Música rock

Los fundamentos de la música rock se encuentran en el rock and roll, que se originó en Estados Unidos a finales de la década de 1940 y principios de la de 1950; el género se extendió a gran parte del resto del mundo. Sus orígenes radican en la fusión de varios géneros musicales negros de la época, como el rhythm and blues y la música gospel , con el country y el western . ^{[ 23 ]}

Existe un debate en torno a las numerosas grabaciones que se han sugerido como "el primer disco de rock and roll ". Entre los candidatos se incluyen " Strange Things Happening Every Day " de Sister Rosetta Tharpe (1944); ^{[ 24 ]} " That's All Right " de Arthur Crudup (1946), ^{[ 25 ]} que posteriormente fue versionada por Elvis Presley en 1954; " The House of Blue Lights " de Ella Mae Morse y Freddie Slack (1946); ^{[ 26 ]} " Good Rocking Tonight " de Wynonie Harris (1948); ^{[ 27 ]} "Rock Awhile" de Goree Carter (1949); ^{[ 28 ]} " Rock the Joint " de Jimmy Preston (1949), también versionada por Bill Haley & His Comets en 1952; ^{[ 29 ]} y " Rocket 88 " de Jackie Brenston y sus Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda los Kings of Rhythm ), grabada por Sam Phillips para Chess Records en 1951. ^{[ 30 ]}

En 1951, el disc jockey Alan Freed , de Cleveland, Ohio , comenzó a poner música rhythm and blues (entonces denominada " música racial ") para un público multirracial, y se le atribuye haber sido el primero en usar la frase "rock and roll" para describir la música. ^{[ 31 ]} Cuatro años después, " Rock Around the Clock " (1954) de Bill Haley se convirtió en la primera canción de rock and roll en encabezar las principales listas de ventas y reproducción de la revista Billboard , y abrió las puertas a nivel mundial para esta nueva ola de cultura popular. ^{[ 32 ] [ 33 ]} Otros artistas con éxitos tempranos de rock and roll incluyeron a Chuck Berry , Bo Diddley , Fats Domino , Little Richard , Jerry Lee Lewis y Gene Vincent . ^{[ 30 ]} Pronto el rock and roll fue la fuerza principal en las ventas de discos estadounidenses y los crooners , como Eddie Fisher , Perry Como y Patti Page , que habían dominado la década anterior de la música popular, vieron su acceso a las listas de éxitos pop significativamente restringido. ^{[ 34 ]}

El rock and roll ha dado lugar a varios subgéneros distintos, incluido el rockabilly, que combina el rock and roll con la música country "hillbilly", que solía ser tocada y grabada a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins , Jerry Lee Lewis, Roy Orbison , Buddy Holly y con el mayor éxito comercial, Elvis Presley . ^{[ 35 ]} Los movimientos hispanos y latinoamericanos en el rock and roll, que eventualmente llevarían al éxito del rock latino y el rock chicano dentro de los EE. UU., comenzaron a surgir en el suroeste ; con el músico estándar del rock and roll Ritchie Valens e incluso aquellos dentro de otros géneros de herencia, como Al Hurricane junto con sus hermanos Tiny Morrie y Baby Gaby, quienes comenzaron a combinar el rock and roll con el country- western dentro de la música tradicional de Nuevo México . ^{[ 36 ]} Además, la década de 1950 vio el crecimiento en popularidad de la guitarra eléctrica y el desarrollo de un estilo de tocar específicamente rock and roll a través de exponentes como Chuck Berry, Link Wray y Scotty Moore . ^{[ 37 ]} El uso de la distorsión , iniciada por guitarristas de swing occidental como Junior Barnard ^{[ 38 ]} y Eldon Shamblin, fue popularizado por Chuck Berry a mediados de la década de 1950. ^{[ 39 ]} El uso de acordes de potencia , iniciado por Francisco Tárrega y Heitor Villa-Lobos en el siglo XIX y posteriormente por Willie Johnson y Pat Hare a principios de la década de 1950, fue popularizado por Link Wray a finales de la década de 1950. ^{[ 40 ]}

Los comentaristas percibieron un declive del rock and roll a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960. Para 1959, la muerte de Buddy Holly, The Big Bopper y Ritchie Valens en un accidente aéreo, la partida de Elvis al ejército, el retiro de Little Richard para convertirse en predicador, los juicios contra Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y el estallido del escándalo de la payola (que implicó a figuras importantes, incluido Alan Freed, en sobornos y corrupción en la promoción de artistas o canciones individuales), dieron la sensación de que la era del rock and roll establecida en ese momento había llegado a su fin. ^{[ 41 ]}

El rock se extendió rápidamente desde sus orígenes en los EE. UU., asociado con la rápida americanización que tuvo lugar a nivel mundial tras la Segunda Guerra Mundial . ^{[ 42 ]} A Cliff Richard se le atribuye uno de los primeros éxitos de rock and roll fuera de Norteamérica con " Move It " (1959), introduciendo efectivamente el sonido del rock británico . ^{[ 43 ]} Varios artistas, sobre todo Tommy Steele del Reino Unido, tuvieron éxito con versiones de grandes éxitos del rock and roll estadounidense antes de que las grabaciones pudieran difundirse internacionalmente, traduciéndolas a menudo a los idiomas locales cuando era apropiado. ^{[ 44 ] [ 45 ]} Steele, en particular, realizó giras por Gran Bretaña, Escandinavia, Australia, la URSS y Sudáfrica de 1955 a 1957, influyendo en la globalización del rock. ^{[ 44 ]} El disco de Johnny O'Keefe de 1958, " Wild One ", fue uno de los primeros éxitos del rock and roll australiano. ^{[ 46 ]} A finales de la década de 1950, así como en el mundo occidental influenciado por Estados Unidos, el rock era popular en estados comunistas como Yugoslavia, ^{[ 47 ]} y la URSS, ^{[ 48 ]} así como en regiones como Sudamérica. ^{[ 45 ]}

A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, los artistas estadounidenses de blues y blues rock , que habían sido superados por el auge del rock and roll en Estados Unidos, encontraron nueva popularidad en el Reino Unido, realizando giras exitosas. ^{[ 49 ]} El éxito de Lonnie Donegan de 1955, " Rock Island Line ", fue una gran influencia y ayudó a desarrollar la tendencia de los grupos de skiffle en todo el país, muchos de los cuales, incluidos los Quarrymen de John Lennon (más tarde los Beatles ), pasaron a tocar rock and roll. ^{[ 50 ]} Mientras que el antiguo mercado del rock and roll en Estados Unidos estaba siendo dominado por el pop ligero y las baladas, los grupos de rock británicos en clubes y bailes locales estaban desarrollando un estilo más influenciado por los pioneros del blues-rock, y estaban empezando a tocar con una intensidad y energía que rara vez se encontraba en los grupos estadounidenses blancos; ^{[ 51 ]} esta influencia llegaría a moldear el futuro de la música rock a través de la Invasión Británica . ^{[ 49 ]}

El rock and roll instrumental de intérpretes como Duane Eddy , Link Wray y The Ventures fue desarrollado aún más por Dick Dale , quien agregó una reverberación distintiva "wet" , un rápido púa alternada e influencias de Oriente Medio y México . Produjo el éxito regional " Let's Go Trippin' " en 1961 y lanzó la moda de la música surf, continuando con canciones como " Misirlou " (1962). ^{[ 58 ]} Al igual que Dale y sus Del-Tones , la mayoría de las primeras bandas de surf se formaron en el sur de California, incluyendo los Bel-Airs , los Challengers y Eddie & the Showmen . ^{[ 58 ]} The Chantays lograron un éxito nacional entre los diez primeros con " Pipeline " en 1963 y probablemente la canción de surf más conocida fue " Wipe Out " de 1963, de los Surfaris , que alcanzó el número 2 y el número 10 en las listas de Billboard en 1965. ^{[ 59 ]} El surf rock también fue popular en Europa durante este tiempo, con el grupo británico The Shadows logrando éxitos a principios de la década de 1960 con instrumentales como " Apache " (1960) y " Kon-Tiki " (1961), mientras que el grupo sueco de surf The Spotnicks tuvo éxito tanto en Suecia como en Gran Bretaña.

La música surf alcanzó su mayor éxito comercial como música pop vocal, particularmente el trabajo de los Beach Boys , formados en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes presentaban tanto surf rock instrumental (incluyendo versiones de música de Dick Dale) como canciones vocales, inspirándose en el rock and roll y el doo wop y las armonías cerradas de grupos de pop vocal como los Four Freshmen . ^{[ 60 ]} El primer éxito de los Beach Boys en las listas, " Surfin' " (1961), alcanzó el top 100 de Billboard y ayudó a convertir la moda de la música surf en un fenómeno nacional. ^{[ 61 ]} La moda de la música surf y las carreras de casi todos los artistas de surf terminaron efectivamente en 1965 después de la llegada de la Invasión Británica. ^{[ 62 ] [ nb 2 ]}

A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos de beat como los Beatles , Gerry & the Pacemakers y los Searchers de Liverpool y Freddie and the Dreamers , Herman's Hermits y los Hollies de Manchester. Se inspiraron en una amplia gama de influencias estadounidenses, incluyendo el rock and roll de los años 50, el soul, el rhythm and blues y la música surf, ^{[ 63 ]} inicialmente reinterpretando melodías estadounidenses estándar y tocando para bailarines. Bandas como los Animals de Newcastle y Them de Belfast , ^{[ 64 ]} y las de Londres como los Rolling Stones y los Yardbirds , fueron influenciadas más directamente por el rhythm and blues y, posteriormente, por la música blues. ^{[ 65 ]} Pronto estos grupos comenzaron a componer su propio material, combinando formas de música estadounidenses e infundiéndoles un ritmo de alta energía. Las bandas de beat tendían a crear melodías alegres e irresistibles, mientras que los primeros grupos británicos de blues se inclinaban por canciones menos inocentes y más agresivas, adoptando a menudo una postura antisistema. Sin embargo, sobre todo en sus inicios, hubo una considerable fusión musical entre ambas tendencias. ^{[ 66 ]} En 1963, liderados por los Beatles, los grupos de beat habían comenzado a alcanzar el éxito nacional en Gran Bretaña, seguidos poco después por los grupos más centrados en el rhythm and blues. ^{[ 67 ]}

" I Want to Hold Your Hand " fue el primer éxito número uno de los Beatles en el Billboard Hot 100 , ^{[ 68 ]} permaneciendo siete semanas en la cima y un total de 15 semanas en la lista. ^{[ 69 ] [ 70 ]} Su primera aparición en The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, que atrajo a unos 73  millones de espectadores (en ese momento un récord para un programa de televisión estadounidense) se considera un hito en la cultura pop estadounidense. Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon 12 posiciones en la lista de sencillos Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros puestos. Los Beatles se convirtieron en la banda de rock con mayores ventas de todos los tiempos y fueron seguidos en las listas estadounidenses por numerosas bandas británicas. ^{[ 66 ]} Durante los dos años siguientes, los artistas británicos dominaron sus propias listas y las de EE. UU. con Peter and Gordon , The Animals, ^{[ 71 ]} Manfred Mann , Petula Clark , ^{[ 71 ]} Freddie and the Dreamers, Wayne Fontana and the Mindbenders , Herman's Hermits, The Rolling Stones, ^{[ 72 ]} The Troggs y Donovan ^{[ 73 ]} todos con uno o más sencillos número uno. ^{[ 69 ]} Otros artistas importantes que fueron parte de la invasión incluyeron a The Kinks , The Who y Dave Clark Five . ^{[ 74 ] [ 75 ] [ 76 ]}

La Invasión Británica ayudó a internacionalizar la producción de rock and roll, abriendo la puerta para que los artistas británicos (e irlandeses) posteriores alcanzaran el éxito internacional. ^{[ 77 ]} En Estados Unidos, podría decirse que marcó el fin de la música surf instrumental, los grupos vocales femeninos y (durante un tiempo) los ídolos adolescentes , que habían dominado las listas estadounidenses a finales de los años 50 y 60. ^{[ 78 ]} Perjudicó las carreras de artistas de R&B consagrados como Fats Domino y Chubby Checker e incluso descarriló temporalmente el éxito en las listas de los artistas de rock and roll que sobrevivieron, incluido Elvis. ^{[ 79 ]} La Invasión Británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de música rock y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en guitarras y batería y produciendo su propio material como cantautores. ^{[ 80 ]} Siguiendo el ejemplo establecido por el LP Rubber Soul de los Beatles de 1965 en particular, otros grupos de rock británicos lanzaron álbumes de rock concebidos como declaraciones artísticas en 1966, incluyendo Aftermath de los Rolling Stones, Revolver de los propios Beatles y A Quick One de The Who , así como grupos estadounidenses como los Beach Boys ( Pet Sounds ) y Bob Dylan ( Blonde on Blonde ). ^{[ 81 ]}

Aunque el primer impacto de la Invasión Británica en la música popular estadounidense se produjo a través de grupos de beat y R&B, el impulso pronto fue tomado por una segunda ola de bandas que se inspiraron más directamente en el blues estadounidense , incluyendo a los Rolling Stones y los Yardbirds . ^{[ 82 ]} Los músicos de blues británicos de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 se habían inspirado en la forma de tocar acústica de figuras como Lead Belly , quien fue una gran influencia en la locura del skiffle, y Robert Johnson . ^{[ 83 ]} Cada vez más adoptaron un sonido fuerte y amplificado, a menudo centrado en la guitarra eléctrica, basado en el blues de Chicago , particularmente después de la gira por Gran Bretaña de Muddy Waters en 1958, que impulsó a Cyril Davies y al guitarrista Alexis Korner a formar la banda Blues Incorporated . ^{[ 84 ]} La banda involucró e inspiró a muchas de las figuras del posterior auge del blues británico , incluidos miembros de los Rolling Stones y Cream , combinando estándares y formas del blues con instrumentación y énfasis del rock. ^{[ 51 ]}

Otro referente clave del blues británico fue John Mayall ; su banda, los Bluesbreakers , incluía a Eric Clapton (tras la salida de Clapton de los Yardbirds) y, posteriormente, a Peter Green . Particularmente significativo fue el lanzamiento del álbum Blues Breakers with Eric Clapton (Beano) (1966), considerado una de las grabaciones fundamentales del blues británico y cuyo sonido fue muy imitado tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. ^{[ 85 ]} Eric Clapton formó supergrupos como Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos , seguidos de una extensa carrera en solitario que contribuyó a popularizar el blues rock. ^{[ 84 ]} Green, junto con la sección rítmica de los Bluesbreakers, Mick Fleetwood y John McVie , formó Peter Green's Fleetwood Mac , que disfrutó de uno de los mayores éxitos comerciales del género. ^{[ 84 ]} A finales de la década de 1960, Jeff Beck , también exmiembro de los Yardbirds, llevó el blues rock hacia el heavy rock con su banda, el Jeff Beck Group . ^{[ 84 ]} El último guitarrista de los Yardbirds fue Jimmy Page , quien formó The New Yardbirds , que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin . Muchas de las canciones de sus tres primeros álbumes, y ocasionalmente más adelante en sus carreras, eran expansiones de canciones de blues tradicionales. ^{[ 84 ]}

En Estados Unidos, el blues rock fue impulsado a principios de la década de 1960 por el guitarrista Lonnie Mack ; ^{[ 86 ]} sin embargo, el género comenzó a despegar a mediados de la década de 1960 cuando los artistas desarrollaron un sonido similar al de los músicos de blues británicos. Entre los artistas clave se encontraban Paul Butterfield (cuya banda actuó como Mayall's Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos exitosos), Canned Heat , los primeros Jefferson Airplane , Janis Joplin , Johnny Winter , la J. Geils Band y Jimi Hendrix con sus tríos de poder , la Jimi Hendrix Experience (que incluía a dos miembros británicos y fue fundada en Gran Bretaña) y Band of Gypsys , cuyo virtuosismo con la guitarra y puesta en escena estarían entre los más emulados de la década. ^{[ 84 ]} Las bandas de blues rock de los estados del sur, como Allman Brothers Band , Lynyrd Skynyrd y ZZ Top , incorporaron elementos country a su estilo para producir el género distintivo del rock sureño . ^{[ 87 ]}

Las bandas de blues rock a menudo emulaban el jazz, tocando largas y elaboradas improvisaciones, que más tarde serían un elemento importante del rock progresivo. Desde aproximadamente 1967, bandas como Cream y la Jimi Hendrix Experience se habían alejado de la música puramente basada en el blues para adentrarse en la psicodelia . ^{[ 88 ]} Para la década de 1970, el blues rock se había vuelto más pesado y basado en riffs , ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple , y las líneas entre el blues rock y el hard rock "eran apenas visibles", ^{[ 88 ]} ya que las bandas comenzaron a grabar álbumes de estilo rock. El género fue continuado en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers , ^{[ 84 ]} pero, particularmente en la escena británica (excepto quizás por la llegada de grupos como Status Quo y Foghat que se movieron hacia una forma de boogie rock de alta energía y repetitivo ), el subgénero se centró en el heavy metal , y el blues rock comenzó a salirse de la corriente principal. ^{[ 89 ]}

El garage rock era una forma cruda de música rock, particularmente prevalente en Norteamérica a mediados de la década de 1960 y llamada así por la percepción de que se ensayaba en el garaje de las familias suburbanas. ^{[ 90 ] [ 91 ]} Las canciones de garage rock a menudo giraban en torno a los traumas de la vida en la escuela secundaria, siendo particularmente comunes las canciones sobre "chicas mentirosas" y circunstancias sociales injustas. ^{[ 92 ]} Las letras y la interpretación tendían a ser más agresivas de lo común en ese momento, a menudo con voces guturales o gritadas que se disolvían en gritos incoherentes. ^{[ 90 ]} Abarcaban desde música cruda de un solo acorde (como The Seeds ) hasta una calidad casi de músico de estudio (incluyendo The Knickerbockers , The Remains y The Fifth Estate ). También había variaciones regionales en muchas partes del país, con escenas florecientes particularmente en California y Texas. ^{[ 92 ]}

El estilo había estado evolucionando desde escenas regionales ya en 1958. "Tall Cool One" (1959) de los Wailers (de Tacoma, Washington) y la versión de 1963 de " Louie Louie " de los Kingsmen (Portland, Oregón) son ejemplos principales del género en sus etapas formativas. ^{[ 93 ]} Para 1963, los sencillos de bandas de garage estaban entrando en las listas nacionales en mayor número, incluyendo a Paul Revere and the Raiders (Boise), ^{[ 94 ]} los Trashmen (Minneapolis) ^{[ 95 ]} y los Rivieras (South Bend, Indiana). ^{[ 96 ]} Otras bandas de garage influyentes, como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegaron al Billboard Hot 100. ^{[ 97 ]}

La Invasión Británica influyó enormemente en las bandas de garage, proporcionándoles una audiencia nacional, lo que llevó a muchas (a menudo grupos de surf o hot rod ) a adoptar una influencia británica y a fomentar la formación de más grupos. ^{[ 92 ]} Varias bandas de garage en Estados Unidos y Canadá produjeron éxitos regionales durante esa época. ^{[ 92 ]} A pesar de que decenas de bandas firmaron con sellos importantes o regionales, la mayoría fueron fracasos comerciales. El garage rock alcanzó su punto álgido tanto comercial como artísticamente alrededor de 1966, y para 1968 el estilo prácticamente había desaparecido de las listas nacionales y a nivel local. ^{[ 92 ]} Nuevos estilos habían evolucionado para reemplazar al garage rock. ^{[ 92 ] [ nb 3 ]}

Para la década de 1960, la escena que había surgido del resurgimiento de la música folk estadounidense se había convertido en un movimiento importante, que utilizaba música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, generalmente con instrumentos acústicos. ^{[ 99 ]} En Estados Unidos, el género fue impulsado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y a menudo se identificaba con la política progresista o laboral . ^{[ 99 ]} A principios de los sesenta, figuras como Joan Baez y Bob Dylan habían surgido en este movimiento como cantautores. ^{[ 100 ]} Dylan había comenzado a llegar a una audiencia mayoritaria con éxitos como " Blowin' in the Wind " (1963) y " Masters of War " (1963), que llevaron las " canciones de protesta " a un público más amplio, ^{[ 101 ]} pero, aunque comenzaban a influenciarse mutuamente, el rock y la música folk habían permanecido en gran medida como géneros separados, a menudo con audiencias mutuamente excluyentes. ^{[ 102 ]}

Los primeros intentos de combinar elementos del folk y el rock incluyeron " House of the Rising Sun " (1964) de The Animals , que fue la primera canción folk de éxito comercial grabada con instrumentación de rock and roll ^{[ 103 ]} y " I'm a Loser " (1964) de The Beatles, posiblemente la primera canción de The Beatles influenciada directamente por Dylan. ^{[ 104 ]} Se suele pensar que el movimiento folk rock despegó con la grabación de " Mr. Tambourine Man " de Dylan por parte de The Byrds , que encabezó las listas en 1965. ^{[ 102 ]} Con miembros que habían formado parte de la escena folk de los cafés de Los Ángeles, The Byrds adoptaron la instrumentación rock, incluyendo baterías y guitarras Rickenbacker de 12 cuerdas , que se convirtieron en un elemento importante del sonido del género. ^{[ 102 ]} Más tarde ese año, Dylan adoptó instrumentos eléctricos, para gran indignación de muchos puristas del folk, y su " Like a Rolling Stone " se convirtió en un sencillo de éxito en Estados Unidos. ^{[ 102 ]} Según Ritchie Unterberger , Dylan (incluso antes de adoptar los instrumentos eléctricos) influyó en músicos de rock como los Beatles, demostrando "a la generación del rock en general que un álbum podía ser una declaración importante por sí sola sin sencillos de éxito", como en The Freewheelin' Bob Dylan (1963). ^{[ 105 ]}

El folk rock despegó particularmente en California, donde llevó a grupos como The Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash a pasarse a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde dio origen a artistas como The Lovin' Spoonful y Simon and Garfunkel , con la canción acústica de estos últimos " The Sounds of Silence " (1965) siendo remezclada con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos. ^{[ 102 ]} Estos grupos influyeron directamente en artistas británicos como Donovan y Fairport Convention . ^{[ 102 ]} En 1969, Fairport Convention abandonó su mezcla de versiones estadounidenses y canciones influenciadas por Dylan para tocar música folk tradicional inglesa con instrumentos eléctricos. ^{[ 106 ]} Este folk-rock británico fue adoptado por bandas como Pentangle , Steeleye Span y Albion Band , lo que a su vez impulsó a grupos irlandeses como Horslips y grupos escoceses como JSD Band , Spencer's Feat y más tarde Five Hand Reel , a utilizar su música tradicional para crear una marca de rock celta a principios de la década de 1970. ^{[ 107 ]}

El folk-rock alcanzó su apogeo de popularidad comercial entre 1967 y 1968, antes de que muchos artistas se desviaran hacia diversos caminos, como Dylan y los Byrds, quienes comenzaron a desarrollar el country rock . ^{[ 108 ]} Sin embargo, se ha considerado que la hibridación del folk y el rock tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música rock, al incorporar elementos de la psicodelia y contribuir al desarrollo de las ideas del cantautor, la canción de protesta y los conceptos de «autenticidad». ^{[ 102 ] [ 109 ]}

La vibra inspirada en el LSD de la música psicodélica comenzó en la escena folk. ^{[ 110 ]} El primer grupo en anunciarse como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas. ^{[ 110 ]} Los Beatles introdujeron muchos de los elementos principales del sonido psicodélico a las audiencias en este período, como la retroalimentación de guitarra , el sitar indio y los efectos de sonido de enmascaramiento inverso . ^{[ 111 ]} El rock psicodélico despegó particularmente en la escena musical emergente de California a medida que los grupos siguieron el cambio de los Byrds del folk al folk rock a partir de 1965. ^{[ 111 ]} El estilo de vida psicodélico, que giraba en torno a las drogas alucinógenas, ya se había desarrollado en San Francisco y los productos particularmente prominentes de la escena fueron Big Brother and the Holding Company , los Grateful Dead y Jefferson Airplane . ^{[ 111 ] [ 112 ]} El guitarrista principal de The Jimi Hendrix Experience , Jimi Hendrix, realizaba improvisaciones extensas, distorsionadas y llenas de retroalimentación que se convirtieron en una característica clave de la psicodelia. ^{[ 111 ]} El rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. En 1967, los Beatles lanzaron su declaración psicodélica definitiva en Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band , que incluía la canción " Lucy in the Sky with Diamonds "; los Rolling Stones respondieron más tarde ese año con Their Satanic Majesties Request , ^{[ 111 ]} y Pink Floyd debutó con The Piper at the Gates of Dawn . Grabaciones clave incluyeron Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane y el álbum debut homónimo de The Doors . Estas tendencias alcanzaron su punto máximo en el festival de Woodstock de 1969 , que contó con actuaciones de la mayoría de los principales grupos psicodélicos. ^{[ 111 ]}

Sgt. Pepper fue considerado posteriormente como un punto de partida para la era del álbum , durante la cual la música rock pasó del formato de sencillos a álbumes y alcanzó legitimidad cultural en el público general. ^{[ 113 ]} Liderados por los Beatles a mediados de la década de 1960, ^{[ 114 ]} los músicos de rock impulsaron el LP como la forma dominante de expresión y consumo de música grabada, iniciando una era de álbumes influenciada por el rock en la industria musical durante las siguientes décadas. ^{[ 115 ]}

Reflexionando sobre los desarrollos que ocurrieron en la música rock a principios de la década de 1970, Robert Christgau escribió en Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981): ^{[ 13 ]}

La década es, por supuesto, un esquema arbitrario en sí mismo; el tiempo no gira de forma ordenada hacia el futuro cada diez años. Pero, como muchos conceptos artificiales —el dinero, por ejemplo—, la categoría adquiere una realidad propia una vez que la gente descubre cómo utilizarla. «Los 60 se acabaron», un eslogan que solo se empezó a oír alrededor de 1972, movilizó a todos aquellos deseosos de creer que el idealismo había quedado obsoleto, y una vez movilizados, así fue. En la música popular, abrazar los 70 significó tanto un retiro elitista de la caótica escena de los conciertos y la contracultura como una búsqueda lucrativa del mínimo común denominador en la radio FM y el rock de álbumes .

El rock experimentó una mayor mercantilización durante esta década, convirtiéndose en una industria multimillonaria y duplicando su mercado, mientras que, como señaló Christgau, sufrió una importante "pérdida de prestigio cultural". "Quizás los Bee Gees se hicieron más populares que los Beatles, pero nunca fueron más populares que Jesús ", dijo. "En la medida en que la música conservó algún poder mítico, el mito era autorreferencial : había muchas canciones sobre la vida del rock and roll, pero muy pocas sobre cómo el rock podía cambiar el mundo, excepto como una nueva marca de analgésico... En los años 70, los poderosos tomaron el control, ya que los industriales del rock capitalizaron el estado de ánimo nacional para reducir la música potente a una especie de entretenimiento a menudo reaccionaria, y para transmutar la base popular del rock del público al mercado". ^{[ 13 ]}

El rock progresivo, término que a veces se usa indistintamente con el rock artístico , trascendió las fórmulas musicales establecidas al experimentar con diferentes instrumentos, tipos de canciones y formas. ^{[ 116 ]} Desde mediados de la década de 1960, The Left Banke , The Beatles, The Rolling Stones y The Beach Boys fueron pioneros en la inclusión de clavecines , secciones de viento y cuerda en sus grabaciones para producir una forma de rock barroco , que se puede escuchar en sencillos como " A Whiter Shade of Pale " (1967) de Procol Harum , con su introducción inspirada en Bach . ^{[ 117 ]} The Moody Blues usaron una orquesta completa en su álbum Days of Future Passed (1967) y posteriormente crearon sonidos orquestales con sintetizadores. ^{[ 116 ]} La orquestación clásica, los teclados y los sintetizadores fueron una adición frecuente al formato de rock establecido de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior. ^{[ 118 ]}

Las piezas instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letra a veces eran conceptuales, abstractas o basadas en la fantasía y la ciencia ficción. ^{[ 119 ]} SF Sorrow (1968) de The Pretty Things, Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire) (1969) de The Kinks y Tommy ( 1969 ) de The Who introdujeron el formato de las óperas rock y abrieron la puerta a los álbumes conceptuales , que a menudo contaban una historia épica o abordaban un gran tema general. ^{[ 120 ]} El álbum debut de King Crimson de 1969, In ​​the Court of the Crimson King , que mezclaba potentes riffs de guitarra y mellotron con jazz y música sinfónica , a menudo se considera la grabación clave del rock progresivo, que ayudó a la adopción generalizada del género a principios de la década de 1970 entre las bandas de blues-rock y psicodélicas existentes, así como entre los grupos recién formados. ^{[ 116 ]} La vibrante escena de Canterbury vio pasar a grupos como Soft Machine , desde la psicodelia, pasando por influencias del jazz, hasta un hard rock más expansivo, incluyendo a Caravan , Hatfield and the North , Gong y National Health . ^{[ 121 ]} El grupo francés Magma, liderado por el baterista Christian Vander, creó prácticamente en solitario el nuevo género musical zeuhl con sus primeros álbumes a principios de la década de 1970. ^{[ 122 ]}

Pink Floyd también se alejó de la psicodelia después de la partida de Syd Barrett en 1968, con The Dark Side of the Moon (1973) convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. ^{[ 123 ]} Hubo un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Yes mostrando las habilidades tanto del guitarrista Steve Howe como del tecladista Rick Wakeman , mientras que Emerson, Lake & Palmer (ELP) fue un supergrupo que produjo algunos de los trabajos más exigentes técnicamente del género. ^{[ 116 ]} Jethro Tull y Genesis ambos buscaron estilos musicales muy diferentes, pero distintivamente ingleses. ^{[ 124 ]} Renaissance , formado en 1969 por los ex Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, ​​evolucionó hasta convertirse en una banda de alto concepto que presentaba la voz de tres octavas de Annie Haslam . ^{[ 125 ]} La mayoría de las bandas británicas dependían de un grupo de seguidores relativamente pequeño, pero un puñado, incluyendo Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, lograron producir sencillos que alcanzaron el top ten en su país y conquistaron el mercado estadounidense. ^{[ 126 ]} La versión estadounidense del rock progresivo varió desde el ecléctico e innovador Frank Zappa , Captain Beefheart y Blood, Sweat & Tears , ^{[ 127 ]} hasta bandas más orientadas al pop rock como Boston , Foreigner , Kansas , Journey y Styx . ^{[ 116 ]} Estas, junto con las bandas británicas Supertramp y ELO , demostraron una influencia del rock progresivo y se ubicaron entre los artistas más exitosos comercialmente de la década de 1970, anunciando la era del rock pomposo o de estadios .

La vertiente instrumental del género dio como resultado álbumes como Tubular Bells (1973) de Mike Oldfield , el primer disco para el sello Virgin Records , que se convirtió en un éxito mundial y un pilar del género. ^{[ 116 ]} El rock instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, lo que permitió a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Focus y Faust sortear la barrera del idioma. ^{[ 128 ]} Su « krautrock » con predominio de sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo tecladista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior . ^{[ 116 ]}

Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos a finales de la década de 1970, el rock progresivo fue cada vez más descartado como pretencioso y exagerado. ^{[ 129 ] [ 130 ]} Muchas bandas se separaron, pero algunas, como Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, consiguieron regularmente álbumes en el top ten con exitosas giras mundiales. ^{[ 98 ]} Algunas bandas que surgieron tras el punk, como Siouxsie and the Banshees , Ultravox y Simple Minds , mostraron la influencia del rock progresivo, así como sus influencias punk más comúnmente reconocidas. ^{[ 131 ]}

A finales de la década de 1960, el jazz-rock surgió como un subgénero distinto de las escenas del blues-rock, el rock psicodélico y el rock progresivo, mezclando la potencia del rock con la complejidad musical y los elementos de improvisación del jazz. AllMusic afirma que el término jazz-rock "puede referirse a las bandas de fusión más ruidosas, salvajes y electrificadas del campo del jazz, pero con mayor frecuencia describe a intérpretes que vienen del lado del rock de la ecuación". El jazz-rock "...generalmente surgió de los subgéneros de rock más ambiciosos artísticamente de finales de los 60 y principios de los 70", incluido el movimiento de cantautores. ^{[ 132 ]} Muchos de los primeros músicos de rock and roll estadounidenses habían comenzado en el jazz y llevaron algunos de estos elementos a la nueva música. En Gran Bretaña, el subgénero del blues rock, y muchas de sus figuras principales, como Ginger Baker y Jack Bruce de la banda Cream , habían surgido de la escena del jazz británico . A menudo se destaca como la primera grabación de jazz-rock auténtica el único álbum de la relativamente desconocida banda neoyorquina The Free Spirits , Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas que usaron conscientemente la etiqueta fueron bandas de rock blanco con orientación R&B que hicieron uso de secciones de vientos con influencias de jazz, como Electric Flag , Blood, Sweat & Tears y Chicago , para convertirse en algunos de los grupos más exitosos comercialmente de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970. ^{[ 133 ]}

Entre los grupos británicos que surgieron en el mismo período de la escena del blues, y que hicieron uso de los aspectos tonales y de improvisación del jazz, se encontraban Nucleus ^{[ 134 ]} y Colosseum , proyecto derivado de Graham Bond y John Mayall . De las escenas del rock psicodélico y de Canterbury surgió Soft Machine, que, según se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente exitosas de ambos géneros. Quizás la fusión más aclamada por la crítica provino del lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis , particularmente influenciado por la obra de Hendrix, incorporando instrumentación de rock a su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una influencia importante para artistas de jazz posteriores influenciados por el rock, como Herbie Hancock , Chick Corea y Weather Report . ^{[ 133 ]} El género comenzó a desvanecerse a finales de la década de 1970, cuando una forma más suave de fusión comenzó a captar a su público, ^{[ 132 ]} pero grupos como Steely Dan , ^{[ 132 ]} Frank Zappa y Joni Mitchell grabaron álbumes importantes con influencias de jazz en este período, y ha continuado siendo una gran influencia en la música rock. ^{[ 133 ]}

Roots rock es el término que ahora se usa para describir un alejamiento de la escena psicodélica hacia una forma más básica de rock and roll que incorporó sus influencias originales, particularmente blues, country y música folk, lo que llevó a la creación del country rock y el rock sureño. ^{[ 135 ]} En 1966, Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde . ^{[ 136 ]} Este, y álbumes posteriores con una influencia country más clara, como Nashville Skyline , han sido vistos como creadores del género country folk , una ruta seguida por varios músicos de folk mayoritariamente acústicos. ^{[ 136 ]} Otros grupos que siguieron la tendencia de volver a lo básico fueron el grupo canadiense The Band y Creedence Clearwater Revival , con sede en California , ambos mezclaron rock and roll básico con folk, country y blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de finales de la década de 1960. ^{[ 137 ]} El mismo movimiento vio el comienzo de las carreras discográficas de artistas solistas californianos como Ry Cooder , Bonnie Raitt y Lowell George , ^{[ 138 ]} e influyó en el trabajo de intérpretes consagrados como Beggar's Banquet (1968) de los Rolling Stones y Let It Be (1970) de los Beatles . ^{[ 111 ]} Reflexionando sobre este cambio de tendencias en la música rock en los últimos años, Christgau escribió en su columna "Consumer Guide" de junio de 1970 que esta "nueva ortodoxia" y "retraso cultural" abandonaron las producciones improvisadas y ornamentadas de estudio en favor de un énfasis en la "instrumentación precisa y minimalista" y la composición de canciones: "Sus referentes son el rock de los 50, la música country y el rhythm and blues, y su inspiración clave es The Band". ^{[ 139 ]}

En 1968, Gram Parsons grabó Safe at Home con la International Submarine Band , posiblemente el primer álbum de country rock verdadero . ^{[ 140 ]} Más tarde ese año se unió a los Byrds para Sweetheart of the Rodeo (1968), generalmente considerado una de las grabaciones más influyentes del género. ^{[ 140 ]} Los Byrds continuaron en la misma línea, pero Parsons se fue para unirse a otro ex miembro de los Byrds, Chris Hillman, para formar los Flying Burrito Brothers , quienes ayudaron a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de que Parsons se fuera para seguir una carrera en solitario. ^{[ 140 ]} Las bandas en California que adoptaron el country rock incluyeron Hearts and Flowers, Poco , New Riders of the Purple Sage , ^{[ 140 ]} los Beau Brummels , ^{[ 140 ]} y la Nitty Gritty Dirt Band . ^{[ 141 ]} Algunos intérpretes también disfrutaron de un renacimiento al adoptar sonidos country, incluyendo: los Everly Brothers; El otrora ídolo adolescente Rick Nelson, quien se convirtió en el líder de la Stone Canyon Band; el ex Monkee Mike Nesmith , quien formó la First National Band ; y Neil Young . ^{[ 140 ]} Los Dillards eran, inusualmente, un grupo de música country, que se inclinó hacia el rock. ^{[ 140 ]} El mayor éxito comercial del country rock llegó en la década de 1970, con artistas como los Doobie Brothers , Emmylou Harris , Linda Ronstadt y los Eagles (compuestos por miembros de los Burritos, Poco y Stone Canyon Band), quienes emergieron como uno de los grupos de rock más exitosos de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluyeron Hotel California (1976). ^{[ 142 ]}

Se suele pensar que los fundadores del rock sureño son los Allman Brothers Band, que desarrollaron un sonido distintivo, derivado en gran medida del blues rock , pero incorporando elementos de boogie , soul y country a principios de la década de 1970. ^{[ 87 ]} El grupo más exitoso que les siguió fue Lynyrd Skynyrd, que ayudó a establecer la imagen de "buen chico" del subgénero y la forma general del rock de guitarra de la década de 1970. ^{[ 87 ]} Entre sus sucesores se encontraban los instrumentistas de fusión/progresivo Dixie Dregs , los Outlaws con mayor influencia country , Wet Willie con inclinación funk/R&B y (que incorporaban elementos de R&B y gospel) los Ozark Mountain Daredevils . ^{[ 87 ]} Tras la pérdida de los miembros originales de los Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a perder popularidad a finales de la década de 1970, pero se mantuvo vigente en la década de 1980 con grupos como .38 Special , Molly Hatchet y la Marshall Tucker Band . ^{[ 87 ]}

El glam rock surgió de las escenas psicodélicas y de art rock inglesas de finales de la década de 1960; puede verse como una extensión de (y una reacción contra) esas tendencias. ^{[ 143 ]} Musicalmente diverso, variando desde el simple revivalismo del rock and roll de figuras como Alvin Stardust hasta el complejo art rock de Roxy Music, y puede verse tanto como una moda como un subgénero musical. ^{[ 143 ]} Visualmente, fue una mezcla de varios estilos, que iban desde el glamour de Hollywood de la década de 1930 , pasando por el atractivo sexual de las pin-ups de la década de 1950, la teatralidad del cabaret de antes de la guerra , los estilos literarios y simbolistas victorianos , la ciencia ficción, hasta el misticismo y la mitología antiguos y ocultos ; manifestándose en ropa, maquillaje, peinados y botas con plataforma extravagantes. ^{[ 144 ]} El glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y las representaciones de la androginia , además del uso extensivo de la teatralidad. ^{[ 145 ]} Fue prefigurado por el espectáculo y la manipulación de la identidad de género de grupos estadounidenses como los Cockettes y Alice Cooper . ^{[ 146 ]}

Los orígenes del glam rock se asocian con Marc Bolan , quien había renombrado su dúo folk a T. Rex y adoptado instrumentos eléctricos a finales de la década de 1960. A menudo se cita como el momento de inicio su aparición en el programa musical de la BBC Top of the Pops en marzo de 1971 vistiendo brillantina y satén, para interpretar lo que sería su segundo éxito Top 10 del Reino Unido (y su primer éxito número 1 del Reino Unido), " Hot Love ". ^{[ 147 ]} Desde 1971, ya una estrella menor, David Bowie desarrolló su personaje Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, mímica y actuación en su acto. ^{[ 148 ]} Estos artistas pronto fueron seguidos en el estilo por actos como Roxy Music, Sweet , Slade , Mott the Hoople , Mud y Alvin Stardust . ^{[ 148 ]} Si bien tuvieron mucho éxito en las listas de sencillos en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos pudieron hacer un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la principal excepción al convertirse en una superestrella internacional e impulsar la adopción de estilos glam entre artistas como Lou Reed , New York Dolls y Jobriath , a menudo conocidos como "glitter rock" y con un contenido lírico más oscuro que sus contrapartes británicas. ^{[ 149 ]} En el Reino Unido, el término glitter rock se usaba con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam que seguían Gary Glitter y sus músicos de apoyo, la Glitter Band , quienes entre ellos lograron dieciocho sencillos en el top ten en el Reino Unido entre 1972 y 1976. ^{[ 150 ]} Una segunda ola de artistas de glam rock, incluyendo a Suzi Quatro , Roy Wood 's Wizzard y Sparks , dominó las listas de sencillos británicas desde aproximadamente 1974 hasta 1976. ^{[ 148 ]} Artistas existentes, algunos que no suelen ser considerados centrales del género, también adoptaron estilos glam, incluyendo a Rod Stewart , Elton John , Queen y, por un tiempo, incluso los Rolling Stones. ^{[ 148 ]} También influyó directamente en grupos que alcanzaron la fama más tarde, como Kiss y Adam Ant , y de forma menos directa en la formación del rock gótico y el glam metal , así como en el punk rock, lo que ayudó a acabar con la moda del glam a partir de 1976 aproximadamente.^{[ 149 ]} Desde entonces, el glam ha disfrutado de modestos resurgimientos esporádicos a través de bandas comoThe Darkness ^{[ 151 ]} y en el artista de crossover de R&BPrince. ^{[ 152 ]}

Después de los primeros éxitos del rock latino en la década de 1960, músicos chicanos como Carlos Santana y Al Hurricane continuaron teniendo carreras exitosas durante la década de 1970. Santana abrió la década con éxito en su sencillo de 1970 " Black Magic Woman " en el álbum Abraxas . De 1973 a 1978 lanzó una serie de cuatro álbumes que alcanzaron el estatus de oro: Welcome , Borboletta , Amigos y Festivál . Al Hurricane continuó mezclando su música rock con la música de Nuevo México , aunque también estaba experimentando más intensamente con el jazz , lo que dio lugar a sencillos exitosos, especialmente en su álbum Vestido Mojado . ^{[ 153 ]} Los Lobos ganaron popularidad en este tiempo, con su primer álbum Los Lobos del Este de Los Ángeles en 1977.

Desde finales de la década de 1960, se hizo común dividir la música rock convencional en soft rock y hard rock. El soft rock a menudo derivaba del folk rock, utilizando instrumentos acústicos y poniendo mayor énfasis en la melodía y las armonías. ^{[ 155 ]} Entre los artistas más importantes se encontraban Carole King , Cat Stevens y James Taylor . ^{[ 155 ]} Alcanzó su apogeo comercial a mediados y finales de la década de 1970 con grupos como Billy Joel , America y la reformada Fleetwood Mac , cuyo Rumours (1977) fue el álbum más vendido de la década. ^{[ 156 ]} En contraste, el hard rock derivaba con mayor frecuencia del blues-rock y se tocaba con mayor volumen e intensidad. ^{[ 157 ]} A menudo enfatizaba la guitarra eléctrica, tanto como instrumento rítmico utilizando riffs simples y repetitivos como instrumento solista, y era más probable que se utilizara con distorsión y otros efectos. ^{[ 157 ]} Entre los artistas clave se encontraban bandas de la Invasión Británica como The Kinks, así como artistas de la era psicodélica como Cream, Jimi Hendrix y The Jeff Beck Group . ^{[ 157 ]} Entre las bandas influenciadas por el hard rock que disfrutaron de éxito internacional a finales de la década de 1970 se encontraban Queen , ^{[ 158 ]} Thin Lizzy , ^{[ 159 ]} Aerosmith , AC/DC , ^{[ 157 ]} y Van Halen .

También desde finales de la década de 1960, el término "heavy metal" comenzó a usarse para describir cierto hard rock tocado con aún más volumen e intensidad, primero como adjetivo y a principios de la década de 1970 como sustantivo. ^{[ 160 ]} El término se usó por primera vez en la música en " Born to Be Wild " de Steppenwolf (1967); el término comenzó a asociarse con bandas como Blue Cheer de San Francisco , James Gang de Cleveland y Grand Funk Railroad de Michigan . ^{[ 161 ]} Para 1970, tres bandas británicas clave habían desarrollado los sonidos y estilos característicos que ayudarían a dar forma al subgénero. Led Zeppelin agregó elementos de fantasía a su blues-rock cargado de riffs, Deep Purple trajo intereses sinfónicos y medievales de su fase de rock progresivo y Black Sabbath introdujo facetas de la armonía gótica y modal , ayudando a producir un sonido "más oscuro". ^{[ 162 ]} Estos elementos fueron adoptados por una "segunda generación" de bandas de hard rock y heavy metal hasta finales de la década de 1970, incluyendo: Judas Priest , UFO , Motörhead y Rainbow de Gran Bretaña; Kiss , Ted Nugent y Blue Öyster Cult de los EE. UU.; Rush de Canadá, Golden Earring de los Países Bajos y Scorpions de Alemania, todos marcando la expansión en popularidad del subgénero. ^{[ 162 ]} A pesar de la falta de difusión en la radio y muy poca presencia en las listas de sencillos, el heavy metal de finales de la década de 1970 construyó un considerable grupo de seguidores, particularmente entre los jóvenes varones de clase trabajadora en Norteamérica y Europa. ^{[ 163 ]}

En la década de 1980, bandas como Bon Jovi , Guns N' Roses , Metallica , Mötley Crüe y Def Leppard alcanzaron el éxito comercial con el hard rock y una fusión de hard rock y heavy metal con pop. Durante la década de 1990, el hard rock experimentó un ligero descenso en popularidad, salvo por algunos grandes éxitos como " November Rain " de Guns N' Roses y " Enter Sandman " de Metallica . ^{[ 164 ]}

La música rock ha sido criticada en ocasiones por algunos líderes cristianos, quienes la han condenado como inmoral, anticristiana e incluso satánica. ^{[ 165 ]} Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a finales de la década de 1960, particularmente a partir del movimiento de Jesús que comenzó en el sur de California, y surgió como un subgénero en la década de 1970 con artistas como Larry Norman , generalmente considerado la primera gran "estrella" del rock cristiano. ^{[ 166 ]} El género fue principalmente un fenómeno en los Estados Unidos. ^{[ 167 ]} Muchos intérpretes de rock cristiano tienen vínculos con la escena musical cristiana contemporánea . A partir de la década de 1980, los intérpretes de pop cristiano, así como bandas de hard rock como Stryper , han tenido cierto éxito en el mercado general. ^{[ 168 ] [ 169 ]} A partir de la década de 1990, hubo un número creciente de artistas que intentaron evitar la etiqueta de banda cristiana, prefiriendo ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluyendo a POD . ^{[ 170 ]}

El Heartland Rock estadounidense, orientado a la clase trabajadora y caracterizado por un estilo musical directo y una preocupación por la vida de la gente común estadounidense de clase obrera , se desarrolló en la segunda mitad de la década de 1970. El término Heartland Rock se utilizó por primera vez para describir a grupos de rock de estadios del Medio Oeste como Kansas , REO Speedwagon y Styx, pero terminó asociándose con una forma de roots rock con mayor conciencia social, influenciada más directamente por el folk, el country y el rock and roll. ^{[ 171 ]} Se le ha considerado como la contraparte del rock country de la Costa Oeste y del rock sureño del Sur de Estados Unidos, en el Medio Oeste y el Cinturón del Óxido . ^{[ 172 ]} Liderado por figuras que inicialmente se habían identificado con el punk y la new wave, estuvo fuertemente influenciado por artistas como Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison , y el rock básico del garage de la década de 1960 y los Rolling Stones. ^{[ 173 ]}

Ejemplificado por el éxito comercial de los cantautores Bruce Springsteen , Bob Seger y Tom Petty , fue en parte una reacción al declive urbano postindustrial en el Este y el Medio Oeste, a menudo reflexionando sobre cuestiones de desintegración social y aislamiento, además de una forma de revivalismo del rock and roll festivo. ^{[ 173 ]} El género alcanzó su apogeo comercial a mediados de la década de 1980, con Born in the USA (1984) de Springsteen encabezando las listas de éxitos en todo el mundo y generando una serie de sencillos que alcanzaron el top ten, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp , Steve Earle y cantautores más suaves como Bruce Hornsby . ^{[ 173 ]}

El rock de la región central de Estados Unidos se desvaneció como género reconocido a principios de la década de 1990, a medida que la música rock en general, y los temas de la clase trabajadora blanca y obrera en particular, perdieron influencia entre el público más joven, y a medida que los artistas de esta región se volcaron hacia obras más personales. ^{[ 173 ]}

El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en Estados Unidos y el Reino Unido. Con raíces en el garage rock y otras formas de lo que hoy se conoce como protopunk, las bandas de punk rock rechazaron los excesos percibidos del rock comercial de los años 70. ^{[ 174 ]} Crearon música rápida y agresiva, típicamente con canciones cortas, instrumentación minimalista y letras a menudo políticas y antisistema. El punk adopta una ética DIY (hazlo tú mismo) , con muchas bandas autoproduciendo sus grabaciones y distribuyéndolas a través de canales informales. ^{[ 175 ]}

A finales de 1976, grupos como los Ramones y Patti Smith , en Nueva York, y los Sex Pistols y The Clash , en Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical. ^{[ 174 ]} Al año siguiente, el punk rock se extendió por todo el mundo. El punk se convirtió rápidamente en un importante fenómeno cultural en el Reino Unido. La escaramuza televisiva en directo de los Sex Pistols con Bill Grundy el 1 de diciembre de 1976 fue el momento decisivo en la transformación del punk británico en un importante fenómeno mediático, incluso cuando algunas tiendas se negaban a vender los discos y la difusión radiofónica era difícil de conseguir. ^{[ 176 ]} En mayo de 1977, los Sex Pistols alcanzaron nuevas cotas de controversia (y el número dos en la lista de sencillos) con la canción " God Save the Queen ", que hacía referencia a la reina Isabel II durante su Jubileo de Plata . ^{[ 177 ]} En su mayor parte, el punk echó raíces en escenas locales que tendían a rechazar la asociación con la corriente principal. Surgió una subcultura punk asociada , que expresaba la rebeldía juvenil y se caracterizaba por estilos de vestimenta distintivos y una variedad de ideologías . ^{[ 178 ]}

A principios de la década de 1980, surgieron estilos más rápidos y agresivos como el hardcore y el Oi!, ^{[ 179 ]} que evolucionaron en variantes del hardcore punk como el D-beat (un subgénero con mucha distorsión influenciado por la banda británica Discharge ), el anarcopunk (por ejemplo, Crass ), el grindcore (por ejemplo, Napalm Death ) y el crust punk . ^{[ 180 ]} Los músicos que se identificaban con el punk o se inspiraban en él también exploraron una amplia gama de otras variaciones, dando origen a la new wave , el post-punk y el movimiento del rock alternativo . ^{[ 174 ]}

Aunque el punk rock fue un fenómeno social y musical significativo, logró menos en términos de ventas de discos (siendo distribuido por pequeños sellos especializados como Stiff Records ), ^{[ 181 ]} o difusión en la radio estadounidense (ya que la escena radiofónica seguía dominada por formatos convencionales como la música disco y el rock orientado a álbumes ). ^{[ 182 ]} El punk rock había atraído a devotos del mundo artístico y universitario y pronto bandas con un enfoque más literario y artístico, como Talking Heads y Devo , comenzaron a infiltrarse en la escena punk; en algunos círculos la descripción "new wave" comenzó a usarse para diferenciar a estas bandas menos abiertamente punk. ^{[ 183 ]} Los ejecutivos discográficos, que en su mayoría habían estado desconcertados por el movimiento punk, reconocieron el potencial de los grupos new wave más accesibles y comenzaron a contratar y comercializar agresivamente a cualquier banda que pudiera alegar una remota conexión con el punk o la new wave. ^{[ 184 ]} Muchas de estas bandas, como The Cars y The Go-Go's , pueden considerarse bandas de pop comercializadas como new wave; ^{[ 185 ]} otros grupos ya existentes, como The Police , The Pretenders y Elvis Costello , utilizaron el movimiento new wave como trampolín para carreras relativamente largas y exitosas desde el punto de vista de la crítica, ^{[ 186 ]} mientras que bandas de "corbata delgada" como The Knack tocaban power pop que encabezaba las listas de éxitos , ^{[ 187 ]} y la fotogénica Blondie comenzó como un grupo punk y se adentró en territorios más ligeros y eclécticos. ^{[ 188 ]}

Entre 1979 y 1985, influenciada por Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra , David Bowie y Gary Numan , la new wave británica tomó la dirección de los New Romantics como Spandau Ballet , Ultravox , Japan , Duran Duran , A Flock of Seagulls , Culture Club , Talk Talk y Eurythmics , a veces usando el sintetizador para reemplazar todos los demás instrumentos. ^{[ 189 ]} Este período coincidió con el auge de MTV y llevó a una gran exposición para este tipo de synth-pop, creando lo que se ha caracterizado como una segunda Invasión Británica . ^{[ 190 ]} Algunas bandas de rock más tradicionales también tuvieron éxito, como Dire Straits , cuyo " Money for Nothing " se burlaba sutilmente de MTV, y Golden Earring, una banda que había logrado un gran éxito en la década de 1970 con " Radar Love ", logró otro éxito en la década siguiente con " Twilight Zone (canción de Golden Earring) ", ^{[ 191 ]} pero en general el rock orientado a la guitarra fue eclipsado comercialmente. ^{[ 192 ]}

Si el hardcore persiguió más directamente la estética minimalista del punk, y la new wave llegó a representar su ala comercial, el post-punk surgió a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980 como su lado más artístico y desafiante. Además de las bandas de punk, las principales influencias incluyeron a The Velvet Underground , The Stooges y Captain Beefheart . ^{[ 193 ]} Entre los primeros contribuyentes al género se encuentran las bandas estadounidenses Pere Ubu , Devo , The Residents y Talking Heads . ^{[ 193 ]}

La primera ola del post-punk británico incluyó a Gang of Four , Siouxsie and the Banshees y Joy Division , quienes pusieron menos énfasis en el arte que sus contrapartes estadounidenses y más en las cualidades emocionales oscuras de su música. ^{[ 193 ]} Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus , The Cure y Sisters of Mercy , se movieron cada vez más en esta dirección para fundar el rock gótico, que se había convertido en la base de una importante subcultura a principios de la década de 1980. ^{[ 194 ]} Un territorio emocional similar fue explorado por grupos australianos como The Birthday Party y Nick Cave . ^{[ 193 ]} Miembros de Bauhaus y Joy Division exploraron nuevos territorios estilísticos como Love and Rockets y New Order respectivamente. ^{[ 193 ]} Otro movimiento post-punk temprano fue la música industrial ^{[ 195 ]} desarrollada por las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , y Suicide , con sede en Nueva York , utilizando una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial y que se desarrollarían en una variedad de formas de música postindustrial en la década de 1980. ^{[ 196 ]}

La segunda generación de bandas británicas post-punk que irrumpieron a principios de la década de 1980, incluyendo a The Fall , The Pop Group , The Mekons , Echo and the Bunnymen y The Teardrop Explodes , tendieron a alejarse de los paisajes sonoros oscuros. ^{[ 193 ]} Posiblemente la banda más exitosa surgida del post-punk fue la irlandesa U2 , que incorporó elementos de imaginería religiosa junto con comentarios políticos en su música a menudo himnótica, y a finales de la década de 1980 se había convertido en una de las bandas más grandes del mundo. ^{[ 197 ]} Aunque muchas bandas post-punk continuaron grabando y actuando, el movimiento decayó a mediados de la década de 1980 a medida que los grupos se disolvían o se dedicaban a explorar otras áreas musicales, pero ha seguido influyendo en el desarrollo de la música rock y se ha considerado un elemento importante en la creación del movimiento del rock alternativo. ^{[ 198 ]}

El término rock alternativo se acuñó a principios de la década de 1980 para describir a los artistas de rock que no encajaban en los géneros dominantes de la época. Las bandas denominadas "alternativas" no tenían un estilo unificado, pero todas se consideraban distintas de la música dominante. Las bandas alternativas estaban vinculadas por su deuda colectiva con el punk rock, a través de la new wave, el post-punk o el hardcore. ^{[ 199 ]} Entre las bandas de rock alternativo importantes de la década de 1980 en EE. UU. se encontraban REM , Hüsker Dü , Jane's Addiction , Sonic Youth y Pixies ; ^{[ 199 ]} en el Reino Unido, bandas populares como The Cure , New Order , The Jesus and Mary Chain y The Smiths . ^{[ 200 ]} Los artistas estaban en gran medida confinados a sellos discográficos independientes , construyendo una extensa escena musical underground basada en la radio universitaria , los fanzines, las giras y el boca a boca. ^{[ 201 ]} Rechazaron el synth-pop dominante de principios de la década de 1980, marcando un regreso al rock de guitarra basado en grupos. ^{[ 202 ] [ 203 ] [ 204 ]}

Pocas de estas primeras bandas lograron el éxito comercial, aunque hay excepciones a esta regla como REM, The Smiths y The Cure. A pesar de la falta general de ventas espectaculares de álbumes, las bandas originales de rock alternativo ejercieron una influencia considerable en la generación de músicos que crecieron en la década de 1980 y terminaron alcanzando el éxito comercial en la década de 1990. Los estilos de rock alternativo en los EE. UU. durante la década de 1980 incluían el jangle pop , asociado con las primeras grabaciones de REM, que incorporaba las guitarras resonantes del pop y el rock de mediados de la década de 1960, y el college rock, utilizado para describir a las bandas alternativas que comenzaron en el circuito universitario y la radio universitaria, incluyendo grupos como 10,000 Maniacs y The Feelies . ^{[ 199 ]} En el Reino Unido, a finales de la década de 1980, surgieron bandas de indie o dream pop como Primal Scream y The Wedding Present , ^{[ 205 ]} y bandas que fueron denominadas shoegaze como My Bloody Valentine , Slowdive y Ride . ^{[ 206 ]} La escena de Madchester fue particularmente vibrante , produciendo bandas como Happy Mondays y The Stone Roses . ^{[ 200 ] [ 207 ]} La década siguiente vería el éxito del grunge en Estados Unidos y del Britpop en el Reino Unido, llevando el rock alternativo al mainstream.

En la segunda mitad de la década de 1980, bandas del estado de Washington (en particular en el área de Seattle ) formaron un nuevo estilo de rock que contrastaba con la música comercial de la época. El género en desarrollo llegó a conocerse como "grunge", un término que describía el sonido sucio de la música y la apariencia descuidada de la mayoría de los músicos, quienes se rebelaban contra las imágenes excesivamente cuidadas de otros artistas. El grunge hacía un uso intensivo de la distorsión de guitarra , el fuzz y la retroalimentación . ^{[ 208 ]} Las letras eran típicamente apáticas y llenas de angustia, y a menudo trataban temas como la alienación social y el encierro, aunque también era conocido por su humor negro y sus parodias del rock comercial.

Bandas como Green River , Soundgarden y Melvins fueron pioneras del género, y Mudhoney se convirtió en la más exitosa a finales de la década. El grunge siguió siendo en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando el álbum Nevermind de Nirvana se convirtió en un gran éxito, que contenía la canción himno " Smells Like Teen Spirit ". ^{[ 209 ]} Nevermind era más melódico que sus predecesores; al firmar con Geffen Records, la banda fue una de las primeras en emplear mecanismos tradicionales de promoción y marketing corporativos como un video de MTV, exhibiciones en tiendas y el uso de "consultores" de radio que promovían la difusión en las principales estaciones de rock convencionales. Durante 1991 y 1992, otros álbumes grunge como Ten de Pearl Jam , Badmotorfinger de Soundgarden y Dirt de Alice in Chains , junto con el álbum Temple of the Dog con miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtieron en parte de los 100 álbumes más vendidos. ^{[ 210 ]} Las principales discográficas contrataron a la mayoría de las bandas grunge que quedaban en Seattle, mientras que una segunda oleada de artistas se mudó a la ciudad con la esperanza de triunfar. ^{[ 211 ]} Sin embargo, tras la muerte de Kurt Cobain y la posterior disolución de Nirvana en 1994, el género comenzó a declinar, en parte eclipsado por el Britpop y el post-grunge de sonido más comercial . ^{[ 212 ]}

El britpop surgió de la escena del rock alternativo británico de principios de los 90 y se caracterizó por bandas particularmente influenciadas por la música de guitarra británica de los años 60 y 70. ^{[ 200 ]} The Smiths fueron una influencia importante, al igual que las bandas de la escena Madchester , que se había disuelto a principios de los 90. ^{[ 77 ]} El britpop era variado en estilo, pero a menudo usaba melodías y estribillos pegadizos, además de letras con preocupaciones particularmente británicas y la adopción de la iconografía de la invasión británica de los años 60, incluidos los símbolos de la identidad británica usados ​​previamente por los mods. ^{[ 213 ]} Se lanzó alrededor de 1993 con lanzamientos de grupos como Suede y Blur , a los que pronto se unieron otros como Oasis , Pulp , Supergrass y Elastica , que produjeron una serie de álbumes y sencillos exitosos. ^{[ 200 ]} Durante un tiempo, la prensa popular convirtió la rivalidad entre Blur y Oasis en la «Batalla del Britpop», ganada inicialmente por Blur, pero con Oasis alcanzando un mayor éxito internacional y a largo plazo, influyendo directamente en bandas posteriores de Britpop, como Ocean Colour Scene y Kula Shaker . ^{[ 214 ]} Los grupos de Britpop llevaron el rock alternativo británico al mainstream y formaron la columna vertebral de una tendencia cultural británica más amplia conocida como Cool Britannia . ^{[ 215 ]} El movimiento se había desintegrado en gran medida para finales de la década. ^{[ 200 ]}

El término post-grunge se acuñó para las bandas que surgieron tras el auge de las bandas grunge de Seattle y emularon su música, pero con un sonido más comercial y apto para la radio. ^{[ 212 ]} A menudo trabajaban con las grandes discográficas e incorporaban influencias del hard rock, ^{[ 212 ]} el pop rock , ^{[ 216 ]} o el metal alternativo . ^{[ 212 ]} El término post-grunge originalmente tenía una connotación peyorativa, sugiriendo que las bandas grunge que surgieron cuando el grunge era popular eran simplemente una derivación musical, o una respuesta cínica a un movimiento de rock "auténtico". ^{[ 217 ]} Desde 1995, la nueva banda del ex baterista de Nirvana , Dave Grohl , Foo Fighters , ayudó a popularizar el género post-grunge. ^{[ 218 ]}

Algunas bandas post-grunge, como Candlebox , eran de Seattle, pero el subgénero se caracterizó por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Live de York, Pensilvania y Collective Soul de Georgia , y más allá de los EE. UU. hasta Silverchair de Australia y Bush de Gran Bretaña , quienes consolidaron el post-grunge como uno de los subgéneros más viables comercialmente de mediados de la década de 1990. ^{[ 199 ] [ 212 ]} Bandas como Creed y Nickelback llevaron el post-grunge a finales de la década de 1990 y a la década de 2000 con un éxito comercial considerable, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original por himnos más convencionales, ^{[ 217 ]} narrativas y canciones románticas, y fueron seguidas en esta línea por nuevos grupos como Shinedown , Seether , 3 Doors Down y Puddle of Mudd . ^{[ 217 ]}

Los orígenes del pop-punk de los 90 se pueden ver en las bandas más orientadas a las canciones del movimiento punk de los 70 como Buzzcocks y The Clash , grupos de new wave comercialmente exitosos como The Jam y The Undertones , y los elementos más influenciados por el hardcore del rock alternativo de los 80. ^{[ 219 ]} El pop-punk tiende a usar melodías y cambios de acordes de power-pop con ritmos punk rápidos y guitarras fuertes. ^{[ 220 ]} La música punk proporcionó la inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de los 90, incluyendo Rancid y Green Day . ^{[ 219 ]} En 1994, Green Day se mudó a un sello importante y produjo el álbum Dookie , que encontró una nueva audiencia, en su mayoría adolescente, y resultó ser un éxito de ventas de diamante inesperado, lo que llevó a una serie de sencillos exitosos, incluyendo dos números uno en los EE. UU. ^{[ 199 ]} Pronto les siguió el álbum debut homónimo de Weezer , que generó tres sencillos que alcanzaron el top ten en Estados Unidos. ^{[ 221 ]} Este éxito abrió la puerta a las ventas multiplatino de la banda de punk metal The Offspring con Smash (1994). ^{[ 199 ]} Esta primera ola de pop punk alcanzó su punto máximo comercial con Nimrod de Green Day (1997) y Americana de The Offspring (1998). ^{[ 222 ]}

Una segunda ola de pop-punk fue liderada por Blink-182 , con su álbum revelación Enema of the State (1999), seguido por bandas como Good Charlotte , Simple Plan y Sum 41 , quienes hicieron uso del humor en sus videos y tuvieron un tono más apto para la radio en su música, sin dejar de conservar la velocidad, parte de la actitud e incluso la estética del punk de los años 70. ^{[ 219 ]} Bandas posteriores de pop-punk, incluyendo All Time Low , The All-American Rejects y Fall Out Boy , tenían un sonido que ha sido descrito como más cercano al hardcore de los años 80, sin dejar de alcanzar el éxito comercial. ^{[ 219 ]}

En la década de 1980, los términos indie rock y rock alternativo se usaban indistintamente. ^{[ 223 ]} A mediados de la década de 1990, a medida que elementos del movimiento comenzaron a atraer el interés del público general, particularmente el grunge y luego el Britpop, el post-grunge y el pop-punk, el término alternativo comenzó a perder su significado. ^{[ 223 ]} Aquellas bandas que seguían los contornos menos comerciales de la escena fueron cada vez más denominadas indie. ^{[ 223 ]} Vinculado por un ethos más que por un enfoque musical, el movimiento indie rock abarcó una amplia gama de estilos, desde bandas de corte duro, influenciadas por el grunge como The Cranberries y Superchunk , pasando por bandas experimentales de hazlo tú mismo como Pavement , hasta cantantes de punk-folk como Ani DiFranco . ^{[ 199 ] [ 200 ]} Se ha observado que el indie rock tiene una proporción relativamente alta de artistas femeninas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de la música Riot grrrl con influencias feministas . ^{[ 224 ]} Muchos países han desarrollado una extensa escena indie local , que florece con bandas con la popularidad suficiente para sobrevivir dentro del país respectivo, pero prácticamente desconocidas fuera de él. ^{[ 225 ]}

A finales de la década de 1990, muchos subgéneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo de finales de la década de 1980, se incluyeron bajo el paraguas del indie. El lo-fi rechazó las técnicas de grabación pulidas en favor de una ética DIY y fue liderado por Beck , Sebadoh y Pavement . ^{[ 199 ]} El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto el post rock, un estilo experimental influenciado por el jazz y la música electrónica (ejemplificado por grupos como Bark Psychosis , Tortoise , Stereolab y Laika ), ^{[ 226 ] [ 227 ]} como a conducir a un math rock más denso y complejo, basado en la guitarra, desarrollado por grupos como Polvo y Chavez . ^{[ 228 ]} El space rock miró hacia las raíces progresivas, con grupos minimalistas y de drone pesado como Spacemen 3 , las dos bandas creadas a partir de su separación, Spectrum y Spiritualized , y grupos posteriores que incluyen Flying Saucer Attack , Godspeed You! Black Emperor y Quickspace . ^{[ 229 ]} En contraste, el sadcore enfatizó el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters , ^{[ 230 ]} mientras que el resurgimiento del pop barroco reaccionó contra la música lo-fi y experimental poniendo énfasis en la melodía y la instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire , Belle and Sebastian y Rufus Wainwright . ^{[ 231 ]}

El metal alternativo surgió de la escena hardcore del rock alternativo en los EE. UU. a finales de la década de 1980, pero ganó una audiencia más amplia después de que el grunge irrumpiera en la corriente principal a principios de la década de 1990. ^{[ 232 ]} Las primeras bandas de metal alternativo mezclaron una amplia variedad de géneros con sensibilidades hardcore y heavy metal, con grupos como Jane's Addiction y Primus usando rock progresivo, Soundgarden y Corrosion of Conformity usando garage punk, The Jesus Lizard y Helmet mezclando noise rock , Ministry y Nine Inch Nails influenciados por la música industrial , Monster Magnet incursionando en la psicodelia , Pantera , Sepultura y White Zombie creando groove metal , mientras que Biohazard , Limp Bizkit y Faith No More se volcaron al hip-hop y al rap. ^{[ 232 ]}

El hip-hop había captado la atención de grupos de rock a principios de la década de 1980, incluyendo a The Clash con " The Magnificent Seven " (1980) y a Blondie con " Rapture " (1980). ^{[ 233 ] [ 234 ]} Entre los primeros grupos que fusionaron géneros se encontraban Run DMC y los Beastie Boys . ^{[ 235 ]} Entre los raperos que samplearon canciones de rock se encontraban Ice-T , los Fat Boys , LL Cool J , Public Enemy y Whodini . ^{[ 236 ]} Anthrax fue pionero en la mezcla de thrash metal y rap en su sencillo de 1987 con influencias de comedia " I'm the Man ". ^{[ 236 ]}

En 1990, Faith No More irrumpió en el mainstream con su sencillo " Epic ", a menudo considerado como la primera combinación verdaderamente exitosa de heavy metal con rap. ^{[ 237 ]} Esto allanó el camino para el éxito de bandas existentes como 24-7 Spyz y Living Colour , y nuevos grupos como Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers , que fusionaron rock y hip-hop entre otras influencias. ^{[ 236 ] [ 238 ]} Entre la primera ola de artistas que lograron el éxito mainstream como rap rock se encontraban 311 , ^{[ 239 ]} Bloodhound Gang , ^{[ 240 ]} y Kid Rock . ^{[ 241 ]} Un sonido más metálico – nu metal – fue buscado por bandas como Limp Bizkit, Korn y Slipknot . ^{[ 236 ]} Más adelante en la década, este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y scratching de tocadiscos , generó una ola de bandas exitosas como Linkin Park , POD y Staind , que a menudo se clasificaban como rap metal o nu metal, siendo la primera de ellas la banda más vendida del género. ^{[ 242 ]}  

En 2001, el nu metal alcanzó su apogeo con álbumes como Break the Cycle de Staind , Satellite de POD , Iowa de Slipknot y Hybrid Theory de Linkin Park . También surgieron nuevas bandas como Disturbed , Godsmack y Papa Roach , cuyo álbum debut con una gran discográfica, Infest, se convirtió en un éxito de platino. ^{[ 243 ]} Para 2002, las bandas de nu metal se reproducían con menos frecuencia en las estaciones de radio de rock y MTV comenzó a centrarse en el pop-punk y el emo . ^{[ 244 ]} Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un sonido más convencional de hard rock, heavy metal o música electrónica. ^{[ 244 ]}

Desde aproximadamente 1997, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta Britpop aunque seguían produciendo música derivada de ella. ^{[ 245 ] [ 246 ]} Muchas de estas bandas tendían a mezclar elementos del rock tradicional británico (o rock tradicional británico), ^{[ 247 ]} particularmente los Beatles, Rolling Stones y Small Faces , ^{[ 248 ]} con influencias estadounidenses, incluyendo el post-grunge. ^{[ 249 ] [ 250 ]} Procedentes de todo el Reino Unido, los temas de su música tendían a estar menos centrados parroquialmente en la vida británica, inglesa y londinense y más introspectivos que había sido el caso del Britpop en su apogeo. ^{[ 251 ] [ 252 ]} Varias bandas alternativas que habían disfrutado de cierto éxito a mediados de la década de 1990, pero que no encontraron un gran éxito comercial hasta finales de la década de 1990, incluían a The Verve y Radiohead . El álbum Urban Hymns (1997) de The Verve fue un éxito mundial, y Radiohead logró una aclamación casi universal de la crítica con su tercer álbum experimental, OK Computer (1997).

Las bandas post-Britpop han sido vistas como presentando la imagen de la estrella de rock como una persona común y su música cada vez más melódica fue criticada por ser insípida o derivativa. ^{[ 253 ]} Bandas post-Britpop como Travis de The Man Who (1999), Stereophonics de Performance and Cocktails (1999), Feeder de Echo Park (2001), y particularmente Snow Patrol de Final Straw (2003), Keane de su álbum debut Hopes and Fears (2004), y Coldplay de su álbum debut Parachutes (2000), lograron un éxito internacional más amplio que muchos de los grupos Britpop que los habían precedido, y fueron algunos de los artistas más exitosos comercialmente de finales de la década de 1990 y principios de la de 2000. ^{[ 250 ] [ 254 ] [ 255 ] [ 256 ]}

El post-hardcore se desarrolló en Estados Unidos, particularmente en Chicago y Washington, D.C., en la década de 1980, con bandas que se inspiraron en la ética del "hazlo tú mismo" y la música con predominio de la guitarra del hardcore punk, pero influenciadas por el post-punk, adoptando formatos de canciones más largos, estructuras musicales más complejas y, a veces, estilos vocales más melódicos. ^{[ 257 ]}

El emo también surgió de la escena hardcore en la década de 1980 en Washington, DC, inicialmente como "emocore", término utilizado para describir a las bandas que preferían las voces expresivas al estilo más común, abrasivo y agresivo. ^{[ 258 ]} El emo irrumpió en la cultura dominante a principios de la década de 2000 con el éxito de ventas platino de Bleed American (2001) de Jimmy Eat World y The Places You Have Come to Fear the Most (2003) de Dashboard Confessional . ^{[ 259 ]} El nuevo emo tenía un sonido mucho más comercial que en la década de 1990 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes que sus encarnaciones anteriores. ^{[ 259 ]} Al mismo tiempo, el uso del término emo se extendió más allá del género musical, asociándose con la moda, un peinado y cualquier música que expresara emoción. ^{[ 260 ]} Para 2003, las bandas post-hardcore también habían llamado la atención de las grandes discográficas y comenzaron a disfrutar del éxito comercial en las listas de álbumes. Varias de estas bandas fueron vistas como una rama más agresiva del emo y recibieron la etiqueta, a menudo vaga, de screamo . ^{[ 261 ]}

A principios de la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que tocaban una versión simplificada y básica del rock de guitarra, emergieron en la escena principal. Se las caracterizó de diversas maneras como parte de un resurgimiento del garage rock, el post-punk o la new wave . ^{[ 262 ] [ 263 ] [ 264 ] [ 265 ]} Debido a que las bandas provenían de todo el mundo, citaban diversas influencias (desde el blues tradicional, pasando por la new wave hasta el grunge) y adoptaban diferentes estilos de vestimenta, su unidad como género ha sido cuestionada. ^{[ 266 ]} Hubo intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en las décadas de 1980 y 1990; para el año 2000, las escenas habían crecido en varios países. ^{[ 267 ]}

El éxito comercial de estas escenas fue liderado por cuatro bandas: The Strokes , que emergieron de la escena de clubes de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); The White Stripes , de Detroit, con su tercer álbum White Blood Cells (2001); The Hives, de Suecia, después de su álbum recopilatorio Your New Favourite Band (2001); y The Vines , de Australia, con Highly Evolved (2002). ^{[ 268 ]} Fueron apodados por los medios como "los salvadores del rock 'n' roll". ^{[ 269 ]} Una segunda ola de bandas que obtuvieron reconocimiento internacional gracias al movimiento incluyó a Yeah Yeah Yeahs , The Killers , Interpol y Kings of Leon de EE. UU., ^{[ 270 ]} The Libertines , Arctic Monkeys , Bloc Party , Editors , Kaiser Chiefs y Franz Ferdinand del Reino Unido, ^{[ 271 ]} y Jet y Wolfmother de Australia. ^{[ 272 ]}

En la década de 2000, a medida que la tecnología informática se hizo más accesible y el software musical avanzó, fue posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. ^{[ 273 ]} Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de la creciente internet. ^{[ 274 ]} Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes y por géneros emergentes que mezclaban rock con técnicas y sonidos digitales, incluyendo electroclash , dance-punk , dance rock y new rave .

El metalcore se originó a finales de la década de 1980 combinando elementos del metal extremo y el hardcore punk . ^{[ 275 ]} El metalcore se caracteriza por el uso de breakdowns , que son pasajes lentos e intensos propicios para el mosh , mientras que otra instrumentación definitoria incluye riffs de guitarra pesados ​​y percusivos con punto de pedal y batería con doble bombo . A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, se fundaron bandas pioneras como Integrity , Earth Crisis y Converge . ^{[ 275 ]} Durante la década de 1990, el género se diversificó, con Dillinger Escape Plan , Botch y Coalesce como pioneros del mathcore .

En la década de 2010 y hasta la de 2020, el género tuvo un éxito comercial aún mayor, con el álbum Post Human: Survival Horror (2020) de Bring Me the Horizon ^{[ 276 ]} y For Those That Wish to Exist (2021) de Architects alcanzando el número uno en las listas de álbumes del Reino Unido. ^{[ 277 ]}

Los estilos psicodélicos y progresivos en el rock han experimentado un resurgimiento en popularidad durante las décadas de 2010 y 2020. Algunos de los grupos más notables de la neopsicodelia se originaron en Australia, como King Gizzard & the Lizard Wizard y Tame Impala de Kevin Parker . Este último lanzó álbumes bien recibidos como Lonerism (2012) y Currents (2015). ^{[ 288 ] [ 289 ]} Esta nueva música psicodélica australiana no solo se basó en los grupos de rock psicodélico y progresivo de las décadas de 1960 y 1970, sino que también incorporó influencias musicales del heavy metal , la música electrónica de baile (EDM ) y la música del mundo . ^{[ 290 ]} Un artículo de 2014 en The Guardian describió a Australia como un lugar donde "las bandas de rock de mentalidad independiente son libres de desarrollarse a su propio ritmo". ^{[ 291 ]}

Las tendencias psicodélicas en el rock también han experimentado un resurgimiento en Europa, ^{[ 292 ]} que ha sido descrito como "realmente bueno" para la nueva música psicodélica, con muchas bandas estadounidenses de stoner rock optando por girar en Europa en lugar de Norteamérica. ^{[ 293 ]} En 2013, el álbum de Queens of the Stone Age , ...Like Clockwork, encabezó las listas de éxitos en varios países. ^{[ 294 ]}

A finales de la década de 2010 y principios de la de 2020, surgió una nueva ola de bandas post-punk de Gran Bretaña e Irlanda. ^{[ 295 ]} Entre los artistas identificados como parte de esta ola se encuentran Squid , Fontaines DC e Idles . ^{[ 296 ] [ 297 ]} Entre los artistas post-punk que alcanzaron prominencia en la década de 2010 y principios de la de 2020 de otros países además del Reino Unido se encuentran Geese (Estados Unidos), Kælan Mikla (Islandia) y Viagra Boys (Suecia), ^{[ 298 ] [ 299 ] [ 300 ]} así como la llamada escena de " música doomer rusa " compuesta por bandas de post-punk, coldwave y darkwave de países postsoviéticos como Rusia y Bielorrusia, entre las que destaca Molchat Doma (Bielorrusia). ^{[ 301 ]}

A principios de la década de 2020, artistas de música pop y rap lanzaron grabaciones exitosas con influencias pop-punk, incluyendo el álbum de Machine Gun Kelly de 2020 , Tickets to My Downfall , que encabezó el Billboard 200, y el sencillo número uno de Olivia Rodrigo , " Good 4 U " (2021). ^{[ 302 ]}

Durante la segunda mitad de la década de 2010, algunas bandas ganaron notoriedad por emular estilos de rock de finales de los años 60 y 70, populares en la radio de rock clásico . Guitar World describió este regreso a lo básico como "rock 'n' roll contundente, arrogante y basado en riffs, construido alrededor de una configuración básica de voz, guitarra, bajo y batería". ^{[ 303 ]} Entre los grupos considerados parte de esta tendencia se encuentran Greta Van Fleet , Rival Sons y Larkin Poe . ^{[ 304 ]}

Según Schaap y Berkers, tocar en una banda es una experiencia de grupo de pares "moldeada por redes de amistad segregadas por sexo". ^{[ 318 ]} Escriben: "Varios académicos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, presentaciones y otras actividades sociales de las bandas... A las mujeres se las considera principalmente consumidoras pasivas y privadas de música pop supuestamente pulida y prefabricada —y por lo tanto, inferior— , lo que las excluye de participar como músicas de rock de alto estatus". ^{[ 319 ]}  

En las primeras décadas del rock, la rebeldía «era en gran medida una rebeldía masculina; las mujeres —a menudo, en las décadas de 1950 y 1960, chicas adolescentes— en el rock solían cantar canciones como personajes, totalmente dependientes de sus novios machistas». ^{[ 320 ]} Philip Auslander afirma que «aunque a finales de la década de 1960 había muchas mujeres en el rock, la mayoría actuaba solo como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular». ^{[ 321 ]} Algunas mujeres tocaban instrumentos en bandas estadounidenses de garage rock exclusivamente femeninas , pero ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Cuando Suzi Quatro surgió en 1973, «ninguna otra música femenina destacada trabajaba en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y líder de banda». ^{[ 321 ]}

Una banda exclusivamente femenina es un grupo musical compuesto únicamente por mujeres . Esto se diferencia de un grupo de chicas, en el que las integrantes femeninas son vocalistas, aunque esta terminología no se usa universalmente. ^{[ 322 ]}