arte chino

Jarrón botella de cerámica Ru con vidriado celadón, dinastía Song del Norte , siglos XI-XII.

Copa de pollo Doucai (Chenghua) , dinastía Ming , 1465-1487 d.C.

Grullas de la Buena Fortuna, obra del emperador Huizong, que representa una escena en lo alto de la puerta de la ciudad de Kaifeng , 16 de enero de 1112.

Un fragmento del pergamino de los Nueve Dragones , 1244 d. C.

El arte chino es el arte visual que se originó o se practica en China, la Gran China o por artistas chinos. El arte creado por chinos residentes fuera de China también puede considerarse parte del arte chino cuando se basa en la cultura , el patrimonio y la historia chinos o se inspira en ellos . Las principales formas artísticas incluyen pintura, caligrafía, escultura, arquitectura, diseño de jardines, mobiliario, cerámica, trabajos en bronce, lacados y textiles, que comparten motivos y principios estéticos, y a menudo se integran para crear entornos unificados, abarcando desde la arquitectura hasta los jardines, los interiores y los objetos que contienen. ^{[ 1 ]}

El arte primitivo de la Edad de Piedra data del 10.000 a. C. y consiste principalmente en cerámica y esculturas sencillas. Después de ese período, el arte chino, al igual que la historia china, se clasificó generalmente según la sucesión de dinastías de emperadores chinos , la mayoría de las cuales duraron varios siglos. El Museo del Palacio de Pekín y el Museo Nacional del Palacio de Taipéi albergan extensas colecciones de arte chino. ^{[ 2 ]}^{[ 3 ]}

El arte chino se caracteriza por un grado inusual de continuidad dentro de la tradición y una profunda conciencia de ella, careciendo de un equivalente al colapso occidental y la recuperación gradual de los estilos clásicos del arte occidental . Las artes decorativas son de suma importancia en el arte chino, y gran parte de las obras más destacadas se produjeron en grandes talleres o fábricas por artistas prácticamente desconocidos, especialmente en la cerámica china , donde la maestría técnica estaba al servicio de ideales estéticos más amplios, la sutileza del esmalte y la pureza de la forma elevaban la artesanía a un medio de contemplación. ^{[ 4 ]}

Gran parte de la cerámica más elaborada técnicamente se producía en fábricas imperiales, aunque los hornos populares y los talleres regionales también creaban piezas de excepcional mérito artístico. En contraste, la tradición de la pintura a la tinta , practicada principalmente por eruditos y pintores de la corte, sobre todo de paisajes , flores y aves , desarrolló valores estéticos que dependían de la imaginación individual y la observación objetiva del artista, similares a los de Occidente, pero que precedieron con creces su desarrollo allí.

Tras el establecimiento de la República Popular China en 1949, el realismo socialista se convirtió en el estilo dominante oficialmente sancionado, y las artes tradicionales fueron objeto de un escrutinio ideológico, particularmente durante la Revolución Cultural (1966-1976), cuando gran parte del patrimonio artístico de China fue activamente reprimido o destruido. Desde la década de 1980, una amplia gama de formas artísticas tradicionales han sido rehabilitadas y revitalizadas, al tiempo que han surgido movimientos de vanguardia contemporáneos, que han obtenido reconocimiento internacional por obras que abordan de manera crítica tanto el patrimonio artístico de China como su sociedad en rápida transformación. ^{[ 5 ]}

Historia

Cerámica neolítica

Las primeras formas de arte en China se encuentran en la cultura neolítica Yangshao , que data del sexto milenio a. C. Hallazgos arqueológicos como los de Banpo han revelado que los Yangshao elaboraban cerámica; las primeras cerámicas no estaban pintadas y, en la mayoría de los casos, presentaban marcas de cuerda. Las primeras decoraciones eran peces, rostros humanos y plantas, imágenes familiares para el pueblo Yangshao debido a su estilo de vida agrícola. Estas evolucionaron posteriormente hacia diseños más coloridos, intrincados y abstractos que presentaban patrones geométricos y de inspiración astronómica. A diferencia de la posterior cultura Longshan , la cultura Yangshao no utilizaba tornos de alfarero en la elaboración de cerámica; en cambio, se basaban en técnicas manuales como el enrollado . Sin embargo, las excavaciones de piezas con patrones de líneas paralelas y cuadrículas de la fase final de la cultura Yangshao sugieren que se utilizaba un método de hilado para pintar la cerámica. ^{[ 6 ]}

Muchos de los símbolos y diseños pintados tenían un significado religioso y espiritual. Los motivos de ranas y peces representaban la prosperidad, y los de aves y agua, el respeto por la naturaleza. Las escenas de la vida cotidiana de la comunidad, como danzas y cacerías, probablemente tenían importancia en los rituales y ceremonias de Yangshao. ^{[ 7 ]}

Las excavaciones han revelado que la cultura Yangshao utilizaba cerámica en forma de urnas funerarias. El análisis de los patrones pintados en las urnas muestra que los diseños probablemente reflejaban acontecimientos históricos y las experiencias vividas por la persona enterrada. En este sentido, las urnas funerarias probablemente también funcionaban como un indicador de clase social, mostrando el poder, el heroísmo y la relevancia de la persona dentro de la sociedad. De manera similar, el pueblo Longshan incluía cerámica, entre otras creaciones artísticas, como objetos de jade , en los entierros de individuos de alto estatus. ^{[ 7 ]}

Una vasija roja con dos "orejas"; de la cultura Peiligang ; 6000–5200 a. C.; cerámica; Museo de Shanghái
Vasija de cerámica con puntos, tipo semimontañoso; de la cultura Yangshao de China; 2700–2300 a. C.; Museo Provincial de Gansu ( Lanzhou ).
Jarra; 2650–2350 a. C.; cerámica con decoración pintada; altura: 34 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York).
Vasija con patrón de celosía geométrica; de la cultura Majiayao ; 2600-2300 a. C.; alfarero pintado; Museo de Shanghái

Cultura del jade

La cultura Liangzhu fue la última cultura neolítica del jade en el delta del río Yangtsé y se desarrolló a lo largo de un período de aproximadamente 1300 años. El jade de esta cultura se caracteriza por piezas rituales de gran tamaño y finamente trabajadas, como cilindros Cong , discos Bi , hachas Yue, así como colgantes y decoraciones en forma de placas caladas cinceladas, platos y representaciones de pequeñas aves, tortugas y peces. El jade Liangzhu presenta un aspecto blanco lechoso, similar al hueso, debido a su origen en roca tremolita y a la influencia de fluidos acuosos en los yacimientos funerarios.

Cong , tercer milenio a. C.
Anillo de dos dragones, principios de la dinastía Shang (segundo milenio a. C.)
Dragón de jade, Zhou Occidental
Jian oxidado de la era Zhou con empuñadura de jade, c. siglo IX a. C.
Humanoide de jade, cultura Hongshan (4700–2900 a. C.). ^{[ 8 ]}^{[ 9 ]}

Fundición de bronce

La Edad de Bronce en China comenzó con la dinastía Xia . Se han recuperado ejemplos de este período de las ruinas de la cultura Erlitou , en Shanxi, que incluyen objetos utilitarios complejos pero sin adornos. En la siguiente dinastía Shang se elaboraron objetos más elaborados, incluyendo numerosos vasos rituales. Los Shang son recordados por su fundición de bronce, reconocida por la nitidez de sus detalles. Los broncistas Shang solían trabajar en fundiciones fuera de las ciudades para fabricar vasos rituales, y a veces también armas y accesorios para carros. Los vasos de bronce eran receptáculos para almacenar o servir diversos sólidos y líquidos utilizados en la realización de ceremonias sagradas. Algunas formas, como el ku y el jue, pueden ser muy elegantes, pero las piezas más imponentes son los ding , a veces descritos como poseedores de un "aire de feroz majestad".

Es típico del estilo Shang desarrollado que todo el espacio disponible esté decorado, generalmente con formas estilizadas de animales reales e imaginarios. El motivo más común es el taotie , que muestra un ser mitológico presentado de frente, como si estuviera comprimido sobre un plano horizontal para formar un diseño simétrico. El significado original del taotie no está claro, pero existían mitos sobre él alrededor de la última dinastía Zhou . Se le consideraba, según diversas interpretaciones, un hombre codicioso desterrado para custodiar un rincón del cielo contra monstruos malignos; o un monstruo con solo una cabeza que intentaba devorar a los hombres, pero solo se dañaba a sí mismo.

La función y el aspecto de los bronces cambiaron gradualmente desde la dinastía Shang hasta la Zhou. Pasaron de utilizarse en ritos religiosos a tener fines más prácticos. Para el período de los Reinos Combatientes , los recipientes de bronce se habían convertido en objetos de disfrute estético. Algunos estaban decorados con escenas sociales, como banquetes o cacerías; mientras que otros exhibían motivos abstractos incrustados con oro, plata o piedras preciosas y semipreciosas.

Los artefactos de bronce también tenían un significado y un papel importantes en la dinastía Han. Se usaban con fines funerarios, lo que reflejaba las cualidades estéticas y artísticas de la dinastía. ^{[ 10 ]} Muchos vasos de bronce excavados en tumbas de la provincia de Jiangsu, China, tienen diversas formas como Ding, Hu y Xun, que representan la estética tradicional china. ^{[ 10 ]} Estos vasos son representaciones clásicas de las formas del arte celestial chino, que desempeñaban un papel importante en la comunicación de los antiguos chinos con los espíritus de sus ancestros. ^{[ 10 ]} Además de los vasos, también se encontraron armas de bronce, objetos cotidianos e instrumentos musicales en las tumbas de las familias reales Han en Jiangsu. Poder colocar un juego completo de Bianzhong en la tumba de una persona significaba su estatus y clase en la dinastía Han, ya que este tipo particular de instrumento solo era adquirido y poseído por familias reales y adineradas. ^{[ 10 ]} Aparentemente, el Bianzhong y la música también se usaban como una vía para que los gobernantes Han se comunicaran con sus dioses. ^{[ 10 ]} La excavación de Bianzhong, un instrumento típico y real hallado en la antigua China, pone de relieve el desarrollo de sistemas musicales complejos en la dinastía Han. ^{[ 10 ]} El conjunto de Bianzhong puede variar en muchos casos; por ejemplo, una excavación específica de Bianzhong de la provincia de Jiangsu incluye diferentes conjuntos de campanas, como las campanas Niuzhong y Yongzhong, y muchas de ellas aparecen con formas de animales como el dragón, un animal espiritual tradicional chino. ^{[ 10 ]}

Los bronces Shang comenzaron a apreciarse como obras de arte a partir de la dinastía Song , cuando se coleccionaban y valoraban no solo por su forma y diseño, sino también por las diversas pátinas verdes, azul verdosas e incluso rojizas que se formaban por la acción química al permanecer enterrados. El estudio de la fundición de bronce en la antigua China es un campo especializado de la historia del arte.

Copa de Longshan ; circa 2500–2000 a. C.; excavada en Jiaoxian, Shandong , 1975.
Cabeza de bronce de Sanxingdui , segundo milenio a. C.
Árbol sagrado de bronce, Sanxingdui
Conjunto de altar; finales del siglo XI a. C.; bronce; dimensiones totales (mesa): altura: 18,1 cm (7 1/8 pulg .), ancho: 46,4 cm (18 1/4 pulg .), profundidad: 89,9 cm (35 3/8 pulg . ); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York, EE. UU.)
Zun cuadrado con cuatro adornos de cabezas de oveja, dinastía Shang.
Houmuwu ding , el bronce antiguo más grande jamás encontrado; 1300–1046 a. C.; Museo Nacional de China .
Servidor ritual de vino (guang) ; 1100 a. C.; Museo de Arte de Indianápolis . ^{[ 11 ]}^{[ 12 ]}
Da Ke ding ; dinastía Zhou Occidental; altura: 93,1 cm (36,7 pulgadas) , ancho: 75,6 cm (29,8 pulgadas) (calibre) y 74,9 cm (29,5 pulgadas) (diámetro interior); descubierto en 1890 en la ciudad de Famen ( condado de Fufeng , Shaanxi); Museo de Shanghái
Campana (lai zhong); 800–700 a. C. (dinastía Zhou Occidental); 70,3 × 37 × 26,6 cm (27 5/8 × 14 9/16 × 10 7/16 pulg . ); procedente de Meixian, Shaanxi; Museo de Arte de Cleveland . En la antigua China , la música y el ritual tenían un significado político y estaban inseparablemente ligados al poder de los estados .
Un soporte de bronce para vasijas ceremoniales; excavado en la tumba del hijo del rey Zhuang de Chu (613-591 a. C.).
Shizun ; 1600-1046 a. C.; altura: 40 cm (16 pulgadas) ; descubierto en Chuanxingshan ( condado de Xiangtan , Hunan); Museo de Hunan
Vasija de bronce Shang , segundo milenio a. C.

Dinastía Zhou ( c. 1046 – 256 a. C.)

Durante el período Zhou, se registran pocas esculturas, especialmente esculturas de forma humana o animal, en la arqueología existente, y no parece haber existido mucha tradición escultórica. ^{[ 13 ]}^{[ 14 ]} Entre las pocas representaciones de este tipo conocidas en China antes de esa fecha: cuatro figurillas de madera ^{[ 15 ]} de Liangdaicun (梁帶村) en Hancheng (韓城), Shaanxi , posiblemente datadas en el siglo IX a. C.; dos figurillas humanas de madera de extranjeros que posiblemente representan portadores de sillas de mano de una tumba estatal Qin en Longxian (隴縣), Shaanxi, de alrededor del 700 a. C.; y estatuillas más numerosas de músicos de bronce del siglo V en una casa en miniatura de Shaoxing (紹興) en Zhejiang ; un candelabro con forma humana del siglo IV de la tumba real del condado de Pingshan (平山), Hebei . El jinete de Taerpo es una figurilla de terracota de la dinastía Zhou, perteneciente al Estado Guerrero Qin, procedente de una tumba en el cementerio de Taerpo (塔兒坡墓), cerca de Xianyang , en Shaanxi, datada entre los siglos IV y III a. C. Se conoce otra estatuilla casi idéntica, procedente de la misma tumba. Unos pequeños orificios en sus manos sugieren que originalmente sostenía las riendas en una mano y un arma en la otra. ^{[ 16 ]} Esta es la representación más antigua conocida de un jinete de caballería en China. ^{[ 16 ]}

Vasija con forma de buey del período de primavera y otoño , siglo VI a. C.
Pintura sobre seda que representa a un hombre montado en un dragón , siglo IV a. C.
Zhou Occidental, siglos XI-IX a. C.
Empuñadura de espada dorada, dinastía Zhou Oriental.
Hebilla de cinturón de plata con incrustaciones de oro y jade, período Sengoku (Estados Combatientes), c. siglo IV a. C.
Vasija de bronce para dui con incrustaciones de motivos geométricos de nubes, dinastía Zhou Oriental.

Cultura Chu y del Sur (c. 1030 a. C. – 223 a. C.)

Un rico centro artístico en la antigua China fue el estado de Chu , que se desarrolló en el valle del río Yangtsé. Las excavaciones en las tumbas de Chu han revelado esculturas de madera pintadas, discos de jade, cuentas de vidrio, instrumentos musicales y una variedad de objetos lacados . Muchos de estos objetos presentan una fina pintura, en rojo sobre negro o negro sobre rojo. Un yacimiento en Changsha , provincia de Hunan, ha revelado algunas de las pinturas sobre seda más antiguas descubiertas hasta la fecha.

Caja lacada pintada con forma de dos cerdos espalda con espalda.
El Fenghuang era un motivo popular en el arte de Chu, mientras que el dragón era más popular en los demás estados situados al norte.
Laca dou con base de fénix.

China imperial temprana (221 a. C. – 220 d. C.)

Arte Qin

Un guardia del Ejército de Terracota y uno de los acróbatas . Estas figuras estaban destinadas a custodiar el Mausoleo del Primer Emperador Qin , 210 a. C.

El Ejército de Terracota , dentro del Mausoleo del Primer Emperador Qin, consta de más de 7000 figuras de terracota de tamaño natural que representan guerreros y caballos, enterradas junto al autoproclamado primer emperador de China, Qin Shi Huang, entre el 210 y el 209 a. C. Las figuras fueron pintadas antes de ser colocadas en la bóveda. Los colores originales eran visibles cuando las piezas fueron desenterradas por primera vez. Sin embargo, la exposición al aire provocó que los pigmentos se desvanecieran, por lo que hoy en día las figuras desenterradas presentan un color terracota. Las figuras están en diversas poses, incluyendo infantería de pie y arqueros arrodillados, así como aurigas con caballos. La cabeza de cada figura parece ser única, mostrando una variedad de rasgos faciales, expresiones y peinados. El espectacular realismo que exhiben las esculturas es una prueba del avance del arte durante la dinastía Qin. ^{[ 17 ]} No tiene precedentes en el registro histórico del arte en Asia Oriental. ^{[ 13 ]}^{[ 14 ]}

Durante la dinastía Qin se desarrolló un instrumento musical llamado cítara Qin . En la historia china, los componentes estéticos siempre han sido tan importantes como las partes funcionales de un instrumento musical. La cítara Qin tiene siete cuerdas. Si bien a veces evoca épocas de corrupción histórica, a menudo se la considera un símbolo de paz y armonía. ^{[ 18 ]}

Arte Han

Durante la dinastía Qin, la tipografía china, los sistemas de medición y la moneda se estandarizaron para lograr una mayor unificación. ^{[ 20 ]} La Gran Muralla China se amplió como construcción defensiva contra los invasores del norte. ^{[ 20 ]}

La dinastía Han era conocida por sus trajes funerarios de jade . Una de las representaciones más antiguas conocidas de un paisaje en el arte chino proviene de un par de paneles de puerta de azulejos huecos de una tumba de la dinastía Han Occidental cerca de Zhengzhou , datada en el 60 a. C. ^{[ 21 ]} Una escena de continua profundidad se transmite mediante el zigzag de líneas que representan caminos y muros de jardín, dando la impresión de que uno está mirando hacia abajo desde la cima de una colina. ^{[ 21 ]} Esta escena artística de paisaje fue hecha mediante la impresión repetida de sellos estándar sobre la arcilla mientras aún estaba blanda y sin cocer. ^{[ 21 ]} Sin embargo, la tradición más antigua conocida de escenas de arte paisajístico en el sentido clásico de la pintura es una obra de Zhan Ziqian de la dinastía Sui (581-618).

Además de los artefactos de jade, el bronce es otro medio favorito para los artistas debido a su dureza y durabilidad. Los espejos de bronce se producían en masa durante la dinastía Han, y casi todas las tumbas excavadas que datan de esta dinastía contienen espejos en el entierro. ^{[ 22 ]} El lado reflectante suele estar hecho de una composición de bronce, cobre, estaño y plomo. ^{[ 22 ]} La palabra "espejo" significa "reflejar" o "mirar dentro" en chino, por lo que los espejos de bronce se han utilizado como un recurso para reflejar la realidad. ^{[ 22 ]} Los antiguos chinos creían que el espejo podía actuar como una representación de la realidad, lo que podría hacerlos más conscientes de la situación actual; además, los espejos se utilizaban como un medio para transmitir o presentar un reflejo de los acontecimientos pasados. ^{[ 22 ]} Los espejos de bronce fabricados durante la dinastía Han siempre tienen decoraciones complejas en su lado no reflectante; algunos de ellos consisten en narrativas que cuentan historias. ^{[ 22 ]} Las narrativas mismas siempre reflejan las teorías comunes pero esenciales de la vida del pueblo Han. ^{[ 23 ]}

Perro de cerámica vidriada, con collar estampado en la superficie; dinastía Han Oriental, siglo I d. C.
Los objetos lacados de la dinastía Han eran famosos por sus diseños intrincados y elegantes.
En los sarcófagos de la dama Xin Zhui (217 a. C. – 168 a. C.) se encontraron diseños abstractos pero intrincados.
Músicos tocando guzheng y sheng , siglo II a. C.
Pareja Han celebrando un banquete juntos, procedente de Luoyang, c. 220 d. C.
Una sirvienta y un consejero representados en figuras de terracota de la dinastía Han Occidental ( Han shenyi ).
Estatuilla de bronce de un qilin , siglo I d. C.
Vasija de jade para beber procedente de Nannie, siglo I a. C.
Fresco de una tumba de la dinastía Han Occidental que representa al filósofo Confucio ; 202 a. C. – 9 d. C.; procedente del condado de Dongping , Shandong.
Un fragmento de un fresco de la dinastía Han Oriental (25-220 d. C.) que representa 9 carros, 50 caballos y más de 70 hombres, procedente de una tumba en Luoyang , China.
Caballo Volador de Gansu .
Mural de la tumba Dahuting (打虎亭漢墓; Dáhǔtíng hàn mù ) de finales de la dinastía Han Oriental, ubicada en Zhengzhou
Una hebilla de cinturón dorada con motivo de dragón, estilo Han Occidental
Mural de la tumba Dahuting (打虎亭漢墓; Dáhǔtíng hàn mù ) de finales de la dinastía Han Oriental, ubicada en Zhengzhou, Henan
Figurilla de cerámica de la dinastía Han Oriental que representa a una mujer sentada con un espejo de bronce , desenterrada de una tumba en Songjialin, condado de Pi , Sichuan.
En Mawangdui se encontraron montones de seda con todo tipo de diseños intrincados.

Primeras esculturas monumentales en piedra (117 a. C.)

Las estatuillas de terracota se conocían desde hacía mucho tiempo en China, pero no se conocen ejemplos de estatuaria monumental de piedra anteriores a las esculturas de piedra del Mausoleo de Huo Qubing (140-117 a. C.), un general del emperador Han Wudi que fue a las regiones occidentales a luchar contra los Xiongnu . ^{[ 24 ]} En las fuentes literarias, solo hay un registro de los siglos III-IV d. C. de un posible ejemplo anterior: dos supuestas estatuas monumentales de piedra de qilin (unicornios chinos) que se dice que fueron colocadas sobre la tumba del Primer Emperador Qin Shihuang . ^{[ 25 ]} La más famosa de las estatuas de Huo Qubing es la de un caballo pisoteando a un guerrero Xiongnu . ^{[ 24 ]}

El Mausoleo de Huo Qubing (ubicado en Maoling , el Mausoleo de Han Wudi) cuenta con 15 esculturas de piedra más. Estas son menos naturalistas que la de "Caballo pisoteando a un Xiongnu" y tienden a seguir la forma natural de la piedra, con detalles de las figuras que solo aparecen en alto relieve. ^{[ 26 ]} Tras estos primeros intentos, el uso de estatuas monumentales de piedra se desarrollaría desde finales de la dinastía Han Occidental hasta la dinastía Han Oriental. ^{[ 27 ]}

La estatuaria monumental de piedra se convertiría en una forma de arte importante entre los siglos IV y VI d. C. con el inicio de la escultura budista monumental en China. ^{[ 28 ]}

Período de división (220–581)

Pergamino de advertencias de Gu Kaizhi (348-405), gravemente dañado tras ser saqueado durante la Segunda Guerra del Opio.

Influencia del budismo

El budismo llegó a China alrededor del siglo I d. C. (aunque existen algunas tradiciones sobre un monje que visitó China durante el reinado de Asoka ), y hasta el siglo VIII se volvió muy activo y creativo en el desarrollo del arte budista, particularmente en el ámbito de la estatuaria. Al recibir esta religión lejana, China pronto incorporó fuertes rasgos chinos a su expresión artística.

Entre los siglos V y VI, las dinastías del norte , alejadas de las fuentes de inspiración originales, tendieron a desarrollar modos de representación más bien simbólicos y abstractos, con líneas esquemáticas. Se dice que su estilo era solemne y majestuoso. La falta de corporeidad de este arte, y su distanciamiento del objetivo budista original de expresar el ideal puro de la iluminación de forma accesible y realista, condujo progresivamente a una búsqueda de mayor naturalismo y realismo, dando lugar a la expresión del arte budista Tang.

Mural de las cuevas de Mogao , dinastía Wei Occidental (535-556 d. C.)
Mural de Dunhuang , mediados del siglo VI.
En el arte rupestre budista, una bailarina gira mientras la orquesta toca.
Vairocana, Grutas de Longmen , 500-900 d. C.
Una ilustración de la tentación de Sakyamuni por Mara.
Buda reclinado, período Tang alto

Caligrafía

En la antigua China, la pintura y la caligrafía eran las artes más apreciadas en los círculos cortesanos y eran producidas casi exclusivamente por aficionados, aristócratas y funcionarios eruditos, quienes eran los únicos que disponían del tiempo necesario para perfeccionar la técnica y la sensibilidad requeridas para una gran maestría pictórica. La caligrafía se consideraba la forma más elevada y pura de pintura. Los instrumentos utilizados eran el pincel, hecho de pelo animal, y la tinta negra, elaborada con hollín de pino y cola animal. Tanto la escritura como la pintura se realizaban sobre seda. Sin embargo, tras la invención del papel en el siglo I, la seda fue reemplazada gradualmente por este material nuevo y más económico. Los escritos originales de calígrafos famosos han sido muy valorados a lo largo de la historia de China y se conservan en rollos, colgados en las paredes, al igual que las pinturas.

Wang Xizhi fue un famoso calígrafo chino que vivió en el siglo IV d. C. Su obra más célebre es el Lanting Xu , el prefacio de una colección de poemas. Esta caligrafía se considera a menudo la máxima expresión del estilo semicursivo «Running Style» en la historia de la caligrafía china.

Wei Shuo fue una reconocida calígrafa de la dinastía Jin Oriental que estableció reglas trascendentales sobre la escritura regular . Entre sus obras más conocidas se encuentran la Inscripción de la Concubina Famosa (名姬帖 Ming Ji Tie) y la Inscripción de Wei-shi He'nan (衛氏和南帖 Wei-shi He'nan Tie).

Cuadro

Pinturas murales que representan la vida cortesana en la tumba de Xu Xianxiu, dinastía Qi del Norte , 571 d. C., ubicada en Taiyuan , provincia de Shanxi.

Gu Kaizhi fue un célebre pintor de la antigua China, nacido en Wuxi . Escribió tres libros sobre teoría de la pintura: Sobre la pintura (畫論), Introducción a las pinturas famosas de las dinastías Wei y Jin (魏晉名畫記) y La pintura de la montaña Yuntai (畫雲臺山記). Escribió: «En las pinturas de figuras, la ropa y la apariencia no eran muy importantes. Los ojos eran el espíritu y el factor decisivo». Tres de las pinturas de Gu aún se conservan: Admoniciones de la instructora a las damas de la corte , Ninfa del río Luo (洛神賦) y Mujeres sabias y benévolas .

Existen otros ejemplos de pintura de la dinastía Jin en tumbas. Entre ellos se encuentra la de los Siete Sabios del Bosque de Bambú, pintada en la pared de ladrillo de una tumba cercana a la actual Nanjing y que ahora se conserva en el Museo Provincial de Shaanxi. Cada figura está identificada y se la representa bebiendo, escribiendo o tocando un instrumento musical. Otras pinturas de tumbas también representan escenas de la vida cotidiana, como hombres arando campos con yuntas de bueyes.

Paneles funerarios de la tumba de Sima Jinlong , 484 d. C.
Escena de dos jinetes a caballo procedente de una pintura mural en la tumba de Lou Rui en Taiyuan , Shanxi, dinastía Qi del Norte (550-577).
Jarrón con motivos de loto procedente de Qi del Norte , siglo VI d. C.
Candelabro con forma de león procedente de la dinastía Jin Occidental, siglo IV d. C.
Murales y figurillas pintadas de la dinastía Wei del Norte procedentes de las Grutas de Yungang , datados entre los siglos V y VI.

Las dinastías Sui y Tang (581–960)

Arquitectura y escultura budistas

Tras una transición bajo la dinastía Sui , la escultura budista de la dinastía Tang evolucionó hacia una expresión marcadamente realista. Como consecuencia de la apertura de la dinastía al comercio exterior y a las influencias a través de la Ruta de la Seda , la escultura budista de la dinastía Tang adoptó una forma más clásica, inspirada en el arte grecobudista de Asia Central.

Sin embargo, hacia el final de la dinastía Tang, las influencias extranjeras comenzaron a percibirse negativamente. En el año 845, el emperador Tang Wuzong prohibió todas las religiones "extranjeras" (incluidos el cristianismo nestoriano , el zoroastrismo y el budismo) para apoyar el taoísmo autóctono . Confiscó las posesiones budistas y obligó a la fe a practicarse en la clandestinidad, lo que afectó el desarrollo posterior de la religión y sus artes en China.

Las figuras funerarias de cerámica vidriada o pintada de la dinastía Tang son famosas y están bien representadas en museos de todo el mundo. La mayoría de las esculturas de madera de la dinastía Tang no han sobrevivido, aunque aún se pueden ver ejemplos del estilo internacional Tang en Nara , Japón. La escultura en piedra ha demostrado ser mucho más duradera. Algunos de los mejores ejemplos se pueden ver en Longmen , cerca de Luoyang , Yungang, cerca de Datong , y el templo Bingling en Gansu . Una de las pagodas budistas chinas más famosas es la Pagoda del Ganso Salvaje Gigante , construida en el año 652 d. C.

Pintura de la dinastía Tang de Dunhuang .
Fresco de Dunhuang que representa la arquitectura típica de la dinastía Tang.
Pintura de Varjapani
La influencia de Asia Central se puede apreciar en la forma de esta taza.

Vistas de Xiaoxiang por Dong Yuan (932-962). Dong es considerado uno de los precursores de los estilos de pintura de paisajes ; las escalas de estas pinturas solían ser enormes, con minúsculos pero intrincados temas pastorales que mostraban la inmensidad relativa del paisaje. Amplíe la imagen hacia la izquierda para ver a un grupo de hombres pescando con redes de cerco .

Cuadro

A partir de la dinastía Tang (618-907), el tema principal de la pintura fue el paisaje, conocido como pintura shanshui (montaña y agua). En estos paisajes, generalmente monocromáticos y sobrios, el propósito no era reproducir con exactitud la apariencia de la naturaleza, sino más bien captar una emoción o atmósfera para así captar el "ritmo" de la naturaleza.

La pintura de estilo tradicional empleaba esencialmente las mismas técnicas que la caligrafía y se realizaba con un pincel mojado en tinta negra o de color; no se utilizaban óleos. Al igual que en la caligrafía, los materiales más comunes para pintar eran el papel y la seda. Las obras terminadas se montaban en rollos que podían colgarse o enrollarse. La pintura tradicional también se realizaba en álbumes, murales, lacados y otros soportes.

Dong Yuan fue un pintor activo en el Reino Tang del Sur. Conocido por sus pinturas de figuras y paisajes, personificó el estilo elegante que se convertiría en el estándar de la pintura con pincel en China durante los siguientes 900 años. Como muchos artistas chinos, su profesión era la de funcionario, donde estudió los estilos de Li Sixun y Wang Wei. Sin embargo, amplió su repertorio de técnicas, incluyendo una perspectiva más sofisticada, el uso del puntillismo y el sombreado cruzado para lograr un efecto más vívido.

Zhan Ziqian fue un pintor de la dinastía Sui. Su única obra conservada es " Paseo en primavera" , donde representa montañas dispuestas en perspectiva. Dado que las pinturas de paisajes puros eran escasas en Europa hasta el siglo XVII, " Paseo en primavera" podría ser la primera pintura de paisaje del mundo.

Zhou Fang (c. 730-800) es famoso por sus pinturas de damas de la corte contemporánea, cuyas opulentas figuras reflejaban los cánones de belleza de la época.

Rollo completo de Las fiestas nocturnas de Han Xizai , pintado por primera vez en el siglo X en la dinastía Tang del Sur , reproducido posteriormente en el siglo XII.

Las dinastías Song y Yuan (960–1368)

Pintura de canciones

Durante la dinastía Song (960-1279), surgieron paisajes de expresión más sutil; se transmitían distancias inconmensurables mediante el uso de contornos difuminados, siluetas montañosas que se desvanecían en la niebla y un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Se hizo hincapié en las cualidades espirituales de la pintura y en la capacidad del artista para revelar la armonía interior entre el hombre y la naturaleza, tal como se percibe según los conceptos taoístas y budistas .

Liang Kai fue un pintor chino que vivió en el siglo XIII (dinastía Song). Se hacía llamar "Liang el Loco" y dedicó su vida a beber y pintar. Finalmente, se retiró y se convirtió en monje zen . Se le atribuye la invención de la escuela zen de arte chino. Wen Tong fue un pintor que vivió en el siglo XI. Fue famoso por sus pinturas de bambú a tinta . Podía sostener dos pinceles en una mano y pintar dos bambúes distantes entre sí simultáneamente. No necesitaba ver el bambú mientras lo pintaba porque había visto muchos.

Zhang Zeduan fue un pintor notable por su pintura horizontal de paisaje y ciudad "A lo largo del río durante el festival Qingming" . Se considera una de las pinturas más renombradas de China y ha tenido muchas reinterpretaciones conocidas a lo largo de la historia china. ^{[ 29 ]} Otras pinturas famosas incluyen "Las fiestas nocturnas de Han Xizai" , pintada originalmente por el artista de la dinastía Tang del Sur, Gu Hongzhong , en el siglo X, mientras que la versión conocida de su pintura es una reinterpretación del siglo XII de la dinastía Song. Se trata de un gran rollo de mano horizontal de una escena doméstica que muestra a hombres de la clase noble siendo entretenidos por músicos y bailarines mientras disfrutan de comida, bebida y lavabos proporcionados por sirvientas. En 2000, el artista moderno Wang Qingsong creó una parodia de esta pintura con una fotografía larga y horizontal de personas con ropa moderna haciendo expresiones faciales, poses y gestos de manos similares a los de la pintura original.

Varias escenas de A lo largo del río durante el Festival Qingming

Templo budista en las montañas , siglo XI, tinta sobre seda, Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City (Missouri).
Bodhisattva Avalokiteshvara ( Guanyin ) sentado , madera y pigmento, siglo XI, dinastía Song del Norte china , Museo de Arte de San Luis
Almanaque de aves y bestias , ejemplo típico de los estilos Gongbi populares durante la dinastía Song.
Tres amigos del invierno que representan ciruelo, pino y bambú, todavía se utilizan para decorar durante el año nuevo en los países de la sinosfera.
Viajar por el río en la nieve . Los detalles extremadamente intrincados brindan a los historiadores una visión de la construcción naval china medieval .
El emperador Huizong de Song fue un pintor prolífico.
El pájaro en una rama de Li Anzhong ; tiene forma circular porque fue pintado inicialmente para un abanico circular .
Nísperos y un pájaro de montaña , Canción sureña (1127–1279); las pequeñas pinturas en hojas de álbum como esta eran populares entre la nobleza y los funcionarios eruditos .
La marea alta trae lluvia por Li Di
Pintura de abanico circular de Ma Lin
Alcaudón en un árbol en invierno ; 1187 d.C.
Gorriones invernales de Cui Bai
Viajeros entre montañas y arroyos (谿山行旅), Fan Kuan (c. 960 – 1032)
"Cien niños jugando en la primavera" de Su Hanchen (1094-1172)
El vendedor ambulante de baratijas, de Su Hanchen; las representaciones de la vida cotidiana se convirtieron en un motivo popular durante los prósperos años de la dinastía Song.

Las ocho flores de Qian Xuan , siglo XIII.

Nueve dragones (pintura) de Chen Rong (c. 1200-1266)

Procesión imperial de la dinastía Song del Norte rindiendo tributo al Señor del Cielo , que muestra guardias de honor armados y funcionarios, fechada entre 1053 y 1065.

Pintura Yuan

Con la caída de la dinastía Song en 1279 y la posterior desorganización causada por el establecimiento de la dinastía Yuan por los conquistadores mongoles , muchos artistas cortesanos y literarios se retiraron de la vida social y volvieron a la naturaleza, a través de pinturas de paisajes y renovando el estilo "azul y verde" de la era Tang. ^{[ 30 ]}

Wang Meng fue uno de esos pintores, y una de sus obras más famosas es La Gruta del Bosque . Zhao Mengfu fue un erudito, pintor y calígrafo chino de la dinastía Yuan. Su rechazo a la pincelada refinada y delicada de su época, en favor del estilo más tosco del siglo VIII, se considera que provocó una revolución que dio origen a la pintura paisajística china moderna. También cabe mencionar las obras de arte vívidas y detalladas de Qian Xuan (1235-1305), quien había servido a la corte Song y, por patriotismo, se negó a servir a los mongoles, dedicándose en cambio a la pintura. Fue famoso además por revivir y reproducir un estilo pictórico más propio de la dinastía Tang.

La última etapa de la dinastía Yuan se caracteriza por la obra de los llamados "Cuatro Grandes Maestros". El más notable de ellos fue Huang Gongwang (1269-1354), cuyos paisajes serenos y sobrios fueron admirados por sus contemporáneos y por los pintores letrados chinos de siglos posteriores. Otro de gran influencia fue Ni Zan (1301-1374), quien frecuentemente componía sus obras con un primer plano y un fondo bien definidos, dejando el plano medio como un espacio vacío. Este esquema fue adoptado con frecuencia por pintores posteriores de las dinastías Ming y Qing . ^{[ 30 ]}

Cerámica

La porcelana china se elabora con una pasta dura compuesta de caolín y un feldespato llamado petuntse , que cementa la pieza y sella los poros . China se ha convertido en sinónimo de porcelana de alta calidad. La mayoría de las piezas de porcelana china provienen de la ciudad de Jingdezhen, en la provincia de Jiangxi . La porcelana de Jingdezhen , conocida con diversos nombres, ha sido fundamental para la producción de porcelana en China al menos desde la dinastía Yuan.

Finales del Imperio Chino (1368–1912)

Pintura Ming

Durante la dinastía Ming , la cultura china floreció. La pintura narrativa, con una gama cromática más amplia y una composición mucho más elaborada que las pinturas de la dinastía Song, gozó de una enorme popularidad en aquella época.

Wen Zhengming (1470–1559) desarrolló el estilo de la escuela Wu en Suzhou , que dominó la pintura china durante el siglo XVI. ^{[ 31 ]}

Dong Qichang (1555–1636) influyó aún más en la historia del arte de Asia Oriental al absorber ideas del budismo Chan y proponer la teoría de las "Escuelas del Sur y del Norte". ^{[ 32 ]}

La cultura europea comenzó a influir en el arte chino durante este período. El sacerdote jesuita Matteo Ricci visitó Nanjing con numerosas obras de arte occidentales, que fueron influyentes al mostrar diferentes técnicas de perspectiva y sombreado. ^{[ 33 ]}

El intrincado estilo Gongbi de Bian Jingzhao se inspiró en los estilos de Song, al tiempo que incorporó otros estilos artísticos.
Festival del Melocotón de la Reina Madre de Occidente, principios del siglo XVII, dinastía Ming.
Ciruelo de nieve y grullas gemelas de Bian Jingzhao , que incorpora el estilo Gonbi , siglo XV.
Emperador Shenzong y Emperatriz Xiaoduan
Pintura ritual de Shuilu de Canshen y los Cinco Demonios de la Peste , Templo Baoning, dinastía Ming.
Magnolia y roca erecta (玉堂柱石圖)
El retrato Ming también se inspiró en los estilos Song, aunque abandonó su adhesión a la sencillez y la austeridad.
Detalle de La llegada del emperador, que muestra el carruaje real del emperador Wanli siendo tirado por elefantes y escoltado por caballería ( pintura panorámica completa aquí ).

Pintura de principios de la dinastía Qing

La primera dinastía Qing se desarrolló en dos corrientes principales: la escuela ortodoxa y los pintores individualistas, ambos seguidores de las teorías de Dong Qichang, pero con énfasis en aspectos muy diferentes. ^{[ 34 ]} La pintura cortesana de la dinastía Qing también estuvo muy influenciada por artistas occidentales como Jean Denis Attiret (1702–1768) y Giuseppe Castiglione (1688–1766). ^{[ 32 ]}

Los Cuatro Wang , entre ellos Wang Jian (1598–1677) y Wang Shimin (1592–1680), fueron particularmente renombrados en la escuela ortodoxa y buscaron inspiración en la recreación de estilos del pasado, especialmente en las habilidades técnicas de pincelada y caligrafía de los antiguos maestros. El joven Wang Yuanqi (1642–1715) ritualizó el enfoque de interactuar con la obra de un antiguo maestro y extraer inspiración de ella. Sus propias obras a menudo incluían anotaciones con sus teorías sobre cómo su pintura se relacionaba con el modelo del maestro. ^{[ 35 ]}

Entre los pintores individualistas se encontraban Bada Shanren (1626-1705) y Shitao (1641-1707). Se inspiraron más en las ideas revolucionarias de trascender la tradición para lograr estilos individualistas originales; de esta manera, siguieron con mayor fidelidad el camino de Dong Qichang que la escuela ortodoxa (que eran sus seguidores directos oficiales). ^{[ 36 ]}

También alcanzaron renombre pintores ajenos a las tradiciones intelectuales y aristocráticas, algunos de los cuales creaban pinturas para venderlas. Entre ellos se encontraba Ma Quan (finales del siglo XVII-XVIII), quien representó flores, pájaros e insectos comunes, temas poco habituales entre los eruditos. Sin embargo, estos pintores no estaban al margen de las escuelas formales de pintura, sino que solían estar bien versados en estilos y técnicas artísticas. Ma Quan, por ejemplo, modeló su pincelada a partir de ejemplos de la dinastía Song. ^{[ 37 ]} Simultáneamente, la técnica sin hueso ( chino :沒骨畫), que se cree que se originó como paso preparatorio al pintar imágenes con líneas doradas durante la dinastía Tang, fue continuada por pintores como Yun Shouping (1633-1690) y su descendiente Yun Bing . ^[³⁸^]

A medida que se perfeccionaban las técnicas de impresión en color, comenzaron a publicarse manuales ilustrados sobre el arte de la pintura. Jieziyuan Huazhuan (Manual del Jardín de la Semilla de Mostaza), una obra de cinco volúmenes publicada por primera vez en 1679, se ha utilizado desde entonces como libro de texto técnico para artistas y estudiantes.

El emperador Yongzheng disfrutando durante el octavo mes lunar , obra de artistas anónimos de la corte, 1723-1735 d.C., Museo del Palacio , Pekín, que muestra el uso de la perspectiva lineal .
Hoja de álbum , Yun Bing , siglo XVII, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York, que muestra la técnica "sin hueso".
Pintura china de 1664 del pintor Kun Can, de la dinastía Qing.

Arte de finales de la dinastía Qing

La última etapa de la dinastía Qing generalmente se refiere al período comprendido entre la Guerra del Opio en 1840 y la caída de la dinastía Qing en 1912. Durante este período, el poder nacional de la corte Qing disminuyó, los problemas internos y externos fueron constantes, las guerras se sucedieron con frecuencia y el país se vio obligado a abrir sus puertas. ^{[ 39 ]} La cultura occidental y la economía comercial inundaron China en gran número, y la estructura social feudal tradicional se desintegró gradualmente. El comercio urbano, especialmente en puertos comerciales como Shanghái, floreció rápidamente.

Los drásticos cambios en la situación social afectaron directamente el desarrollo de la pintura: la pintura tradicional, originalmente al servicio de la corte, los eruditos y los letrados, dejó de estar confinada a un estilo elevado y exclusivo y comenzó a acercarse al pueblo y al mercado. El choque entre las culturas china y occidental también provocó que la pintura se alejara de los métodos antiguos, lo que resultó en una profunda transformación estética y estilística. La secularización, la comercialización y la integración de ambas culturas se convirtieron en los rasgos más destacados de la pintura de finales de la dinastía Qing.

La escuela de pintura más representativa de finales de la dinastía Qing fue la Escuela de Shanghái (海派) Haipai , que surgió con el puerto comercial de Shanghái como su centro. ^{[ 40 ]} Con el desarrollo comercial y la expansión de la clase media urbana en Shanghái, la caligrafía y la pintura se convirtieron en mercancías comercializables. Los pintores ya no se limitaban a perseguir la elevada concepción artística de los eruditos, sino que se adaptaban a los estándares estéticos del público en general. Sus temas se hicieron más populares, los colores más vivos y las pinturas más dinámicas y atractivas.

Entre las figuras representativas de la Escuela de Shanghái se encuentran Ren Bonian , Wu Changshuo , Xu Gu y Zhao Zhiqian . En cuanto al estilo, se observa un cambio significativo con respecto a mediados de la dinastía Qing: ya no se persigue ciegamente la elegancia y la frialdad, sino que los colores son ricos y brillantes, y las pinceladas son libres y espontáneas. ^{[ 41 ]} Los temas se han ampliado, pasando del tradicional aislamiento paisajístico a incluir gente común, flores, pájaros, animales auspiciosos y motivos folclóricos de buen augurio. Al mismo tiempo, incorpora la vigorosa pincelada de la caligrafía en metal y piedra, con una composición plena y grandiosa que atrae tanto a los gustos refinados como a los populares. No solo conserva la base tradicional de pincel y tinta de la pintura de los letrados, sino que también se alinea estrechamente con la vida de los ciudadanos y el mercado comercial, sentando así una base importante para la transformación de la pintura china moderna.

Los nianhua eran una forma de grabados en madera coloreados en China, que representaban imágenes para la decoración durante el Año Nuevo Chino . En el siglo XIX, los nianhua se utilizaban como medio de comunicación.

Escuela de Shanghái

La Escuela de Shanghái fue una escuela china de artes tradicionales de gran importancia durante la dinastía Qing y el siglo XX. Gracias a los esfuerzos de sus maestros, el arte tradicional chino alcanzó un nuevo apogeo y perduró hasta la actualidad en la pintura china (中國畫), o guohua (國畫) para abreviar. La Escuela de Shanghái desafió y rompió con la tradición intelectual del arte chino, al tiempo que rendía homenaje técnico a los antiguos maestros y perfeccionaba las técnicas tradicionales existentes. Los miembros de esta escuela eran intelectuales cultos que cuestionaban su propio estatus y el propósito del arte, y anticipaban la inminente modernización de la sociedad china. En una época de rápidos cambios sociales, las obras de la Escuela de Shanghái fueron sumamente innovadoras y diversas, y a menudo contenían una reflexión social sutil pero profunda. Las figuras más conocidas de esta escuela son Ren Xiong , Ren Bonian , Zhao Zhiqian , Wu Changshuo , Sha Menghai , Pan Tianshou , Fu Baoshi , He Tianjian y Xie Zhiliu . Otros pintores conocidos son Wang Zhen , Zhang Xiong y Yang Borun .

Cuadro

La pintura tradicional china, al igual que la caligrafía china , se realiza con un pincel mojado en tinta negra o de color ; no se utilizan óleos. Como en la caligrafía, los materiales más comunes para pintar son el papel y la seda. La obra terminada se puede montar en pergaminos, como pergaminos colgantes o pergaminos de mano . La pintura tradicional también se puede realizar sobre hojas de álbum, paredes, objetos lacados , biombos y otros soportes.

Las dos técnicas principales de la pintura china son:

El gong-bi (工筆), que significa "meticuloso", utiliza pinceladas muy detalladas que delimitan los detalles con gran precisión. Suele ser muy colorido y generalmente representa temas figurativos o narrativos. A menudo lo practican artistas que trabajan para la corte real o en talleres independientes. Las pinturas de pájaros y flores solían realizarse en este estilo.
La pintura a tinta y aguada , en chino Shui-mo o (水墨^{[ 42 ]} ), también denominada informalmente acuarela o pintura a pincel, y conocida como pintura de letrados , ya que era una de las cuatro artes de la clase de funcionarios eruditos chinos . ^{[ 43 ]} En teoría, este era un arte practicado por caballeros, una distinción que comienza a hacerse en escritos sobre arte de la dinastía Song, aunque de hecho las carreras de los principales exponentes podían beneficiarse considerablemente. ^{[ 44 ]} Este estilo también se conoce como "xie yi" (寫意) o estilo a mano alzada.

Los artistas de las dinastías Han y Tang pintaron principalmente la figura humana. Gran parte de lo que se sabe de la pintura figurativa china temprana proviene de yacimientos funerarios, donde las pinturas se conservaron en estandartes de seda, objetos lacados y muros de tumbas. Muchas de las primeras pinturas funerarias tenían como objetivo proteger a los difuntos o ayudar a sus almas a alcanzar el paraíso. Otras ilustraban las enseñanzas del filósofo chino Confucio o mostraban escenas de la vida cotidiana. La mayoría de los retratos chinos presentaban una vista frontal formal de cuerpo entero y se utilizaban en la familia para la veneración de los ancestros . Los retratos imperiales eran más flexibles, pero generalmente no se veían fuera de la corte, y el retrato no formaba parte de la propaganda imperial, como ocurría en otras culturas.

Muchos críticos consideran el paisaje como la máxima expresión de la pintura china. El periodo comprendido entre las Cinco Dinastías y la dinastía Song del Norte (907-1127) se conoce como la "Gran Era del Paisaje Chino". En el norte, artistas como Jing Hao , Li Cheng , Fan Kuan y Guo Xi pintaron imponentes montañas, utilizando fuertes líneas negras, aguadas de tinta y pinceladas punteadas y definidas para evocar la escarpada roca. En el sur, Dong Yuan, Juran y otros artistas plasmaron las ondulantes colinas y ríos de su campiña natal en escenas apacibles, realizadas con pinceladas más suaves y difuminadas. Estos dos tipos de escenas y técnicas se convirtieron en los estilos clásicos de la pintura paisajística china.

Principios de otoño ; por Qian Xuan ; siglo XIII; tinta y colores sobre rollo de papel; 26,7 × 120,7 cm; Instituto de Artes de Detroit . Las hojas de loto en descomposición y las libélulas que revolotean sobre el agua estancada son probablemente una crítica velada al dominio mongol. ^{[ 45 ]}
Lohan manifestándose como una Guanyin de once cabezas ; circa 1178; tinta y color sobre seda; 111,5 × 53,1 cm; Museo de Bellas Artes de Boston .
Loro e insecto entre flores de peral; por Huang Jucai ; segunda mitad del siglo XIII; tinta y color sobre seda; 27,6 × 27,6 cm; Museo de Bellas Artes de Boston.
Las ocho huestes de Deva, Naga y Yakshi; 1454; rollo colgante, tinta y color sobre seda; dimensiones de la pintura: 140,2 × 78,8 cm; Museo de Arte de Cleveland .
Wang Ximeng , Mil li de ríos y montañas (千里江山圖), detalle. Dinastía Song del Norte, c. 1113. Pergamino, tinta y pigmentos minerales sobre seda. Museo del Palacio.
Retrato; principios del siglo XX (?); álbum de veinte hojas, tinta y color sobre seda; 28,3 × 22,2 cm; Museo Metropolitano de Arte.
Damas de la corte del antiguo Shu por Tang Yin
Museo de Brooklyn – El peregrino budista chino Xuanzang

Escultura

Los bronces rituales chinos de las dinastías Shang y Zhou Occidental datan de un período de más de mil años, desde aproximadamente el 1500 a. C., y han ejercido una influencia continua en el arte chino. Están fundidos con una decoración compleja, con patrones y figuras zoomorfas , pero evitan la figura humana, a diferencia de las enormes figuras descubiertas recientemente en Sanxingdui . ^{[ 46 ]} El espectacular Ejército de Terracota se ensambló para la tumba de Qin Shi Huang , el primer emperador de una China unificada entre el 221 y el 210 a. C., como una grandiosa versión imperial de las figuras que durante mucho tiempo se colocaban en las tumbas para que el difunto pudiera disfrutar del mismo estilo de vida en el más allá que en vida, reemplazando los sacrificios reales de períodos muy antiguos. Figuras más pequeñas de cerámica o madera se colocaron en las tumbas durante muchos siglos después, alcanzando su máximo esplendor en las figuras funerarias de la dinastía Tang . ^{[ 47 ]}

Las religiones nativas chinas no suelen utilizar imágenes de culto de deidades, ni siquiera las representan, y la gran escultura religiosa es casi toda budista, datando principalmente de los siglos IV al XIV, y utilizando inicialmente modelos grecobudistas que llegaron a través de la Ruta de la Seda . El budismo también constituye el contexto de toda la gran escultura de retratos; en total contraste con otras áreas de la China medieval, incluso las imágenes pintadas del emperador se consideraban privadas. Las tumbas imperiales tienen espectaculares avenidas de acceso bordeadas de animales reales y mitológicos a una escala comparable a la de Egipto, y versiones más pequeñas decoran templos y palacios. ^{[ 48 ]} Se producían pequeñas figuras y grupos budistas de muy alta calidad en una variedad de materiales, ^{[ 49 ]} al igual que la decoración en relieve de todo tipo de objetos, especialmente en metal y jade . ^{[ 50 ]} Los escultores de todo tipo eran considerados artesanos y se registran muy pocos nombres. ^{[ 51 ]}

Vasija zun con forma de pájaro del marqués de Jin, c. siglos XI-X a. C. Museo de Shanxi .
Figura de bronce dorado de Avalokiteśvara (Guanyin), dinastía Tang (618–907). Museo del Palacio Nacional.
Colosal Buda sentado, Cueva 20, Grutas de Yungang , Shanxi. Dinastía Wei del Norte (siglo V).
Estatua del luohan Tamrabhadra, perteneciente al grupo de luohans de cerámica vidriada de Yixian ; siglos X-XIII; terracota vidriada; altura: 123 cm; Museo Guimet .
Guanyin de la Luna de Agua , dinastía Liao (siglos XI-XII). Madera con policromía y oro. Museo de Arte Nelson-Atkins.
Elefante engalanado, dinastía Liao. Museo de Arte de Cleveland.
Seated luohan; 18th–19th century; lapis lazuli; height: 18.1 cm, width: 25.4 cm; Metropolitan Museum of Art
Limestone right hand of Buddha from Northern Xiangtangshan Caves, Northern Qi dynasty (550–577). Metropolitan Museum of Art.

Ceramics

Chinese ceramic ware shows a continuous development since the pre-dynastic periods, and is one of the most significant forms of Chinese art. China is richly endowed with the raw materials needed for making ceramics. The first types of ceramics were made during the Palaeolithic era, and in later periods range from construction materials such as bricks and tiles, to hand-built pottery vessels fired in bonfires or kilns, to the sophisticated Chinese porcelain wares made for the imperial court. Most later Chinese ceramics, even of the finest quality, were made on an industrial scale, thus very few individual potters or painters are known. Many of the most renowned workshops were owned by or reserved for the Emperor, and large quantities of ceramics were exported as diplomatic gifts or for trade from an early date.

The Song dynasty (960–1279) is often regarded as the golden age of Chinese ceramics, particularly for its refined monochrome wares. The "Five Great Kilns", Ru, Guan, Ge, Jun, and Ding, produced wares for the imperial court that have been prized by collectors for centuries.^[52]

With the advent of the Ming Dynasty (1368-1644), Chinese ceramic art ushered in another golden age. Supported by the imperial court, the official kilns were defined by rigorous craftsmanship and strict regulations.^[53] Ming Dynasty blue-and-white porcelain, notable for its balanced blue glaze and dynamic patterns, became a signature category. Themes included landscapes, flowers and birds, figures, and auspicious designs. This not only highlighted royal grandeur but also integrated folk aesthetics. Additionally, underglaze red porcelain, using copper for its vivid color, stands out for its firing difficulty and rarity. In the late Ming Dynasty, polychrome porcelain emerged, introducing rich colors, strong contrasts, and elaborate decorations. This innovation broke away from monochrome styles and advanced ceramic decorative art.

As China entered the modern era, ceramic craftsmanship continued to evolve, blending traditional manual skills with modern industrial technology. Despite these changes, Jing De Zhen's role as the porcelain capital remains unchanged. It preserves the essence of traditional ceramic craftsmanship and classic production techniques, such as blue-and-white porcelain and powder enamel, while embracing innovation through modern design concepts.^[54] This enables the development of ceramic works that suit contemporary lifestyles and tastes. In this new context, Jing De Zhen serves as both the core base for China's ceramic production and research and a key platform for cultural exchange between Chinese and foreign ceramics. Traditional handcrafted kilns coexist with modern ceramic enterprises, retaining time-honored processes such as "throwing, glazing, and firing" while integrating modern technology to optimize processes and improve quality.^[54] Through continuous innovation and inheritance, Chinese ceramic art maintains its unique charm, becoming a cultural bridge connecting the past, present, and world.

Ru ware brush washer with inscription (汝窯青瓷奉華款洗), Northern Song dynasty, late 11th–early 12th century. National Palace Museum.
Gooseneck vase (汝窯天藍釉刻花鵝頸瓶) with sky-blue glaze and incised floral decoration, Ru ware, Northern Song dynasty, c. 1086–1125 CE
Jun ware miniature incense burner with blue glaze, Song–Yuan dynasty (12th–14th century). Metropolitan Museum of Art.
Jun ware vase, Qing dynasty (1644–1912), Cleveland Museum of Art.
Glazed ceramic taoshou (套獸, corner beam finial) from the Old Summer Palace, Qing dynasty, Qianlong period (1736–1796). Royal Ontario Museum.
Buddhist figurines; by Qiao Bin; circa 1503; glazed pottery; various dimensions; Metropolitan Museum of Art
Early Yaozhou ware from the Five Dynasties period, 10th century AD
Two flasks with dragons; 1403–1424; underglaze blue porcelain; height (the left one): 47.8 cm, height (the right one): 44.6 cm; British Museum
Jar: 18th century; porcelain painted in overglaze famille rose enamels; height: 61 cm; Metropolitan Museum of Art
Jingdezhen blue and white porcelain court bead box (chao zhu he 朝珠盒), Ming dynasty, Jiajing period (1522–1566). Metropolitan Museum of Art.
Yohen tenmoku (曜変天目) tea bowl, Southern Song dynasty (1127–1279). Seikadō Bunko Art Museum, Tokyo.
Ding ware pillow in the shape of a recumbent child, Northern Song dynasty (12th century). National Palace Museum.
Red-glazed bowl with incised dragon decoration, Ming dynasty, Hongwu period (before 1398). National Palace Museum.
Ruby red glazed monk's cap ewer (sengmaophu), Ming dynasty, Xuande mark and period (1426–1435). National Palace Museum.
Revolving vase with goldfish design on cobalt blue glaze with gilt tracing, Qing dynasty, Qianlong period (1736–1795). National Palace Museum.
Rotating bowl with celadon glaze and Fencai enamel, Qing dynasty, Qianlong period. National Palace Museum.
Cong-shaped vase (zongshi ping 琮式瓶) with cobalt blue glaze, Qing dynasty (before 1908). The form derives from the cong 琮, a jade ritual object of the Neolithic period later replicated in bronze during the Shang and Zhou dynasties. National Palace Museum.
Doucai dish with floral and kui-phoenix design, Qing dynasty, Qianlong period. Nanjing Museum.
Wucai "Hundred Deer" vase (bailu zun 百鹿尊), Ming dynasty, Wanli period (1573–1620). National Palace Museum.
Black-glazed tea bowl with "partridge feather" splashes (zhegu ban 鷓鴣斑), Song dynasty (960–1279), Jizhou ware. National Palace Museum.

Furniture

Chinese furniture, particularly from the Ming dynasty (1368–1644), is regarded as one of the highest achievements in furniture design and craftsmanship. Ming furniture is characterized by elegant proportions, minimal ornamentation, and sophisticated joinery techniques that require no nails or glue. Its aesthetic principles, emphasizing negative space, structural honesty, and the natural beauty of materials, have influenced modern designers, including Danish furniture maker Hans Wegner.^[55] The modern systematic study of classical Chinese furniture began with scholar Wang Shixiang (王世襄, 1914–2009), whose Classic Chinese Furniture: Ming and Early Qing Dynasties (1985) established the field.^[56]^[57]

The most prized materials are huanghuali (黃花梨, a type of rosewood) and zitan (紫檀, padauk), both dense hardwoods with distinctive grain patterns, Hongmu (紅木, blackwood) was also widely used for fine furniture, particularly in the Qing dynasty. These woods were scarce even during the Ming dynasty and are now extremely rare. The refined aesthetics of Ming furniture—clean lines, subtle curves, and respect for natural wood grain—reflect the tastes of the scholar-official class and literati culture.^[58]

Construction relies on complex mortise-and-tenon joinery (榫卯結構), with dozens of distinct joint types developed over centuries. This interlocking system allows furniture to expand and contract with humidity changes while maintaining structural integrity for hundreds of years.^[59]

Qing dynasty furniture (1644–1912) shifted toward heavier proportions, more elaborate carving, and the use of lacquer and inlay decoration, reflecting Manchu court tastes and increased contact with European design.^[60]^[61]

Huanghuali folding horseshoe-back armchair (jiaoyi) with carved floral splat, Ming dynasty, 16th–17th century. Nelson-Atkins Museum of Art.
Huanghuali painting table, Ming dynasty, late 16th–early 17th century. Metropolitan Museum of Art, New York.
Zitan table stand (front), Qing dynasty, 17th–18th century. Metropolitan Museum of Art.
Zitan table stand (side), Qing dynasty, 17th–18th century. Metropolitan Museum of Art.
Red lacquer armchair with painted gold and black motifs, Qing dynasty, 18th–19th century.
Huanghuali twelve-panel folding screen with chilong, bat, and figural narrative scenes, Ming–Qing dynasty, 17th century.
Daybed (ta), Ming dynasty, 16th–17th century. Shanghai Museum.
Huanghuali display cabinet (lianggegui) with openwork dragon (chilong) apron, Ming dynasty, 17th century.
Hongmu bench (bandeng), Qing dynasty, late 17th century. Honolulu Museum of Art.
Huanghuali circular incense stand (xiangji) with five cabriole legs, Ming dynasty. Shanghai Museum.

Decorative arts

As well as porcelain, a wide range of materials that were more valuable were worked and decorated with great skill for a range of uses or just for display.^[50] Chinese jade was attributed with magical powers, and was used in the Stone and Bronze Ages for large and impractical versions of everyday weapons and tools, as well as the bi disks and cong vessels.^[62] Later a range of objects and small sculptures were carved in jade, a difficult and time-consuming technique. Bronze, gold and silver, rhinoceros horn, Chinese silk, ivory, lacquer and carved lacquer, cloisonne enamel and many other materials had specialist artists working in them. Cloisonne underwent an interesting process of artistic hybridization in China, particularly in the pieces promoted by missionaries and Chinese Christian communities.^[63]

Folding screens (Chinese:屏風; pinyin:píngfēng) are often decorated with beautiful art; major themes include mythology, scenes of palace life, and nature. Materials such as wood panel, paper and silk are used in making folding screens. They were considered ideal ornaments for many painters to display their paintings and calligraphy.^[64]^[65] Many artists painted on paper or silk and applied it onto the folding screen.^[64] There were two distinct artistic folding screens mentioned in historical literature of the era.

Jadeite Cabbage with Insects (翠玉白菜), Qing dynasty, 19th century. Carved from a single piece of jadeite, with a katydid and locust on the leaves. National Palace Museum, Taipei.
Cup; early 17th century; rhinoceros horn; height: 10.2 cm; Metropolitan Museum of Art.
Container with colored enamel decoration over transparent glaze, Jingdezhen ware, 19th century, Metropolitan Museum of Art.
Incense burner in the shape of a rooster; 18th century; cloisonné enamel on copper; Metropolitan Museum of Art
Pipa with carved and inlaid decoration, Qing dynasty. Metropolitan Museum of Art.
Rank badge (buzi) with mythical beast, silk embroidery, Ming dynasty (1368–1644). Metropolitan Museum of Art.
Miniature landscape with figures, Qing dynasty, 18th–19th century. Carved from a single piece of ivory depicting mountains, pavilions, bridges, streams, nine boats, and thirty-four figures. National Palace Museum.
Hongmu panel with ivory inlay depicting landscape and figures, Qing dynasty, Daoguang period (1821–1850).

Architecture

Chinese architecture refers to a style of architecture that has taken shape in East Asia over many centuries. Especially Japan, Korea, Vietnam and Ryukyu. The structural principles of Chinese architecture have remained largely unchanged, the main changes being only the decorative details. Since the Tang dynasty, Chinese architecture has had a major influence on the architectural styles of Korea, Vietnam, and Japan.

From the Neolithic era Longshan culture and Bronze Age era Erlitou culture, the earliest rammed earth fortifications exist, with evidence of timber architecture. The subterranean ruins of the palace at Yinxu dates back to the Shang. In historic China, architectural emphasis was laid upon the horizontal axis, in particular the construction of a heavy platform and a large roof that floats over this base, with the vertical walls not as well emphasized. This contrasts Western architecture, which tends to grow in height and depth. Chinese architecture stresses the visual impact of the width of the buildings. The deviation from this standard is the tower architecture of the Chinese tradition, which began as a native tradition and was eventually influenced by the Buddhist building for housing religious sutras—the stupa—which came from Nepal. Ancient Chinese tomb model representations of multiple story residential towers and watchtowers date to the Han. However, the earliest extant Buddhist Chinese pagoda is the Songyue Pagoda, a 40 m (130 ft) tall circular-based brick tower built in Henan in the year 523 CE From the 6th century onwards, stone-based structures become more common, while the earliest are from stone and brick arches found in Han dynasty tombs. The Zhaozhou Bridge built from 595 to 605 CEis China's oldest extant stone bridge, as well as the world's oldest fully stone open-spandrel segmental arch bridge.

Inside the *Forbidden City*, an example of Chinese architecture from the 15th century

The vocational trade of architect, craftsman, and engineer was not as highly respected in premodern Chinese society as the scholar-bureaucrats who were drafted into the government by the civil service examination system. Much of the knowledge about early Chinese architecture was passed on from one tradesman to his son or associative apprentice. However, there were several early treatises on architecture in China, with encyclopedic information on architecture dating back to the Han dynasty. The height of the classical Chinese architectural tradition in writing and illustration can be found in the Yingzao Fashi, a building manual written by 1100 and published by Li Jie (1065–1110) in 1103. In it there are numerous and meticulous illustrations and diagrams showing the assembly of halls and building components, as well as classifying structure types and building components.

There were certain architectural features that were reserved solely for buildings built for the Emperor of China. One example is the use of yellow roof tiles; yellow having been the Imperial color, yellow roof tiles still adorn most of the buildings within the Forbidden City. The Temple of Heaven, however, uses blue roof tiles to symbolize the sky. The roofs are almost invariably supported by brackets, a feature shared only with the largest of religious buildings. The wooden columns of the buildings, as well as the surface of the walls, tend to be red in colour.

Modern Chinese architecture has been shaped by multiple influences: Soviet-style architecture dominated the 1950s, exemplified by the Ten Great Buildings of Beijing (1959); since the Reform and Opening (1978), post-modern and Western styles have become prevalent, with international architects such as I. M. Pei, Rem Koolhaas, and Zaha Hadid contributing major projects.

Relief from the Wu Family Shrines (Jiaxiang County, Shandong) that shows Han dynasty architecture, 151 CE
Great Hall of Nanchan Temple, Shanxi, Tang dynasty, 782 CE. The oldest surviving wooden building in China.
The East Main Hall of Foguang Temple, Shanxi, constructed in 857 CE; one of only three surviving wooden building from the Tang dynasty in China
Pagoda of Fogong Temple, Shanxi, 1056
The Songyue Pagoda, Henan, 523
The Guanyian Pavilion of the Dule Monastery (Jixian, China), 984
Hall of Prayer for Good Harvests, the main building of the Temple of Heaven (Beijing), 1703–1790
The Longxing Temple in Hebei (Zhengding, China), 1052

Garden

Performing art

Modern Chinese art

New China art (1912–1949)

Sanmao, one of the most well-known comic book characters in China

Modern art movement

The movement to modernize Chinese art started toward the end of the Qing dynasty. The traditional art form started to lose its appeal as the feudalistic structure of the society was dissolving. The modern view of the world had to be expressed in a different form. The explorations went on two main paths: one was to draw from the past to enrich the present (汲古潤今)*, the other was to "learn the new methods" (學習新法).*^[66]

Draw from the past

The literati art for the social elite was not appealing to the bourgeois patrons. Wu Changshuo (1844–1927) was among the Shanghai-based artists responsible for flowers and plants as the subject matter. His paintings used bold colors and energetic brush strokes, making them more accessible to the general public. Qi Baishi (1864–1957) painted images like crabs and shrimps that were even more approachable to the common people. Huang Binhong (1865–1955) denounced the literati paintings of the Qing dynasty and created his own style of landscape paintings by extensive investigations in Chinese art history. Zhang Daqian (1899–1983) used wall paintings in the Dunhuang (敦煌) caves to help him move beyond the literati tradition.

Learn new methods

The Lingnan School (岭南画派) made some borrowings from the language of Western art in their ink paintings. Gao Jianfu (1879–1951), one of the founders of Lingnan School, was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925). He was innovative in that he intended to use his paintings to highlight national issues, a medium for positive change in society.

Flames on the Eastern Battlefront by Gao Jianfu, 1937 ink and colors on paper
Portrait of Madam Cheng (1941), oil on board, Xu Beihong
Warhorse by Xu Beihong

A more radical style change started with Kang Youwei (1858–1927), a reformer who admired the more reality-based art of the Song dynasty. He believed that Chinese art could be rejuvenated by employing the reality-oriented art techniques of Europe. Xu Beihong (1895–1953) took this idea to heart and went to Paris to acquire the necessary skills. Liu Haisu (1896–1994), on the other hand, went to Japan to learn western techniques. Both Xu, and Liu became presidents of prestigious art schools, instilling new concepts and skills in the next generation of artists. Cai Yuanpei (1868–1940) was one of the leaders in the New Culture Movement (新文化运动). Those involved believed that intellectual activities should benefit all, not just the elites. Cai's belief that art could play a public, socially reformist role was adopted by Lin Fengmian (1900–1991).

Together with Yan Wenliang (1893–1988), Xu, Liu, and Lin were considered the "Four Great Academy Presidents" (四大校長), who spearheaded the national modern art movement. However, the subsequent upheaval caused by the Sino–Japanese war and the civil war did not allow this movement to grow. The Chinese modern art movement after the war developed differently in the four the regions: the Mainland, Taiwan, Hong Kong, and overseas.

Postwar Chinese art (1949–1976)

The postwar era is roughly from 1949, the end of Chinese civil war, to 1976, the opening of mainland China to the outside world.

Mainland

The postwar era in mainland China could be divided into two periods: 1949 to 1966 is generally called "The 17 Years"; 1966 to 1976 is the period of the "Cultural Revolution".

The 17 Years

Chinese artists adopted social realism as a form of expression; it was a combination of revolutionary realism and revolutionary romanticism. Artwork was not valued on its own terms but was subservient to a political purpose. According to Mao Zedong, art should be a "powerful weapon for uniting and educating the people, fighting and destroying the enemy". Praising political leaders and celebrating the achievements of socialism became the theme of all artwork. Western art forms, including Cubism, Fauvism, Abstraction, and Expressionism were deemed superficial and were categorized as formalism.

The biggest blow to art was the Anti-Rightist Campaign of 1957. Artists who were labeled as rightists were stripped of their right to create and even their jobs, and worse, the social standing of the artists and their families was placed at the lowest level, causing great mental suffering.

Some influential paintings from this period are:

Li Keran, Reddening of Ten Thousand Mountains (李可染《万山红遍》)
Huang Zhou, The Snowstorm (黄胄《洪荒风雪》)
Dong Xiwen, The Founding Ceremony of the Nation (董希文《开国大典》) had gone through several revisions, due to the changing political situation. Gao Gang was taken out when he went out of favor, Liu Shaoqi was replaced by Dong Biwu for a while, then the prototype was restored.

Cultural Revolution

These ten years could also be called the "Ten Years of Calamity" (十年浩劫). In order to destroy everything that supported the old social order, countless temples, historic sites, artworks, and books were ravaged and burnt. During this period the portrait of Mao and propaganda posters of revolution were everywhere. Anything that was remotely suspected of being out of line was destroyed, and the person behind it was prosecuted. For example, Owl by Huang Yongyu had one eye open and one eye closed; it was deemed an expression of dissatisfaction with current events. Zong Qixiang's painting, which shows three tigers, was deemed critical of the leader Lin Biao, whose name contained a character that had three tigers in it. Residual Lotus by Li Kuchan had eight lotus flowers; it was deemed to be critical of the eight communist approved movies (样板戏). Many prominent artists were persecuted during this time. For example, Yan, Xu, Liu, and Lin, the "Four Great Academy Presidents" 四大校長 (except for Xu who died before the Cultural Revolution), were all prosecuted and jailed, and all their work was destroyed during this time. However, despite the difficult environment, some noteworthy paintings were created. The following are some examples:

Chen Yifei, The Yellow River (陈逸飞《黄河颂》)
Sun Jingbo, New Song by Ah Xi (孙景波《阿细新歌》)

Hong Kong

Hong Kong was a British colony from 1842 to 1997. The local art organizations were mostly run by Westerners who outnumbered Chinese painters until a large migration of Chinese from Southern China during Sino–Japanese War. Innovative art colleges were established after the war. The shows organized by local artists started in the early 1960s. After a reaction against the traditional Western artistic practices of the 1940s and the 1950s, some experimental works that combined both western and eastern techniques were made. Then came the call for a return to Chinese traditional art and the creation of forms of art that Hong Kong could call its own. The trend was led by Lui Shou Kwan. Some western concepts were incorporated into his Chinese ink paintings.^[67]

Lui Shou Kwan, 1965

Overseas

Paris

Many Chinese artists went to study western art in Paris in the early 1900s, for example: Fang Ganmin (方幹民), Wu Dayu (吳大羽), Ong Schan Tchow (翁占秋), Lin Fengmian (林風眠), Yan Wenliang (顏文樑), Wu Guanzhong (吳冠中), Zao Wou-Ki (趟無極). All except Zao completed their education before 1949 and returned to become leaders in the modern art movement. (Zao happened to be in Paris in 1949 and did not return.) Some Chinese artists went to stay there because of the rich international art environment, for example: Sanyu, Pan Yuliang (潘玉良), Chu Teh-Chun (朱德群). Zao, Sanyu, Pang, and Chu all had shows in Paris and the Republic. All their paintings had varying degrees of Chinese elements in them. These artists not only had a profound influence in Chinese modern art, but they also continued to engage Parisians with modern art from the East.^[68]

Zao Wou-Ki, 1959

United States

Li Tiefu (1869–1952) was an accomplished oil painter educated in Canada and the United States. He was an active participant in the revolutionary movement of Sun Yat-sen (1866–1925).

Zeng Youhe 曾佑和 (1925–2017)^[69] was born in Beijing. She started receiving international recognition in 1946, when Michael Sullivan began praising and writing about her work. Zeng moved to Honolulu in 1949 and visited Hong Kong and Taiwan in 1960. Like those of the Fifth Moon Group (五月畫會), her paintings were abstract; but the flavor of traditional Chinese ink paintings were not as pronounced.

Zeng Youhe, 1961

Taiwan

Because of its history, traditional Chinese art does not have strong roots in Taiwan. The art forms in Taiwan were generally decorative, until youths growing up under the Japanese occupation received formal art education in Japan. Not burdened with traditional art form, their exploration generally followed the path of "learning the new methods" (學習新法). When the Nationalists arrived in Taiwan, a group of ambitious youths who came with the Nationalists continued the modern art movement. The most notable were the Fifth Moon Group (五月畫會) and the Ton-Fan Art Group (東方畫會).

Fifth Moon Group

The original members of the group were alumni with art majors from the Academic Teachers College (師範大學), the only university with an art major at the time. Their first intention was to show that the effort to create new art was worthwhile in itself, even if it did not directly enhance art pedagogy. Later, it became a movement to modernize Chinese art.

The members of the Fifth Moon Group studied western art movements, and concluded that the abstract art form was the best medium for modern Chinese art. They felt the best the Chinese paintings were ones that de-emphasized realistic representation, and emphasized atmosphere and "vividness", which comes from the brush strokes and the natural interaction between ink and paper. To further that idea, one does not need representation of objects in painting, or strictly use ink and paper. The beauty of a painting can be appreciated directly from the forms, textures, and colors on the canvas without their relation to real objects. The group was active from 1957 to 1972. The main members are Liu Guosong, Chuang Che (莊喆), Hu Chi-Chung (胡奇中), Fong Chung-ray (馮鍾睿), and Han Hsiang-ning.

Ton-Fan Art Group (東方畫會)

The members of this group were students who attended private art classes offered by Li Zhongsheng (李仲生), a mainland-born artist who had been one of the active participants in the modern art movement. He and a number of mainland artists who painted in a western style continued the modern art movement by publishing magazines and writing articles to introduce modern art to Taiwan. His teaching style was unconventional and socratic in nature.

The original intention of the group was to introduce modern art to the public. They believed there should be no restriction on the form or style of a modern Chinese painting, as long as the painting expressed meaning that was Chinese in nature. The group was active from 1957 to 1971. The main members were: Ho Kan (霍剛), Li Yuan-chia, Wu Hao (吳昊),^[70] Oyan Wen-Yuen (歐陽文苑), Hsia Yan (夏陽), Hsiao Chin (蕭勤), Tommy Chen (陳道明),^[71] and Hsiao Ming-Hsien (蕭明賢). The following are a sample of their paintings from that period:

Ho Kan, 1967
Hsia Yan, 1965
Hsiao Chin, 1955Archived July 19, 2019, at the Wayback Machine

Redevelopment (mid-1980s – 1990s)

Contemporary art

Contemporary Chinese art (Chinese:中國當代藝術; pinyin:Zhongguo Dangdai Yishu) often referred to as Chinese avant-garde art, continued to develop since the 1980s as an outgrowth of modern art developments post-Cultural Revolution.

Han Yajuan: Fashion Ensemble. Oil on canvas, 2010 (180 cm × 360 cm).

Contemporary Chinese art fully incorporates painting, film, video, photography, and performance. Until recently, art exhibitions deemed controversial have been routinely shut down by police, and performance artists in particular faced the threat of arrest in the early 1990s. More recently there has been greater tolerance by the Chinese government, though many internationally acclaimed artists are still restricted from media exposure at home or have exhibitions ordered closed. Leading contemporary visual artists include Ai Weiwei, Cai Guoqiang, Cai Jin, Chan Shengyao, Concept 21, Ding Yi, Fang Lijun, Fu Wenjun, He Xiangyu, Huang Yan, Huang Yong Ping, Han Yajuan, Kong Bai Ji, Li Hongbo, Li Hui, Liu Bolin, Lu Shengzhong, Ma Liuming, Qiu Deshu, Qiu Shihua, Shen Fan, Shen Shaomin, Shi Jinsong, Song Dong, Li Wei, Wang Guangyi, Wenda Gu, Xu Bing, Yang Zhichao, Zhan Wang, Zheng Lianjie, Zhang Dali, Zhang Xiaogang, Zhang Huan, Zhu Yu, Wu Shaoxiang, Ma Kelu, Ding Fang, Shang Yang, Gao Minglu, and Guo Jian.

Visual art

Beginning in the late 1980s, there was unprecedented exposure for younger Chinese visual artists in the west to some degree through the agency of curators based outside the country such as Hou Hanru. Local curators within the country such as Gao Minglu and critics such as Li Xianting reinforced this promotion of particular brands of painting that had recently emerged, while also spreading the idea of art as a strong social force within Chinese culture. There was some controversy as critics identified these imprecise representations of contemporary Chinese art as having been constructed out of personal preferences, a kind of programmatized artist-curator relationship that only further alienated the majority of the avant-garde from Chinese officialdom and western art market patronage.

Chinoiserie

Chinoiserie is the European interpretation and imitation of Chinese and East Asian artistic traditions, especially in the decorative arts, garden design, architecture, literature, theatre, and music.^[72] The aesthetic of Chinoiserie has been expressed in different ways depending on the region. It is related to the broader current of Orientalism, which studied Far East cultures from a historical, philological, anthropological, philosophical, and religious point of view. First appearing in the 17th century, this trend was popularized in the 18th century due to the rise in trade with China and East Asia.^[73]

As a style, chinoiserie is related to the rococo style.^[74] Both styles are characterized by exuberant decoration, asymmetry, a focus on materials, and stylized nature and subject matter that focuses on leisure and pleasure. Chinoiserie focuses on subjects that were thought by colonial-era Europeans to be typical of Chinese culture.

The Chinese House, a chinoiserie garden pavilion in Sanssouci Park, from Potsdam, Germany
Kneehole writing table; circa 1760; mahogany, mahogany veneer and gilt bronze; 88.9 × 97.8 × 62.2 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)
Audience of the Chinese Emperor; 1766; hard-paste porcelain; overall: 39.8 × 33.2 × 21.7 cm; Metropolitan Museum of Art
Drop-front secretaire (secrètaire à abattant); 1770–1775; painted and varnished oak, mahogany, purplewood and gilt-bronze mounts; 152.4 × 67.9 × 34 cm; Metropolitan Museum of Art
Ornamental Design from "Nouvelle suite de cahiers chinois a l'usage des Dessinateurs et des peintres"; after 1775; etching with colored inks à la poupé on off-white laid paper; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (New York City)
The Chinese Room in the Royal Palace (Berlin); 1850; brush and watercolor and gouache, graphite on white wove paper; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum
Pair of round and flat bodied bottles; 1870–1880; porcelain; first bottle: 26.4 × 21 × 10.6 cm, second bottle: 25.7 × 20.2 × 10.2 cm; Metropolitan Museum of Art
The Tea House at Myasnitskaya Street in Moscow (Russia)

Art market

*All The Mountains Blanketed in Red* by Li Keran

Today, the market for Chinese art, both antique and contemporary, is widely reported to be among the hottest and fastest-growing in the world, attracting buyers all over the world.^[75]^[76]^[77] The Voice of America reported in 2006 that modern Chinese art is raking in record prices both internationally and in domestic markets, some experts even fearing the market might be overheating.^[78]The Economist reported that Chinese art has become the latest darling in the world market according to the record sales from Sotheby's and Christie's, the biggest fine-art auction houses.^[79]

Contemporary Chinese art saw record sales throughout the 2000s. In 2007, it was estimated that 5 of the world's 10 best selling living artists at art auction were from China, with artists such as Zhang Xiaogang whose works were sold for a total of $56.8 million at auction in 2007.^[80] In terms of buying-market, China overtook France in the late 2000s as the world's third-largest art market, after the United States and the United Kingdom, due to the growing middle-class in the country.^[81]^[82]Sotheby's noted that contemporary Chinese art has rapidly changed the contemporary Asian art world into one of the most dynamic sectors on the international art market.^[83] During the global economic crisis, the contemporary Asian art market and the contemporary Chinese art market experienced a slow down in late 2008.^[84]^[85] The market for Contemporary Chinese and Asian art saw a major revival in late 2009 with record level sales at Christie's.^[86]

For centuries largely made-up of European and American buyers, the international buying market for Chinese art has also begun to be dominated by Chinese dealers and collectors in recent years.^[87] It was reported in 2011, China has become the world's second biggest market for art and antiques, accounting for 23 percent of the world's total art market, behind the United States (which accounts for 34 percent of the world's art market).^[88] Another transformation driving the growth of the Chinese art market is the rise of a clientele no longer mostly European or American. New fortunes from countries once thought of as poor often prefer non-Western art; a large gallerist in the field has offices in both New York and Beijing, but clients mainly hailing from Latin America, Asia and the Middle East.^[89]

One of the areas that has revived art concentration and also commercialized the industry is the 798 Art District in Dashanzi of Beijing. The artist Zhang Xiaogang sold a 1993 painting for US$2.3 million in 2006, which included blank faced Chinese families from the Cultural Revolution era,^[90] while Yue Minjun's work Execution in 2007 was sold for a then record of nearly $6 million at Sotheby's.^[91] Collectors including Stanley Ho,^[92] the owner of the Macau Casinos, investment manager Christopher Tsai,^[93] and casino developer Steve Wynn,^[94] would capitalize on the art trends. Items such as Ming dynasty vases and assorted Imperial pieces were auctioned off.

Other art works were sold in places such as Christie's including a Chinese porcelain piece with the mark of the Qianlong Emperor sold for HKD $ $151.3 million. Sotheby's and Christie's act as major market platforms for classical Chinese porcelain art pieces to be sold, including Ming dynasty, Xuande mark and period (1426–35) Blue and White jar (Five-Clawed Dragon Print), which was auctioned for Approx. USD 19,224,491.2, through Christie's in Spring 2016^[95] The International Herald Tribune reported that Chinese porcelains were fought over in the art market as "if there was no tomorrow".^[96]

A 1964 painting by Li Keran"All the Mountains Blanketed in Red" was sold for HKD $35 million. Auctions were also held at Sotheby's where Xu Beihong's 1939 masterpiece "Put Down Your Whip" sold for HKD $72 million.^[97] The industry is not limited to fine arts, as many other types of contemporary pieces were also sold. In 2000, a number of Chinese artists were included in Documenta and the Venice Biennale of 2003. China now has its own major contemporary art showcase with the Venice Biennale. Fuck Off was a notorious art exhibition which ran alongside the Shanghai Biennial Festival in 2000 and was curated by independent curator Feng Boyi and contemporary artist Ai Weiwei.

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1 2Nickel, Lukas (October 2013). "The First Emperor and sculpture in China". Bulletin of the School of Oriental and African Studies. 76 (3): 416–418. doi:10.1017/S0041977X13000487. ISSN 0041-977X. From the centuries immediately preceding the Qin Dynasty again we know of only a few depictions of the human figure (...) figures of people and animals were very rare exceptions to the conventional imagery of the Zhou period (...) Depictions of the human figure were not a common part of the representational canon in China before the Qin Dynasty (...) In von Falkenhausen's words, "nothing in the archaeological record prepares one for the size, scale, and technically accomplished execution of the First Emperor's terracotta soldiers". For his contemporaries, the First Emperor's sculptures must have been something dramatically new.
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External links

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[NL-14] 1 2Nickel, Lukas (October 2013). "The First Emperor and sculpture in China". Bulletin of the School of Oriental and African Studies. 76 (3): 416–418. doi:10.1017/S0041977X13000487. ISSN 0041-977X. From the centuries immediately preceding the Qin Dynasty again we know of only a few depictions of the human figure (...) figures of people and animals were very rare exceptions to the conventional imagery of the Zhou period (...) Depictions of the human figure were not a common part of the representational canon in China before the Qin Dynasty (...) In von Falkenhausen's words, "nothing in the archaeological record prepares one for the size, scale, and technically accomplished execution of the First Emperor's terracotta soldiers". For his contemporaries, the First Emperor's sculptures must have been something dramatically new.

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Historia

Cerámica neolítica

Cultura del jade

Fundición de bronce

Dinastía Zhou ( c. 1046 – 256 a. C.)

Cultura Chu y del Sur (c. 1030 a. C. – 223 a. C.)

China imperial temprana (221 a. C. – 220 d. C.)

Arte Qin

Arte Han

Primeras esculturas monumentales en piedra (117 a. C.)

Período de división (220–581)

Influencia del budismo

Caligrafía

Cuadro

Las dinastías Sui y Tang (581–960)

Arquitectura y escultura budistas

Cuadro

Las dinastías Song y Yuan (960–1368)

Pintura de canciones

Pintura Yuan

Cerámica

Finales del Imperio Chino (1368–1912)

Pintura Ming

Pintura de principios de la dinastía Qing

Arte de finales de la dinastía Qing

Escuela de Shanghái

Cuadro

Escultura

Ceramics

Furniture

Decorative arts

Architecture

Garden

Performing art

Modern Chinese art

New China art (1912–1949)

Modern art movement

Draw from the past

Learn new methods

Postwar Chinese art (1949–1976)

Mainland

The 17 Years

Cultural Revolution

Hong Kong

Overseas

Paris

United States

Taiwan

Fifth Moon Group

Ton-Fan Art Group (東方畫會)

Redevelopment (mid-1980s – 1990s)

Contemporary art

Visual art

Chinoiserie

Art market

Notable museums

Greater China

Public

Private

International

See also

References

Additional sources

Further reading

External links