez dirigieron talleres propiamente dichos, aunque Chippendale ciertamente tuvo éxito en esto y en lo que ahora llamamos diseño de interiores; a diferencia de Francia, Gran Bretaña había abandonado su sistema gremial , y Chippendale pudo emplear especialistas en todos los oficios necesarios para completar una redecoración. ^{[ 37 ]} Durante el período, el rococó y la chinoiserie dieron paso al neoclasicismo , con el arquitecto y diseñador de interiores escocés Robert Adam (1728–1792) liderando el nuevo estilo.

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  Sir Joshua Reynolds , autorretrato, de unos 24 años , c. 1747-9
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  Thomas Gainsborough , Cornard Wood, cerca de Sudbury, Suffolk , 1748
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  George Stubbs , Whistlejacket , c. 1762
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  Joseph Wright de Derby , un filósofo dando una conferencia sobre el planetario , c. 1766
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  George Stubbs , El Kongouro de Nueva Holanda , 1772
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  Los hijos de Granville Leveson-Gower, primer marqués de Stafford (1776-1777)]
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  Thomas Gainsborough , Retrato de la señora Mary Graham , 1777
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  Sir Joshua Reynolds , Las damas Waldegrave , 1780-1781
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  Thomas Gainsborough , El paseo matutino , 1785
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  Sir Joshua Reynolds , La edad de la inocencia , 1785-1788

El final del siglo XVIII y principios del siglo XIX, caracterizado por el movimiento romántico en el arte británico, incluye a Joseph Wright de Derby , James Ward , Samuel Palmer , Richard Parkes Bonington , John Martin y fue quizás el período más radical en el arte británico, produciendo también a William Blake (1757–1827), John Constable (1776–1837) y JMW Turner (1775–1851), siendo estos dos últimos posiblemente los más influyentes internacionalmente de todos los artistas británicos. ^{[ 38 ] [ 39 ]} El estilo de Turner, basado en la tradición italianizante aunque no vio Italia hasta los cuarenta años, pasó por cambios considerables antes de sus paisajes salvajes, casi abstractos, finales que exploraban los efectos de la luz y fueron una profunda influencia en los impresionistas y otros movimientos posteriores. ^{[ 40 ]} Constable normalmente pintaba paisajes puros con, como mucho, unas pocas figuras de género, en un estilo basado en las tradiciones del norte de Europa, pero, al igual que Turner, sus "de seis pies" estaban destinados a causar un impacto tan impactante como cualquier pintura histórica. ^{[ 41 ]} Se preparaban cuidadosamente utilizando estudios y bocetos al óleo de tamaño natural , ^{[ 42 ]} mientras que Turner era conocido por terminar sus piezas de exposición cuando ya estaban colgadas para su exhibición, ajustándolas libremente para dominar las obras circundantes en las colgadas compactas de la época. ^{[ 43 ]}

El estilo visionario de Blake fue un gusto minoritario en su época, pero influyó en el grupo más joven de los " Antiguos " Samuel Palmer, John Linnell , Edward Calvert y George Richmond , quienes se reunieron en el campo en Shoreham, Kent , en la década de 1820, produciendo intensos y líricos idilios pastorales en condiciones de cierta pobreza. Continuaron con carreras artísticas más convencionales y la obra temprana de Palmer fue completamente olvidada hasta principios del siglo XX. ^{[ 44 ]} Blake y Palmer se convirtieron en una influencia significativa para los artistas modernistas del siglo XX, como se ve (entre otros) en la pintura de artistas británicos como Dora Carrington , ^{[ 45 ]} Paul Nash y Graham Sutherland . ^{[ 46 ]} Blake también tuvo una enorme influencia en los poetas beat de la década de 1950 y la contracultura de la década de 1960. ^{[ 47 ]}

Thomas Lawrence ya era un destacado retratista a principios del siglo XX, capaz de imprimir un toque romántico a sus retratos de la alta sociedad y de los líderes europeos reunidos en el Congreso de Viena tras las guerras napoleónicas . Henry Raeburn fue el retratista más importante desde la Unión que permaneció afincado en Edimburgo durante toda su carrera, un indicio de la creciente prosperidad escocesa. ^{[ 48 ]} Pero David Wilkie optó por la vía tradicional hacia el sur, cosechando un gran éxito con temas de la vida rural y escenas híbridas de género e historia, como Los pensionistas de Chelsea leyendo el informe de Waterloo (1822). ^{[ 49 ]}

John Flaxman fue el artista neoclásico inglés más completo. Comenzó como escultor y se hizo famoso por sus numerosos y sobrios «dibujos de contorno» de escenas clásicas, a menudo ilustrando obras literarias, que se reprodujeron como grabados. Estos imitaban los efectos de los relieves de estilo clásico que también realizó. El germano-suizo Henry Fuseli también produjo obras en un estilo gráfico lineal, pero sus escenas narrativas, a menudo extraídas de la literatura inglesa, eran intensamente románticas y sumamente dramáticas. ^{[ 50 ]}

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  Thomas Lawrence , Sarah Barrett Moulton: Pinkie , 1794
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  William Blake , Newton , 1805
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  John Constable , Wivenhoe Park, Essex , 1816
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  John Constable , El caballo blanco , 1819
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  David Wilkie , Pensionistas de Chelsea leyendo el Waterloo Dispatch , 1822
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  John Constable , Catedral de Salisbury desde los prados , 1831
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  JMW Turner , El barco de esclavos , 1840
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  JMW Turner , El Rigi , 1842
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  JMW Turner , Lluvia, vapor y velocidad: El Gran Ferrocarril del Oeste , 1844

La Hermandad Prerrafaelita (PRB) alcanzó una influencia considerable tras su fundación en 1848 con pinturas centradas en temas religiosos, literarios y costumbristas , ejecutadas con un estilo colorido y minuciosamente detallado, rechazando la pincelada suelta de la tradición representada por "Sir Sloshua" Reynolds. Entre los artistas de la PRB se encontraban John Everett Millais , William Holman Hunt , Dante Gabriel Rossetti y Ford Madox Brown (quien nunca fue miembro oficial), y figuras como Edward Burne-Jones y John William Waterhouse se vieron posteriormente muy influenciadas por aspectos de sus ideas, al igual que el diseñador William Morris . Morris abogó por un retorno a la artesanía en las artes decorativas frente a la producción industrial que se estaba aplicando rápidamente a todos los oficios. Sus esfuerzos por hacer que los objetos bellos fueran asequibles (o incluso gratuitos) para todos llevaron a que sus diseños de papel pintado y azulejos definieran la estética victoriana e impulsaran el movimiento Arts and Crafts .

Los prerrafaelitas, al igual que Turner, contaron con el apoyo del influyente crítico de arte John Ruskin , también un talentoso artista aficionado. A pesar de su innovación técnica, eran a la vez tradicionales y victorianos en su adhesión a la pintura histórica como la forma más elevada de arte , y su temática estaba completamente en sintonía con el gusto victoriano, y de hecho, era «todo lo que los editores de grabados en acero acogían con agrado» ^{[ 51 ]} , lo que les permitió integrarse fácilmente en la corriente principal en sus carreras posteriores. ^{[ 52 ]}

Si bien los prerrafaelitas tuvieron una recepción turbulenta y dividida, entre los pintores más populares y cotizados del período se encontraba Edwin Landseer , especializado en temas sentimentales de animales, que eran los favoritos de la reina Victoria y el príncipe Alberto . En la última parte del siglo, los artistas podían ganar grandes sumas vendiendo los derechos de reproducción de sus pinturas a las editoriales de grabados, y las obras de Landseer, especialmente su Monarca del Valle (1851), un retrato de un ciervo de las Tierras Altas, se encontraban entre las más populares. Al igual que Burbujas (1886) de Millais, se utilizó en envases y anuncios durante décadas, para marcas de whisky y jabón respectivamente. ^{[ 53 ]}

Durante el final de la época victoriana en Gran Bretaña, las pinturas académicas, algunas de gran tamaño, de Lord Leighton y del holandés Lawrence Alma-Tadema gozaron de enorme popularidad. Ambas obras solían representar bellezas con poca ropa en escenarios exóticos o clásicos, mientras que las obras alegóricas de G. F. Watts reflejaban el elevado sentido de propósito propio de la época victoriana. Las damas clásicas de Edward Poynter y Albert Moore vestían más ropa y tuvieron menos éxito. William Powell Frith pintó escenas muy detalladas de la vida social, que generalmente incluían a todas las clases sociales, con elementos cómicos y morales, y que muestran una clara influencia de Hogarth, aunque con diferencias significativas respecto a su obra. ^{[ 54 ]}

Para todos estos artistas, la Exposición de Verano de la Royal Academy era una plataforma esencial, reseñada extensamente en la prensa, que a menudo alternaba el ridículo con elogios desmesurados al hablar de las obras. El máximo galardón, y muy raro, era cuando había que colocar una barandilla delante de un cuadro para protegerlo de la multitud ansiosa; hasta 1874, esto solo había ocurrido con Los pensionistas de Chelsea de Wilkie , El día del Derby y Salón de Oro de Frith, Homburg y La sala de los casuales de Luke Filde (véase más abajo). ^{[ 55 ]} Un gran número de artistas trabajaban año tras año con la esperanza de triunfar allí, a menudo trabajando de maneras que no se ajustaban a su talento, un tropo ejemplificado por el suicidio en 1846 de Benjamin Haydon , amigo de Keats y Dickens y mejor escritor que pintor, dejando su sangre salpicada sobre su inacabado Rey Alfredo y el primer jurado británico . ^{[ 56 ]}

La historia británica era un tema muy común, siendo la Edad Media, Isabel I, María Estuardo y la Guerra Civil Inglesa fuentes especialmente populares de inspiración. Muchos pintores mencionados en otros lugares pintaron temas históricos, entre ellos Millais ( La infancia de Raleigh y muchos otros), Ford Madox Brown ( Cromwell en su granja ), David Wilkie, Watts y Frith, y West, Bonington y Turner en décadas anteriores. El irlandés Daniel Maclise, afincado en Londres, y Charles West Cope pintaron escenas para el nuevo Palacio de Westminster . Lady Jane Grey , al igual que María Estuardo, fue una figura femenina cuyos sufrimientos atrajeron a muchos pintores, aunque ninguno igualó La ejecución de Lady Jane Grey , uno de los muchos temas históricos británicos del francés Paul Delaroche . ^{[ 57 ]} Los pintores se enorgullecían de la creciente precisión de sus ambientaciones de época en cuanto a vestuario y objetos, estudiando las colecciones del nuevo Museo Victoria y Alberto y diversos libros, y despreciando las aproximaciones superficiales de generaciones anteriores de artistas. ^{[ 58 ]}

La pintura victoriana desarrolló el tema social hogarthiano, repleto de detalles moralizantes, y la tradición de ilustrar escenas de la literatura, en una variedad de tipos de pintura de género, muchas con solo unas pocas figuras, otras escenas grandes y abarrotadas como las obras más conocidas de Frith. The Awakening Conscience (1853) de Holman Hunt y la serie Past and Present (1858) de Augustus Egg son del primer tipo, ambas tratando el tema de la " mujer caída ", una preocupación perenne de la época victoriana. Como señala Peter Conrad , estas eran pinturas diseñadas para ser leídas como novelas, cuyo significado emergía después de que el espectador se hubiera esforzado por descifrarlo. ^{[ 59 ]} Otras escenas "anecdóticas" tenían un tono más ligero, tendiendo a ser caricaturas de Punch sin pie de foto .

Hacia finales del siglo XIX, el cuadro problemático dejaba deliberadamente ambiguos los detalles de la acción narrativa, invitando al espectador a especular sobre ella a partir de la evidencia que tenía delante, pero sin ofrecer una respuesta definitiva (los artistas aprendieron a sonreír enigmáticamente cuando se les preguntaba). Esto a veces provocaba debates sobre temas sociales delicados, generalmente relacionados con las mujeres, que podrían haber sido difíciles de abordar directamente. Eran enormemente populares; los periódicos organizaban concursos para que los lectores descifraran el significado de la pintura. ^{[ 60 ]}

Muchos artistas participaron en el resurgimiento del grabado artístico original , conocido como el renacimiento del aguafuerte , aunque también se realizaron grabados con muchas otras técnicas. Este movimiento comenzó en la década de 1850 y continuó hasta que las consecuencias del crac de Wall Street de 1929 provocaron un desplome en los altísimos precios que habían alcanzado los artistas más de moda.

El orientalismo británico , aunque no tan común como en Francia en el mismo período, tuvo muchos especialistas, entre ellos John Frederick Lewis , quien vivió durante nueve años en El Cairo , David Roberts , un escocés que hizo litografías de sus viajes por Oriente Medio e Italia, el escritor de disparates Edward Lear , un viajero continuo que llegó hasta Ceilán , y Richard Dadd . Holman Hunt también viajó a Palestina para obtener escenarios auténticos para sus cuadros bíblicos. El francés James Tissot , quien huyó a Londres tras la caída de la Comuna de París , dividió su tiempo entre escenas de eventos sociales de la alta sociedad y una enorme serie de ilustraciones bíblicas, realizadas en acuarela para su publicación reproductiva. ^{[ 61 ]} Frederick Goodall se especializó en escenas del Antiguo Egipto.

Las pinturas de mayor formato que trataban sobre las condiciones sociales de los pobres tendían a centrarse en escenas rurales, de modo que la miseria de las figuras humanas quedaba al menos compensada por el paisaje. Entre los pintores de este tipo se encontraban Frederick Walker , Luke Fildes (aunque se hizo famoso en 1874 con Solicitantes de ingreso a una sala de hospitalización informal - véase más arriba), Frank Holl , George Clausen y el alemán Hubert von Herkomer . ^{[ 64 ]}

William Bell Scott , amigo de los Rossetti, pintó escenas históricas y otros tipos de obras, pero también fue uno de los pocos artistas que representó escenas de la industria pesada. Sus memorias son una fuente útil para la época, y fue uno de los varios artistas que trabajaron durante un tiempo en el sistema, enormemente expandido, de escuelas de arte gubernamentales, dirigidas por el administrador Henry Cole (el inventor de la tarjeta de Navidad ) y que emplearon a Richard Redgrave , Edward Poynter , Richard Burchett , el diseñador escocés Christopher Dresser y muchos otros. Burchett fue director de las "Escuelas de South Kensington", ahora el Royal College of Art , que gradualmente reemplazó a la Royal Academy School como la principal escuela de arte británica, aunque a principios del siglo XX la Slade School of Fine Art produjo a muchos de los artistas más vanguardistas. ^{[ 65 ]}

La Real Academia no era inicialmente tan conservadora y restrictiva como el Salón de París , y la mayoría de las obras de los prerrafaelitas fueron aceptadas para su exposición, aunque, como todos los demás, se quejaron de la ubicación de sus pinturas. Fueron especialmente bien recibidos en la Academia de Artes de Liverpool , una de las mayores organizaciones regionales de exposiciones; la Real Academia Escocesa se fundó en 1826 e inauguró su nuevo y majestuoso edificio en la década de 1850. Existían otras sedes en Londres, como la British Institution , y a medida que el conservadurismo de la Real Academia aumentaba gradualmente, a pesar de los esfuerzos de Lord Leighton cuando era presidente, se abrieron nuevos espacios, en particular la Grosvenor Gallery en Bond Street , a partir de 1877, que se convirtió en la sede del Movimiento Esteticista. El New English Art Club expuso desde 1885 a muchos artistas con tendencias impresionistas, utilizando inicialmente el Egyptian Hall , frente a la Real Academia, que también acogió numerosas exposiciones de arte extranjero. El retratista estadounidense John Singer Sargent (1856-1925) pasó la mayor parte de su carrera profesional en Europa y mantuvo su estudio en Londres (donde falleció) desde 1886 hasta 1907.

Alfred Sisley , de origen francés pero con nacionalidad británica, pintó en Francia como uno de los impresionistas ; Walter Sickert y Philip Wilson Steer, al comienzo de sus carreras, también fueron fuertemente influenciados, pero a pesar de que el galerista Paul Durand-Ruel organizó numerosas exposiciones en Londres, el movimiento tuvo escaso impacto en Inglaterra hasta décadas después. ^{[ 66 ]} Algunos miembros de la Escuela de Newlyn de paisajes y escenas de género adoptaron una técnica casi impresionista, mientras que otros utilizaron niveles de acabado realistas o más tradicionales.

A finales del siglo XIX también surgieron el movimiento decadentista en Francia y el movimiento estético británico . El pintor estadounidense afincado en Gran Bretaña, James Abbott McNeill Whistler , Aubrey Beardsley y los antiguos prerrafaelitas Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones están asociados a estos movimientos; Burne-Jones y Beardsley, en sus últimos años, fueron admirados en el extranjero y representaron la aproximación británica más cercana al simbolismo europeo . ^{[ 67 ]} En 1877, James McNeill Whistler demandó al crítico de arte John Ruskin por difamación después de que este condenara su cuadro Nocturno en negro y oro: El cohete que cae . Ruskin acusó a Whistler de «pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público». ^{[ 62 ] [ 63 ]} El jurado falló a favor de Whistler, pero le concedió solo un penique como indemnización simbólica, y las costas judiciales se dividieron. ^{[ 68 ]} El costo del caso, junto con enormes deudas por la construcción de su residencia ("The White House" en Tite Street , Chelsea , diseñada con EW Godwin , 1877–8), llevó a la bancarrota a Whistler en mayo de 1879, ^{[ 69 ]} lo que resultó en una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky ^{[ 70 ]} señala la ironía de que la Fine Art Society de Londres , que había organizado una colecta para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyó en el grabado de "las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar los costos de Whistler.

El arte escocés estaba recuperando un mercado interno adecuado, lo que le permitió desarrollar un carácter distintivo, del cual los " Glasgow Boys " fueron una expresión, a caballo entre el impresionismo en la pintura y el art nouveau , el japonismo y el renacimiento celta en el diseño, siendo el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh su miembro más conocido. Entre los pintores se encontraban Thomas Millie Dow , George Henry , Joseph Crawhall y James Guthrie .

Las nuevas tecnologías de impresión propiciaron una gran expansión en la ilustración de libros, y las ilustraciones para libros infantiles constituyen gran parte de las obras más recordadas de la época. Entre los artistas especializados se encontraban Randolph Caldecott , Walter Crane , Kate Greenaway y, a partir de 1902, Beatrix Potter .

La experiencia del poder militar, político y económico derivada del auge del Imperio Británico impulsó una tendencia muy específica en la técnica, el gusto y la sensibilidad artística en el Reino Unido. ^{[ 71 ]} Los británicos utilizaron su arte «para ilustrar su conocimiento y dominio del mundo natural», mientras que los colonos permanentes en la Norteamérica británica , Australasia y Sudáfrica «se embarcaron en la búsqueda de una expresión artística distintiva acorde con su sentido de identidad nacional». ^{[ 71 ]} El imperio ha estado «en el centro, y no en los márgenes, de la historia del arte británico». ^{[ 72 ]}

La enorme variedad y la producción masiva de las diversas formas de arte decorativo británico durante este período son demasiado complejas para resumirlas fácilmente. El gusto victoriano, hasta los diversos movimientos de las últimas décadas, como Arts and Crafts , generalmente se considera poco apreciado hoy en día, pero se produjo mucho trabajo de calidad y se ganó mucho dinero. Tanto William Burges como Augustus Pugin fueron arquitectos comprometidos con el neogótico , que ampliaron su trabajo al diseño de muebles, trabajos en metal, azulejos y objetos en otros materiales. Hubo un enorme auge en la re-goticización de los elementos de las iglesias medievales y en la adecuación de nuevas iglesias a este estilo, especialmente con vidrieras , una industria que resurgió de su práctica extinción . El resurgimiento del mobiliario pintado con imágenes fue una característica particular en el segmento más alto del mercado. ^{[ 73 ]}

Desde su apertura en 1875, los grandes almacenes londinenses Liberty & Co. se asociaron especialmente con artículos decorativos importados del Lejano Oriente y productos británicos de los nuevos estilos de finales del siglo XIX. Charles Voysey fue un arquitecto que también realizó un extenso trabajo de diseño en textiles, papel pintado, muebles y otros medios, llevando el movimiento Arts and Crafts al Art Nouveau y más allá; continuó diseñando hasta la década de 1920. ^{[ 74 ]} AH Mackmurdo fue una figura similar.

En muchos aspectos, la era victoriana continuó hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, y la Real Academia se anquilosó cada vez más; la figura inconfundiblemente victoriana tardía de Frank Dicksee fue nombrada presidente en 1924. En fotografía, el pictorialismo buscaba lograr efectos artísticos, incluso pictóricos; The Linked Ring albergaba a los principales exponentes. El estadounidense John Singer Sargent fue el retratista londinense más exitoso a principios del siglo XX, con John Lavery , Augustus John y William Orpen como figuras emergentes. La hermana de John, Gwen John, vivió en Francia, y sus retratos íntimos fueron relativamente poco apreciados hasta décadas después de su muerte. Las actitudes británicas hacia el arte moderno estaban "polarizadas" a finales del siglo XIX. ^{[ 75 ]} Los movimientos modernistas fueron tanto apreciados como vilipendiados por artistas y críticos; el impresionismo fue considerado inicialmente por "muchos críticos conservadores" como una "influencia extranjera subversiva", pero se "asimiló completamente" en el arte británico a principios del siglo XX. ^{[ 75 ]} El artista irlandés Jack Butler Yeats (1871–1957), radicado en Dublín, fue a la vez pintor romántico , simbolista y expresionista .

El vorticismo fue una breve reunión de varios artistas modernistas en los años inmediatamente anteriores a 1914; entre sus miembros se encontraban Wyndham Lewis , el escultor Sir Jacob Epstein , David Bomberg , Malcolm Arbuthnot , Lawrence Atkinson , el fotógrafo estadounidense Alvin Langdon Coburn , Frederick Etchells , el escultor francés Henri Gaudier-Brzeska , Cuthbert Hamilton , Christopher Nevinson , William Roberts , Edward Wadsworth , Jessica Dismorr , Helen Saunders y Dorothy Shakespear . A principios del siglo XX también se encuentran el círculo artístico de los Sitwell y el Grupo de Bloomsbury , un grupo de escritores, intelectuales, filósofos y artistas, en su mayoría ingleses, entre los que figuraban la pintora Dora Carrington , el pintor y crítico de arte Roger Fry , el crítico de arte Clive Bell , la pintora Vanessa Bell y el pintor Duncan Grant , entre otros. Aunque muy de moda en su época, su obra en las artes visuales resulta menos impresionante hoy en día. ^{[ 76 ]} El modernismo británico siguió siendo algo tentativo hasta después de la Segunda Guerra Mundial, aunque figuras como Ben Nicholson se mantuvieron al tanto de los desarrollos europeos.

Walter Sickert y el Grupo de Camden Town desarrollaron un estilo inglés de impresionismo y postimpresionismo con una fuerte vertiente de documental social, incluyendo a Harold Gilman , Spencer Frederick Gore , Charles Ginner , Robert Bevan , Malcolm Drummond y Lucien Pissarro (hijo del pintor impresionista francés Camille Pissarro ). ^{[ 77 ]} Si bien su colorido suele ser notoriamente apagado, los coloristas escoceses en realidad usaron principalmente luz brillante y color; algunos, como Samuel Peploe y John Duncan Fergusson , vivían en Francia para encontrar temas adecuados. ^{[ 78 ]} Inicialmente se inspiraron en Sir William McTaggart (1835–1910), un pintor paisajista escocés asociado con el impresionismo.

La reacción a los horrores de la Primera Guerra Mundial impulsó un retorno a los temas pastorales representados por Paul Nash y Eric Ravilious , principalmente un grabador. Stanley Spencer pintó obras místicas, así como paisajes, y el escultor, grabador y tipógrafo Eric Gill produjo formas sencillas y elegantes en un estilo relacionado con el Art Déco . La Escuela de Euston Road fue un grupo de realistas "progresistas" de finales de la década de 1930, incluido el influyente profesor William Coldstream . El surrealismo , con artistas como John Tunnard y los surrealistas de Birmingham , fue brevemente popular en la década de 1930, influyendo en Roland Penrose y Henry Moore . Stanley William Hayter fue un pintor y grabador británico asociado en la década de 1930 con el surrealismo y desde 1940 con el expresionismo abstracto . ^{[ 79 ]} En 1927, Hayter fundó el legendario estudio Atelier 17 en París. Desde su muerte en 1988, se le conoce como Atelier Contrepoint. Hayter se convirtió en uno de los grabadores más influyentes del siglo XX. ^{[ 80 ]} Entre los retratistas de moda se encontraban Meredith Frampton, con un clasicismo Art Déco de rostro duro, Augustus John y Sir Alfred Munnings, si había caballos de por medio. Munnings fue presidente de la Royal Academy entre 1944 y 1949 y lideró una hostilidad burlona hacia el modernismo. Entre los fotógrafos de la época se encuentran Bill Brandt , Angus McBean y el diarista Cecil Beaton .

Henry Moore emergió después de la Segunda Guerra Mundial como el escultor más importante de Gran Bretaña, promovido junto con Victor Pasmore , William Scott y Barbara Hepworth por el Festival de Gran Bretaña . La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon , Lucian Freud , Frank Auerbach , Leon Kossoff y Michael Andrews, han recibido un amplio reconocimiento internacional, ^{[ 81 ]} mientras que otros pintores como John Minton y John Craxton son caracterizados como neorrománticos . Graham Sutherland , el paisajista romántico John Piper (un litógrafo prolífico y popular), la escultora Elisabeth Frink y los paisajes urbanos industriales de L.S. Lowry también contribuyeron a la fuerte presencia figurativa en el arte británico de posguerra.

Según William Grimes de The New York Times, "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura figurativa en el siglo XX. En pinturas como Niña con perro blanco (1951-52), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que despojó al descubierto la fachada social del retratado. Gente común —muchos de ellos sus amigos— miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista". ^{[ 82 ]} En 1952, en la 26.ª Bienal de Venecia, un grupo de jóvenes escultores británicos, entre ellos Kenneth Armitage , Reg Butler , Lynn Chadwick , William Turnbull y Eduardo Paolozzi , exhibieron obras que demostraban un expresionismo antimonumental. ^{[ 83 ]} El pintor escocés Alan Davie creó un gran conjunto de pinturas abstractas durante la década de 1950 que sintetizan y reflejan su interés en la mitología y el zen. ^{[ 84 ]} El arte abstracto cobró prominencia durante la década de 1950 con Ben Nicholson , Terry Frost , Peter Lanyon y Patrick Heron , quienes formaban parte de la escuela de St Ives en Cornualles. ^{[ 85 ]} En 1958, junto con Kenneth Armitage y William Hayter, William Scott fue elegido por el British Council para el Pabellón Británico en la XXIX Bienal de Venecia.

En la década de 1950, se formó el Independent Group , con sede en Londres , del cual surgió el arte pop en 1956 con la exposición «This Is Tomorrow» en el Institute of Contemporary Arts , como una reacción británica al expresionismo abstracto . ^{[ 86 ]} El Grupo Internacional fue el tema de una conferencia internacional de dos días en la Tate Britain en marzo de 2007. El Independent Group es considerado el precursor del movimiento Pop Art en Gran Bretaña y Estados Unidos. ^{[ 86 ] [ 87 ]} La exposición «This is Tomorrow» contó con la participación del artista escocés Eduardo Paolozzi , Richard Hamilton y el artista John McHale , entre otros, y el grupo también incluyó al influyente crítico de arte Lawrence Alloway . ^{[ 88 ]}

En la década de 1960, Sir Anthony Caro se convirtió en una figura destacada de la escultura británica ^{[ 89 ]} junto con una generación más joven de artistas abstractos, entre ellos Isaac Witkin , ^{[ 90 ]} Phillip King y William G. Tucker . ^{[ 91 ]} John Hoyland , ^{[ 92 ]} Howard Hodgkin , John Walker , Ian Stephenson , ^{[ 93 ] [ 94 ]} Robyn Denny , John Plumb ^{[ 95 ]} y William Tillyer ^{[ 96 ]} fueron pintores británicos que surgieron en ese momento y que reflejaron el nuevo estilo internacional de la pintura Color Field . ^{[ 97 ]} Durante la década de 1960, otro grupo de artistas británicos ofreció una alternativa radical a la creación artística más convencional, entre ellos Bruce McLean , Barry Flanagan , Richard Long y Gilbert y George . Los pintores británicos de arte pop David Hockney , Patrick Caulfield , Derek Boshier , Peter Phillips , Peter Blake (conocido principalmente por la portada de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ), Gerald Laing y el escultor Allen Jones formaron parte de la escena artística de los años sesenta, al igual que el pintor estadounidense afincado en Gran Bretaña, RB Kitaj . El fotorrealismo, de la mano de Malcolm Morley (quien recibió el primer Premio Turner en 1984), surgió en la década de 1960, así como el arte óptico de Bridget Riley . ^{[ 98 ]} Michael Craig-Martin fue un influyente profesor de algunos de los Jóvenes Artistas Británicos y es conocido por su obra conceptual, Un roble (1973). ^{[ 99 ]}

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  John Duncan Fergusson , Gente y velas en Royan , 1910
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  Tumba de Sir Jacob Epstein Oscar Wilde , 1911, en el cementerio Père Lachaise
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  Roger Fry , Río con álamos , c. 1912
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  Spencer Gore, del Camden Town Group , Gauguins y conocedores en la Stafford Gallery , 1911.
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  James Bolívar Manson , Lucien Pissarro leyendo c. 1913
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  David Bomberg , El baño de barro , 1914
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  Paul Nash , El Saliente de Ypres de Noche , 1917-18, pintó algunas de las imágenes más impactantes de la Primera Guerra Mundial realizadas por un artista inglés. ^{[ 100 ]}
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  Dora Carrington , Retrato de E. M. Forster , 1924-1925
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  Henry Moore , Figura reclinada de dos piezas n.° 5 , bronce , 1963-1964
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  Sir Anthony Caro , Black Cover Flat (1974)

Se ha dicho que el arte británico contemporáneo posmoderno , en particular el de los Jóvenes Artistas Británicos  , se caracteriza por una preocupación fundamental por la cultura material , percibida como una ansiedad cultural postimperial. ^{[ 101 ]} El Premio Turner anual , fundado en 1984 y organizado por la Tate, se ha convertido en un escaparate muy publicitado para el arte británico contemporáneo. Entre los beneficiarios se encuentran varios miembros del movimiento de los Jóvenes Artistas Británicos (YBA), entre los que se incluyen Damien Hirst , Rachel Whiteread y Tracey Emin , quienes alcanzaron la fama tras la exposición Freeze de 1988, con el apoyo de Charles Saatchi , y lograron reconocimiento internacional con su versión del arte conceptual . Este arte a menudo incluía instalaciones , en particular la vitrina de Hirst que contenía un tiburón disecado . La galería Tate y, posteriormente, la Royal Academy también les dieron visibilidad. La influencia del generoso y amplio mecenazgo de Saatchi se convertiría en motivo de cierta controversia, al igual que la de Jay Jopling , el galerista londinense más influyente.

La exposición Sensation de obras de la Colección Saatchi fue polémica tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, aunque de maneras diferentes. En la Royal Academy, la polémica generada por la prensa se centró en Myra , una imagen de gran tamaño de la asesina Myra Hindley , obra de Marcus Harvey . Sin embargo, cuando la muestra viajó a Nueva York, inaugurándose en el Museo de Brooklyn a finales de 1999, se encontró con una intensa protesta por La Santa Virgen María, de Chris Ofili , que no había provocado esta reacción en Londres. Si bien la prensa informó que la obra estaba manchada con estiércol de elefante, la obra de Ofili mostraba en realidad una Virgen negra cuidadosamente representada y decorada con un trozo de estiércol de elefante cubierto de resina. La figura también está rodeada de pequeños collages con imágenes de genitales femeninos de revistas pornográficas; estos parecían, desde la distancia, los querubines tradicionales . Entre otras críticas, el alcalde de Nueva York, Rudolph Giuliani , quien había visto la obra en el catálogo pero no en la exposición, la calificó de "cosa repugnante" y amenazó con retirar la subvención anual de 7 millones de dólares del Ayuntamiento al Museo de Brooklyn que albergaba la exposición, porque "No tienes derecho a recibir subsidios gubernamentales por profanar la religión de otra persona". ^{[ 102 ]}

En 1999, el grupo de pintura figurativa Stuckists , que incluye a Billy Childish y Charles Thomson, se fundó como reacción a los YBAs. ^{[ 103 ]} En 2004, la Walker Art Gallery presentó The Stuckists Punk Victorian , la primera exposición nacional en un museo del movimiento artístico Stuckist . ^{[ 104 ]} La Federación de Artistas Británicos organiza exposiciones de pintura figurativa tradicional. ^{[ 105 ]} Jack Vettriano y Beryl Cook gozan de gran popularidad, pero no del reconocimiento del establishment. ^{[ 106 ] [ 107 ] [ 108 ]} Banksy se labró una reputación con el grafiti callejero y ahora es un artista convencional muy valorado. ^{[ 109 ]}

Antony Gormley produce esculturas, principalmente en metal y basadas en la figura humana, que incluyen el Ángel del Norte de  20 metros (66 pies) de altura cerca de Gateshead , una de las primeras de una serie de esculturas públicas muy grandes producidas en la década de 2000, Another Place y Event Horizon . El escultor de origen indio Anish Kapoor tiene obras públicas en todo el mundo, incluyendo Cloud Gate en Chicago y Sky Mirror en varios lugares; como gran parte de su trabajo, estas utilizan superficies de acero curvas similares a espejos. Las esculturas ambientales del artista británico de land art Andy Goldsworthy se han creado en muchos lugares alrededor del mundo. Utilizando materiales naturales encontrados, a menudo son muy efímeras y están registradas en fotografías de las cuales se han publicado varias colecciones en forma de libro. ^{[ 110 ]} Grayson Perry trabaja en varios medios, incluyendo cerámica. Mientras que los principales grabadores incluyen a Norman Ackroyd , Elizabeth Blackadder , Barbara Rae y Richard Spare .

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