Música de Cuba

Entre los compositores de renombre internacional del género «serio» se puede contar al compositor barroco Esteban Salas y Castro (1725–1803), quien dedicó gran parte de su vida a la enseñanza y a la composición de música para la Iglesia. ^{[ 9 ]} Le sucedió en la Catedral de Santiago de Cuba el sacerdote Juan París (1759–1845). París fue un hombre excepcionalmente trabajador y un compositor importante. Impulsó eventos musicales continuos y diversos. ^{[ 10 ] p181} Aparte de la música rural y la música folclórica afrocubana, el tipo más popular de música de baile criolla urbana en el siglo XIX fue la contradanza, que comenzó como una forma local de la danza campestre inglesa y de la contredanse francesa y la contradanza española derivadas. Si bien muchas contradanzas se escribieron para bailar, desde mediados de siglo varias se escribieron como piezas de salón semiclásicas para piano. El primer compositor destacado de este estilo fue Manuel Saumell (1818-1870), a quien a veces se le considera el padre del desarrollo de la música criolla cubana. Según Helio Orovio, «Tras la obra visionaria de Saumell, solo quedaba desarrollar sus innovaciones, las cuales influyeron profundamente en la historia de los movimientos musicales nacionalistas cubanos». ^{[ 11 ]}

En manos de su sucesor, Ignacio Cervantes Kavanagh, el lenguaje pianístico relacionado con la contradanza alcanzó una sofisticación aún mayor. Aaron Copland lo llamó el " Chopin cubano " debido a sus composiciones para piano de estilo chopiniano. La reputación de Cervantes hoy en día se basa casi exclusivamente en sus famosas cuarenta y una Danzas Cubanas , que, según Carpentier, "ocupan el lugar que las Danzas Noruegas de Grieg o las Danzas Eslavas de Dvořák ocupan en la música de sus respectivos países". La ópera inacabada de Cervantes, Maledetto , ha caído en el olvido. ^{[ 10 ]}

En la década de 1840, la habanera surgió como una canción vocal lánguida que utilizaba el ritmo de la contradanza. (Los no cubanos a veces llamaban a las contradanzas cubanas "habaneras"). La habanera se popularizó en España y otros lugares. La contradanza/danza cubana también influyó significativamente en la danza puertorriqueña, que disfrutó de una trayectoria dinámica y distintiva que se extendió hasta la década de 1930. En Cuba, en la década de 1880, la contradanza/danza dio origen al danzón, que la superó en popularidad. ^{[ 12 ]}

Laureano Fuentes (1825–1898) provenía de una familia de músicos y escribió la primera ópera compuesta en la isla, La Hija de Jefté (La hija de Jefté). Esta fue posteriormente extendida y puesta en escena con el título Seila . Sus numerosas obras abarcaron todos los géneros. Gaspar Villate (1851–1891) produjo una obra abundante y diversa, centrada en la ópera. ^{[ 10 ] p239} José White (1836–1918), mulato de padre español y madre afrocubana, fue compositor y violinista de mérito internacional. Aprendió a tocar dieciséis instrumentos y vivió, en diferentes momentos, en Cuba, Latinoamérica y París. Su obra más famosa es La Bella Cubana , una habanera.

Durante los años centrales del siglo XIX, un joven músico estadounidense, Louis Moreau Gottschalk (1829–1869), llegó a Cuba. El padre de Gottschalk era un empresario judío de Londres, y su madre una criolla blanca de ascendencia católica francesa. ^{[ 13 ]} Gottschalk fue criado principalmente por su abuela negra y su niñera Sally, ambas de Saint-Domingue . Era un niño prodigio del piano que había escuchado la música y visto el baile en Congo Square , Nueva Orleans, desde la infancia. Su período en Cuba duró de 1853 a 1862, con visitas intercaladas a Puerto Rico y Martinica . Compuso muchas piezas criollas, como la habanera Bamboula, Op. 2 (Danse de negres) (1845), cuyo título hace referencia a un tambor bajo afrocaribeño; El cocoye (1853), una versión de una melodía rítmica ya presente en Cuba; la contradanza Ojos criollos (Danse cubaine) (1859) y una versión de María de la O , que hace referencia a una cantante mulata cubana. Estas piezas utilizaban patrones rítmicos típicos cubanos. En uno de sus conciertos de despedida interpretó su Adiós a Cuba con gran aplauso y gritos de «¡bravo!». Desafortunadamente, su partitura para la obra no se ha conservado. ^{[ 14 ]} En febrero de 1860, Gottschalk produjo una obra monumental, La nuit des tropiques , en La Habana. La obra contó con unos 250 músicos y un coro de 200 cantantes, además de un grupo de tumba francesa de Santiago de Cuba . Produjo otro gran concierto al año siguiente, con material nuevo. Estos espectáculos probablemente eclipsaron cualquier cosa vista en la isla antes o después, y sin duda fueron inolvidables para los asistentes. ^{[ 15 ] p147}

Entre finales del siglo XIX y principios del XX, varios compositores sobresalen en el panorama musical cubano. Cultivaron géneros como la canción popular y el lied de concierto , la música de baile, la zarzuela y el teatro vernáculo, así como la música sinfónica. Destacan Hubert de Blanck (1856-1932), José Mauri (1856-1937), Manuel Mauri (1857-1939), José Marín Varona , Eduardo Sánchez de Fuentes (1874-1944), Jorge Anckermann (1877-1941), Luis Casas Romero (1882-1950), Mario Valdés Costa (1898-1930), entre otros. ^{[ 16 ]}

La obra de José Marín Varona vincula la actividad musical cubana desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. En 1896, el compositor incluyó en su zarzuela "El Brujo" la primera guajira cubana documentada históricamente. ^{[ 17 ] [ 18 ]}

Sobre esta pieza, el compositor Eduardo Sánchez de Fuentes dijo: «La crítica honesta de un día no muy lejano otorgará al autor de la inmortal guajira de "El Brujo" el honor al que sin duda tiene derecho en todo momento». ^{[ 19 ]}

Gonzalo Roig (1890-1970 ) fue una figura clave en la primera mitad del siglo XX. ^{[ 20 ]} Compositor y director de orquesta, se formó en piano, violín y teoría de la composición. En 1922 fue uno de los fundadores de la Orquesta Sinfónica Nacional, que dirigió. En 1927 fue nombrado director de la Escuela de Música de La Habana. Como compositor, se especializó en la zarzuela, un género de teatro musical muy popular hasta la Segunda Guerra Mundial . En 1931 cofundó una compañía de bufo (teatro cómico) en el Teatro Martí de La Habana. Fue el compositor de la zarzuela cubana más conocida, Cecilia Valdés , basada en la famosa novela del siglo XIX sobre una mulata cubana. Se estrenó en 1932. Fundó diversas organizaciones y escribió con frecuencia sobre temas musicales. ^{[ 21 ]}

Uno de los más grandes pianistas y compositores cubanos del siglo XX fue Ernesto Lecuona (1895-1963 ) . ^{[ 22 ]} Lecuona compuso más de seiscientas piezas, principalmente de estilo cubano, y fue un pianista de excepcional calidad. Fue un prolífico compositor de canciones y música para teatro y cine. Sus obras consistían en zarzuela , ritmos afrocubanos y cubanos, suites y muchas canciones que se convirtieron en clásicos latinos. Entre ellas se incluyen "Siboney", " Malagueña " y " The Breeze And I " ( Andalucía ). En 1942, su gran éxito "Siempre en mi corazón" fue nominado al Óscar a la Mejor Canción; perdió ante " White Christmas ". La Orquesta Sinfónica Ernesto Lecuona estrenó la Rapsodia Negra de Lecuona en el Concierto del Día de la Liberación de Cuba en el Carnegie Hall el 10 de octubre de 1943. ^{[ 23 ]}

Aunque su música rara vez se interpreta hoy en día, Amadeo Roldán (1900-1939 ) y Alejandro García Caturla (1906-1940 ) fueron revolucionarios sinfónicos de Cuba durante la primera mitad del siglo XX. ^{[ 15 ]} Ambos desempeñaron un papel en el afrocubanismo : el movimiento en la cultura cubana de temática negra con orígenes en la década de 1920, y ampliamente analizado por Fernando Ortiz .

Roldán, nacido en París de madre mulata cubana y padre español, llegó a Cuba en 1919 y se convirtió en concertino (primer violín) de la nueva Orquesta Sinfónica de La Habana en 1922. Allí conoció a Caturla, quien a los dieciséis años era segunda violinista. Entre las composiciones de Roldán se incluyen Obertura sobre temas cubanos (1925) y dos ballets: La Rebambaramba (1928) y El milagro de Anaquille (1929). Le siguieron una serie de Ritmicas y Poema negra (1930) y Tres toques (marcha, ritos, danza) (1931). En Motivos de son (1934) escribió ocho piezas para voz e instrumentos basadas en el poemario homónimo del poeta Nicolás Guillén . Su última composición fueron dos Piezas infantiles para piano (1937). Roldán falleció a los 38 años a causa de un cáncer facial desfigurante (había sido un fumador empedernido).

Tras su época de estudiante, Caturla vivió toda su vida en la pequeña ciudad central de Remedios, donde se convirtió en abogado para mantener a su creciente familia. Sus Tres danzas cubanas para orquesta sinfónica se estrenaron en España en 1929. Bembe se estrenó en La Habana ese mismo año. Su Obertura cubana ganó el primer premio en un concurso nacional en 1938. Caturla fue asesinado a los 34 años por un joven jugador. ^{[ 10 ]}

Fundado en 1942 bajo la dirección de José Ardévol (1911-1981 ) , compositor catalán afincado en Cuba desde 1930, el Grupo de Renovación Musical sirvió de plataforma para que un grupo de jóvenes compositores desarrollara un movimiento proactivo con el propósito de mejorar y renovar la calidad del panorama musical cubano. Durante su existencia, de 1942 a 1948, el grupo organizó numerosos conciertos en el Liceo de La Habana para presentar sus composiciones vanguardistas al público y fomentó entre sus miembros el desarrollo de muchos futuros directores de orquesta, críticos de arte, intérpretes y profesores. Asimismo, iniciaron un proceso de investigación y reevaluación de la música cubana en general, descubriendo la destacada obra de Carlo Borbolla ^{[ 24 ]} y promoviendo las composiciones de Saumell, Cervantes, Caturla y Roldán. El "Grupo de Renovación Musical" incluía a los siguientes compositores: Hilario González, Harold Gramatges , Julián Orbón , Juan Antonio Cámara, Serafín Pro, Virginia Fleites, Gisela Hernández , Enrique Aparicio Bellver, Argeliers León , Dolores Torres y Edgardo Martín. Otros compositores cubanos contemporáneos que tuvieron poca o ninguna relación con el "Grupo de Renovación Musical" fueron: Aurelio de la Vega , Joaquín Nin-Culmell , Alfredo Diez Nieto ^{[ 25 ]} y Natalio Galán. ^{[ 26 ]}

Aunque en Cuba muchos compositores han escrito música clásica y criolla popular, la distinción se hizo más clara después de 1960, cuando (al menos inicialmente) el régimen desaprobaba la música popular y clausuró la mayoría de los clubes nocturnos, al tiempo que financiaba la música clásica en lugar de las formas criollas. Desde entonces, la mayoría de los músicos han desarrollado sus carreras a un lado u otro de la línea invisible. Tras la Revolución Cubana de 1959, surgió una nueva generación de músicos clásicos. El más importante de ellos es el guitarrista Leo Brouwer , quien ha realizado importantes contribuciones a la técnica y el repertorio de la guitarra clásica moderna, y ha sido director de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba . Su dirección a principios de la década de 1970 del Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC fue fundamental para la formación y consolidación del movimiento de la Nueva Trova .

Otros compositores importantes del período inmediatamente posterior a la revolución que comenzó en 1959 fueron: Carlos Fariñas y Juan Blanco , pionero de la música "concreta" y "electroacústica" en Cuba. ^{[ 27 ]}

Tras la primera generación posterior a la revolución, un grupo de jóvenes compositores comenzó a atraer la atención del público que asistía a conciertos de música clásica. La mayoría de ellos se habían graduado en prestigiosas escuelas del extranjero gracias a becas concedidas por el gobierno, como Sergio Fernández Barroso (también conocido como Sergio Barroso ), que obtuvo un posgrado en la Academia Superior de Música de Praga, ^{[ 28 ]} y Roberto Valera , que estudió con Witold Rudziński y Andrzej Dobrowolski en Polonia. ^{[ 29 ]} Otros tres compositores pertenecen a este grupo: Calixto Álvarez , ^{[ 30 ]} Carlos Malcolm y Héctor Angulo . ^{[ 31 ]}

En 1962, el compositor estadounidense Federico Smith llegó a La Habana . Adoptó a Cuba como su propia patria y se convirtió en uno de los músicos más destacados que vivían y trabajaban en la isla en aquel entonces. Permaneció en Cuba hasta su muerte y realizó una importante contribución al patrimonio musical cubano.

A principios de la década de 1970, un grupo de músicos y compositores, la mayoría graduados de la Escuela Nacional de Artes y del Conservatorio de La Habana, se reunieron en torno a una organización recientemente creada por el gobierno como la sección juvenil de la UNEAC ( Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba ), la Brigada Hermanos Saíz. ^{[ 32 ] [ 33 ]} Algunos de sus miembros fueron los compositores Juan Piñera (sobrino del renombrado escritor cubano Virgilio Piñera), ^{[ 25 ]} Flores Chaviano , Armando Rodríguez Ruidíaz, Danilo Avilés , ^{[ 25 ]} Magaly Ruiz , Efraín Amador Piñero y José Loyola . Otros compositores contemporáneos menos involucrados con la organización fueron José María Vitier , Julio Roloff , ^{[ 25 ]} y Jorge López Marín. ^{[ 34 ]}

Tras la Revolución Cubana (1959), muchos futuros compositores cubanos emigraron a una edad muy temprana y desarrollaron la mayor parte de sus carreras fuera del país. Dentro de este grupo se encuentran los compositores Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Tranquilino , ^{[ 25 ]} Odaline de la Martínez , José Raúl Bernardo, ^{[ 34 ]} Jorge Martín (compositor) y Raúl Murciano. ^{[ 35 ]}

Durante las últimas décadas del siglo XX y principios del XXI, una nueva generación de compositores emergió en el panorama de la música clásica cubana. La mayoría de ellos recibieron una sólida formación musical impartida por el sistema oficial de escuelas de arte creado por el gobierno cubano y se graduaron del Instituto Superior de Arte (ISA). Algunos de estos compositores son Louis Franz Aguirre , ^{[ 36 ]} Ileana Pérez Velázquez , Keila María Orozco, ^{[ 34 ]} Viviana Ruiz, ^{[ 25 ]} Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, ^{[ 37 ]} Yalil Guerra , Eduardo Morales Caso , ^{[ 38 ]} Ailem Carvajal Gómez , Irina Escalante Chernova y Evelin Ramón . Todos ellos emigraron y actualmente viven y han trabajado en otros países.

Juan Blanco fue el primer compositor cubano en crear una pieza electroacústica en 1961. Esta primera composición, titulada "Música Para Danza", se realizó con tan solo un oscilador y tres grabadoras comunes. El acceso a los recursos tecnológicos necesarios para producir música electroacústica siempre fue muy limitado para quienes estaban interesados. Por esta razón, no fue hasta 1969 que otro compositor cubano, Sergio Barroso , se dedicó a la creación de composiciones musicales electroacústicas.

En 1970, Juan Blanco comenzó a trabajar como asesor musical para el Departamento de Propaganda del ICAP (Instituto Cubano de Amistad con Los Pueblos). En este cargo, creó música electroacústica para todos los materiales audiovisuales producidos por el ICAP. Tras nueve años trabajando sin remuneración, Blanco finalmente obtuvo financiación para instalar un Estudio Electroacústico que utilizaría para su trabajo. Fue nombrado Director del Estudio, pero con la condición de ser el único usuario de las instalaciones.

Tras unos meses, y sin pedir permiso, abrió el Estudio Electroacústico a todos los compositores interesados ​​en trabajar con tecnología electroacústica, creando así el Taller de Música Electroacústica ICAP (TIME), donde él mismo impartía formación a todos los participantes. En 1990, el Taller ICAP cambió su nombre a Laboratorio Nacional de Música Electroacústica (LNME) y su principal objetivo era apoyar y promover la obra de compositores y artistas sonoros electroacústicos cubanos.

Algunos años más tarde, se creó otro estudio de música electroacústica en el Instituto Superior de Arte (ISA). El Estudio de Música Electroacústica y por Computadoras (EMEC), actualmente llamado Estudio Carlos Fariñas de Arte Musical, tiene como objetivo brindar formación en música electroacústica a los estudiantes de composición durante los últimos años de su carrera.

Después de 1970, compositores cubanos como Leo Brouwer , Jesús Ortega, Carlos Fariñas y Sergio Vitier comenzaron a crear también piezas electroacústicas; y en la década de 1980 un grupo de compositores que incluía a Edesio Alejandro , Fernando (Archi) Rodríguez Alpízar, Marietta Véulens, Mirtha de la Torre, Miguel Bonachea y Julio Roloff comenzaron a recibir instrucción y trabajar en el Estudio Electroacústico del ICAP. Los compositores cubanos que han utilizado la tecnología electroacústica incluyen a Argeliers León , Juan Piñera , Roberto Valera , José Loyola , Ileana Pérez Velázquez y José Angel Pérez Puentes. ^{[ 39 ]}

La mayoría de los compositores cubanos que establecieron su residencia fuera de Cuba han trabajado con tecnología electroacústica. Entre ellos se encuentran los compositores Aurelio de la Vega, Armando Tranquilino, Tania León , Orlando Jacinto García , Armando Rodríguez Ruidíaz, Ailem Carvajal Gómez e Irina Escalante Chernova. ^{[ 40 ]}

Después de su llegada a Cuba a finales del siglo XVIII, el pianoforte (comúnmente llamado piano) se convirtió rápidamente en uno de los instrumentos favoritos de la población cubana. Junto con la humilde guitarra, el piano acompañaba las populares "guarachas" y "contradanzas" cubanas (derivadas de las danzas campestres europeas) en salones y salas de baile de La Habana y de todo el país. ^{[ 50 ]} Ya en 1804, un programa de conciertos en La Habana anunciaba un concierto vocal "acompañado al fortepiano por un distinguido extranjero recién llegado" ^{[ 51 ]} y en 1832, Juan Federico Edelmann (1795-1848), un renombrado pianista, hijo de un famoso compositor y pianista alsaciano, llegó a La Habana y ofreció un concierto muy exitoso en el Teatro Principal. Animado por la cálida bienvenida, Edelmann decidió quedarse en La Habana y muy pronto fue ascendido a un puesto importante dentro de la Sociedad Filarmónica de Santa Cecilia. En 1836, abrió una tienda de música y una editorial. ^{[ 52 ]}

Ernesto Lecuona (1895-1963), uno de los músicos cubanos más prestigiosos , comenzó sus estudios de piano con su hermana Ernestina y continuó con Peyrellade , Saavedra, Nin y Hubert de Blanck. Niño prodigio, Lecuona ofreció un concierto a los cinco años en el Círculo Hispano. Al graduarse del Conservatorio Nacional, recibió el Primer Premio y la Medalla de Oro de su promoción por decisión unánime del consejo. Es, sin duda, el compositor cubano de mayor reconocimiento internacional y sus contribuciones a la tradición pianística cubana se consideran excepcionales. ^{[ 23 ]}

Los instrumentos de cuerda frotada han estado presentes en Cuba desde el siglo XVI. El músico Juan Ortiz, de la ciudad de Trinidad, es mencionado por el cronista Bernal Díaz del Castillo como un "gran intérprete de vihuela y viola ". ^{[ 44 ]} En 1764, Esteban Salas y Castro se convirtió en el nuevo maestro de capilla de la Catedral de Santiago de Cuba, y para cumplir con sus deberes musicales contó con un pequeño grupo vocal-instrumental que incluía dos violines. ^{[ 53 ]} En 1793, numerosos colonos que huían de la revuelta de esclavos en Santo Domingo llegaron a Santiago de Cuba, y se fundó una orquesta compuesta por una flauta, oboe, clarinete, trompeta, tres trompas, tres violines, viola, dos violonchelos y percusión. ^{[ 54 ]}

Del siglo XVIII al siglo XIX

Durante la transición del siglo XVIII al XIX, el habanero Ulpiano Estrada (1777-1847) impartió clases de violín y dirigió la orquesta del Teatro Principal entre 1817 y 1820. Además de su actividad como violinista, Estrada mantuvo una intensa carrera musical como director de numerosas orquestas, bandas y óperas, y compuso muchas contradanzas y otras piezas de danza, como minuetos y valses. ^{[ 55 ]}

José Vandergutch, violinista belga, llegó a La Habana junto con su padre Juan y su hermano Francisco, también violinistas. Posteriormente regresaron a Bélgica, pero José estableció su residencia permanente en La Habana, donde alcanzó gran reconocimiento. Vandergutch ofreció numerosos conciertos como solista y acompañado por diversas orquestas a mediados del siglo XIX. Fue miembro de la Asociación de Música Clásica y director de la Asociación Musical de Socorro Mutuo de La Habana. ^{[ 56 ]}

Dentro del universo del violín clásico cubano del siglo XIX, hay dos maestros excepcionales que pueden considerarse entre los más grandes virtuosos del violín de todos los tiempos: José White Lafitte y Claudio Brindis de Salas Garrido .

Tras recibir sus primeras lecciones musicales de su padre, el virtuoso violinista cubano José White Lafitte (1835-1918) ofreció su primer concierto en Matanzas el 21 de marzo de 1854. En esa presentación estuvo acompañado por el famoso pianista y compositor estadounidense Louis Moreau Gottschalk , quien lo animó a continuar su formación musical en París y también recaudó fondos para tal fin. ^{[ 57 ]}

José White estudió composición musical en el Conservatorio de París entre 1855 y 1871. Diez meses después de su llegada, ganó el primer premio en la categoría de violín en el concurso del Conservatorio y recibió grandes elogios de Gioachino Rossini . Posteriormente, fue profesor de los renombrados violinistas George Enescu y Jacques Thibaud .

De 1877 a 1889, White fue nombrado Director del Conservatorio Imperial de Río de Janeiro, Brasil, donde también se desempeñó como músico de la corte del emperador Pedro II. ^{[ 58 ]} Posteriormente regresó a París, donde permaneció hasta su muerte. El famoso violín llamado "Canto del cisne" era su instrumento predilecto y su composición más famosa es la habanera "La bella cubana". White también compuso muchas otras piezas, incluyendo un concierto para violín y orquesta. ^{[ 59 ]}

Claudio José Domingo Brindis de Salas y Garrido (1852–1911) fue un renombrado violinista cubano, hijo del también famoso violinista, contrabajista y director de orquesta Claudio Brindis de Salas (1800-1972), quien dirigió una de las orquestas más populares de La Habana durante la primera mitad del siglo XIX, llamada "La Concha de Oro". Claudio José superó la fama y la maestría de su padre y alcanzó reconocimiento internacional. ^{[ 60 ] [ 61 ] [ 62 ]}

Claudio Brindis de Salas Garrido inició sus estudios musicales con su padre y los continuó con los maestros José Redondo y el belga José Vandergutch. Ofreció su primer concierto en La Habana en 1863, en el que Vandergutch participó como acompañante. El célebre pianista y compositor Ignacio Cervantes también participó en dicho evento.

Según la crítica contemporánea, Brindis de Salas fue considerado uno de los violinistas más destacados de su tiempo a nivel internacional. Alejo Carpentier se refirió a él como: «El violinista negro más sobresaliente del siglo XIX... algo sin precedentes en la historia musical del continente». ^{[ 63 ]}

El gobierno francés lo nombró miembro de la Legión de Honor y le otorgó el título nobiliario de «Barón». En Buenos Aires recibió un auténtico Stradivarius , y mientras vivía en Berlín se casó con una alemana, fue nombrado Músico de Cámara del Emperador y recibió la ciudadanía honoraria de ese país. Brindis de Salas murió pobre y olvidado en 1911 a causa de la tuberculosis en Buenos Aires , Argentina . En 1930 sus restos fueron trasladados a La Habana con grandes honores. ^{[ 64 ]}

Otro destacado violinista cubano del siglo XIX fue Rafael Díaz Albertini (1857-1928). Estudió violín con José Vandergutch y Anselmo López (1841-1858), reconocido violinista habanero que también se dedicó a la edición musical. En 1870, Albertini viajó a París con el propósito de perfeccionar su técnica con el célebre violinista Jean-Delphin Alard, y en 1875 obtuvo el primer premio en el Concurso de París, en el que posteriormente participó como jurado. Realizó extensas giras por todo el mundo, acompañado en ocasiones por prestigiosos maestros como Hugo Wolf y Camille Saint-Saëns. En 1894 ofreció conciertos, junto con Ignacio de Cervantes, por las ciudades más importantes de Cuba. ^{[ 65 ]}

Entre los violinistas cubanos más destacados de la segunda mitad del siglo XIX y la primera del XX se encuentran Manuel Muñoz Cedeño (n. 1813), José Domingo Bousquet (n. 1823), Carlos Anckermann (n. 1829), Antonio Figueroa (n. 1852), Ramón Figueroa (n. 1862), Juan Torroella (n. 1874), Casimiro Zertucha. (n. 1880), Joaquín Molina (n. 1884), Marta de La Torre (1888), Catalino Arjona (n. 1895) y Diego Bonilla (1898-). ^{[ 66 ]}

La ópera ha estado presente en Cuba desde finales del siglo XVIII, cuando se construyó el primer teatro propiamente dicho, el Coliseo. Desde entonces hasta la actualidad, el pueblo cubano ha disfrutado enormemente de la ópera, y muchos compositores cubanos han cultivado el género operístico, a veces con gran éxito a nivel internacional. El mejor cantante lírico cubano del siglo XX fue el tenor Francisco Fernández Dominicis (nombre italiano: Francesco Dominici ) (1885-1968). La mejor cantante lírica cubana del siglo XX fue la mezzosoprano Marta Pérez (1924-2009). Cantó en La Scala de Milán , Italia, en 1955. ^{[ 73 ]}

La primera música popular que se tocó en Cuba después de la conquista española fue traída por los propios conquistadores españoles y, muy probablemente, se tomó prestada de la música popular española en boga durante el siglo XVI. Entre los siglos XVI y XVIII, algunas canciones bailables que surgieron en España se asociaron con Hispanoamérica o se consideraron originarias de América. Algunas de estas canciones, con nombres pintorescos como Sarabanda, Chacona, Zambapalo, Retambico y Gurumbé, entre otras, ^{[ 85 ]} compartían un rasgo común: su ritmo característico llamado Hemiola o Sesquiáltera (en España).

Este ritmo se ha descrito como la alternancia o superposición de un compás binario y un compás ternario ( ⁶ ₈ + ³ ₄ ), y su utilización estuvo muy extendida en territorio español desde al menos el siglo XIII, donde aparece en una de las Cantigas de Santa María (Como poden per sas culpas). ^{[ 86 ]}

La hemiola o sesquiáltera es también un ritmo típico dentro de las tradiciones musicales africanas, tanto del norte como del sur del continente. ^{[ 87 ]} Por lo tanto, es muy probable que los cantos y danzas originales traídos por los españoles a América ya incluyeran elementos de la cultura africana con los que los africanos esclavizados que llegaron a la isla estaban familiarizados; y que además los utilizaran para crear nuevos géneros criollos. ^{[ 88 ]}

El conocido Son de la Ma Teodora, una antigua canción cubana, así como los primeros géneros autóctonos cubanos, Punto y Zapateo, muestran el ritmo Sesquiáltera en su acompañamiento, lo que asocia fuertemente esos géneros con los cantos-danzas españoles de los siglos XVI al XVIII. ^{[ 86 ]}

Punto guajiro o Punto Cubano , o simplemente Punto, es un género cantado de la música cubana, un arte poético-musical improvisado que surgió en las regiones occidental y central de Cuba durante el siglo XIX. ^{[ 91 ]} Aunque el Punto parece tener un origen andaluz, es un verdadero género cubano debido a sus modificaciones criollas. ^{[ 86 ]}

El punto es interpretado por un grupo con diversos instrumentos de cuerda pulsada: el tiple (una guitarra aguda actualmente en desuso), la guitarra española, el tres cubano y el laúd. La palabra punto se refiere al uso de la técnica de punteo (punteado), en lugar del rasgueo (rasgueado). También se han utilizado algunos instrumentos de percusión como la clave, el güiro y el guayo (un raspador metálico). Los cantantes se reúnen en grupos rivales e improvisan sus versos.

Cantan melodías fijas llamadas "tonadas", basadas en una métrica de diez estrofas llamadas "décimas", con intervalos entre estrofas para dar tiempo a los cantantes a preparar la siguiente estrofa. ^{[ 92 ]} Algunas composiciones tempranas se grabaron y publicaron, al igual que los nombres de algunos cantantes y compositores. A partir de 1935, Punto alcanzó su máxima popularidad en la radio cubana.

El punto fue uno de los primeros géneros cubanos grabados por compañías estadounidenses a principios del siglo XX, pero posteriormente el interés disminuyó y se hicieron pocos esfuerzos para continuar grabando las presentaciones radiofónicas en vivo. Aficionada a este género, la taquígrafa Aida Bode transcribió muchos versos mientras se transmitían y, en 1997, sus transcripciones se publicaron en forma de libro. ^{[ 93 ]}

Celina González y Albita Rodríguez cantaron Punto al inicio de sus carreras, demostrando que el género sigue vivo. Celina poseía una de las mejores voces de la música popular, y su grupo de acompañamiento, Campo Alegre, era excepcional. Sin embargo, para los aficionados, Indio Naborí (Sabio Jesús Orta Ruiz, n. 30 de septiembre de 1922) es el nombre más importante del Punto por su poesía "decima", que escribía diariamente para la radio y la prensa. También es autor de varias colecciones de poesía, muchas de las cuales tienen un marcado carácter político de la nueva trova. ^{[ 94 ]}

El zapateo es un baile típico del "campesino" o "guajiro" cubano, de origen español. Es un baile de parejas, que implica el golpeteo de los pies, realizado principalmente por el hombre. Existen ilustraciones de siglos anteriores y hoy sobrevive cultivado por grupos de música folclórica como un género fósil. Se acompañaba con tiple , guitarra y güiro , en un ritmo combinado de _6/8 ^y 3/4 ⁽ _hemiola ), acentuado en la primera de cada tres corcheas .

Un género de canción cubana similar al Punto cubano y la Criolla. ^{[ 95 ]} Contiene letras bucólicas campestres, similares a la poesía décima . Su música muestra una mezcla de ritmos ⁶ ₈ y ³ ₄ llamada Hemiola . Según Sánchez de Fuentes , su primera sección se presenta generalmente en una tonalidad menor, y su segunda sección en su tonalidad relativa mayor directa. ^{[ 96 ]} El término Guajira se usa ahora principalmente para describir una música de baile lento en compás de ⁴ ₄ , una fusión de la Guajira y el Son (llamada Guajira-Son). El cantante y guitarrista Guillermo Portabales fue el representante más destacado de este género.

La criolla es un género de música cubana estrechamente relacionado con la música de los Coros de Clave cubanos y con un género de música popular cubana llamado Clave.

La clave se convirtió en un género muy popular en el teatro vernáculo cubano y fue creada por el compositor Jorge Anckermann basándose en el estilo de los coros de clave. ^{[ 97 ]} La clave sirvió, a su vez, como modelo para la creación de un nuevo género llamado criolla. Según el musicólogo Helio Orovio, "Carmela", la primera criolla, fue compuesta por Luis Casas Romero en 1909, quien también creó una de las criollas más famosas de todos los tiempos, "El Mambí". ^{[ 98 ]}

Es evidente que el origen de los grupos africanos en Cuba se debe a la larga historia de esclavitud en la isla. En comparación con Estados Unidos, la esclavitud comenzó en Cuba mucho antes y continuó durante décadas. Cuba fue el último país de América en abolir la importación de esclavos y el penúltimo en liberarlos. En 1807, el Parlamento británico prohibió la esclavitud y, a partir de entonces, la Armada británica interceptó barcos negreros portugueses y españoles. Para 1860, el comercio con Cuba estaba prácticamente extinguido; el último barco negrero llegó a Cuba en 1873. La abolición de la esclavitud fue anunciada por la Corona española en 1880 y entró en vigor en 1886. Dos años después, Brasil abolió la esclavitud. ^{[ 99 ]}

Las raíces de la mayoría de las formas musicales afrocubanas se encuentran en los cabildos , clubes sociales autoorganizados para los esclavos africanos, con cabildos separados para cada cultura. Los cabildos se formaron principalmente a partir de cuatro grupos: los yoruba (los lucumí en Cuba); los congoleños (los palo en Cuba); y los dahomey (los fon o arará). Sin duda, otras culturas estuvieron presentes, incluso más que las mencionadas, pero en menor número, y no dejaron una huella tan distintiva.

Los cabaldós preservaron las tradiciones culturales africanas, incluso después de la abolición de la esclavitud en 1886. Al mismo tiempo, las religiones africanas se transmitieron de generación en generación por toda Cuba, Haití, otras islas y Brasil. Estas religiones, que tenían una estructura similar pero no idéntica, se conocían como lucimí o Regla de Ocha si derivaban del yoruba , palo si provenían de África Central , vodú si provenían de Haití , etc. El término santería se introdujo inicialmente para explicar la forma en que los espíritus africanos se unían a los santos católicos, especialmente por personas que habían sido bautizadas e iniciadas, y que, por lo tanto, eran genuinamente miembros de ambos grupos. Personas ajenas a la cultura africana adoptaron la palabra y han tendido a usarla de forma algo indiscriminada. Se ha convertido en una especie de término genérico, similar a la salsa en la música. ^{[ 15 ] p171; p258}

Todas estas culturas africanas poseían tradiciones musicales que, aunque de forma irregular, perduran hasta nuestros días, no siempre con todo detalle, pero sí en su estilo general. Las mejor conservadas son las religiones politeístas africanas, donde, al menos en Cuba, los instrumentos, el idioma, los cantos, las danzas y sus interpretaciones se conservan bastante bien. ¿En qué otros países americanos se celebran ceremonias religiosas en las antiguas lenguas africanas? Ciertamente, en las ceremonias lucumí, si bien, por supuesto, en África el idioma ha evolucionado. Lo que unifica todas las formas genuinas de música africana es la unidad de la percusión polirrítmica, la voz (llamada y respuesta) y la danza en contextos sociales bien definidos, y la ausencia de instrumentos melódicos de tipo árabe o europeo.

Las tradiciones religiosas de origen africano han sobrevivido en Cuba y constituyen la base de la música, el canto y la danza rituales, muy distintos de la música y la danza seculares. La religión de origen yoruba se conoce como Lucumí o Regla de Ocha ; la religión de origen congoleño se conoce como Palo , como en palos del monte . ^{[ 100 ]} También existen, en la región del Oriente, formas de ritual haitiano con sus propios instrumentos, música, etc.

El patrón rítmico de la clave se utiliza como herramienta para la organización temporal en la música afrocubana, como la rumba , la conga de comparsa , el son , el mambo , la salsa , el jazz latino , el songo y la timba . El patrón de clave de cinco golpes (distribuido en grupos de 3 + 2 o 2 + 3 tiempos) representa el núcleo estructural de muchos ritmos afrocubanos. ^{[ 101 ]} Así como una clave sostiene un arco , el patrón de clave mantiene unido el ritmo en la música afrocubana. ^{[ 102 ]} El patrón de clave se originó en las tradiciones musicales del África subsahariana , donde cumple esencialmente la misma función que en Cuba. El patrón también se encuentra en las músicas de la diáspora africana , como la percusión del vudú haitiano y la música afrobrasileña . El patrón de clave se utiliza en la música popular norteamericana como motivo rítmico u ostinato , o simplemente como una forma de adorno rítmico.

En Cuba, la palabra comparsa se refiere a los grupos vecinales "Cabildos de Nación" que participaban en el carnaval autorizado por el gobierno español el Día de Reyes durante el período colonial. La conga es de origen africano y deriva de las celebraciones callejeras de los espíritus africanos. La distinción se difumina hoy en día, pero en el pasado las congas fueron prohibidas en varias ocasiones. El carnaval en su conjunto fue prohibido por el gobierno revolucionario durante muchos años y aún no se celebra con la regularidad de antaño. Los tambores de conga se tocan (junto con otros instrumentos típicos) en comparsas de todo tipo. Santiago de Cuba y La Habana fueron los dos principales centros de carnavales callejeros. Dos tipos de música bailable (al menos) deben su origen a la música de comparsa:

Conga : una adaptación de la música y el baile de la comparsa para bailes sociales. Es posible que Eliseo Grenet haya sido el creador de esta música, ^{[ 15 ] pág. 408} , pero fueron los Lecuona Cuban Boys quienes la popularizaron por todo el mundo. La conga se convirtió, y tal vez aún lo sea, en el estilo de música y baile cubano más conocido entre quienes no son latinos.

Mozambique es un género de música bailable tipo comparsa desarrollado por Pello el Afrokan (Pedro Izquierdo) en 1963. Tuvo un breve período de gran popularidad, alcanzó su punto máximo en 1965 y pronto cayó en el olvido. Aparentemente, para que funcionara correctamente, necesitaba 16 tambores, además de otros instrumentos de percusión y bailarines. ^{[ 103 ]}

Inmigrantes haitianos se asentaron en Oriente y establecieron su propio estilo musical, llamado Tumba Francesa, que utiliza un tipo de tambor, danza y canto característicos. Este estilo representa uno de los vínculos más antiguos y tangibles con la herencia afrohaitiana de la provincia cubana de Oriente y se desarrolló a partir de una fusión del siglo XVIII entre la música de Dahomey, en África Occidental , y las danzas tradicionales francesas . Este género, que perdura hasta nuestros días, se interpreta en Santiago de Cuba y Haití por grupos folclóricos especializados.

En referencia al surgimiento de la Guaracha y, posteriormente, también de la Rumba Urbana en La Habana y Matanzas, un sector social importante y pintoresco fue el de los Negros Curros. Compuesto por negros libres que habían llegado de Sevilla en una fecha indeterminada, este grupo se integró a la población de negros libres y mulatos que vivían en las zonas marginales de la ciudad de La Habana. ^{[ 86 ]}

José Victoriano Betancourt, escritor cubano "costumbrista" del siglo XIX, los describió así: "ellos [los curros] tenían un aspecto peculiar, y bastaba con mirarlos para reconocerlos como curros: sus largas trenzas rizadas, que les caían sobre la cara y el cuello como grandes milpiés, sus dientes afilados y puntiagudos al estilo carabalí, sus finas camisas de tela bordadas, sus pantalones, casi siempre blancos o con rayas de colores, estrechos en la cintura y muy anchos en las piernas; los zapatos de lona, ​​de corte bajo con hebillas de plata, la chaqueta corta con cola puntiaguda, el sombrero de paja exagerado, con borlas de seda negra colgantes, y los gruesos aros de oro que llevaban en las orejas, de los que colgaban corazones y candados del mismo metal, formando un adorno que solo ellos usaban;... esos eran los curros de El Manglar (El barrio de los manglares)". ^{[ 104 ]}

El curro se dedicaba a la pereza, el robo y la prostitución, mientras que su compañera, la curra, también llamada "mulata de rumbo", ejercía la prostitución en Cuba . Según Carlos Noreña, era conocida por el uso de chales burato de trabajo meticuloso y flecos trenzados, por los que solían pagar de nueve a diez onzas de oro, así como por el típico chasquido (chancleteo) que producían con sus chanclas de madera. ^{[ 105 ]}

Pero los Curros también ofrecían entretenimiento, incluyendo canciones y bailes, a los miles de españoles que llegaban a la isla cada año en los barcos que seguían la "Carrera de Indias", una ruta establecida por la Corona española para sus galeones con el fin de evitar los ataques de piratas y corsarios, y que permanecían allí durante meses hasta que regresaban al puerto de Sevilla.

Al estar sujetos a la influencia de la cultura española y africana desde su nacimiento, se supone que desempeñaron un papel importante en la criollización del prototipo original de los cantos y bailes españoles (copla-estribillo) que originaron la guaracha cubana. El curro negro y la mulata de rumbo (curra negra) desaparecieron a mediados del siglo XIX al integrarse a la población general de La Habana, pero sus imágenes pintorescas sobrevivieron en prototipos sociales manifestados en los personajes del Teatro Bufo. ^{[ 86 ]}

Las famosas "Mulatas de Rumbo" Juana Chambicú y María La O, así como los "cheches" negros José Caliente "que parte por la mitad a los que se le oponen", ^{[ 106 ]} Candela, "negrito que vuela y corta con el cuchillo", así como el Curro Negro Juan Cocuyo, estaban fuertemente vinculados a la imagen característica del Curro Negro y al ambiente de la Guaracha y la Rumba. ^{[ 107 ]}

La contradanza es un importante precursor de varias danzas populares posteriores. Llegó a Cuba a finales del siglo XVIII procedente de Europa, donde se había desarrollado primero como la danza campestre inglesa y luego como la contradanza francesa. El origen de la palabra es una corrupción del término inglés "country dance". ^{[ 108 ]} Manuel Saumell compuso más de cincuenta contradanzas (en compás _{de 2/4} ^o 6/8 ⁾ , en las que su inventiva rítmica y melódica era asombrosa _.

La contradanza es una danza comunitaria en la que las figuras se ajustan a un patrón preestablecido. La selección de figuras para una danza en particular solía estar a cargo de un maestro de ceremonias o líder de baile. Constaba de dos partes de 16 compases cada una, que se bailaban en fila o en cuadrado. El ritmo y el estilo de la música eran alegres y bastante rápidos.

La primera composición criolla cubana de una contradanza se publicó en La Habana en 1803 y se tituló San Pascual bailón . Esta versión muestra por primera vez el conocido ritmo del tango o habanera, que la diferencia de la contradanza europea. Los cubanos desarrollaron varias versiones criollas, como el paseo, la cadena, el sostenido y el cedazo. Esta criollización es un ejemplo temprano de la influencia de las tradiciones africanas en el Caribe. La mayoría de los músicos eran negros o mulatos (incluso a principios del siglo XIX había muchos esclavos liberados y personas de raza mixta viviendo en pueblos cubanos). «Las mujeres de La Habana tienen un gusto furioso por el baile; pasan noches enteras exaltadas, agitadas, locas y sudando a mares hasta caer exhaustas». ^{[ 109 ]}

La contradanza suplantó al minueto como el baile más popular hasta 1842, cuando cedió su lugar a la habanera, un estilo bastante diferente. ^{[ 110 ]}

Este género, descendiente de la contradanza, también se bailaba en filas o cuadrados. Era una forma de música y danza ágil, en compás doble o ternario. Un paseo repetido de ocho compases era seguido por dos secciones de dieciséis compases llamadas primera y segunda. Un famoso compositor de danzas fue Ignacio Cervantes , cuyas cuarenta y una danzas cubanas fueron un hito del nacionalismo musical. Este tipo de danza fue finalmente reemplazado por el danzón, que, al igual que la habanera, era mucho más lento y sosegado. ^{[ 111 ]}

La habanera surgió de la contradanza a principios del siglo XIX. Su gran novedad radicaba en que se cantaba, además de tocarse y bailarse. Escrita en compás _{de 2/4} ^, la habanera se caracteriza por un desarrollo melódico expresivo y lánguido, y por su ritmo característico, denominado «ritmo de habanera».

El estilo de baile de la habanera es más lento y solemne que el de la danza. Hacia la década de 1840, las habaneras se escribían, cantaban y bailaban en México, Venezuela, Puerto Rico y España. ^{[ 112 ]} Desde aproximadamente 1900, la habanera se ha convertido en un baile casi olvidado; sin embargo, su música conserva un encanto de época, y existen algunas composiciones famosas, como Tú de Eduardo Sánchez de Fuentes, que ha sido grabada en numerosas versiones.

Versiones de composiciones tipo habanera han aparecido en la música de Ravel , Bizet , Saint-Saëns , Debussy , Fauré y Albéniz . El ritmo es similar al del tango , y algunos creen que la habanera es el padre musical del tango. ^{[ 113 ]}

La influencia europea en el desarrollo musical posterior de Cuba está representada por el danzón , una elegante forma musical que alguna vez fue más popular que el son en Cuba. Es descendiente de la contradanza cubana criollizada . El danzón marca el cambio del estilo de baile comunitario de secuencia de finales del siglo XVIII a los bailes de pareja de épocas posteriores. El estímulo para esto fue el éxito del otrora escandaloso vals , donde las parejas bailaban una frente a la otra, independientemente de otras parejas y no como parte de una estructura preestablecida. El danzón fue el primer baile cubano en adoptar tales métodos, aunque existe una diferencia entre ambos bailes. El vals es un baile de salón progresivo donde las parejas se mueven alrededor de la pista en sentido contrario a las agujas del reloj; el danzón es un baile de "pañuelo de bolsillo" donde una pareja permanece dentro de un área pequeña de la pista. ^{[ 114 ]}

El danzón fue desarrollado por Miguel Faílde en Matanzas , siendo la fecha oficial de origen 1879. ^{[ 115 ]} La de Faílde era una orquesta típica , una forma derivada de las bandas militares, que utilizaba metales, timbales, etc. El desarrollo posterior de la charanga se adaptó mejor al salón interior y es un formato orquestal que aún es popular hoy en Cuba y algunos otros países. La charanga utiliza contrabajo , violonchelo , violines , flauta , piano , paila criolla y güiro . Este cambio en la configuración instrumental se ilustra en Early Cuban bands .

De vez en cuando, a lo largo de su trayectoria, el danzón adquirió influencias africanas en su estructura musical. Se volvió más sincopado , especialmente en su tercera parte. El mérito de esto se le atribuye a José Urfé , quien incorporó elementos del son a la última parte del danzón en su composición El bombín de Barreto (1910). ^{[ 116 ]} Tanto la estructura del danzón como la de la charanga han ejercido una gran influencia en desarrollos posteriores.

El danzón se exportó con gran éxito a toda Latinoamérica, especialmente a México. Hoy en día es una reliquia, tanto en la música como en la danza, pero sus descendientes, con una orquestación muy elaborada, perviven en las charangas que Faílde y Urfé probablemente no reconocerían. Juan Formell ha ejercido una enorme influencia a través de la reorganización, primero de la Orquesta Revé y luego de Los Van Van .

Los primeros danzones eran puramente instrumentales. El primero en introducir una parte vocal en un danzón fue Aniceto Díaz (en 1927, en Matanzas ), con la canción titulada Rompiendo la rutina , creando así un nuevo género llamado danzonete. Posteriormente, el cantante negro Barbarito Diez se unió a la charanga de Antonio María Romeu en 1935 y, a lo largo de los años, grabó once álbumes de danzonetes. Todas las formas posteriores del danzón han incluido voces.

La zarzuela es un formato de opereta ligera de pequeña escala . Inicialmente con contenido español importado ( Lista de compositores de zarzuela ), evolucionó hasta convertirse en un comentario continuo sobre los acontecimientos y problemas sociales y políticos de Cuba. La zarzuela tiene la distinción de haber proporcionado las primeras grabaciones cubanas: la soprano Chalía Herrera (1864-1968 ) realizó, fuera de Cuba, las primeras grabaciones de una artista cubana. Grabó números de la zarzuela Cádiz en 1898 en cilindros Bettini sin numerar . ^{[ 119 ]}

La zarzuela alcanzó su apogeo en la primera mitad del siglo XX. Una serie de compositores de primer nivel, como Gonzalo Roig , Eliseo Grenet , Ernesto Lecuona y Rodrigo Prats, produjeron una serie de éxitos para los teatros Regina y Martí de La Habana. Grandes estrellas como la vedette Rita Montaner , que cantaba, tocaba el piano, bailaba y actuaba, eran el equivalente cubano de Mistinguett y Josephine Baker en París. Algunas de las zarzuelas más conocidas son La virgen morena (Grenet), La Niña Rita (Grenet y Lecuona), María la O , El batey , Rosa la China (todas de Lecuona); La Habana de noche de Gonzalo Roig ; Amalia Batista y La perla del Caribe de Rodrigo Prats ; y, sobre todo, Cecilia Valdés (el musical de la novela cubana más famosa del siglo XIX, con música de Roig y libreto de Prats y Agustín Rodríguez). Entre los artistas que se dieron a conocer al público en el teatro lírico se encuentran Caridad Suárez, María de los Ángeles Santana, Esther Borja e Ignacio Villa, que tenía una cara tan redonda y negra que Rita Montaner lo llamaba Bola de Nieve .

Otra cantante famosa fue Maruja González Linares . Nacida de padres españoles en Mérida, Yucatán, México, en 1904, González viajó de Cuba a Estados Unidos siendo muy joven. Estudió técnicas vocales en Cuba, donde debutó en 1929 como cantante lírica en la Compañía del Maestro Ernesto Lecuona. González se presentó en varios teatros de La Habana antes de emprender una gira por Estados Unidos y, a su regreso a La Habana, interpretó La Bayadera y La Viuda Alegre en la misma ciudad. A principios de la década de 1930, firmó varios contratos en Latinoamérica y España. Se casó con Perico Suárez. La Revolución Cubana la sorprendió en el extranjero y nunca regresó a su país. Falleció en Miami en 1999.

El bufo cubano es una forma de comedia, obscena y satírica, con personajes estereotipados que imitan arquetipos que se pueden encontrar en cualquier parte del país. El bufo tuvo su origen alrededor de 1800-1815, cuando una forma anterior, la tonadilla , comenzó a desaparecer de La Habana. Francisco Covarrubias, el caricaturista (1775-1850 ) , fue su creador. Gradualmente, los personajes cómicos se despojaron de sus modelos europeos y se volvieron cada vez más criollizados y cubanos. Paralelamente, la música siguió el mismo camino. El argot de los barracones de esclavos y los barrios pobres se abrió paso en las letras que son las de la guaracha .

Una mulata me ha muerto!

Y no prenden a esa mulata?

Como ha de quedar hombre vivo

si no prenden a quien mata!

La mulata es como el pan;

se debe comer caliente,

que en dejarla enfriar

ni el diablo le mete el diente! ^{[ 10 ] p218}

(¡Una mulata está hecha para mí!

¡Y lo que es más, no la arrestan!

¿Cómo puede vivir un hombre?

¿Y si no atrapan a este asesino?

Una mulata es como pan recién hecho

Hay que comerlo mientras está caliente.

Si lo dejas hasta que se enfríe

¡Ni el diablo puede probarlo!

La «guaracha» ocupó un lugar predominante en el desarrollo del teatro vernáculo en Cuba, cuya aparición a principios del siglo XIX coincide con el surgimiento de los primeros géneros musicales cubanos autóctonos: la «guaracha» y la «contradanza». Desde 1812, Francisco Covarrubias (considerado el padre del Teatro Bufo) sustituyó gradualmente en sus obras teatrales los personajes típicos de la «tonadilla escénica» española por personajes criollos como «guajiros», «monteros», «carreteros» o «peones». Estas transformaciones estructurales también se asociaron a ciertos cambios en el trasfondo musical de las obras. Así, los géneros españoles como «jácaras», «tiranas», «boleras» o «villancicos» fueron sustituidos por «guarachas», «décimas» y «canciones cubanas». ^{[ 120 ]}

El teatro popular, en sus diversas formas, suele incluir música. Todavía se ven formatos similares al Music Hall británico o al Vaudeville estadounidense , donde el público disfruta de una variada selección de cantantes, comediantes, bandas, sketches y números especiales. Incluso en los cines, durante la época del cine mudo, aparecían cantantes e instrumentistas en el intermedio, y un pianista tocaba durante las películas. Bola de Nieve y María Teresa Vera actuaron en cines en sus inicios. El burlesque también era común en La Habana antes de 1960.

La rumba urbana (también llamada rumba (de solar o de cajón) ) es una amalgama de varias tradiciones africanas de percusión y danza, combinadas con influencias españolas. Según el musicólogo cubano Argeliers León: «En la fiesta que constituía una rumba concurrieron, por lo tanto, determinadas contribuciones africanas, pero también convergieron otros elementos de raíces hispánicas, que ya se habían incorporado a las expresiones que aparecían en la nueva población emergente en la isla». ^{[ 124 ]}

La rumba (de solar o de cajón) es un estilo musical secular originario de los muelles y las zonas menos prósperas de La Habana y Matanzas . En sus inicios, los músicos de rumba utilizaban un trío de cajas de madera ( cajones ), que posteriormente fueron sustituidas por tambores, similares en apariencia a las congas . El tambor agudo se llama "quinto", el tambor medio se llama "macho o tres-dos" (tres-dos), porque su ritmo esencial se basa en el patrón de la clave cubana, y el tambor bajo se llama "hembra o salidor", porque generalmente iniciaba o "rompía" (rompía) la rumba. ^{[ 125 ]} En el conjunto de rumba también utilizan dos baquetas o cucharas para golpear un trozo hueco de bambú llamado "guagua" o "catá", así como las claves cubanas, el güiro y algunos sonajeros de origen bantú llamados "nkembi". ^{[ 126 ]}

La parte vocal de la rumba corresponde a una versión modificada del antiguo estilo español de "copla-estribillo" (cuarteto-estribillo), que incluye una sección de "montuno" que puede considerarse un "estribillo" ampliado o desarrollado que constituye una sección independiente que incluye el estilo de llamada y respuesta , tan típico de las tradiciones africanas. ^{[ 127 ]}

De los muchos estilos de rumba que comenzaron a aparecer a finales del siglo XIX, conocidos como "Tiempo Español", como la tahona, la jiribilla, el palatino y la resedá, han sobrevivido tres formas básicas: la Columbia , el guaguancó y el yambú . La Columbia, que se baila en compás _{de 6/8} ^, suele ser un baile solista interpretado únicamente por un hombre. Es rápido e incluye movimientos agresivos y acrobáticos. El guaguancó lo baila una pareja formada por un hombre y una mujer. El baile simula la persecución del hombre hacia la mujer. El yambú , ahora una reliquia, presentaba una imitación burlesca de un anciano caminando con un bastón. Todas las formas de rumba se acompañan de cantos o cánticos. ^{[ 128 ] [ 129 ]}

La rumba (de solar o de cajón) es hoy un género fósil que en Cuba se suele ver en interpretaciones de grupos profesionales. También existen grupos de aficionados que se organizan en Casas de Cultura y en grupos de trabajo. Como todos los aspectos de la vida en Cuba, la danza y la música están organizadas por el Estado a través de los Ministerios y sus diversos comités. ^{[ 130 ]}

Los Coros de Clave fueron grupos corales populares que surgieron a principios del siglo XX en La Habana y otras ciudades cubanas.

El gobierno cubano solo permitía a las personas negras, esclavas o libres, cultivar sus tradiciones culturales dentro de los límites de ciertas sociedades de ayuda mutua, fundadas durante el siglo XVI. Según David H. Brown, estas sociedades, llamadas Cabildos, "brindaban asistencia en caso de enfermedad y muerte, celebraban misas por los miembros fallecidos, recaudaban fondos para comprar la libertad de sus hermanos de la nación, organizaban bailes y diversiones regularmente los domingos y días festivos, y patrocinaban misas religiosas, procesiones y comparsas (ahora llamadas comparsas) en torno al ciclo anual de las festividades católicas". ^{[ 131 ]}

Dentro de los Cabildos de ciertos barrios de La Habana, Matanzas , Sancti Spíritus y Trinidad , se fundaron durante el siglo XIX algunos grupos corales que organizaban actividades competitivas y, en ocasiones, recibían la visita de autoridades locales y vecinos que les aportaban dinero y regalos. Estas sociedades corales se denominaban Coros de Clave, probablemente por el instrumento que solían acompañar sus interpretaciones, las Claves Cubanas . ^{[ 132 ]}

El acompañamiento de los coros también incluía una guitarra y la percusión se ejecutaba sobre la caja de resonancia de un banjo americano al que se le habían quitado las cuerdas, debido a que la interpretación de tambores africanos estaba estrictamente prohibida en las ciudades cubanas. ^{[ 133 ]} El estilo de la música de Coros de Clave, y en particular su ritmo, dio origen posteriormente a un género de canción popular llamado Clave, que muy probablemente sirvió como prototipo original para la creación del género Criollo. Ambos géneros, el Clave y el Criollo, se hicieron muy populares dentro del repertorio del teatro vernáculo cubano.

De manera similar a como los primeros cantos y bailes españoles se extendieron de las ciudades al campo, las características de la Guaracha cubana , que gozaba de gran popularidad en La Habana, comenzaron a propagarse a las zonas rurales en un tiempo indeterminado durante el siglo XIX. Este proceso no fue difícil si se considera la proximidad entre las zonas urbanas y rurales de Cuba en aquel entonces. Por ello, los campesinos cubanos (guajiros) comenzaron a incluir en sus fiestas llamadas "guateques" o "changüís", y en festines como las "fiestas patronales" y las "parrandas", algunas rumbitas (pequeñas rumbas) muy parecidas a las Guarachas urbanas, cuyo compás binario contrastaba con el ritmo ternario de sus tradicionales "tonadas" y "zapateos". ^{[ 86 ]}

Aquellas pequeñas rumbas rurales han sido llamadas por el reconocido musicólogo Danilo Orozco "proto-sones", "soncitos primigenios", "rumbitas", "nengones" o "marchitas", y algunas de ellas —como Caringa, Papalote, Doña Joaquina, Anda Pepe y el Tingotalango— se han conservado hasta nuestros días. ^{[ 134 ]}

Las rumbitas fueron consideradas protosones (sones primigenios), debido a la evidente analogía que sus componentes estructurales muestran con el son, que surgió en La Habana durante las primeras décadas del siglo XX. Las rumbitas pueden considerarse el prototipo original de este género popular. ^{[ 86 ]}

Según la musicóloga Virtudes Feliú, aquellas rumbitas aparecieron en ciudades y pueblos de todo el territorio de la Isla, como: Ciego de Ávila, Sancti Espíritus, Cienfuegos, Camagüey, Puerta de Golpe en Pinar del Río y Bejucal en La Habana, así como Remedios en Villa Clara e Isla de Pinos. ^{[ 135 ]}

Hay muchas referencias a las Guerras de Independencia de Cuba (1868-1898), relacionadas con las rumbitas rurales, tanto en la región oriental del país como en la región occidental y la Isla de Pinos, lo que sugiere que su surgimiento tuvo lugar aproximadamente durante la segunda mitad del siglo XIX. ^{[ 86 ]}

Las rumbitas rurales incluían un mayor número de características africanas que la guaracha cubana, debido a la integración gradual de los ciudadanos afrocubanos libres al entorno rural. ^{[ 136 ]}

Desde el siglo XVI, gracias a un programa aprobado por el gobierno llamado "manumisión", a los esclavos negros se les permitió pagar su libertad con sus propios ahorros. Por lo tanto, un mayor número de negros libres se dedicó a las labores manuales en el campo que en las ciudades, y algunos de ellos también pudieron convertirse en propietarios de tierras y esclavos. ^{[ 137 ]}

Características de la rumba rural

Una de las características más destacadas de las rumbitas rurales era su propia forma, muy similar a la estructura típica de las canciones africanas. En este caso, la pieza completa se basaba en un único fragmento o frase musical de corta duración que se repetía, con algunas variaciones, una y otra vez, a menudo alternando con un coro. Este estilo se denominaba "montuno" (literalmente "del campo") debido a su origen rural. ^{[ 86 ]}

Otra característica del nuevo género fue la superposición de diferentes patrones rítmicos ejecutados simultáneamente, similar a como se utiliza en la rumba urbana, rasgo común también en la tradición musical africana. ^{[ 86 ]} Esas capas o "franjas de sonoridades", según Argeliers León, se asignaban a diferentes instrumentos que se incorporaban gradualmente al grupo. Por lo tanto, el conjunto pasó del tradicional Tiple y Güiro a uno que incluía guitarra, bandurria, laúd cubano, claves y otros instrumentos como la tumbandera , la marímbula , la botija , los bongos , el machete y el acordeón. ^{[ 138 ]}

Se asignaron algunas funciones musicales importantes a las capas de sonoridad, como la "línea de tiempo" o ritmo de clave interpretado por las claves, un ritmo de "1 corchea + 2 semicorcheas" interpretado por el güiro o el machete, los patrones del "guajeo" interpretado por el tres , la improvisación en los bongos y el bajo anticipado en la "tumbandera" o la "botija". ^{[ 86 ]}

El 20 de enero de 1801, Buenaventura Pascual Ferrer publicó una nota en un periódico llamado El Regañón de La Habana , en la que se refiere a ciertos cantos que "corren afuera con voces vulgares". Entre ellos menciona una "guaracha" llamada "La Guabina", de la cual dice: "en la voz de quienes la cantan, sabe a todo lo sucio, indecente o repugnante que uno pueda imaginar". En una fecha posterior indeterminada, "La Guabina" aparece publicada entre las primeras partituras musicales impresas en La Habana a principios del siglo XIX. ^{[ 139 ]}

De los comentarios publicados en El Regañón de La Habana , se puede concluir que esas "guarachas" eran muy populares entre la población habanera de la época, pues en el mismo artículo mencionado anteriormente el autor afirma: "pero lo más importante, lo que más me molesta, es la libertad con la que se cantan por las calles y los hogares, donde se insulta la inocencia y se ofende la moral... por muchos individuos, no solo de la clase más baja, sino también por algunos que se consideran personas cultas". Por lo tanto, se puede decir que esas audaces "guarachas" ya se cantaban aparentemente en un amplio sector social de la población habanera. ^{[ 139 ]}

Según Alejo Carpentier (citando a Buenaventura Pascual Ferrer), a principios del siglo XIX se celebraban en La Habana hasta cincuenta fiestas de baile diarias, donde se cantaba y bailaba la famosa "guaracha", entre otras piezas populares. ^{[ 120 ]}

La guaracha es un género de ritmo rápido y letras cómicas o picarescas. ^{[ 140 ]} Se originó a finales del siglo XVIII y, a principios del siglo XX, todavía se tocaba con frecuencia en los burdeles y otros lugares de La Habana. ^{[ 141 ] [ 142 ]} Las letras estaban llenas de jerga y trataban sobre eventos y personas de actualidad. Rítmicamente, la guaracha presenta una serie de combinaciones rítmicas, como ⁶ ₈ con ² ₄ . ^{[ 143 ]}

Muchos de los primeros trovadores, como Manuel Corona (que trabajaba en una zona de burdeles de La Habana), componían y cantaban guarachas como contrapunto a los boleros y canciones más lentos. El contenido satírico de las letras también encajaba bien con el son, y muchas orquestas interpretaban ambos géneros. A mediados del siglo XX, el estilo fue adoptado por los conjuntos y las big bands como un tipo de música de ritmo rápido. Hoy en día, parece que ya no existe como una forma musical distinta; se ha integrado en el vasto universo de la salsa . A los cantantes que dominan las letras rápidas y son buenos improvisadores se les llama guaracheros o guaracheras .

El origen del son cubano se remonta a las rumbas rurales, denominadas proto-sones (sones primigenios) por el musicólogo Danilo Orozco. Estas muestran, de forma parcial o embrionaria, todas las características que posteriormente identificarían el estilo son: la repetición de una frase llamada montuno , el patrón de clave, un contrapunto rítmico entre diferentes capas de la textura musical, el guajeo del tres, los ritmos de la guitarra, los bongos y el contrabajo, y el estilo de llamada y respuesta entre solista y coro. ^{[ 86 ]}

Según Radamés Giro, posteriormente el estribillo o montuno se unió a una cuarteta llamada regina , que era como los campesinos del este del país denominaban a la cuarteta. De este modo, la estructura estribillo-cuarteta-estribillo aparece en una etapa muy temprana del Son Oriental , como en uno de los Sones más antiguos llamado "Son de Máquina", que consta de tres reginas con sus estribillos correspondientes. ^{[ 144 ]}

Durante un proyecto de investigación sobre la familia Valera-Miranda (antiguos Soneros) realizado por Danilo Orozco en la región de Guantánamo, se grabó una muestra de Nengón, considerada antecesora del Changüí. Esta muestra presenta la estructura de estribillo-cuarteto-estribillo ya mencionada . En este caso, las repeticiones del estribillo constituyen un verdadero "montuno".

Estribillo: Yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti nengón, yo he nacido para ti Nengón... (Nací para ti Nengón...) ^{[ 86 ]}

En el siglo XIX, Santiago de Cuba se convirtió en el centro de un grupo de músicos itinerantes, trovadores, que viajaban ganándose la vida cantando y tocando la guitarra. ^{[ 149 ]} Fueron de gran importancia como compositores, y sus canciones han sido transcritas para todos los géneros de la música cubana.

Pepe Sánchez , nacido José Sánchez (1856-1918 ) , es conocido como el padre de la trova y el creador del bolero cubano. ^{[ 150 ]} No recibió formación musical formal. Con un talento natural extraordinario, componía melodías mentalmente y nunca las escribía. Por consiguiente, la mayoría de estas composiciones se han perdido para siempre, aunque se conservan unas dos docenas gracias a las transcripciones de amigos y discípulos. Su primer bolero, Tristezas , aún se recuerda hoy en día. También creó jingles publicitarios antes de la llegada de la radio. ^{[ 151 ]} Fue el modelo y maestro de los grandes trovadores que le siguieron. ^{[ 152 ]}

El primero, y uno de los más longevos, fue Sindo Garay ( 1867-1968 ). Fue un compositor excepcional de canciones de trova, y sus mejores obras se han cantado y grabado en numerosas ocasiones. Garay era analfabeto musical —de hecho, aprendió el alfabeto por su cuenta a los 16 años— , pero en su caso no solo otros grabaron sus partituras, sino que también existen grabaciones. Garay se instaló en La Habana en 1906 y, en 1926, junto con Rita Montaner y otros, visitó París, donde pasó tres meses. Transmitió por radio, realizó grabaciones y vivió hasta nuestros días. Solía ​​decir: «¡No muchos hombres han estrechado la mano de José Martí y Fidel Castro !» ^{[ 15 ] p298 [ 153 ]}

José 'Chicho' Ibáñez (1875 – 1981) ^{[ 154 ]} vivió incluso más que Garay. Ibáñez fue el primer trovador en especializarse en el son ; también cantaba guaguancós y piezas del abakuá .

El compositor Rosendo Ruiz (1885-1983 ) fue otro trovador longevo. Fue autor de un conocido manual de guitarra. Alberto Villalón (1882-1955 ) y Manuel Corona ( 1880-1950 ) fueron de similar talla. Garay, Ruiz, Villalón y Corona son conocidos como los cuatro grandes de la trova , aunque los siguientes trovadores también gozan de gran prestigio.

Patricio Ballagas (1879 – 1920); María Teresa Vera (1895 – 1965), Lorenzo Hierrezuelo (1907 – 1993), Ñico Saquito (Antonio Fernández: 1901 – 1982), Carlos Puebla (1917 – 1989) y Compay Segundo (Máximo Francisco Repilado Muñoz: 1907 – 2003) fueron grandes trovadores. El Guayabero ( Faustino Oramas : 1911 – 2007) fue el último de la antigua trova.

Los músicos de trova solían trabajar en parejas y tríos, algunos exclusivamente (Compay Segundo). Con el auge del sexteto, septeto y conjunto, muchos se unieron a grupos más grandes. Y no olvidemos al Trío Matamoros , que trabajó junto durante la mayor parte de su vida. Matamoros fue uno de los grandes. ^{[ 155 ]}

Bolero

Esta forma de canto y baile es bastante diferente de su homónima española. Se originó en el último cuarto del siglo XIX con el fundador de la trova tradicional , Pepe Sánchez . Él compuso el primer bolero, Tristezas , que aún se canta hoy en día. El bolero siempre ha sido un elemento fundamental del repertorio de los músicos de trova.

Originalmente, constaba de dos secciones de 16 compases en compás _{de 2/4} ^, separadas por una sección instrumental de guitarra española llamada pasacalle . El bolero demostró ser excepcionalmente adaptable y dio lugar a numerosas variantes. Un ejemplo típico fue la introducción de la síncopa, que dio origen al bolero-moruno, bolero-beguine, bolero-mambo y bolero-cha. El bolero-son se convirtió durante varias décadas en el ritmo más popular para bailar en Cuba, y fue este ritmo el que la comunidad internacional de baile adoptó y enseñó con el nombre erróneo de «rumba».

El bolero cubano se exportó a todo el mundo y sigue siendo popular. Entre los principales compositores de bolero se encuentran Sindo Garay , Rosendo Ruiz , Carlos Puebla y Agustín Lara (México). ^{[ 150 ] [ 156 ] [ 157 ] [ 158 ] [ 159 ]}

El vals llegó a Cuba hacia 1814. Fue el primer baile en el que las parejas no estaban unidas por un patrón de secuencia común. Se bailaba, y aún se baila, en _{compás de 3/4} con ^el acento en el primer tiempo. Originalmente se consideraba escandaloso porque las parejas se miraban de frente, se abrazaban y, por así decirlo, ignoraban a la comunidad que las rodeaba. El vals se extendió por todos los países de América; su popularidad relativa en la Cuba del siglo XIX es difícil de estimar.

Los bailes indígenas cubanos no utilizaban el agarre cerrado con parejas bailando de forma independiente hasta el danzón, a finales de siglo, aunque la guaracha podría ser un ejemplo anterior. El vals tiene otra característica: es un baile itinerante, con parejas que se desplazan por la pista. En los bailes latinos, el movimiento progresivo de los bailarines es poco común, pero sí se da en la conga , la samba y el tango .

El vals tropical se interpretaba a un tempo más lento y frecuentemente incluía una melodía cantada con texto. Estos textos solían aludir a la belleza del campo cubano, la añoranza de los siboneyes (un pueblo indígena de Cuba) y otros temas criollos. Con acentos en sus tres tiempos, su melodía era fluida y compuesta por notas de igual valor. Era similar a muchas otras canciones en las que la melodía se trataba de forma silábica, donde el primer tiempo no se acentuaba con una breve anacrusa, sino que tendía a desplazarse hacia el segundo tiempo, como en la canción campesina (guajira). ^{[ 162 ]}

El son cubano es un estilo de música y baile originario de Cuba que alcanzó popularidad mundial durante la década de 1930. Combina la estructura y los rasgos de la canción española con elementos estilísticos y de percusión afrocubanos . El son cubano es una de las formas más influyentes y extendidas de la música latinoamericana: sus derivados y fusiones, especialmente la salsa , se han difundido por todo el mundo. ^{[ 163 ]}

El son, dijo Cristóbal Díaz, es el género más importante de la música cubana, y el menos estudiado. ^{[ 164 ]} Se puede decir con razón que el son es a Cuba lo que el tango es a Argentina , o la samba a Brasil . Además, es quizás la forma más flexible de toda la música latinoamericana. Su gran fortaleza reside en la fusión de tradiciones musicales europeas y africanas. Sus instrumentos más característicos son el instrumento cubano conocido como tres y el conocido bongó de doble cabeza ; estos han estado presentes desde sus inicios hasta la actualidad. También son típicos las claves , la guitarra española , el contrabajo (que reemplazó a la botija o marímbula de antaño ), la corneta o trompeta en sus comienzos y, finalmente, el piano.

A pesar de la tendencia tradicional a atribuir el origen del son cubano a la región oriental de Cuba (Oriente), más recientemente, algunos musicólogos han mostrado una postura más inclusiva. Si bien Alejo Carpentier, Emilio Grenet y Cristóbal Díaz Ayala apoyan la teoría del "origen oriental", Argeliers León no menciona nada al respecto en su obra fundamental "Del Canto y el Tiempo", al igual que María Teresa Linares en "La música entre Cuba y España". ^{[ 86 ]} Ramadamés Giro afirma sobre este tema: "Si el son fue un fenómeno artístico que se desarrolló desde la segunda mitad del siglo XIX —y no solo en la antigua provincia de Oriente—, es lógico suponer, aunque no afirmar, que mucho antes de 1909 se escuchaba en la capital (La Habana) por las razones antes mencionadas". ^{[ 165 ]}

Fue en La Habana donde tuvo lugar el encuentro de la rumba rural y la rumba urbana, que se habían desarrollado por separado durante la segunda mitad del siglo XIX. Los guaracheros y rumberos que solían tocar con el tiple y el güiro finalmente se encontraron con otros rumberos que cantaban y bailaban acompañados por el cajón y la clave cubana, y el resultado fue la fusión de ambos estilos en un nuevo género llamado son. ^{[ 86 ]} Alrededor de 1910, el son probablemente adoptó el ritmo de clave de la rumba habanera , que se había desarrollado a finales del siglo XIX en La Habana y Matanzas . ^{[ 166 ]}

La popularización masiva de la música son propició una mayor valoración de la cultura callejera afrocubana y de los artistas que la crearon. También abrió las puertas a otros géneros musicales con raíces afrocubanas para que se popularizaran en Cuba y en todo el mundo. ^{[ 167 ]}

La historia del jazz en Cuba estuvo oculta durante muchos años, pero ahora es evidente que su historia en Cuba es prácticamente tan larga como su historia en Estados Unidos. ^{[ 168 ] [ 169 ] [ 170 ] [ 171 ] [ 172 ] [ 173 ]}

Ahora se sabe mucho más sobre las primeras bandas de jazz cubanas , pero la falta de grabaciones dificulta una evaluación completa. Las migraciones, los viajes a Estados Unidos y el intercambio mutuo de grabaciones y partituras mantuvieron el contacto entre los músicos de ambos países. Durante la primera parte del siglo XX, existieron estrechas relaciones entre los músicos de Cuba y los de Nueva Orleans . El director de orquesta del famoso Tropicana Club , Armando Romeu Jr. , fue una figura clave en el desarrollo del jazz cubano tras la Segunda Guerra Mundial. El fenómeno del cubop y las jam sessions organizadas por Cachao en La Habana y Nueva York dieron lugar a auténticas fusiones que influyen en los músicos actuales.

Un historiador clave del jazz cubano primitivo es Leonardo Acosta. ^{[ 168 ] [ 169 ]} Otros han explorado la historia del jazz y del jazz latino desde una perspectiva más estadounidense. ^{[ 170 ] [ 171 ] [ 172 ] [ 173 ]}

Primeras bandas de jazz cubanas

La Jazz Band Sagua fue fundada en Sagua la Grande en 1914 por Pedro Stacholy (director y piano). Integrantes: Hipólito Herrera (trompeta); Norberto Fabelo (corneta); Ernesto Ribalta (flauta y saxo); Humberto Domínguez (violín); Luciano Galindo (trombón); Antonio Temprano (tuba); Tomás Medina (batería); Marino Rojo (güiro). Durante catorce años actuaron en el Teatro Principal de Sagua. Stacholy estudió con Antonio Fabré en Sagua y completó sus estudios en Nueva York, donde permaneció tres años. ^{[ 174 ]}

La Cuban Jazz Band fue fundada en 1922 por Jaime Prats en La Habana. Entre sus integrantes se encontraban su hijo Rodrigo Prats al violín, el gran flautista Alberto Socarrás a la flauta y el saxofón , y Pucho Jiménez al trombón de varas. Probablemente la formación incluía al menos contrabajo, batería, banjo y corneta. Obras anteriores la citan como la primera banda de jazz en Cuba, ^{[ 175 ]} pero evidentemente existieron grupos anteriores.

En 1924, Moisés Simons (piano) fundó un grupo que tocaba en la azotea del Hotel Plaza de La Habana, compuesto por piano, violín, dos saxofones, banjo, contrabajo, batería y timbales. Entre sus miembros se encontraban Virgilio Diago (violín); Alberto Soccarás (saz alto, flauta); José Ramón Betancourt (saxo tenor); y Pablo O'Farrill (contrabajo). En 1928, todavía en el mismo lugar, Simons contrató a Julio Cueva , un famoso trompetista, y a Enrique Santiesteban , futura estrella mediática, como vocalista y baterista. Eran instrumentistas de primer nivel, atraídos por los elevados honorarios de 8 dólares al día. ^{[ 168 ] p28}

Durante la década de 1930, varias bandas tocaron jazz en La Habana, como las de Armando Romeu, Isidro Pérez, Chico O'Farrill y Germán Lebatard. Su contribución más importante fue su propio formato instrumental, que introdujo la sonoridad típica del jazz al público cubano. Otro elemento importante en este proceso fueron los arreglos de músicos cubanos como Romeu, O'Farrill, Bebo Valdés, Peruchín Jústiz y Leopoldo "Pucho" Escalante. ^{[ 176 ]}

El jazz afrocubano es la forma más antigua del jazz latino y mezcla ritmos afrocubanos basados ​​en la clave con armonías y técnicas de improvisación del jazz. El jazz afrocubano surgió a principios de la década de 1940 con los músicos cubanos Mario Bauza y Frank Grillo "Machito" en la banda Machito and his Afro-Cubans, con sede en la ciudad de Nueva York. En 1947, las colaboraciones del innovador del bebop Dizzy Gillespie con el percusionista cubano Chano Pozo llevaron ritmos e instrumentos afrocubanos, sobre todo la tumbadora y el bongó, a la escena del jazz de la Costa Este. Las primeras combinaciones de jazz con música cubana, como "Manteca" de Dizzy y Pozo y "Mangó Mangüé" de Charlie Parker y Machito, se conocían comúnmente como "Cubop", abreviatura de Cuban bebop. ^{[ 177 ]} Durante sus primeras décadas, el movimiento del jazz afrocubano fue más fuerte en los Estados Unidos que en la propia Cuba. ^{[ 178 ]} A principios de la década de 1970, la Orquesta Cubana de Música Moderna y más tarde Irakere introdujeron el jazz afrocubano en la escena musical cubana, influyendo en nuevos estilos como el songo.

En la década de 1940, Chano Pozo ^{[ 184 ]} formó parte de la revolución del bebop en el jazz , tocando la conga con Dizzy Gillespie y Machito en la ciudad de Nueva York. El jazz cubano había comenzado mucho antes, en La Habana, en el período 1910-1930 .

Arsenio Rodríguez , uno de los intérpretes de tres y líderes de conjunto más famosos de Cuba, enfatizó las raíces africanas del son adaptando el estilo guaguancó y añadiendo un cencerro y una conga a la sección rítmica. También amplió el papel del tres como instrumento solista. ^{[ 185 ]}

A finales de los años 30 y 40, la danzonera Arcaño y sus Maravillas incorporó más síncopas y añadió un montuno (como en son), transformando la música interpretada por las orquestas de charanga . ^{[ 186 ]}

Música cubana en Estados Unidos

Tras la Segunda Guerra Mundial, tres grandes innovaciones basadas en la música cubana llegaron a Estados Unidos: la primera fue el Cubop , la última fusión de jazz latino . En este género, Mario Bauza y la orquesta Machito, por parte cubana, y Dizzy Gillespie, por parte estadounidense, fueron figuras clave. El enérgico percusionista Chano Pozo también desempeñó un papel importante, ya que introdujo a los músicos de jazz a los ritmos cubanos básicos. El jazz cubano ha mantenido una influencia significativa a lo largo de los años.

El mambo llegó a Estados Unidos alrededor de 1950, aunque ya se venía gestando en Cuba y Ciudad de México. El mambo, tal como se entendía en Estados Unidos y Europa, era considerablemente diferente del danzón-mambo de Orestes "Cachao" López , que era un danzón con síncopa adicional en su parte final. El mambo , que alcanzó fama internacional , fue un producto de las big bands, obra de Pérez Prado , quien realizó grabaciones sensacionales para RCA en sus nuevos estudios de grabación en Ciudad de México a finales de la década de 1940. Alrededor de 27 de esas grabaciones contaron con Benny Moré como cantante, aunque los mayores éxitos fueron principalmente instrumentales. Entre los grandes éxitos se encuentran "Que rico el mambo" (Mambo Jambo); " Mambo No. 5 "; "Mambo #8"; " Cherry Pink (and Apple Blossom White) ". El éxito posterior (1955) " Patricia " fue una fusión de mambo y rock. ^{[ 190 ]} El mambo del tipo Prado era más descendiente del son y la guaracha que del danzón. En Estados Unidos, la locura por el mambo duró aproximadamente de 1950 a 1956, pero su influencia en el bugaloo y la salsa que le siguieron fue considerable.

El violinista Enrique Jorrín inventó el chachachá a principios de la década de 1950. Este se desarrolló a partir del danzón mediante una mayor síncopa . El chachachá se popularizó fuera de Cuba cuando las grandes orquestas de Pérez Prado y Tito Puente produjeron arreglos que atrajeron al público estadounidense y europeo. ^{[ 191 ]}

Junto con los "Nuyoricans" Ray Barretto y Tito Puente , entre otros, varias oleadas de inmigrantes cubanos introdujeron sus ideas en la música estadounidense. Entre ellos se encontraba Celia Cruz , cantante de guaracha . Otros destacaron en el jazz latino, como el percusionista Patato Valdés, del grupo cubano "Tipíca '73", vinculado a los Fania All-Stars . Varios exmiembros de Irakere también alcanzaron un gran éxito en Estados Unidos, entre ellos Paquito D'Rivera y Arturo Sandoval . Tata Güines , un famoso percusionista de congas, se trasladó a Nueva York en 1957, donde tocó con músicos de jazz como Dizzy Gillespie , Maynard Ferguson y Miles Davis en Birdland . Como percusionista, actuó con Josephine Baker y Frank Sinatra . Regresó a Cuba en 1959 tras la llegada al poder de Fidel Castro en la Revolución Cubana , a la que contribuyó con aportaciones de sus ganancias como músico. ^{[ 192 ]}

El mambo es un género musical y un estilo de baile que se originó en Cuba. La palabra "mambo", al igual que otras denominaciones musicales afroamericanas como conga, milonga, bomba, tumba, samba, bamba, bamboula, tambo, tango, cumbé, cumbia y candombe, denota un origen africano, particularmente del Congo, debido a la presencia de ciertas combinaciones características de sonidos, como mb, ng y nd, que pertenecen al complejo lingüístico níger-congo.

Las raíces más antiguas del mambo cubano se remontan al "Danzón de Nuevo Ritmo", popularizado por la orquesta "Arcaño y sus Maravillas", dirigida por el célebre director Antonio Arcaño . Él fue el primero en denominar "mambo" a una sección del popular danzón cubano . Fue el violonchelista de Arcaño, Orestes López , quien creó el primer danzón llamado "Mambo" (1938). ^{[ 193 ]} En esta pieza, algunos motivos sincopados, tomados del estilo son , se combinaron con pasajes de flauta improvisados. ^{[ 194 ]}

Dámaso Pérez Prado (1927), pianista y arreglista originario de Matanzas, Cuba, se estableció en La Habana a principios de la década de 1940 y comenzó a trabajar en clubes nocturnos y orquestas, como la de Paulina Álvarez y el Casino de La Playa. En 1949 viajó a México en busca de oportunidades laborales y alcanzó un gran éxito con un nuevo estilo, al que le asignó un nombre que ya había sido utilizado por Antonio Arcaño: el "Mambo". ^{[ 195 ]}

El estilo de Pérez Prado se diferenciaba del concepto anterior de "mambo". El nuevo estilo presentaba una mayor influencia de la música de las bandas de jazz norteamericanas y una instrumentación ampliada que incluía cuatro o cinco trompetas, cuatro o cinco saxofones, contrabajo, batería, maracas, cencerro, congas y bongos. El nuevo "mambo" incorporaba un contrapunto pegadizo entre las trompetas y los saxofones, que impulsaba al cuerpo a moverse al ritmo, estimulado al final de cada frase musical por una característica expresión vocal profunda. ^{[ 86 ]}

Las grabaciones de Prado estaban destinadas a los mercados latinoamericano y latino de Estados Unidos, pero algunos de sus mambos más célebres, como "Mambo No. 5" y "Que Rico el Mambo", rápidamente llegaron a Estados Unidos. ^{[ 196 ]}

El chachachá es un género de música cubana. Es un género de música bailable muy popular que se desarrolló a partir del danzón-mambo a principios de la década de 1950 y que se popularizó en todo el mundo.

Chachachávis es un género musical cubano cuya creación se ha atribuido tradicionalmente al compositor y violinista cubano Enrique Jorrín , quien comenzó su carrera tocando para la orquesta de charanga Orquesta América . ^{[ 198 ]}

Según el testimonio de Enrique Jorrín , compuso algunos danzones en los que los músicos de la orquesta debían cantar breves estribillos, y este estilo tuvo mucho éxito. En el danzón «Constancia» introdujo algunos montunos y el público se animó a cantar los estribillos. Jorrín también pidió a los miembros de la orquesta que cantaran al unísono para que la letra se escuchara con mayor claridad y tuviera un mayor impacto en el público. Esta forma de cantar también ayudó a disimular las deficiencias vocales de los músicos.

Desde sus inicios, la música chachachá ha estado estrechamente ligada a los pasos del bailarín. El nombre chachachá surgió gracias a los bailarines del Club Estrella de Plata de La Habana. Al sincronizar el baile con el ritmo de la música, se hizo evidente que los pies del bailarín producían un sonido peculiar al rozar el suelo en tres tiempos consecutivos. Era como una onomatopeya que sonaba como: chachachá. De este sonido particular nació un género musical que motivó a personas de todo el mundo a bailar con su ritmo pegadizo. ^{[ 199 ]}

Según Olavo ALén: "Durante la década de 1950, el Chachachá mantuvo su popularidad gracias al esfuerzo de muchos compositores cubanos que conocían la técnica de componer danzones y que dieron rienda suelta a su creatividad en el Chachachá", como Rosendo Ruiz, Jr. ("Los Marcianos" y "Rico Vacilón"), Félix Reina ("Dime Chinita", "Como Bailan Cha-cha-chá los Mexicanos"), Richard Egűes ("El Bodeguero" y "La Cantina") y Rafael Lay ("Cero Codazos, Cero Cabezazos"). ^{[ 200 ]}

El chachachá se presentó por primera vez al público a través de la charanga , un formato típico de orquesta de baile cubana compuesta por flauta, cuerdas, piano, bajo y percusión. La popularidad del chachachá también revitalizó la popularidad de este tipo de orquesta. ^{[ 201 ]}

El filin fue una moda cubana de las décadas de 1940 y 1950, influenciada por la música popular estadounidense. La palabra deriva de sentimiento . Describe un estilo de canción romántica (crooning) con influencias del jazz posterior al micrófono. ^{[ 202 ]} Sus raíces cubanas se encuentran en el bolero y la canción. Algunos cuartetos cubanos, como el Cuarteto d'Aida y Los Zafiros , se inspiraron en grupos estadounidenses de armonía cerrada. Otros eran cantantes que habían escuchado a Ella Fitzgerald , Sarah Vaughan y Nat King Cole . Una casa en La Habana, donde vivía el trovador Tirso Díaz, se convirtió en un lugar de encuentro para cantantes y músicos interesados ​​en el filin, como Luis Yáñez, César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, Niño Rivera , José Antonio Ñico Rojas , Elena Burke , Froilán , Aida Diestro y Frank Emilio Flynn . Aquí, letristas y cantantes podían conocer a arreglistas como Bebo Valdés , El Niño Rivera (Andrés Hechavarria) y Peruchín (Pedro Justiz), y recibir ayuda para desarrollar su trabajo. Entre los cantantes de filin se encontraban César Portillo de la Luz , José Antonio Méndez, quien pasó una década en México de 1949 a 1959, Frank Domínguez , el pianista ciego Frank Emilio Flynn y las grandes cantantes de boleros Elena Burke y la aún en activo Omara Portuondo , ambas provenientes del Cuarteto d'Aida. El movimiento filin originalmente tenía un espacio todas las tardes en Radio Mil Diez . Algunos de sus cantantes más destacados, como Pablo Milanés , posteriormente se unieron a la Nueva Trova .

La música cubana moderna se caracteriza por su constante mezcla de géneros . Por ejemplo, en la década de 1970, Los Irakere incorporaron el batá en un contexto de big band ; esto se conoció como son-batá o batá-rock. Posteriormente, otros artistas crearon el mozambique , que fusionaba la conga y el mambo ; y el batá-rumba , que combinaba la rumba con la percusión batá. También son comunes las fusiones que incluyen elementos de hip hop , jazz y rock and roll , como en el rockoson de Habana Abierta .

La Cuba revolucionaria y los exiliados cubanos

El triunfo de la Revolución Cubana en 1959 marcó la emigración de muchos músicos a Puerto Rico , Florida y Nueva York , y en Cuba los artistas y su obra quedaron bajo la protección (y el control) del Estado socialista y de la compañía discográfica estatal monopolística EGREM . El gobierno de Castro abolió las leyes de derechos de autor en Cuba, cerró muchos de los locales donde se solía tocar música popular (por ejemplo, clubes nocturnos) y, por lo tanto, dejó indirectamente sin trabajo a muchos músicos. ^{[ 168 ] p202} Esto sin duda tuvo efectos perjudiciales en la evolución de la música y el baile populares. ^{[ 203 ]}

Muchos jóvenes músicos ahora estudiaban música clásica y no música popular. Todos los músicos empleados por el Estado recibían cursos académicos de música. En Cuba, el movimiento de la Nueva Trova (incluido Pablo Milanés ) reflejaba los nuevos ideales de izquierda. El Estado se hizo cargo del lucrativo Club Tropicana , que continuó siendo una atracción popular para los turistas extranjeros hasta 1968, cuando cerró junto con muchos otros locales de música (y reabrió más tarde con el renacimiento del turismo). ^{[ 168 ] p202} El turismo fue casi inexistente durante tres décadas. La música tradicional cubana se podía encontrar en las Casas de la Trova locales. Los músicos, si trabajaban, eran de tiempo completo y pagados por el Estado después de graduarse de un conservatorio. El colapso de la URSS en 1991 y la pérdida de su apoyo a Cuba cambiaron bastante la situación. El turismo volvió a ser respetable, al igual que la música popular para su entretenimiento. Incluso se permitió a los músicos hacer giras en el extranjero y ganarse la vida fuera del sistema estatal.

Entre los artistas famosos del exilio cubano se encuentran Celia Cruz y todo el conjunto con el que cantaba, la Sonora Matancera . Otros son 'Patato' ( Carlos Valdés ), Cachao , La Lupe , Arturo Sandoval , Willy Chirino , Hansel y Raúl, La Palabra , Paquito D'Rivera , Bebo Valdés y Gloria Estefan . Muchos de estos músicos, especialmente Cruz, se vincularon estrechamente con el movimiento contrarrevolucionario y, como « personas no reconocidas » ^{[ 204 ],} han sido omitidos de los libros de referencia cubanos estándar, y sus grabaciones musicales posteriores nunca se comercializan en Cuba. ^{[ 205 ]}

Salsa

La salsa fue la cuarta innovación basada en la música cubana en llegar a Estados Unidos, y se diferenció en que se desarrolló inicialmente en Estados Unidos, no en Cuba. Debido a la gran cantidad de géneros musicales autóctonos de Cuba, siempre ha existido el problema de comercializar el "producto" en el extranjero a personas que no comprendían las diferencias entre ritmos que, para un cubano, son bastante distintos. Así, en dos ocasiones durante el siglo XX, se desarrolló una especie de etiqueta para el producto con el fin de solucionar este problema. La primera ocasión fue en la década de 1930, después de que " El vendedor de cacahuetes " se convirtiera en un éxito internacional. Se la denominó "rumba" aunque en realidad no tenía nada que ver con la rumba auténtica: el número era obviamente un son pregón. La etiqueta "rumba" se utilizó fuera de Cuba durante años como término genérico para la música popular cubana. ^{[ 206 ]}

La segunda ocasión ocurrió entre 1965 y 1975 en Nueva York , cuando músicos de origen cubano y puertorriqueño se unieron para producir la gran música del período posterior al Cha-cha-chá. Esta música adquirió la etiqueta de "salsa". Nadie sabe con certeza cómo sucedió, pero todos reconocieron la ventaja de tener una etiqueta común para el son, el mambo , la guaracha, la guajira, el guaguancó, etc. Tanto cubanos como extranjeros, como Tito Puente , Rubén Blades y muchos expertos en la música cubana y la salsa, siempre han dicho: "Salsa es solo otro nombre para la música cubana. Tito Puente dijo una vez: 'Ahora la llaman salsa, luego tal vez la llamen salteado, pero para mí siempre será música cubana'". Sin embargo, con el tiempo, las orquestas de salsa incorporaron otras influencias. Por ejemplo, a finales de la década de 1960, Willie Colón desarrolló temas que utilizaban ritmos brasileños. Los programas de radio de Nueva York ofrecieron el término "salsarengue" como una combinación adicional. Una banda de los años 40 que tocaba música cubana utilizaba exactamente los mismos instrumentos que la música salsa. Más tarde, la "salsa romántica" se convirtió en el término para un tipo de bolero especialmente melódico . Incluso Benny Moré , Pérez Prado, el más grande sonero de todos los tiempos, cantaba boleros con ritmo de salsa en los años 40. No fue hasta los años 50 que la música cubana se popularizó entre las bandas puertorriqueñas. La plena, la bomba y otros estilos musicales eran populares en Puerto Rico en aquella época. Muchos músicos puertorriqueños famosos fueron a aprender los estilos musicales cubanos en las décadas de 1930 y 1940, y no fue hasta la llegada de Castro en 1959 y el cese de la exportación de la música cubana al mundo, que los puertorriqueños en Nueva York pudieron ser reconocidos ampliamente, pero lo que hoy se conoce como salsa fue traído a Nueva York en las décadas de 1920 y 1930 por Dizzy Gillespie y Chano Pozo , ^{[ 207 ] [ 208 ]} este último fue descubierto por Dizzy Gillespie, ya que fue uno de los más grandes percusionistas de todos los tiempos. ^{[ 209 ] [ 210 ] [ 211 ]}

La cuestión de si la salsa es algo más que música cubana se ha debatido durante más de treinta años. Inicialmente, no se apreciaban grandes diferencias. Posteriormente, quedó claro que no solo la salsa neoyorquina era diferente de la música popular cubana, sino que también se podían distinguir la salsa de Venezuela, Colombia y otros países. Asimismo, parece evidente que la salsa ha perdido la gran popularidad que alcanzó a finales de la década de 1970. Las razones de este declive también son objeto de mucha controversia. ^{[ 212 ]}

Nueva trova

Paralelamente a la nueva canción en Latinoamérica, se encuentra la nueva trova cubana , que data de alrededor de 1967/68, después de la Revolución Cubana . Se diferenciaba de la trova tradicional , no porque los músicos fueran más jóvenes, sino porque su contenido era, en el sentido más amplio, político. La nueva trova se define por su conexión con la revolución de Castro y por sus letras, que intentan escapar de las banalidades de la vida concentrándose en el socialismo, la injusticia, el sexismo, el colonialismo, el racismo y temas similares. ^{[ 213 ]} Silvio Rodríguez y Pablo Milanés se convirtieron en los exponentes más importantes de este estilo. Carlos Puebla y Joseíto Fernández eran cantantes de trova veteranos que aportaron su granito de arena al nuevo régimen, pero de los dos, solo Puebla escribió canciones pro-revolucionarias específicas.

La nueva trova alcanzó su apogeo en la década de 1970, pero ya estaba en declive antes de la caída de la Unión Soviética. Ejemplos de estilos apolíticos dentro del movimiento de la nueva trova se encuentran, por ejemplo, en Liuba María Hevia, cuyas letras se centran en temas más tradicionales como el amor y la soledad, compartiendo con el resto un estilo sumamente poético. En el otro extremo, Carlos Varela es famoso en Cuba por su crítica abierta a algunos aspectos de la revolución de Castro.

La nueva trova, inicialmente tan popular, sufrió tanto dentro de Cuba, quizás por un creciente desencanto con el régimen de partido único, como fuera de ella, por el marcado contraste con la película y las grabaciones del Buena Vista Social Club . El público de todo el mundo ha descubierto el extraordinario encanto y la calidad musical de las formas más antiguas de la música cubana. Por el contrario, los temas de actualidad que parecían tan relevantes en las décadas de 1960 y 1970 ahora parecen áridos y pasados ​​de moda. Incluso « Guantanamera » se ha visto perjudicada por la excesiva repetición en manos menos hábiles. Aun así, aquellas piezas de gran calidad musical y lírica, entre las que destaca « Hasta siempre, Comandante » de Puebla , podrían perdurar mientras Cuba exista. ^{[ 214 ]}

El son sigue siendo la base de la mayoría de las formas populares de la música cubana moderna. El son está representado por grupos de larga trayectoria como el Septeto Nacional , refundado en 1985, la Orquesta Aragón , la Orquesta Ritmo Oriental y la Orquesta Original de Manzanillo . Sierra Maestra es famosa por haber impulsado un resurgimiento del son tradicional en la década de 1980. La nueva trova aún tiene influencia, pero los temas abiertamente políticos de la década de 1960 están completamente pasados ​​de moda. Mientras tanto, Irakere fusionó la música tradicional cubana con el jazz , y grupos como NG La Banda , Orishas y Son 14 continuaron añadiendo nuevos elementos al son, especialmente hip hop y funk , para formar la música timba ; este proceso se vio facilitado por la adquisición de equipos electrónicos importados. Todavía existen muchos intérpretes de son montuno tradicional , como Eliades Ochoa , que han grabado y realizado extensas giras como resultado del interés por el son montuno tras el éxito de Buena Vista Social Club. La cantautora cubana Addys Mercedes, radicada en Europa , fusionó sus raíces de Son y Filín con elementos de música urbana, rock y pop, alcanzando las listas de éxitos radiofónicos en Alemania. ^{[ 215 ]}

En la década de 1990, el creciente interés por la música del mundo coincidió con el período especial posterior a la Unión Soviética en Cuba, durante el cual la economía comenzó a abrirse al turismo. Orquesta Aragón , Charanga Habanera y Cándido Fabré y su Banda han sido figuras destacadas en la escena de la charanga y contribuyeron a la formación de la popular escena de la timba a finales de la década de 1990. El premio más importante de la música cubana moderna es el Premio Beny Moré .

Proyectos de reactivación

Varios proyectos captaron la atención internacional en la década de 1990 debido a su revitalización de estilos musicales tradicionales como el son cubano del septeto y la era del conjunto. Fundada en 1976, Sierra Maestra (banda) fue uno de los primeros grupos revivalistas en Cuba. En 1995, Juan de Marcos González , director y tresista de Sierra Maestra, fue contactado por Nick Gold (director de World Circuit Records ) para grabar un álbum de música tradicional cubana con músicos africanos. Finalmente, los músicos africanos no pudieron viajar a La Habana, por lo que el proyecto se convirtió en una producción 100% cubana con músicos cubanos veteranos como Rubén González , Ibrahim Ferrer , Compay Segundo y Omara Portuondo . De este proyecto surgieron dos bandas, ambas con la participación del guitarrista estadounidense Ry Cooder : Afro-Cuban All Stars y Buena Vista Social Club . Ambas bandas grabaron sus álbumes debut, A Toda Cuba le Gusta y Buena Vista Social Club , respectivamente, en marzo de 1996. El lanzamiento de este último en septiembre de 1997 marcó un hito. El álbum se convirtió en un éxito mundial, vendiendo millones de copias y catapultando a músicos consagrados a la fama internacional.

El éxito de Buena Vista dio lugar a varias grabaciones posteriores y a una película homónima , además de despertar un gran interés por otros grupos cubanos. En los años siguientes, decenas de cantantes y conjuntos grabaron para sellos discográficos extranjeros y realizaron giras internacionales.

La conclusión a la que han llegado algunos es que el cierre masivo de locales de música popular (después de la revolución), que dejó a muchos músicos sin trabajo, y el posterior control por parte de comités estatales, perjudicaron el desarrollo de la música popular cubana. ^{[ 168 ] [ 203 ]}

The musical interaction between Cuba and the US is ancient. Already in the 18th century, during the Spanish rule of Louisiana (1763–1803), the Havanese orchestras and bands offered concerts in New Orleans and in the 19th century the Cuban contradanza was very popular in the US. At the beginning of the 20th century, the first jazz bands were created in Cuba, in the style of the American groups. The "Sagua" Jaz Band was founded in Sagua la Grande in 1914 by Pedro Stacholy (conductor and pianist). The group played during 14 years at the Teatro Principal de Sagua.^[174]

The strong influence of the American music on the Cuban younger generations gave way to the beginning of the soloists and groups of rock and roll in Cuba during the 1950s. Many Cuban artists sang versions of American songs translated to Spanish, as it was also happening in Mexico.^[226]

The launching of the group Los LLopis represented the entrance in a new stage for the Cuban music, that of the generation and amplification of the sound by electroacoustic devices; because in the sound composition of this group one can observe a novel element of great importance, the inclusion of an electric guitar.^[227]

In 1961, other artists emerged such as Dany Puga, called the King of Twist, and bands such as Los Satélites, Los Diablos Melódicos and Los Enfermos del Rock, as well as Los Halcones and Los Huracanes from Marianao.

The vocal quartet Los Zafiros was another successful group from the beginning of the sixties. Founded in 1961, it was influenced by the doo-wop style of The Platters, The Diamonds and other American groups, and counted on a repertoire consisting of ballads, calypsos and bossanovas, as well as songs with a slow rock ad bolero rhythms.

At that time, the popular group Los Astros, led by the singer and guitarist Raúl Gómez, was threatened by pressures exerted by the Fidel Castro regime over the rock groups, which were considered as a form of "ideological diversionism" and actively opposed in all its manifesations. Its style, strongly influenced by the British Invasion groups, as the Beatles and the Rolling Stones, was labelled as "deviant" and consequently repressed without any hesitation. Since then, the Revolutionary government of Cuba began to implement an absolute control over all aspects of the Cuban society, including, of course, all cultural expressions.

Around 1965, the Revolutionary government implemented a strategy to substitute the foreign products that the young people preferred, with others that better matched their official guidelines; and as a result of this strategy, a new radio program called Nocturno was broadcast in 1966, which initial musical theme was "La chica de la valija" (Girl with a suitcase) from the Italian sax player Fausto Papetti. The program presented modern songs, giving priority to the European repertoire in Spanish language of soloists and groups such as Los Mustang, Los Bravos, Los Brincos, Juan y Junior, Rita Pavone, Massiel, Nino Bravo, Leonardo Fabio, Salvatore Adamo and Raphael, and some Cuban groups as Los Zafiros and Los Dan.^[228] The ban against rock music was lifted in 1966, but rock fans continued to be marginalized by the communist establishment, and watched over with suspicion as "counter-revolutionaries".^[229]

Actually, rock music began to be heard in Havana during the seventies, in a radio program from Radio Marianao called Buenas Tardes Juventud. That program presented groups such as The Rolling Stones, The Beatles, Dave Clark Five, The Animals, Grand Funk, Rare Earth, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Elvis Presley, Neil Sedaka and Paul Anka. At the beginning of the eighties, that radio station joined Radio Ciudad de La Habana.^[230]

In 1979, a three-day music festival called Havana Jam took place at the Karl Marx Theater, in Havana, Cuba, where a group of rock artists that included Billy Joel and Stephen Stills performed.

In the 1980s, a heavy metal band called Venus was formed by Roberto Armada in Municipio Playa. They achieved much success and created a headbanger following among the Cuban youth. Punk rock was introduced in Cuba in the late 1980s and gained a cult-type following among a minority of the youth.

During the 1990s, rock and roll in Cuba was still an underground phenomenon. In Havana, the "Ciudad de La Habana" radio station presented several programs showing the most recent tendencies on that type of music around the world. Juan Camacho, an old musician and radio host had a morning program called Disco Ciudad. El Programa de Ramón was also a successful radio show. Some bands from that period were Gens, Zeus and Los Tarsons.

In 2001, the Welsh group Manic Street Preachers was invited to perform in Cuba,^[231] and Fidel Castro attended its concert along with other government authorities. In 2004, Castro gave a speech honoring the birthday of John Lennon, whose music, as a member of The Beatles and as a soloist, was banned in Cuba for a very long time. A bronze statue of Lennon was placed in a Havanese well-known park, and it achieved notoriety for being a victim of constant vandalism from passersby that frequently stole its bronze spectacles.

At the same time that the government was showing a more indulgent attitude toward the foreign rock groups, as part of an international campaign which purpose was to achieve an opening in the commercial transactions and investments of the US and Europe in Cuba, it continued to implement an inflexible repression against any form of internal dissidence. This was the case of the rocker Gorki Águila and his group Porno para Ricardo. In August 2008, Águila was arrested under charges of dangerousness, a law that allows the authorities to detain people whom they think are likely to commit crimes, even when they have not yet committed them.^[232]

More recently, Rick Wakeman, Sepultura and Audioslave performed in Havana,^[233] and The Rolling Stones offered a historic concert.^[234]

A new phenomenon occurred in 2013 when several Cuban underground metal bands begin to emigrate to the United States, creating a parallel scene with the bands Agonizer, Escape, Ancestor, Hipnosis, Suffering Tool and Chlover.^[235]