Cine del Reino Unido

La primera película del mundo fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888 ^{[ 25 ] [ 26 ]} y las primeras películas desarrolladas en celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres, en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , ^{[ 27 ]} quien patentó el proceso en 1890.

Los primeros en construir y operar una cámara de 35 mm en Gran Bretaña fueron Robert W. Paul y Birt Acres . Realizaron la primera película británica, Incident at Clovelly Cottage, en febrero de 1895, poco antes de que surgieran disputas sobre la patente de la cámara. Pronto, varias compañías cinematográficas británicas abrieron sus puertas para satisfacer la demanda de nuevas películas, como Mitchell y Kenyon en Blackburn . Los hermanos Lumière llevaron su espectáculo a Londres por primera vez en 1896. En 1898, el productor estadounidense Charles Urban amplió la Warwick Trading Company, con sede en Londres, para producir películas británicas, principalmente documentales y noticieros.

Si bien las primeras películas británicas retrataban sucesos cotidianos, a principios del siglo XX surgieron los cortometrajes narrativos, principalmente comedias y melodramas. Estas primeras películas solían tener un tono melodramático y mostraban una clara preferencia por argumentos ya conocidos por el público, en particular, adaptaciones de obras de Shakespeare y novelas de Dickens .

En 1898, Gaumont-British Picture Corp. se fundó como filial de la compañía francesa Gaumont Film Company , construyendo los estudios Lime Grove en el oeste de Londres en 1915, el primer edificio construido en Gran Bretaña exclusivamente para la producción cinematográfica. También en 1898, Cecil Hepworth fundó los estudios Hepworth en Lambeth , al sur de Londres ; los Bamforth comenzaron a producir películas en Yorkshire , y William Haggar comenzó a producir películas en Gales .

Dirigida por Walter R. Booth en 1901, Scrooge, o el fantasma de Marley es la primera adaptación cinematográfica de la novela navideña de Charles Dickens, Cuento de Navidad . ^{[ 28 ]} La mano del artista (1906) de Booth ha sido descrita como la primera película de animación británica. ^{[ 29 ] [ 30 ]}

En 1902, Will Barker fundó los estudios Ealing . Se ha convertido en el estudio cinematográfico en funcionamiento continuo más antiguo del mundo.

En 1902 se realizó la primera película en color del mundo, que capturaba eventos cotidianos. En 2012, el Museo Nacional de Ciencia y Medios de Comunicación de Bradford la encontró tras haber permanecido olvidada en una vieja lata durante 110 años. Se creía que la película en color más antigua, que utilizaba el proceso Kinemacolor de Urban, de menor calidad , databa de 1909. Las películas redescubiertas fueron realizadas por el pionero Edward Raymond Turner, de Londres, quien patentó su proceso el 22 de marzo de 1899. ^{[ 31 ]}

En 1909, Urban fundó la Natural Color Kinematograph Company , que produjo las primeras películas en color utilizando su proceso patentado Kinemacolor. Posteriormente, Greene impugnó esta patente en los tribunales, lo que provocó el cierre de la empresa en 1914. ^{[ 32 ]}

En 1903, Cecil Hepworth y Percy Stow dirigieron Alicia en el país de las maravillas , la primera adaptación cinematográfica del libro infantil de Lewis Carroll Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas . ^{[ 33 ]} También en 1903, Frank Mottershaw de Sheffield produjo la película Un audaz robo a plena luz del día , que dio origen al género de persecución.

En 1911, se fundó en Soho, Londres , la Ideal Film Company , que para 1934 distribuía casi 400 películas y producía 80.

En 1913, el director teatral Maurice Elvey comenzó a dirigir películas británicas, convirtiéndose en el director de cine más prolífico de Gran Bretaña, con casi 200 películas en 1957.

En 1914 se fundaron los estudios Elstree , que fueron adquiridos en 1928 por el alemán Ludwig Blattner , quien inventó un sistema de grabación en cinta magnética de acero que fue adoptado por la BBC en 1930.

En 1915, se fundó la Kinematograph Renters' Society of Great Britain and Ireland para representar a las distribuidoras de películas . Es la organización comercial cinematográfica más antigua del mundo. Se la conocía como la Society of Film Distributors hasta que cambió su nombre nuevamente a Film Distributors' Association (FDA). ^{[ 34 ]}

Durante la pandemia de gripe española de 1918-1920 , el cine se consideró una forma de mitigar la enfermedad, lo que llevó a muchos profesionales de la salud a verlo como una de las principales vías de propagación de la gripe, debido a la falta de ventilación en las salas de cine. Se produjo un clamor para que se cerraran los cines y se impusieron restricciones desiguales y localizadas, centradas principalmente en niños y militares, incluyendo la prohibición total de su entrada al teatro o la exigencia de un descanso de 2,5 horas diarias. ^{[ 35 ]}

En 1920, Gaumont inauguró los estudios Islington , donde Alfred Hitchcock dio sus primeros pasos, y los vendió a Gainsborough Pictures en 1927. También en 1920, Sir Oswald Stoll fundó los estudios Cricklewood , que se convirtieron en el estudio cinematográfico más grande de Gran Bretaña, conocido por las series de películas de Fu Manchu y Sherlock Holmes .

En 1920, la efímera compañía Minerva Films fue fundada en Londres por el actor Leslie Howard (también productor y director) y su amigo y editor de guiones Adrian Brunel . Algunas de sus primeras películas incluyen cuatro escritas por AA Milne , entre ellas The Bump , protagonizada por C. Aubrey Smith ; Twice Two ; Five Pound Reward ; y Bookworms . ^{[ 36 ]}

A mediados de la década de 1920, la industria cinematográfica británica estaba perdiendo terreno frente a la fuerte competencia de Estados Unidos, favorecida por su mercado interno mucho mayor: en 1914, el 25 % de las películas exhibidas en el Reino Unido eran británicas, pero en 1926 esta cifra había caído al 5 %. ^{[ 37 ]} Una recesión en 1924 provocó el cierre de muchos estudios cinematográficos británicos, lo que llevó a la aprobación de la Ley de Películas Cinematográficas de 1927 para impulsar la producción local, exigiendo que los cines exhibieran un cierto porcentaje de películas británicas. La ley fue técnicamente un éxito, ya que la audiencia de las películas británicas superó la cuota requerida, pero tuvo el efecto de crear un mercado para películas de baja calidad y bajo costo, realizadas para cumplir con la cuota. Los "cortos de cuota", como se les conoció, suelen ser señalados por los historiadores como responsables de frenar el desarrollo de la industria. Sin embargo, algunos cineastas británicos, como Michael Powell , aprendieron su oficio realizando este tipo de películas. La ley fue modificada con la Ley de Películas Cinematográficas de 1938, que ayudó a la industria cinematográfica británica al especificar que solo las películas hechas y filmadas en Gran Bretaña se incluirían en la cuota, una ley que redujo severamente la producción cinematográfica canadiense y australiana.

La mayor estrella de la era del cine mudo, el comediante inglés Charlie Chaplin , residía en Hollywood . ^{[ 19 ]}

El abogado escocés John Maxwell fundó British International Pictures (BIP) en 1927. Con sede en los antiguos estudios de British National Pictures en Elstree, los propietarios originales de las instalaciones, incluido el productor y director Herbert Wilcox , habían tenido dificultades financieras. ^{[ 38 ]} Una de las primeras películas de la compañía, Blackmail (1929) de Alfred Hitchcock , a menudo se considera el primer largometraje sonoro británico. ^{[ 39 ] [ 40 ]} Era una película parcialmente hablada con una banda sonora y efectos de sonido sincronizados. A principios de 1929, se estrenó el primer largometraje británico totalmente sonoro, The Clue of the New Pin . Estaba basado en una novela de Edgar Wallace , protagonizado por Donald Calthrop, Benita Home y Fred Raines, que fue producido por British Lion en sus estudios Beaconsfield . La BIP de John Maxwell se convirtió en la Associated British Picture Corporation (ABPC) en 1933. ^{[ 41 ]} Los estudios de ABPC en Elstree llegaron a ser conocidos como la "fábrica de gachas", según Lou Alexander, "por razones más relacionadas con la cantidad de películas que producía la compañía que con su calidad". ^{[ 42 ]} Elstree (estrictamente hablando, casi todos los estudios estaban en la vecina Borehamwood ) se convirtió en el centro de la industria cinematográfica británica, con seis complejos cinematográficos a lo largo de los años, todos muy cerca unos de otros. ^{[ 43 ]}

En 1927, las mayores cadenas de cines del Reino Unido contaban con alrededor de 20 salas, pero al año siguiente Gaumont-British se expandió significativamente hasta convertirse en la más grande, controlando 180 cines en 1928 y hasta 300 en 1929. Maxwell fundó ABC Cinemas en 1927, que se convirtió en filial de BIP y llegó a ser una de las más grandes del país, junto con Odeon Cinemas , fundada por Oscar Deutsch , quien abrió su primer cine en 1928. En 1937, estas tres cadenas controlaban casi una cuarta parte de todos los cines del país. La distribución de una de estas cadenas era indispensable para el éxito de cualquier película británica. ^{[ 37 ]}

Con la llegada del cine sonoro, muchos actores extranjeros tuvieron menos demanda, y se solía utilizar la pronunciación estándar del inglés; por ejemplo, la voz de la actriz checa Anny Ondra en Blackmail fue sustituida por la de Joan Barry fuera de cámara durante las escenas de Ondra.

A partir de Drifters de John Grierson (también de 1929), este período vio el surgimiento de la escuela del movimiento del cine documental realista , asociado desde 1933 con la GPO Film Unit . Fue Grierson quien acuñó el término " documental " para describir una película de no ficción, y produjo una de las primeras películas más célebres del movimiento, Night Mail (1936), escrita y dirigida por Basil Wright y Harry Watt , que incorporaba el poema de W. H. Auden hacia el final del cortometraje.

Los teatros de variedades también influyeron en las películas de comedia de este período, y surgieron varias personalidades populares, como George Formby , Gracie Fields , Jessie Matthews y Will Hay . Estas estrellas solían rodar varias películas al año, y sus producciones siguieron siendo importantes para levantar la moral durante la Segunda Guerra Mundial .

Muchas de las películas británicas con mayores presupuestos durante la década de 1930 fueron producidas por London Films , fundada por el emigrante húngaro Alexander Korda . El éxito de La vida privada de Enrique VIII (1933), realizada en los estudios British and Dominions Elstree , persuadió a United Artists y The Prudential a invertir en los estudios Denham Film de Korda , que abrieron en mayo de 1936, pero ambos inversores sufrieron pérdidas como resultado. ^{[ 44 ]} Las películas de Korda antes de la guerra incluyeron Things to Come , Rembrandt (ambas de 1936) y Knight Without Armour (1937), así como las primeras películas en Technicolor The Drum (1938) y The Four Feathers (1939). Estas siguieron de cerca a Wings of the Morning (1937), el primer largometraje británico en Technicolor de tres tiras, realizado por la filial local de 20th Century Fox . Aunque algunas de las películas de Korda se entregaban a una "exaltación incesante de la bandera pro-Imperio", aquellas protagonizadas por Sabu lo convirtieron en "una gran estrella internacional"; ^{[ 45 ]} "durante muchos años" tuvo el perfil más alto de cualquier actor de origen indio. ^{[ 46 ]} Paul Robeson también fue elegido para papeles protagónicos cuando "apenas había oportunidades" para que los afroamericanos "interpretaran papeles desafiantes" en las producciones de su propio país. ^{[ 47 ]}

En 1933, se estableció el British Film Institute como la principal organización para el cine en el Reino Unido. ^{[ 48 ]} Crearon la Biblioteca Nacional de Cine en 1935 (ahora conocida como el Archivo Nacional del BFI), con Ernest Lindgren como su curador.

En 1934, J. Arthur Rank se convirtió en cofundador de British National Films Company y juntos ayudaron a crear Pinewood Studios , que abrió sus puertas en 1936. También en 1936, Rank se hizo cargo de General Film Distributors y, en 1937, fundó The Rank Organisation . En 1938, General Film Distributors se afilió a Odeon Cinemas.

El aumento del gasto y las expectativas demasiado optimistas de expansión en el mercado estadounidense provocaron una crisis financiera en 1937, ^{[ 49 ]} después de que se estrenaran un récord histórico de 192 películas en 1936. De las 640 compañías de producción británicas registradas entre 1925 y 1936, solo 20 seguían activas en 1937. Además, la Ley de Películas Cinematográficas de 1927 estaba a punto de renovarse. La Ley de Películas Cinematográficas de 1938, que la reemplazó, proporcionó incentivos, a través de una " prueba de calidad ", para que las compañías del Reino Unido produjeran menos películas, pero de mayor calidad, y para eliminar las "películas rápidas de cuota". Influenciada por la política mundial, fomentó la inversión y las importaciones estadounidenses. Un resultado fue la creación de MGM-British , una filial inglesa del mayor estudio estadounidense, que produjo cuatro películas antes de la guerra, incluyendo Goodbye, Mr. Chips (1939).

La nueva empresa se estableció inicialmente en los estudios Denham. El propio Korda perdió el control de las instalaciones en 1939 a manos de la Rank Organisation. ^{[ 50 ]} Las circunstancias obligaron a que El ladrón de Bagdad (1940), una espectacular película de fantasía de Korda , se completara en California, donde Korda continuó su carrera cinematográfica durante la guerra.

Para entonces, Alfred Hitchcock, que ya tenía contrato con Gaumont British, se había decantado por el género del thriller a mediados de la década de 1930 con El hombre que sabía demasiado (1934), Los 39 escalones (1935) y La dama desaparece (1938). Aclamado en Gran Bretaña, donde la revista Picturegoer lo apodó "Alfred el Grande" , la reputación de Hitchcock comenzaba a desarrollarse en el extranjero, y un columnista del New York Times afirmó: "Tres instituciones únicas y valiosas que los británicos tienen y que nosotros en Estados Unidos no tenemos. La Carta Magna , el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mejor director de melodramas cinematográficos del mundo". ^{[ 51 ]} Hitchcock firmó entonces un contrato de siete años con Selznick y se trasladó a Hollywood .

Publicada en The Times el 5 de septiembre de 1939, dos días después de que Gran Bretaña declarara la guerra a Alemania, la carta de George Bernard Shaw protestaba contra la orden gubernamental de cerrar todos los lugares de entretenimiento, incluidos los cines. «¿Qué agente del canciller Hitler ha sugerido que todos nos acobardemos en la oscuridad y el terror "durante el tiempo que dure la guerra"?». A las dos semanas de la orden, los cines de las provincias reabrieron, seguidos por los del centro de Londres en el plazo de un mes. ^{[ 52 ]} En 1940, la afluencia de público a los cines aumentó hasta superar los mil millones ese año, y siguió aumentando hasta superar los mil quinientos millones en 1943, 1944 y 1945. ^{[ 52 ]}

Humphrey Jennings comenzó su carrera como cineasta documental justo antes de la guerra, en algunos casos trabajando en colaboración con codirectores. London Can Take It (con Harry Wat , 1940) detalló el Blitz, mientras que Listen to Britain (con Stewart McAllister , 1942) analizó el frente interno. ^{[ 53 ]} La Crown Film Unit , ^{[ 53 ]} parte del Ministerio de Información asumió las responsabilidades de la GPO Film Unit en 1940. Paul Rotha y Alberto Cavalcanti fueron colegas de Jennings. Las películas británicas comenzaron a utilizar técnicas documentales; Cavalcanti se unió a Ealing para Went the Day Well? (1942),

Muchas otras películas contribuyeron a moldear la imagen popular de la nación en guerra. Entre las más conocidas se encuentran In Which We Serve (1942), We Dive at Dawn (1943), Millions Like Us (1943) y The Way Ahead (1944). Durante los años de la guerra también surgió la colaboración entre el director Michael Powell y el guionista y productor de origen húngaro Emeric Pressburger, conocidos como The Archers , con películas como The Life and Death of Colonel Blimp (1943) y A Canterbury Tale (1944).

Two Cities Films , una productora independiente que distribuía sus películas a través de una filial de Rank, también realizó importantes filmes, como las colaboraciones de Noël Coward y David Lean, This Happy Breed (1944) y Blithe Spirit (1945), así como Enrique V (1944) de Laurence Olivier . Por aquel entonces, Gainsborough Studios estrenaba su serie de melodramas de época, duramente criticados pero de gran popularidad, entre los que destacan El hombre de gris (1943) y La malvada dama (1945). Nuevas estrellas, como Margaret Lockwood y James Mason , surgieron en las películas de Gainsborough.

Hacia finales de la década de 1940, la Rank Organisation se convirtió en la fuerza dominante de la industria cinematográfica británica, tras adquirir varios estudios británicos y la cadena Gaumont (en 1941) para añadirlos a sus cines Odeon. La grave crisis financiera de Rank en 1949, con importantes pérdidas y deudas, provocó la contracción de su producción cinematográfica. ^{[ 54 ]} En la práctica, Rank mantuvo un duopolio en la industria con ABPC (posteriormente absorbida por EMI) durante muchos años.

Por el momento, la industria alcanzó nuevas cotas de creatividad en los años inmediatamente posteriores a la guerra. Entre las películas más significativas producidas durante este período se encuentran Breve encuentro (1945) de David Lean y sus adaptaciones de Dickens Grandes esperanzas (1946) y Oliver Twist (1948), la comedia Miranda (1948) de Ken Annakin protagonizada por Glynis Johns , los thrillers de Carol Reed Odd Man Out (1947) y El tercer hombre (1949), y A Matter of Life and Death (1946), Narciso negro (1947) y Las zapatillas rojas (1948) de Powell y Pressburger , la película más exitosa comercialmente de su año en Estados Unidos. Hamlet de Laurence Olivier (también de 1948), fue la primera película no estadounidense en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película . Los estudios Ealing (financiados por Rank) comenzaron a producir sus comedias más célebres, y tres de las películas más recordadas, Whisky Galore (1948), Kind Hearts and Coronets y Passport to Pimlico (ambas de 1949), se estrenaron casi simultáneamente. Su película de terror colectiva Dead of Night (1945) también goza de gran prestigio.

En virtud de la Ley de Derechos de Importación de 1932 , el Tesoro de Su Majestad impuso un arancel del 75 % a todas las importaciones de películas el 6 de agosto de 1947, conocido como Impuesto Dalton (en honor a Hugh Dalton, entonces Ministro de Hacienda ). El impuesto entró en vigor el 8 de agosto y se aplicó a todas las películas importadas, la gran mayoría procedentes de Estados Unidos; los ingresos de los estudios cinematográficos estadounidenses procedentes del Reino Unido superaron los 68 millones de dólares estadounidenses en 1946. Al día siguiente, 9 de agosto, la Motion Picture Association of America anunció que no se suministrarían más películas a los cines británicos hasta nuevo aviso. El Impuesto Dalton finalizó el 3 de mayo de 1948, y los estudios estadounidenses volvieron a exportar películas al Reino Unido, a pesar de que el Plan Marshall prohibía a las compañías cinematográficas estadounidenses extraer divisas de los países donde se proyectaban sus películas. ^{[ 55 ]}

Tras la aprobación de la Ley de Préstamos Especiales para la Producción Cinematográfica de 1949, se creó la National Film Finance Corporation (NFFC) como agencia británica de financiación cinematográfica.

El Impuesto Eady , que lleva el nombre de Sir Wilfred Eady, era un impuesto sobre la recaudación de taquilla en el Reino Unido para apoyar a la industria cinematográfica británica. Se estableció en 1950 y entró en vigor en 1957. Un pago directo del gobierno a los productores británicos habría calificado como subvención según el Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio (GATT) , lo que habría provocado objeciones por parte de los productores estadounidenses . Un impuesto indirecto no calificaba como subvención, por lo que resultó una forma adecuada de proporcionar financiación adicional a la industria cinematográfica del Reino Unido, evitando al mismo tiempo las críticas internacionales.

En 1951, el Teatro Nacional de Cine abrió sus puertas inicialmente en un edificio provisional durante el Festival de Gran Bretaña . Se trasladó a su ubicación actual en South Bank , Londres, para el primer Festival de Cine de Londres, celebrado el 16 de octubre de 1957 y organizado por el BFI. ^{[ 56 ]}

Durante la década de 1950, la industria cinematográfica británica comenzó a centrarse en comedias populares y dramas sobre la Segunda Guerra Mundial dirigidos principalmente al público nacional. Las películas bélicas a menudo se basaban en historias reales y se rodaban con un estilo similar al de sus predecesoras de la época. Contribuyeron a lanzar al estrellato a actores como John Mills , Jack Hawkins y Kenneth More . Algunas de las más exitosas fueron El mar cruel (1953), Los destructores de presas (1954), La historia de Colditz (1955) y Alcanzando el cielo (1956).

La Rank Organisation produjo algunos éxitos de comedia, como Genevieve (1953). El equipo de guionistas, directores y productores formado por los hermanos gemelos John y Roy Boulting también produjo una serie de exitosas sátiras sobre la vida y las instituciones británicas, comenzando con Private's Progress (1956) y continuando con (entre otras) Brothers in Law (1957), Carlton-Browne of the FO (1958) y I'm All Right Jack (1959). El British Film Institute consideró que Terry-Thomas, protagonista de School for Scoundrels (1960), era "sobresaliente como un pícaro británico clásico ". ^{[ 57 ]}

Entre las series de comedia populares se encontraba la serie "Doctor", que comenzó con Doctor in the House (1954). La serie originalmente estaba protagonizada por Dirk Bogarde , probablemente la estrella más popular de la industria británica de la década de 1950, aunque películas posteriores tuvieron a Michael Craig y Leslie Phillips en papeles protagónicos. La serie Carry On comenzó en 1958 con entregas regulares que aparecieron durante los siguientes veinte años. El director y productor italiano Mario Zampi también realizó varias comedias negras exitosas , incluyendo Laughter in Paradise (1951), The Naked Truth (1957) y Too Many Crooks (1958). Ealing Studios había continuado su racha de comedias exitosas, incluyendo The Lavender Hill Mob (1951) y The Ladykillers (1955), pero la compañía cesó la producción en 1958, después de que los estudios ya habían sido comprados por la BBC .

La menor restricción de la censura hacia finales de la década de 1950 animó a la productora Hammer Films a embarcarse en su serie de películas de terror de gran éxito comercial. Comenzando con adaptaciones de las series de ciencia ficción de la BBC de Nigel Kneale , The Quatermass Experiment (1955) y Quatermass II (1957), Hammer pasó rápidamente a The Curse of Frankenstein (1957) y Dracula (1958), ambas engañosamente suntuosas y las primeras películas de terror gótico en color. El estudio produjo numerosas secuelas y variantes, con los actores ingleses Peter Cushing y Christopher Lee como protagonistas habituales. Peeping Tom (1960), un thriller con elementos de terror, ambientado en la época contemporánea y ahora muy aclamado, fue mal recibido por la crítica en su momento y prácticamente puso fin a la carrera de su director, Michael Powell.

Los cineastas de la Nueva Ola británica intentaron producir películas de realismo social (véase también « realismo de la vida cotidiana ») en largometrajes comerciales estrenados entre 1959 y 1963, con el objetivo de transmitir narrativas sobre un espectro más amplio de personas en Gran Bretaña que el que habían logrado las películas anteriores del país. Estos individuos, principalmente Karel Reisz , Lindsay Anderson y Tony Richardson , también participaron en la efímera revista de cine de Oxford, Sequence , y en el movimiento de cine documental « Free Cinema ». La declaración de 1956 de Free Cinema, nombre acuñado por Anderson, afirmaba: «Ninguna película puede ser demasiado personal. La imagen habla. El sonido amplifica y comenta. El tamaño es irrelevante. La perfección no es un objetivo. Una actitud significa un estilo. Un estilo significa una actitud». Anderson, en particular, era crítico con la industria cinematográfica comercial. Entre sus documentales se incluyen Every Day Except Christmas de Anderson , entre varios patrocinados por Ford de Gran Bretaña , y Momma Don't Allow de Richardson . Otro miembro de este grupo, John Schlesinger , realizó documentales para la serie de arte Monitor de la BBC .

Junto con el futuro coproductor de James Bond , Harry Saltzman , el dramaturgo John Osborne y Tony Richardson fundaron la compañía Woodfall Films para producir sus primeros largometrajes. Estos incluyeron adaptaciones de las producciones teatrales de Richardson de Look Back in Anger (1959), de Osborne, con Richard Burton , y The Entertainer (1960), con Laurence Olivier , ambas basadas en guiones del propio Osborne. Películas como Saturday Night and Sunday Morning (1960), de Reisz, A Taste of Honey (1961), de Richardson, A Kind of Loving (1962) y Billy Liar (1963), de Schlesinger, y This Sporting Life (1963), de Anderson, suelen asociarse con una nueva apertura sobre la vida de la clase trabajadora o temas que antes eran tabú.

El equipo de Basil Dearden y Michael Relph , de una generación anterior, "indagó en los problemas sociales que ahora afectaban la estabilidad social y el establecimiento del consenso prometido en tiempos de paz". ^{[ 58 ]} Pool of London (1950). ^{[ 59 ]} y Sapphire (1959) fueron los primeros intentos de crear narrativas sobre las tensiones raciales y una Gran Bretaña multicultural emergente. ^{[ 60 ]} Victim (1961), de Dearden y Relph , trataba sobre el chantaje a homosexuales. Influenciada por el informe Wolfenden de cuatro años antes, que abogaba por la despenalización de la actividad sexual homosexual, esta fue "la primera película británica en tratar explícitamente la homosexualidad". ^{[ 61 ]} Sin embargo, a diferencia de los cineastas de la Nueva Ola, las respuestas críticas al trabajo de Dearden y Relph no han sido generalmente positivas. ^{[ 58 ] [ 62 ]}

A medida que avanzaban los años sesenta, los estudios estadounidenses volvieron a financiar películas británicas, especialmente aquellas que aprovechaban la imagen del " Londres de los años sesenta " difundida por la revista Time en 1966. Películas como Darling , The Knack... y How to Get It (ambas de 1965), Alfie y Georgy Girl (ambas de 1966) exploraron este fenómeno. Blowup (también de 1966) y, posteriormente , Women in Love (1969) mostraron por primera vez desnudos frontales femeninos y luego masculinos en el cine británico comercial.

Al mismo tiempo, los productores de cine Harry Saltzman y Albert R. Broccoli combinaron sexo con lugares exóticos, violencia casual y humor autorreferencial en la exitosa saga de James Bond, protagonizada por Sean Connery . La primera película, Dr. No (1962), fue un éxito inesperado en el Reino Unido, y la segunda, Desde Rusia con amor (1963), un éxito mundial. Para cuando se estrenó la tercera película, Goldfinger (1964), la saga se había convertido en un fenómeno global, alcanzando su punto álgido comercial con Operación Trueno al año siguiente. El éxito de la saga dio lugar a un auge de películas de espías con numerosas imitaciones de Bond. El coproductor de Bond, Saltzman, también impulsó una serie rival de películas de espías más realistas basadas en las novelas de Len Deighton . Michael Caine protagonizó El archivo Ipcress (1965) como el espía con gafas Harry Palmer , y dos secuelas en los años siguientes. Otras películas de espionaje con un tono más sombrío fueron adaptadas de novelas de John le Carré , como El espía que surgió del frío (1965) y El romance mortal (1966).

Directores estadounidenses trabajaron regularmente en Londres durante toda la década, pero varios se establecieron permanentemente en el Reino Unido. Vetado en Estados Unidos, Joseph Losey tuvo una influencia significativa en el cine británico de los años sesenta, especialmente con sus colaboraciones con el dramaturgo Harold Pinter y el actor principal Dirk Bogarde , incluyendo El sirviente (1963) y Accidente (1967). Los exiliados voluntarios Richard Lester y Stanley Kubrick también estuvieron activos en el Reino Unido. Lester tuvo grandes éxitos con la película de los Beatles La noche de los duros (1964) y El truco... y cómo conseguirlo (1965), y Kubrick con Dr. Strangelove (1963) y 2001: Una odisea del espacio (1968). Si bien Kubrick se estableció en Hertfordshire a principios de los sesenta y permaneció en Inglaterra el resto de su carrera, estas dos películas conservaron una fuerte influencia estadounidense. Otras películas de esta época contaron con la participación de cineastas destacados de otras partes de Europa; Repulsion (1965) y Blowup (1966) fueron las primeras películas en inglés del director polaco Roman Polanski y del italiano Michelangelo Antonioni , respectivamente.

Películas históricas tan diversas como Lawrence de Arabia (1962), Tom Jones (1963) y Un hombre para la eternidad (1966) se beneficiaron de la inversión de los estudios estadounidenses. Grandes producciones como Becket (1964), Jartum (1966) y La carga de la Brigada Ligera (1968) se proyectaban con regularidad, mientras que películas de menor presupuesto, como Accidente (1967), cosecharon un gran éxito de crítica. Cuatro de las películas ganadoras del Óscar a la mejor película de la década fueron producciones británicas, incluyendo seis Óscar para el musical Oliver! (1968), basado en la novela Oliver Twist de Charles Dickens .

Tras dirigir varios episodios de la serie antológica Wednesday Play de la BBC, Ken Loach inició su carrera cinematográfica con los documentales de realismo social Poor Cow (1967) y Kes (1969). Mientras tanto, la controversia en torno a The War Game (1965) de Peter Watkins , que ganó el Óscar al Mejor Documental en 1967, pero que había sido censurada por la BBC, la cadena que la había encargado, acabaría llevando a Watkins a trabajar exclusivamente fuera de Gran Bretaña.

Los estudios estadounidenses redujeron su inversión en producciones británicas y, en muchos casos, dejaron de financiarlas por completo. Si bien se siguieron produciendo películas financiadas por intereses estadounidenses, como La vida privada de Sherlock Holmes (1970) de Billy Wilder , durante un tiempo la obtención de fondos se volvió difícil.

La mayor relajación de la censura también trajo consigo varias películas controvertidas, entre ellas Performance de Nicolas Roeg y Donald Cammell , The Devils (1971) de Ken Russell , Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah y A Clockwork Orange (1971) de Stanley Kubrick , protagonizada por Malcolm McDowell como el líder de una banda de matones en una Gran Bretaña distópica del futuro. ^{[ 63 ]}

Otras películas de principios de los años 70 incluyeron el drama eduardiano El mensajero (1971), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes , el thriller sobrenatural ambientado en Venecia de Nicolas Roeg No mires ahora (1973) y el drama de gánsteres de Mike Hodges Get Carter (1971) protagonizado por Michael Caine . Alfred Hitchcock regresó a Gran Bretaña para rodar Frenesí (1972). Otras producciones como El joven Winston (1972) de Richard Attenborough y Un puente demasiado lejos (1977) tuvieron un éxito comercial desigual. El ciclo de películas de terror británicas asociado con Hammer Film Productions, Amicus y Tigon llegó a su fin, a pesar de los intentos de Hammer por darle un toque picante a la fórmula con desnudos y escenas sangrientas adicionales. Aunque se hicieron algunos intentos por ampliar la oferta de películas de terror británicas, como con The Wicker Man (1973), estas películas tuvieron escaso éxito en taquilla. En 1976, British Lion, productora de The Wicker Man , fue finalmente absorbida por la división cinematográfica de EMI , que había adquirido ABPC en 1969. El duopolio en la exhibición cinematográfica británica, a través de Rank y ahora EMI, continuó.

A principios de la década de 1970, el gobierno redujo su financiación a la National Film Finance Corporation, por lo que la NFFC comenzó a operar como un consorcio, incluso con bancos, lo que la llevó a utilizar criterios más comerciales para financiar películas británicas en lugar de centrarse en la calidad o el nuevo talento, pasando a financiar películas basadas en programas de televisión como Up Pompeii (1971). ^{[ 64 ]}

Algunos otros productores británicos, incluido Hammer, recurrieron a la televisión en busca de inspiración, y las versiones cinematográficas de populares comedias de situación como On the Buses (1971) y Steptoe and Son (1972) tuvieron éxito entre el público británico; la primera obtuvo mayores ingresos en taquilla en su año que la película de Bond, Diamonds Are Forever , y en 1973, el consagrado actor británico Roger Moore fue elegido para interpretar a Bond en Live and Let Die , que fue un éxito comercial y Moore continuaría en el papel durante los siguientes 12 años. Entre las comedias sexuales británicas de bajo presupuesto se encontraba la serie Confessions of  ... protagonizada por Robin Askwith , que comenzó con Confessions of a Window Cleaner (1974). Las películas de comedia más sofisticadas surgieron del equipo de Monty Python , también de la televisión. Sus dos películas más exitosas fueron Monty Python and the Holy Grail (1975) y Monty Python's Life of Brian (1979), esta última un gran éxito comercial, probablemente al menos en parte debido a la controversia que rodeaba su temática en aquel momento.

Algunas producciones estadounidenses regresaron a los principales estudios británicos entre 1977 y 1979, incluyendo la película original de Star Wars (1977) en los estudios Elstree , Superman (1978) en Pinewood y Alien (1979) en Shepperton . En esa década se realizaron adaptaciones exitosas de las novelas de Agatha Christie, como Asesinato en el Orient Express (1974) y Muerte en el Nilo (1978). La entrada de la compañía ITC de Lew Grade en la producción cinematográfica durante la segunda mitad de la década solo trajo consigo algunos éxitos de taquilla y un número insostenible de fracasos.

En 1980, solo se produjeron 31 películas británicas, ^{[ 7 ]} una disminución del 50% con respecto al año anterior y la cifra más baja desde 1914, y la producción volvió a caer en 1981 a 24 películas. ^{[ 7 ]} La ​​industria sufrió nuevos golpes debido a la caída de la asistencia a los cines, que alcanzó un mínimo histórico de 54 millones en 1984, y a la eliminación del Impuesto Eady de 1957 , una concesión fiscal, ese mismo año. Esta concesión había permitido a una productora cinematográfica extranjera deducir una gran parte de sus costes de producción filmando en el Reino Unido; esto fue lo que atrajo a una sucesión de producciones estadounidenses de gran presupuesto a los estudios británicos en la década de 1970. Estos factores llevaron a cambios significativos en la industria, y la rentabilidad de las películas británicas pasó a depender cada vez más de mercados secundarios como el vídeo y la televisión, y Channel 4 se convirtió en una parte crucial de la ecuación de financiación. ^{[ 65 ]} 

Con la eliminación del impuesto, se introdujeron los cines multisala en el Reino Unido con la apertura de un cine de diez pantallas por parte de AMC Cinemas en The Point en Milton Keynes en 1985 y el número de pantallas en el Reino Unido aumentó en alrededor de 500 durante la década, lo que llevó a un aumento de la asistencia a casi 100 millones al final de la década. ^{[ 66 ] [ 67 ]}

En la década de 1980 pronto resurgió un optimismo renovado, impulsado por pequeñas productoras independientes como Goldcrest , HandMade Films y Merchant Ivory Productions .

Handmade Films, propiedad en parte de George Harrison , se formó originalmente para hacerse cargo de la producción de La vida de Brian de Monty Python , después de que Bernard Delfont de EMI (hermano de Lew Grade) se retirara. Handmade también compró y estrenó el drama de gánsteres El largo viernes bueno (1980), producido por una filial de Lew Grade, después de que sus patrocinadores originales se volvieran cautelosos. Miembros del equipo de Python participaron en otras comedias durante la década, incluyendo las películas de fantasía de Terry Gilliam Time Bandits (1981) y Brazil (1985), la comedia negra Withnail & I (1987) y el éxito de John Cleese Un pez llamado Wanda (1988), mientras que Michael Palin protagonizó A Private Function (1984), basada en el primer guion de Alan Bennett para la pantalla grande. ^{[ 68 ]}

El productor de Goldcrest, David Puttnam, ha sido descrito como "lo más parecido a un magnate que el cine británico ha tenido en el último cuarto del siglo XX". ^{[ 69 ]} Bajo la dirección de Puttnam, surgió una generación de directores británicos que realizaron películas populares con distribución internacional. Algunos de los talentos respaldados por Puttnam — Hugh Hudson , Ridley Scott , Alan Parker y Adrian Lyne — habían filmado comerciales; el propio Puttnam había comenzado su carrera en la industria publicitaria. Cuando Carros de fuego (1981) de Hudson ganó 4 premios Óscar en 1982, incluyendo el de Mejor Película, su guionista Colin Welland declaró "¡los británicos están llegando!". ^{[ 70 ]} Cuando Gandhi (1982), otra película de Goldcrest, obtuvo un Óscar a la Mejor Película, parecía que tenía razón.

Esto dio lugar a un ciclo de películas de época, algunas con un gran presupuesto para una película británica, como la última película de David Lean , Un pasaje a la India (1984), junto con las adaptaciones de menor presupuesto de Merchant Ivory de las obras de E. M. Forster , como Una habitación con vistas (1986). Pero los intentos posteriores de hacer grandes producciones para el mercado estadounidense terminaron en fracaso, y Goldcrest perdió su independencia después de que Revolution (1985) y Absolute Beginners (1986) fueran fracasos comerciales y de crítica. Otra película de Goldcrest, La misión de Roland Joffé (también de 1986), ganó la Palma de Oro de 1986 , pero tampoco obtuvo beneficios. La anterior película de Joffé, Los gritos del silencio (1984), había sido un éxito tanto de crítica como de taquilla. Estas fueron las dos primeras películas de Joffé y se encontraban entre las producidas por Puttnam.

Principalmente fuera del sector comercial, los cineastas de los nuevos países de la Commonwealth comenzaron a surgir durante la década de 1970. Pressure (1975) de Horace Ové fue financiada por el British Film Institute, al igual que A Private Enterprise (1974), siendo estas las primeras películas británicas de directores negros y asiáticos , respectivamente. Sin embargo, la década de 1980 vio una ola de nuevos talentos, con películas como Babylon (1980) de Franco Rosso , Burning an Illusion (1981) de Menelik Shabazz y Ping Pong (1986) de Po-Chih Leong (una de las primeras películas sobre la comunidad china en Gran Bretaña). Muchas de estas películas recibieron apoyo del recién creado Channel 4 , que tenía el mandato oficial de atender a las "audiencias minoritarias". El éxito comercial se logró por primera vez con My Beautiful Laundrette (1985). Abordando temas raciales y homosexuales, se desarrolló a partir del primer guion cinematográfico de Hanif Kureishi . Mi hermosa lavandería cuenta con Daniel Day-Lewis en un papel principal. Day-Lewis y otros jóvenes actores británicos que se estaban convirtiendo en estrellas, como Gary Oldman , Colin Firth , Tim Roth y Rupert Everett , fueron apodados el "Brit Pack" . ^{[ 71 ]}

Con la participación de Channel 4 en la producción cinematográfica, talentos de la televisión se adentraron en el cine con Stephen Frears ( My Beautiful Laundrette ) y Mike Newell con Dance with a Stranger (1985). John Boorman , que había estado trabajando en Estados Unidos, fue animado a regresar al Reino Unido para rodar Hope and Glory (1987). Channel Four también se convirtió en uno de los principales patrocinadores del Consejo de Producción del British Film Institute, que apoyó a tres de los cineastas británicos más aclamados por la crítica: Derek Jarman ( The Last of England , 1987), Terence Davies ( Distant Voices, Still Lives , 1988) y Peter Greenaway ; este último obtuvo un sorprendente éxito comercial con The Draughtsman's Contract (1982) y The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989). La compañía de Stephen Woolley , Palace Pictures, también produjo algunas películas exitosas, como The Company of Wolves (1984) y Mona Lisa (1986) de Neil Jordan , antes de colapsar tras una serie de películas sin éxito. Entre las otras películas británicas de la década se encuentran Gregory's Girl (1981) y Local Hero (1983) de Bill Forsyth , Educating Rita (1983) de Lewis Gilbert , The Dresser (1983) de Peter Yates y el debut como director de Kenneth Branagh , Henry V (1989).

En comparación con la década de 1980, la inversión en producción cinematográfica aumentó drásticamente. En 1989, la inversión anual era de apenas 104 millones de libras esterlinas. Para 1996, esta cifra se había disparado a 741 millones de libras esterlinas. ^{[ 72 ]} Sin embargo, la dependencia de la financiación de emisoras de televisión como la BBC y Channel 4 significaba que los presupuestos solían ser bajos y la producción nacional estaba muy fragmentada: la industria cinematográfica dependía principalmente de la inversión extranjera de Hollywood. En una audiencia del comité parlamentario en 1994, los directores Alan Parker, Ken Loach y Mike Leigh criticaron la falta de apoyo del gobierno a la industria cinematográfica británica. ^{[ 73 ]} También pidieron un impuesto sobre las entradas de cine para apoyar la producción cinematográfica, junto con una cuota en los multicines para exhibir películas británicas y europeas. Según el crítico Neil Watson, se esperaba que los 90 millones de libras esterlinas asignados por la nueva Lotería Nacional a tres franquicias (The Film Consortium, Pathé Pictures y DNA) cubrieran el déficit, pero "la financiación corporativa y de capital para la industria de producción cinematográfica del Reino Unido sigue siendo escasa y la mayoría de las empresas productoras que operan en el sector siguen estando irremediablemente subcapitalizadas". ^{[ 74 ]}

Estos problemas fueron compensados ​​en gran medida por PolyGram Filmed Entertainment , un estudio cinematográfico cuya filial británica, Working Title Films, estrenó la comedia Cuatro bodas y un funeral (1994), con guion de Richard Curtis . Recaudó 244 millones de dólares en todo el mundo y catapultó a Hugh Grant a la fama mundial, generó un renovado interés e inversión en el cine británico y sentó un precedente para las comedias románticas ambientadas en Gran Bretaña, como Sliding Doors (1998) y Notting Hill (1999). Otras películas de Working Titles fueron Bean (1997), Elizabeth (1998) y La mandolina del capitán Corelli (2001). PFE finalmente se vendió y se fusionó con Universal Pictures en 1999, y las esperanzas y expectativas de "construir una compañía británica que pudiera competir con Hollywood en su mercado nacional [finalmente] se desvanecieron". ^{[ 75 ]}

Los incentivos fiscales permitieron a los productores estadounidenses invertir cada vez más en la producción cinematográfica británica durante la década de 1990, incluyendo películas como Entrevista con el vampiro (1994), Misión: Imposible (1996), Salvar al soldado Ryan (1998), Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma (1999) y La momia (1999). Miramax también distribuyó el aclamado thriller de Neil Jordan, Juego de lágrimas (1992), que pasó prácticamente desapercibido en su estreno en el Reino Unido, pero que tuvo un éxito considerable en Estados Unidos. La misma compañía también cosechó cierto éxito con el estreno del drama de época de la BBC Abril encantado (1992) y Las alas de la paloma (1997).

Entre las películas británicas más exitosas se encuentran las producciones de Merchant Ivory, Howards End (1992) y The Remains of the Day (1993), Shadowlands (1993) de Richard Attenborough y las adaptaciones de Shakespeare de Kenneth Branagh . The Madness of King George (1994) demostró que aún existía un mercado para los dramas de época británicos , y le siguieron otras películas de época, como Sense and Sensibility (1995), Restoration (1995), Emma (1996), Mrs. Brown (1997), Basil (1998), Shakespeare in Love (1998) y Topsy-Turvy (1999).

Tras una pausa de seis años por motivos legales, las películas de James Bond volvieron a la producción con la decimoséptima entrega, GoldenEye . Dado que su sede habitual, los estudios Pinewood, estaba completamente reservada, se creó un nuevo estudio para la película en una antigua fábrica de motores aeronáuticos de Rolls-Royce en Leavesden , Hertfordshire . ^{[ 76 ]}

Mike Leigh se consolidó como una figura importante del cine británico en la década de 1990, con una serie de películas financiadas por Channel 4 sobre la vida de la clase trabajadora y media en la Inglaterra moderna, entre las que se incluyen Life Is Sweet (1991), Naked (1993) y su mayor éxito Secrets & Lies (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes.

Entre los nuevos talentos que surgieron durante la década se encontraba el equipo de guionistas, directores y productores John Hodge , Danny Boyle y Andrew Macdonald, responsables de Shallow Grave (1994) y Trainspotting (1996). Esta última película despertó interés en otras producciones "regionales", como las escocesas Small Faces (1996), Ratcatcher (1999) y My Name Is Joe (1998).

La primera década del siglo XXI fue relativamente exitosa para la industria cinematográfica británica. Muchas películas británicas alcanzaron una amplia audiencia internacional gracias a la financiación de BBC Films, Film 4 y el UK Film Council, y algunas productoras independientes, como Working Title, consiguieron financiación y acuerdos de distribución con importantes estudios estadounidenses. Working Title cosechó tres grandes éxitos internacionales, todos protagonizados por Hugh Grant y Colin Firth: las comedias románticas Bridget Jones's Diary (2001), que recaudó 254 millones de dólares en todo el mundo; la secuela Bridget Jones: The Edge of Reason , que obtuvo 228 millones de dólares; y Love Actually (2003), el debut como director de Richard Curtis , que recaudó 239 millones de dólares. La más exitosa de todas, Mamma Mia! (2008), de Phyllida Lloyd , recaudó 601 millones de dólares.

La nueva década vio el estreno de una nueva e importante saga cinematográfica de Harry Potter, comenzando con Harry Potter y la piedra filosofal en 2001. La compañía de David Heyman , Heyday Films, ha producido siete secuelas, y el título final se estrenó en dos partes: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 1 en 2010 y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 en 2011. Todas se filmaron en los estudios Leavesden en Inglaterra. ^{[ 77 ]}

Nick Park , de Aardman Animations , creador de Wallace y Gromit y la serie Creature Comforts, produjo su primer largometraje, Chicken Run , en el año 2000. Codirigido con Peter Lord, el filme fue un gran éxito mundial y una de las películas británicas más taquilleras de ese año. Su siguiente película, Wallace y Gromit: La maldición del hombre lobo, fue otro éxito mundial: recaudó 56 millones de dólares en la taquilla estadounidense y 32 millones de libras esterlinas en el Reino Unido. Además, ganó el Premio Óscar a la Mejor Película de Animación en 2005.

Sin embargo, durante esa década, los directores y películas británicas solían ganar premios en los principales festivales internacionales a través de producciones de financiación nacional. En 2003, Michael Winterbottom ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín por En este mundo . En 2004, Mike Leigh dirigió Vera Drake , un relato sobre un ama de casa que lleva una doble vida como proveedora de abortos en el Londres de los años 50. La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 2006, Stephen Frears dirigió La reina, basada en los acontecimientos que rodearon la muerte de la princesa Diana, que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia y en los Premios Óscar, además del BAFTA a la Mejor Película. En 2006, Ken Loach ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su relato de la lucha por la independencia irlandesa en El viento que agita la cebada . La adaptación de Joe Wright de la novela Expiación de Ian McEwan fue nominada a 7 Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, y ganó el Globo de Oro y el BAFTA a la Mejor Película. Slumdog Millionaire se filmó íntegramente en Bombay con un reparto mayoritariamente indio, aunque con un director ( Danny Boyle ), productor ( Christian Colson ), guionista ( Simon Beaufoy ) y protagonista (Dev Patel) británicos; la película fue financiada en su totalidad por Film4 y Celador. Ha recibido elogios de la crítica en todo el mundo. Ha ganado cuatro Globos de Oro, siete premios BAFTA y ocho premios Óscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. El discurso del rey , que cuenta la historia de los intentos del rey Jorge VI por superar su impedimento del habla, fue dirigida por Tom Hooper y filmada casi en su totalidad en Londres. Recibió cuatro premios Óscar (incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Guion) en 2011.

A principios del siglo XXI, el cine británico asiático se consolidó en la taquilla, comenzando con East Is East (1999) y continuando con Bend It Like Beckham (2002). Otras películas británicas asiáticas destacadas de este período incluyen My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004) , Mischief Night (2006) , Yasmin (2004) y Four Lions (2010). Algunos argumentan que esto ha propiciado actitudes más flexibles a la hora de contratar actores británicos negros y asiáticos, con Robbie Gee y Naomie Harris protagonizando Underworld y 28 Days Later, respectivamente.

En 2005 surgió el Festival Británico de Cine Urbano , una oportuna incorporación al calendario de festivales de cine, que reconoció la influencia del cine urbano y negro en el público británico y, en consecuencia, comenzó a mostrar un perfil cada vez mayor de películas de un género que antes no se veía con regularidad en los cines de la capital. Luego, en 2006, Kidulthood , una película que retrata a un grupo de adolescentes que crecen en las calles del oeste de Londres, tuvo un estreno limitado. A esta le siguió con éxito una secuela, Adulthood (2008), escrita y dirigida por el actor Noel Clarke . El éxito de Kidulthood y Adulthood llevó al estreno de varias otras películas en las décadas de 2000 y 2010, como Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006), The Intent (2016), su secuela The Intent 2: The Come Up (2018), Blue Story y Rocks (ambas de 2019), todas protagonizadas por actores británicos negros.

Al igual que en la década de 1960, esta década vio muchas películas británicas dirigidas por talentos extranjeros. El estadounidense Woody Allen filmó Match Point (2005) ^{[ 78 ] [ 79 ]} y tres películas posteriores en Londres. El director mexicano Alfonso Cuarón dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) y Children of Men (2006); la cineasta neozelandesa Jane Campion hizo Bright Star (2009), una película ambientada en el Londres del siglo XIX; el director danés Nicolas Winding Refn hizo Bronson (2008), una película biográfica sobre el criminal inglés Michael Gordon Peterson ; el cineasta español Juan Carlos Fresnadillo dirigió 28 Weeks Later (2007), una secuela de una película de terror británica; y dos adaptaciones de John le Carré también fueron dirigidas por extranjeros: The Constant Gardener por el brasileño Fernando Meirelles y Tinker Tailor Soldier Spy por el sueco Tomas Alfredson . En esa década, el actor inglés Daniel Craig se convirtió en el nuevo James Bond con Casino Royale , la vigésimo primera entrega de la serie oficial de Eon Productions.

A pesar de la creciente competencia de los estudios cinematográficos de Australia y Europa del Este, los estudios británicos como Pinewood , Shepperton y Leavesden siguieron teniendo éxito al albergar grandes producciones, entre ellas Finding Neverland , Closer , Batman Begins , Charlie y la fábrica de chocolate , United 93 , El fantasma de la ópera , Sweeney Todd , Fantastic Mr. Fox , Robin Hood , X-Men: Primera generación , Hugo y War Horse .

En febrero de 2007, el Reino Unido se convirtió en el hogar de los primeros cines multiplex totalmente digitales de Europa que cumplían con la normativa DCI , con la inauguración de Odeon Hatfield y Odeon Surrey Quays (en Londres), con un total de 18 pantallas digitales.

En noviembre de 2010, Warner Bros. completó la adquisición de Leavesden Film Studios , convirtiéndose en el primer estudio de Hollywood desde la década de 1940 en tener una sede permanente en el Reino Unido, y anunció planes para invertir 100 millones de libras esterlinas en el sitio. ^{[ 80 ] [ 81 ]}

Un estudio del British Film Institute, publicado en diciembre de 2013, reveló que de las 613 películas británicas analizadas estrenadas entre 2003 y 2010, solo el 7% obtuvo beneficios. Las películas con presupuestos bajos, aquellas con un coste de producción inferior a 500.000 libras, tenían aún menos probabilidades de recuperar la inversión. De estas películas, solo el 3,1% obtuvo beneficios. En el extremo superior de los presupuestos de la industria británica, menos de una quinta parte de las películas que costaron 10 millones de libras obtuvieron beneficios. ^{[ 82 ]}

El 26 de julio de 2010 se anunció la disolución del UK Film Council, principal organismo responsable del desarrollo y la promoción del cine británico durante la década de 2000, y que muchas de sus funciones serían asumidas por el British Film Institute . Actores y profesionales, entre ellos James McAvoy , Emily Blunt , Pete Postlethwaite , Damian Lewis , Timothy Spall , Daniel Barber e Ian Holm , hicieron campaña contra la disolución del consejo. ^{[ 84 ] [ 85 ]} Esta medida también llevó al actor y director estadounidense Clint Eastwood (quien había filmado Hereafter en Londres) a escribir al Ministro de Hacienda británico , George Osborne, en agosto de 2010 para protestar por la decisión de cerrar el consejo. Eastwood advirtió a Osborne que el cierre podría resultar en una menor cantidad de productoras extranjeras que optaran por trabajar en el Reino Unido. ^{[ 86 ] [ 87 ]} Se lanzó una campaña en línea de base ^{[ 88 ]} y los partidarios del consejo establecieron una petición.

En respuesta a esto, algunos profesionales, entre ellos Michael Winner y Julian Fellowes , apoyaron la decisión del Gobierno. ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]} Varias otras organizaciones respondieron positivamente.

Al cierre del UK Film Council el 31 de marzo de 2011, The Guardian informó que "el presupuesto anual total del UKFC era de 3 millones de libras esterlinas, mientras que el costo de su cierre y reestructuración se estima en casi cuatro veces esa cantidad". ^{[ 92 ]} Se estima que una de las últimas películas del UKFC, El discurso del rey , costó 15 millones de dólares y recaudó 235 millones, además de ganar varios premios Óscar . El UKFC invirtió 1,6 millones de dólares por una participación del 34% en las ganancias netas, una valiosa participación que pasará al British Film Institute. ^{[ 93 ]}

En junio de 2012, Warner inauguró el estudio Leavesden remodelado. ^{[ 95 ]} Los directores británicos más exitosos comercialmente en los últimos años son Paul Greengrass , Mike Newell , Christopher Nolan , Ridley Scott y David Yates . ^{[ 96 ]}

En enero de 2012, durante una visita a los estudios Pinewood para conocer empresas relacionadas con el cine, el primer ministro británico David Cameron declaró que su gobierno tenía grandes ambiciones para la industria cinematográfica: «Nuestro papel, y el del BFI, debe ser apoyar al sector para que sea aún más dinámico y emprendedor, ayudando a los productores británicos a realizar películas de éxito comercial que rivalicen en calidad e impacto con las mejores producciones internacionales. Del mismo modo que la British Film Commission ha desempeñado un papel crucial a la hora de atraer a los estudios internacionales más importantes para que produzcan sus películas aquí, debemos incentivar a los productores británicos a que busquen nuevos mercados tanto en el Reino Unido como en el extranjero». ^{[ 97 ]}

La industria cinematográfica sigue siendo una importante fuente de ingresos para la economía británica. Según un comunicado de prensa del Consejo Cinematográfico del Reino Unido del 20 de enero de 2011, se invirtieron 1.115 millones de libras esterlinas en la producción cinematográfica británica durante 2010. Una encuesta de 2014 sugirió que las películas británicas, en general, gozaban de mejores críticas que las producciones de Hollywood, especialmente si se consideran las producciones británicas de bajo presupuesto.

En noviembre de 2022, el director Danny Boyle expresó un sentimiento negativo hacia la industria cinematográfica británica en los últimos años, afirmando que "Para ser honesto, no estoy seguro de que seamos grandes cineastas. Como nación, nuestras dos formas de arte son el teatro , en un sentido de clase media, y la música pop , porque somos extraordinarios en ella". ^{[ 98 ]}

Las cifras publicadas por el BFI informaron que en 2022 se gastaron 6270 millones de libras esterlinas en cine y producción televisiva de alta gama, con un gasto en cine británico de 173,6 millones de libras esterlinas. Si bien el gasto total alcanzó un máximo histórico para el Reino Unido, el gasto en cine independiente británico disminuyó un 31 % desde 2021. ^{[ 99 ]}

La industria cinematográfica del Reino Unido se vio afectada por la huelga de SAG-AFTRA de 2023, y el 80% de los trabajadores detrás de cámaras encuestados afirmaron que sus empleos se habían visto afectados. ^{[ 100 ]}