Andy Warhol

Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh , Pensilvania. ^{[ 3 ]} Fue el cuarto hijo de Andrej Varchola (americanizado como Andrew Warhola; c. 1886–1942 ^{[ n 2 ]} y Julia Warhola ( de soltera  Zavacky , 1891–1972). ^{[ 5 ]} Sus padres eran emigrantes rusinos de clase trabajadora de Mikó, Austria-Hungría (ahora Miková en el noreste de Eslovaquia ). ^{[ 6 ] [ 7 ]}

En 1912, el padre de Warhol emigró a los Estados Unidos y encontró trabajo en una mina de carbón . ^{[ 8 ]} Su esposa se unió a él nueve años después, en 1921. ^{[ 9 ]} La familia vivió en 55 Beelen Street y más tarde en 3252 Dawson Street en el barrio de Oakland de Pittsburgh. ^{[ 10 ]} Eran católicos rutenos y asistían a la Iglesia Católica Bizantina de San Juan Crisóstomo . Warhol tenía dos hermanos mayores, Paul (1922–2014) y John (1925–2010), ^{[ 11 ]} así como una hermana mayor, Maria (1912; murió en la infancia). ^{[ 7 ] [ 8 ]} El sobrino de Warhol, James Warhola , se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles. ^{[ 12 ]}

A los ocho años, Warhol contrajo una infección estreptocócica que le provocó escarlatina . ^{[ 13 ]} Debido a la falta de antibióticos para tratar la enfermedad, esta progresó a fiebre reumática y, finalmente, a la corea de Sydenham , una afección neurológica a veces denominada danza de San Vito. ^{[ 13 ]} En ocasiones, tuvo que guardar cama y quedarse en casa sin ir a la escuela. Pasaba esos días dibujando, creando álbumes de recortes con revistas de Hollywood y recortando imágenes de los cómics que le compraba su madre. ^{[ 14 ] [ 7 ]} También disfrutaba usando la cámara Kodak Baby Brownie Special de la familia, y tras percatarse de su pasión por la fotografía, su padre y sus hermanos le construyeron un cuarto oscuro en el sótano. ^{[ 15 ]}

Cuando Warhol comenzó las clases de arte en la Escuela Holmes en 1937, su profesor reconoció su talento y le consiguió una plaza para asistir a clases de dibujo los sábados en el Instituto Carnegie de Pittsburgh. ^{[ 16 ]} En mayo de 1942, mientras Warhol se preparaba para graduarse de la Escuela Holmes, su padre murió de peritonitis tuberculosa , después de haber bebido años antes agua contaminada de una mina de carbón en Virginia Occidental . ^{[ 17 ] [ 7 ]}

Warhol asistió a la Escuela Secundaria Schenley en Pittsburgh, donde sobresalió académica y artísticamente. ^{[ 7 ]} Su profesora de arte de décimo grado, Mary Adeline McKibbin, lo animó a participar en un concurso nacional de arte de la Corporación Scholastic , que también ayudó a organizar localmente. ^{[ 18 ] [ 19 ]} La competencia atrajo participantes de escuelas secundarias de todo Estados Unidos, con decenas de miles de obras presentadas y selecciones regionales exhibidas en el Museo de Arte Carnegie . ^{[ 18 ]} McKibbin afirmó más tarde que Warhol ganó un premio Scholastic . ^{[ 18 ] [ 20 ]} Sin embargo, el biógrafo Blake Gopnik señala que la cobertura contemporánea de los concursos de 1944 y 1945 sugiere que no recibió un premio importante, beca o premio de bonos de guerra . ^{[ 18 ]} Como mucho, Warhol parece haber obtenido una "mención honorífica" no publicitada, el pin de oro por el cual, según se dice, todavía usaba en la década de 1980. ^{[ 18 ]}

Después de graduarse de la Escuela Secundaria Schenley en 1945, Warhol ganó una beca para el Instituto Tecnológico Carnegie en Pittsburgh. ^{[ 21 ]} Mientras trabajaba como vendedor ambulante de frutas y verduras en 1946, Warhol creó una serie de dibujos a pluma y tinta que satirizaban a sus clientes y documentaban los contrastes sociales que encontraba durante su ruta, desde familias adineradas hasta familias de clase trabajadora. ^{[ 22 ]} Sus ilustraciones representaban interacciones y comportamientos cotidianos, incluyendo las exigencias de los clientes "nuevos ricos" y escenas caóticas con familias y niños. ^{[ 22 ]} La serie ganó uno de los premios anuales del Fondo de Arte Leisser, valorado en 40 dólares, que se otorgaban anualmente a los estudiantes de Carnegie Tech por las mejores representaciones visuales de sus actividades de verano. ^{[ 22 ]} Warhol describió este trabajo como una "experiencia maravillosa" y dijo que "la gente es divertida", ofreciendo una indicación temprana de su interés por observar el comportamiento cotidiano y la interacción social. ^{[ 22 ]}

Como estudiante, Warhol trabajó a tiempo parcial como escaparatista en los grandes almacenes Horne's y, según se informa, fue amenazado con la expulsión en varias ocasiones debido a su historial de asistencia. ^{[ 21 ]} También fue director artístico de la revista de arte estudiantil Cano , ilustrando una portada en 1948 y una ilustración interior de página completa en 1949. ^{[ 23 ] [ 24 ]} Se cree que estas son sus dos primeras obras de arte publicadas. ^{[ 24 ]} Warhol obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. ^{[ 25 ]}

Después de graduarse del Instituto Tecnológico Carnegie en junio de 1949, Warhol se mudó a la ciudad de Nueva York con su compañero de clase Philip Pearlstein . ^{[ 26 ] [ 27 ]} Vivían en un edificio de viviendas sin ascensor en el sexto piso en St. Mark's Place cerca de Tompkins Square Park en East Village . ^{[ 26 ]} En su segundo día en Nueva York, Warhol visitó a Tina Fredericks, la directora de arte de la revista Glamour , a quien había conocido durante una breve visita a la ciudad el año anterior. ^{[ 28 ]} Le presentó un portafolio de trabajos realizados en el Instituto Tecnológico Carnegie, que Fredericks recibió favorablemente, comprando un pequeño dibujo de una orquesta por $10 para su colección personal. ^{[ 29 ] [ 30 ]} Posteriormente, ella le encargó a Warhol que realizara ilustraciones de zapatos; después de más de un intento, sus dibujos fueron aceptados. ^{[ 31 ]} Glamour publicó una página de ilustraciones de zapatos de Warhol junto con varias páginas de personas que subían la "escalera del éxito", acompañando el artículo principal "¿Qué es el éxito?", un paquete de seis artículos de Katherine Sonntag, Hazel M. Wood, Margot Clarke, Patricia Curtain, Marya Mannes y Elizabeth Weston. ^{[ 32 ] [ 31 ]} La publicación marcó el comienzo de su carrera como artista comercial.

Warhol fue contratado por destacadas revistas de moda, como Glamour , Mademoiselle , Vogue y Harper's Bazaar , y produjo una prolífica obra publicitaria a lo largo de la década de 1950. ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 35 ] [ 36 ]} Durante este período, al galerista Alexander Iolas se le suele atribuir el descubrimiento de Warhol y la organización de su primera exposición individual, Andy Warhol: Quince dibujos basados ​​en los escritos de Truman Capote , en la Hugo Gallery de Nueva York en 1952. ^{[ 37 ] [ 38 ]}

En mayo de 1952, mientras trabajaba como artista independiente, Warhol ganó la Medalla del Art Directors Club en su exposición anual de arte publicitario y editorial por su dibujo que promocionaba la serie documental Nation's Nightmare de CBS Radio . ^{[ 39 ]} Warhol aparecería en la exposición todos los años excepto uno durante la década siguiente. ^{[ 40 ]} Entre 1953 y 1954, también diseñó varias portadas para la revista Interiors . ^{[ 41 ] [ 42 ] [ 43 ]}

En 1954, Warhol expuso su obra en varias ocasiones en la Loft Gallery de Vito Giallo en Nueva York. ^{[ 44 ]} ARTnews observó que Warhol había "desarrollado un estilo original de dibujo lineal", señalando que su técnica producía "el efecto del reverso de un negativo, aunque sus líneas están rotas y los espacios no están nublados". ^{[ 45 ]} Su técnica de "línea borrosa" combinaba aspectos del grabado y del dibujo a grafito sobre papel. ^{[ 29 ]} En menos de un año, Warhol, que entonces trabajaba en su apartamento junto a un ferrocarril en la calle 34 Este, invitó a Giallo a convertirse en su primer asistente de estudio remunerado. ^{[ 44 ]}

En 1955, Warhol comenzó a diseñar anuncios para el fabricante de zapatos Israel Miller . ^{[ 46 ] [ 47 ]} El fotógrafo John Coplans recordó que "nadie dibujaba zapatos como lo hacía Andy. De alguna manera, le daba a cada zapato un temperamento propio, una especie de sofisticación astuta, al estilo de Toulouse-Lautrec , pero la forma y el estilo se transmitían con precisión y la hebilla siempre estaba en el lugar correcto". ^{[ 48 ]} Para 1956, el estilo distintivo de Warhol lo había hecho ampliamente reconocido como ilustrador de moda y estaba tan ocupado que tuvo que rechazar encargos. ^{[ 49 ]} Sus dibujos para I. Miller atrajeron considerable atención y le valieron el Premio del Club de Directores de Arte al Mérito Distintivo en 1956. ^{[ 50 ]}

En una entrevista de 1956 con Mademoiselle , Warhol describió su enfoque para combinar el arte comercial y las bellas artes: "Cada vez que dibujo un zapato para un trabajo, hago una ilustración para mí". Reconoció que "casi tienes que especializarte para conseguir encargos", pero señaló que la mayoría de los directores de arte de Nueva York estaban deseosos de "darte la oportunidad de hacer cosas". ^{[ 49 ]} Las ilustraciones personales de Warhol eran diseños de zapatos caprichosos adornados con pan de oro , y cada una representaba a una figura famosa como Truman Capote , Kate Smith , James Dean , Julie Andrews , Elvis Presley y Zsa Zsa Gabor . ^{[ 51 ] [ 52 ]} Se vendieron por entre 50 y 225 dólares cada una cuando se presentaron en la Galería Bodley de Nueva York en diciembre de 1956. ^{[ 51 ] [ 53 ]}

En 1956, el Museo de Arte Moderno (MoMA) rechazó amablemente el regalo de Warhol de su dibujo Shoe , alegando espacio de almacenamiento limitado y pidiéndole que lo recogiera. Sin embargo, ese mismo año uno de sus dibujos de zapatos se incluyó en la exposición colectiva Recent Drawings USA del MoMA , marcando la primera exposición de Warhol en un museo. ^{[ 54 ] [ 55 ]} Ese año, viajó por el mundo con su amigo, el diseñador de producción Charles Lisanby , estudiando arte y cultura en varios países. ^{[ 56 ]} Mientras estaba en Kioto , Japón, Warhol dibujó un retrato estilizado de la magnate empresarial Madame Helena Rubinstein . ^{[ 57 ]}

Warhol solía utilizar el recurso de calcar fotografías proyectadas con un epidiascopio . ^{[ 58 ]} Utilizando copias de Edward Wallowitch , las fotografías sufrían una sutil transformación durante el calco, a menudo superficial, de contornos y el sombreado de sombras que realizaba Warhol. ^{[ 59 ]} Warhol utilizó la fotografía de Wallowitch Joven fumando un cigarrillo ( c. 1956 ) ^{[ 60 ]} para un diseño de 1958 para la portada de un libro que presentó a Simon and Schuster para la novela pulp de Walter Ross, El inmortal , y posteriormente utilizó otras para su serie de pinturas. ^{[ 61 ] [ 62 ]}

Para promocionarse como artista, Warhol produjo y distribuyó libros autoeditados de sus ilustraciones, incluyendo 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy (1957) y A Gold Book (1957), que regalaba a potenciales clientes y contactos para generar trabajo. ^{[ 63 ] [ 64 ]} Con frecuencia incorporaba caligrafía de su madre, Julia Warhol, para acompañar sus dibujos. ^{[ 65 ]} Con la rápida expansión de la industria discográfica , RCA Records contrató a Warhol para diseñar portadas de álbumes y material promocional. ^{[ 66 ] [ 67 ]} A finales de la década de 1950, también trabajaba para clientes publicitarios de alto nivel, incluyendo Tiffany & Co. ^{[ 68} ] Warhol llegó a ser ampliamente reconocido como uno de los "escaparateros más elegantes de Nueva York y los mejores ilustradores de zapatos" ^{. [ 69 ]} Sus dibujos a mano aparecían regularmente en Vogue , en las páginas de sociedad de The New York Times y en publicaciones como Amy Vanderbilt's Complete Cook Book (1961), que incluía sus ilustraciones en un momento en que la fotografía comenzaba a reemplazar las imágenes dibujadas en los medios comerciales. ^{[ 70 ] [ 71 ]}

En una época en que los artistas tradicionales rara vez compraban obras de sus colegas, Warhol las coleccionaba activamente. ^{[ 72 ]} Para sobrevivir, los artistas de galería solían realizar trabajos comerciales, como escaparates, y evitaban usar sus nombres reales porque estaba mal visto. En cambio, Warhol obtuvo reconocimiento como artista comercial, lo que provocó tensiones con otros artistas. ^{[ 72 ]} En 1960, Warhol compró una casa victoriana en el número 1342 de la avenida Lexington , ahora parte del distrito histórico de Hardenbergh/Rhinelander , en el barrio de Carnegie Hill de Manhattan. ^{[ 73 ]} Utilizó la casa como residencia y estudio, y su madre vivía en el apartamento del sótano. ^{[ 69 ]}

En abril de ese año , sus pinturas pop se exhibieron por primera vez en el escaparate de los grandes almacenes Bonwit Teller en la Quinta Avenida con la calle 57. ^{[ 74 ] [ 69 ]} Cinco pinturas basadas en tiras cómicas y anuncios de periódicos sirvieron de telón de fondo para maniquíes que lucían vestidos de primavera: Popeye del sábado , El pequeño rey , Superman , Antes y después y Anuncio . ^{[ 75 ]}

En 1961, Warhol vendió pinturas directamente al coleccionista Robert Scull y pronto atrajo a compradores importantes como Emily Tremaine y Burton Tremaine, pero los esfuerzos del marchante Ivan Karp no lograron conseguirle representación en una galería. ^{[ 76 ]} Cuando Karp lo presentó a Leo Castelli , Castelli se negó, sintiendo que el trabajo de Warhol era demasiado parecido al de Roy Lichtenstein y preocupado por posibles conflictos dentro de su lista de artistas. ^{[ 77 ]} Desesperado, Warhol consideró regresar a la Galería Bodley, pero su director desestimó sus nuevas pinturas como "ridículas". ^{[ 78 ]} Posteriormente, Karp se acercó a Sidney Janis , Richard Bellamy , Martha Jackson y Robert Elkon, y solo Jackson expresó interés en una futura exposición. ^{[ 78 ]} Después de ver la instalación de Claes Oldenburg , The Store, en diciembre de 1961, Warhol regresó a casa frustrado, diciéndoles a sus amigos Ted Carey y Muriel Flatow que sus pinturas de tiras cómicas ya no le parecían lo suficientemente originales. ^{[ 78 ]} Decidido a crear algo más distintivo e impactante, aceptó la sugerencia irónica de Flatow —ofrecida a cambio de 50 dólares— de que se centrara en lo que más le gustaba: el dinero. ^{[ 78 ]}

Warhol comenzó a considerar imágenes serigrafiadas de billetes de dólar , atraído por la idea de reproducir mecánicamente la moneda como si fuera dinero falsificado. ^{[ 79 ]} Buscando orientación técnica, recurrió a Floriano Vecchi de Tiber Press, quien le introdujo a los fundamentos de la impresión serigráfica: transferir diseños a acetato, preparar pantallas y extraer la tinta con una espátula. ^{[ 78 ]} Estos experimentos marcaron un punto de inflexión en la práctica de Warhol y pronto dieron lugar a algunas de sus primeras obras serigrafiadas. ^{[ 78 ]} El marchante Allan Stone tomó varias obras en consignación y le ofreció a Warhol una exposición conjunta con Robert Indiana y James Rosenquist , pero los tres artistas la rechazaron, cada uno esperando una exposición individual. ^{[ 80 ]} A medida que el arte pop ganaba impulso en Nueva York en 1962, Warhol seguía sin representación en una galería importante, cada vez más decidido a asegurar su lugar dentro del movimiento emergente.

En mayo de 1962, Warhol apareció en el artículo de la revista Time titulado "La escuela de la rebanada de pastel", junto con Lichtenstein, Rosenquist y Wayne Thiebaud . ^{[ 81 ]} En ese momento, estaba trabajando en sus pinturas de latas de sopa Campbell (1961-62) y había completado dieciséis de ellas. ^{[ 82 ]} Cuando el galerista de Los Ángeles Irving Blum lo visitó, se sorprendió al saber que Warhol no tenía representación en una galería. Con una apertura disponible en julio, Blum le ofreció una exposición individual en la Galería Ferus. ^{[ 83 ]} Warhol envió 32 lienzos a Los Ángeles, cada uno representando una variedad diferente de sopa Campbell. La exposición se inauguró el 9 de julio de 1962, marcando su debut en la Costa Oeste . ^{[ 84 ]} Durante el transcurso de la exposición, una próxima muestra en diciembre en la Galería Martha Jackson fue cancelada debido a preocupaciones sobre repercusiones negativas. ^{[ 85 ] [ 86 ]} A pesar de la cancelación, el asistente de Jackson, John Weber, vendió diez pinturas de Warhol que habían sido tomadas en consignación . ^{[ 87 ]}

En julio de 1962, la obra de Warhol, Big Campbell's Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), se convirtió en la primera de sus pinturas de latas de sopa en entrar a una exposición de museo cuando se mostró en el Wadsworth Atheneum en Hartford, Connecticut . ^{[ 88 ]} Al mes siguiente, su pintura S&H Green Stamps (1962) se incluyó en la exposición New Painting of Common Objects en el Pasadena Art Museum en Pasadena, California . ^{[ 89 ]} La muestra presentó obras extraídas de etiquetas comerciales, bienes de consumo e imágenes publicitarias, lo que contribuyó al reconocimiento crítico temprano del movimiento. ^{[ 89 ]} Warhol fue invitado por la marchante de arte Sidney Janis a participar en la exposición de octubre de 1962, The New Realists: An Exhibition of Factual Painting & Sculpture en su galería de Nueva York. ^{[ 90 ]} Warhol exhibió sus pinturas de 1962 200 Soup Cans , Big Campbell's Soup Can 19c (Beef Noodle) y Do It Yourself (Flowers) . ^{[ 91 ] [ 92 ]} La exposición fue vista por muchos como un punto de inflexión en la aceptación del arte pop; The New Yorker comparó su impacto en el mundo del arte neoyorquino con un "terremoto", mientras que el periódico The Kansas City Star publicó el titular: "¿Hacia dónde va el arte moderno? Contenga la respiración y observe las latas de sopa". ^{[ 93 ]}

El cineasta Emile de Antonio presentó a Warhol a la galerista Eleanor Ward de la Stable Gallery , quien accedió a darle una exposición individual a cambio de una pintura de un billete de dos dólares . ^{[ 94 ]} La primera exposición individual de Warhol en el New York Pop se inauguró allí el 6 de noviembre de 1962. ^{[ 95 ]} La exposición contenía dieciocho obras nuevas, entre ellas Marilyn Monroe Twenty Times , Flavor Marilyns , Gold Marilyn Monroe , 129 Die in Jet!, Red Elvis , Troy Donahue , 100 Soup Cans , 100 Coke Bottles y 100 Dollar Bills . [ ^{96 ] [ 97 ] [ 98 ]} La exposición recibió críticas entusiastas de Michael Fried, quien escribió en Art International : «De todos los pintores que trabajan hoy al servicio —o bajo el dominio— de una iconografía popular ^, Andy Warhol es probablemente el más decidido y el más espectacular». ^{[ 99 ]}

En diciembre de 1962, el MoMA organizó un simposio sobre arte pop, durante el cual artistas como Warhol fueron atacados por "capitular" ante el consumismo. Los críticos se horrorizaron por la aceptación abierta de Warhol de la cultura de mercado, lo que marcó la pauta de su recepción. ^{[ 100 ]} Al año siguiente, Warhol formó The Druds , una banda de noise vanguardista de corta duración que incluía figuras de las escenas de arte minimalista y protoconceptual de Nueva York , incluyendo a Larry Poons , La Monte Young , Walter De Maria , Jasper Johns , Claes Oldenburg y Lucas Samaras . ^{[ 101 ]} En enero de 1963, Warhol alquiló su primer estudio, una antigua estación de bomberos en 159 East 87th Street, donde produjo su serie de Elvis , incluyendo Eight Elvises (1963) y Triple Elvis (1963). ^{[ 102 ]} Estas obras, junto con una serie de retratos de Elizabeth Taylor , se exhibieron más tarde ese año en su segunda exposición en la Galería Ferus en Los Ángeles. ^{[ 103 ]}

Para 1964, Warhol había trasladado su estudio a 231 East 47th Street, que pasó a ser conocido como la Factory . ^{[ 104 ] [ 105 ]} Warhol utilizó asistentes para aumentar su productividad, y estas colaboraciones seguirían siendo un aspecto definitorio de sus métodos de trabajo a lo largo de su carrera. Durante este período, el poeta Gerard Malanga lo ayudó con la producción de serigrafías y películas en la Factory, que fue cubierta con papel de aluminio y pintura plateada por Billy Name en 1964. ^{[ 106 ] [ 107 ]} Warhol fue uno de los artistas comisionados para crear una obra de arte para el Pabellón del Estado de Nueva York en la Feria Mundial de 1964 en Queens , Nueva York. ^{[ 108 ]} Creó el mural Thirteen Most Wanted Men (1964), que fue pintado encima después de que funcionarios del gobierno objetaran las imágenes antes de la inauguración de la feria en abril de 1964. ^{[ 109 ] [ 108 ]}

Esa primavera, Warhol realizó su segunda exposición en la Stable Gallery en la primavera de 1964, la cual presentaba esculturas de cajas comerciales apiladas y dispersas por todo el espacio para asemejar un almacén. ^{[ 110 ] [ 111 ]} Para la exposición, Warhol encargó cajas de madera a medida y les imprimió gráficos mediante serigrafía. ^{[ 112 ]} Las esculturas de cartones comerciales —Brillo Soap Pads , Del Monte Peach Halves , Heinz Tomato Ketchup , Kellogg's Corn Flakes , Campbell's Tomato Juice y Mott's Apple Juice— se vendieron entre 200 y 400 dólares, dependiendo del tamaño de la caja. ^{[ 113 ]}

Un evento crucial en la carrera de Warhol fue la exposición The American Supermarket en la galería de Paul Bianchini en el Upper East Side en octubre de 1964. ^{[ 114 ]} La muestra se presentó como un típico supermercado pequeño, excepto que todo en él —desde las frutas y verduras, los productos enlatados, la carne y las pinturas en la pared— fue creado por destacados artistas pop de la época. ^{[ 115 ]} Warhol diseñó una bolsa de papel para la compra y contribuyó con sus esculturas de cajas junto con una pintura de una lata de sopa Campbell's y auténticas latas de sopa Campbell's firmadas. ^{[ 114 ] [ 115 ]} La exposición fue uno de los primeros eventos masivos que confrontó directamente al público en general tanto con el arte pop como con la eterna pregunta de qué es el arte. ^{[ 116 ]}

En noviembre de 1964, la primera serie de Flores de Warhol se exhibió en la Galería Leo Castelli de Nueva York. ^{[ 117 ]} En mayo de 1965, su segunda serie de Flores , que tenía más tamaños y variación de color que la anterior, se mostró en la Galerie Ileana Sonnabend de París. ^{[ 118 ] [ 119 ]} Durante este viaje, Warhol anunció que se retiraba de la pintura para centrarse en el cine. ^{[ 120 ] [ 121 ]} Warhol tomó la decisión consciente de oponerse a la pintura convencional, declarando que ya no creía en la pintura. ^{[ 122 ]} Más tarde ese año, la primera exposición individual de Warhol en un museo se celebró en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia en octubre de 1965. ^{[ 123 ]} En respuesta a la sugerencia del marchante de arte Ivan Karp de pintar vacas, Warhol produjo Cow , serigrafías sobre papel tapiz para su exposición de abril de 1966 en la Galería Leo Castelli. ^{[ 124 ]}

En 1966, Warhol atravesó un período de transición mientras buscaba expandir sus actividades cinematográficas y aumentar sus ingresos. Había comenzado a representar a la banda de rock experimental The Velvet Underground , permitiéndoles ensayar en The Factory. ^{[ 125 ]} En febrero, Warhol había filmado a la banda ensayando en The Factory para Symphony of Sound (1966). ^{[ 126 ]} El grupo también proporcionó bandas sonoras para dos de sus películas de 1966, Hedy (1966) y More Milk, Yvette (1966), y actuó en una producción multimedia titulada Andy Warhol, Up-Tight, que se presentaba cada noche en el centro de cine underground Cinémathèque. ^{[ 127 ] [ 126 ]}

Warhol también se involucró con la discoteca The Dom del East Village, más tarde conocida como Electric Circus . ^{[ 128 ]} Warhol y el cineasta Paul Morrissey subarrendaron el local en St. Mark's Place durante un mes y lo transformaron en un espacio de actuación multimedia inmersivo. ^{[ 129 ]} El local se convirtió en la base de operaciones de The Velvet Underground y el lugar de las actuaciones Exploding Plastic Inevitable de Warhol en abril de 1966. ^{[ 130 ] [ 126 ]} Las actuaciones fueron un éxito y Warhol llevó el espectáculo de gira, recorriendo ciudades de Estados Unidos y Canadá durante 1966 y 1967. ^{[ 131 ] [ 132 ]} Como mánager de la banda, Warhol también financió su álbum debut, The Velvet Underground & Nico (1967). ^{[ 133 ]}

En octubre de 1966, Warhol asistió a la inauguración de una importante retrospectiva de su obra en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston. ^{[ 134 ]} En noviembre de 1966, fue contratado por los grandes almacenes Abraham & Straus en Brooklyn para promocionar la colección "Pinta tu propio vestido" de Mars Manufacturing Company, que presentaba vestidos de papel blanco vendidos con acuarelas y un pincel. ^{[ 135 ] [ 136 ]} Durante una demostración en vivo en la tienda, Warhol pintó dos vestidos usando a Nico como modelo; los vestidos fueron donados al Museo de Brooklyn . ^{[ 137 ] [ 135 ]}

Warhol tenía la intención de presentar la película Chelsea Girls (1966) en el Festival de Cine de Cannes de 1967 , pero no se proyectó porque "las autoridades del festival explicaron que la película era demasiado larga y que había problemas técnicos". ^{[ 138 ]} La Factory de Warhol se convirtió en un centro para un grupo de "superestrellas", incluyendo a Baby Jane Holzer , Edie Sedgwick , International Velvet , Ultra Violet , Viva y Candy Darling , quienes aparecieron en sus películas y encarnaron su concepto de celebridad efímera. Su comentario de que "todos serán famosos por 15 minutos" apareció por primera vez en un artículo de la revista Time de 1967 y se asoció estrechamente con la escena de la Factory. ^{[ 139 ]} Para financiar sus producciones cinematográficas, Warhol comenzó a realizar giras de conferencias universitarias, donde proyectó algunas de sus películas underground y respondió preguntas del público. ^{[ 140 ]} Warhol envió al actor Allen Midgette para que lo imitara durante una gira universitaria por la Costa Oeste en octubre de 1967. ^{[ 140 ]} Warhol reembolsó a las cuatro instituciones donde no se presentó y regresó a los campus en 1968. ^{[ 141 ] [ 142 ]}

Por esta época, Warhol conoció a Fred Hughes , que entonces trabajaba para la Fundación Menil , quien pronto se involucró estrechamente en sus actividades. ^{[ 143 ]} En ese momento, Warhol había dejado de pintar en gran medida, pero retomó su trabajo poco después, produciendo las pinturas de la Gran Silla Eléctrica para su retrospectiva en el Moderna Museet de Estocolmo en 1968. ^{[ 144 ]} Hughes rápidamente asumió un papel central tanto en los proyectos artísticos como cinematográficos de Warhol, gestionando un encargo de los de Menil para que Warhol filmara una puesta de sol como parte de un proyecto para la restauración de una iglesia bombardeada en Texas. ^{[ 145 ]} Los fondos restantes de ese encargo se utilizaron para financiar Lonesome Cowboys (1968), que se filmó en Arizona. ^{[ 146 ]}

El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas disparó contra Warhol y Mario Amaya , crítico de arte y curador, en la Factory. ^{[ 147 ]} Solanas había sido una figura marginal en la escena de la Factory antes del tiroteo. Fue autora del Manifiesto SCUM , ^{[ 148 ]} un panfleto feminista separatista que abogaba por la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol Yo, un hombre (1967). ^{[ 149 ]} Amaya sufrió solo heridas leves y fue dado de alta del hospital ese mismo día. ^{[ 150 ]} Warhol resultó gravemente herido en el ataque y apenas sobrevivió: permaneció hospitalizado durante casi dos meses. ^{[ 151 ] [ 152 ]} Solanas se entregó a la policía unas horas después del ataque y dijo que Warhol "tenía demasiado control sobre mi vida". ^{[ 147 ] [ 153 ]} Posteriormente fue diagnosticada con esquizofrenia paranoide y finalmente sentenciada a tres años de prisión. ^{[ 154 ]} Jed Johnson , un asistente que estuvo presente en la Factory durante el tiroteo, ^{[ 155 ] [ 151 ]} visitaba a Warhol diariamente en el hospital, y ambos desarrollaron una relación íntima . ^{[ 156 ] [ 157 ]} Poco después de que Warhol fuera dado de alta, Johnson se mudó con él para ayudarlo en su recuperación y para cuidar a su madre enferma. ^{[ 158 ]} Durante la hospitalización de Warhol ese verano, Morrissey asumió las responsabilidades principales de la realización cinematográfica y dirigió su primera película, Flesh (1968), protagonizada por Joe Dallesandro. ^{[ 159 ] [ 160 ]}

El intento de asesinato tuvo un profundo efecto en la vida y el arte de Warhol. ^{[ 161 ] [ 162 ] [ 161 ]} Las complicaciones de una segunda operación al año siguiente dejaron sus músculos abdominales mal reparados, lo que le obligó a usar un corsé quirúrgico por el resto de su vida para evitar que su estómago se distendiera al comer. ^{[ 163 ]} La Factory se volvió más regulada, y Warhol se centró en convertirla en una empresa estructurada. Le atribuyó a Morrissey la transformación de la Factory en una "oficina normal". ^{[ 161 ]} En agosto de 1968, Warhol compareció ante el tribunal después de que Phillip "Fufu" Van Scoy Smith, un inversor en una adaptación cinematográfica cancelada de la novela de Charlotte Brontë, Jane Eyre , lo demandara por 80.000 dólares. ^{[ 164 ]} Se produjo una batalla legal durante dos años, que terminó cuando el inversor no se presentó ante el tribunal. ^{[ 165 ]}

Warhol reapareció en la escena social pública ese otoño. En septiembre de 1968, Warhol y Ultra Violet asistieron a una fiesta para celebrar la finalización de la película Midnight Cowboy . ^{[ 166 ] [ 167 ]} La película incluye una escena de fiesta con miembros de la Factory que se filmó durante la hospitalización de Warhol. ^{[ 167 ]} Ese mismo mes, Warhol organizó una fiesta en la Factory para el lanzamiento del álbum de Nico, The Marble Index . ^{[ 168 ]} Warhol, Viva y Ultra Violet también aparecieron en la portada de The New York Times Magazine el 10 de noviembre de 1968. ^{[ 169 ]}

En febrero de 1969, Warhol y su séquito viajaron a Los Ángeles para discutir un posible acuerdo cinematográfico con Columbia Pictures . ^{[ 170 ]} Warhol, quien siempre había tenido interés en la fotografía, usó una cámara Polaroid para documentar su recuperación después del tiroteo. ^{[ 171 ]} Algunas de sus fotografías se publicaron en la edición de mayo de 1969 de la revista Esquire . ^{[ 172 ]} Se haría famoso por llevar siempre consigo su cámara Polaroid para documentar sus encuentros. ^{[ 173 ]} Finalmente, usó la fotografía instantánea como base para sus retratos serigrafiados cuando retomó la pintura en la década de 1970. ^{[ 174 ]}

Tras el estreno de la película erótica Blue Movie (1969), Warhol alquiló el Fortune Theater en el 62 de East 4th Street, donde proyectó películas pornográficas masculinas del 25 de junio al 5 de agosto de 1969. ^{[ 175 ]} El proyecto fue gestionado por Gerard Malanga a través de su empresa, Poetry on Film. ^{[ 175 ]} El teatro se llamaba "Andy Warhol's Theater: Boys to Adore Galore". ^{[ 176 ]} Morrissey tuvo la idea de alquilar el teatro y fijar el precio de la entrada en 5 dólares. ^{[ 175 ]} Warhol y el periodista británico John Wilcock fundaron la revista Interview en otoño de 1969. ^{[ 177 ]} La revista se publicó inicialmente como inter/VIEW: A Monthly Film Journal . Fue renovada unos años después y llegó a representar la vida social de Warhol y su fascinación por la fama. ^{[ 178 ]}

En 1969, Warhol recibió una invitación para comisariar una exposición utilizando objetos de la colección permanente del Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island (Museo RISD) en Providence. ^{[ 179 ]} En octubre de 1969, la exposición Raid the Icebox abrió sus puertas en el Instituto de Artes de la Universidad Rice en Houston. ^{[ 180 ]} En 1970, la muestra viajó al Museo Isaac Delgado en Nueva Orleans antes de llegar al Museo RISD. ^{[ 180 ]} Comparado con el éxito y el escándalo de la obra de Warhol en la década de 1960, los primeros años de la década de 1970 fueron mucho más tranquilos, ya que se volvió más emprendedor. Generalmente se le consideraba tranquilo, tímido y un observador meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes lo llamó "el topo blanco de Union Square ". ^{[ 181 ]} Su moda evolucionó de lo que Warhol llamó su "look de cuero" a su " look Brooks Brothers ", que incluía una camisa y corbata de Brooks Brothers, un blazer DeNoyer y jeans Levi's . ^{[ 182 ] [ 183 ]}

Mientras Warhol continuaba adentrándose en el mundo del cine, se había establecido como "una de las figuras más célebres y conocidas del arte pop surgidas en los años sesenta". ^{[ 184 ]} El Museo de Arte de Pasadena organizó una retrospectiva de su obra en 1970. ^{[ 185 ]} La muestra viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ; al Stedelijk Van Abbemuseum de Eindhoven; al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; a la Tate Gallery de Londres; y al Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York. ^{[ 186 ] [ 187 ]} La exposición del Whitney en 1971 presentó de manera destacada el papel tapiz Cow (1966) de Warhol como telón de fondo para sus pinturas. ^{[ 188 ] [ 189 ]} Mientras tanto, Warhol produjo la obra Andy Warhol's Pork , que se estrenó en el Teatro Experimental La MaMa de Nueva York en mayo de 1971. ^{[ 190 ]} Unos meses después, la controvertida producción se llevó al Roundhouse de Londres. ^{[ 191 ]} Warhol también ideó el concepto de la portada y realizó la fotografía para el álbum Sticky Fingers (1971) de los Rolling Stones, que presenta una imagen en primer plano de la entrepierna de un hombre en jeans con una cremallera real. ^{[ 192 ]} Recibió una nominación al Grammy a la Mejor Portada de Álbum en la 14.ª edición de los Premios Grammy en 1972. ^{[ 193 ]}

A finales de 1971, Warhol y su socio comercial Paul Morrissey compraron Eothen , una finca frente al mar en Montauk, Nueva York en Long Island . ^{[ 194 ]} Comenzaron a alquilar la casa principal en la propiedad en 1972. ^{[ 195 ]} Lee Radziwill , Jackie Kennedy , los Rolling Stones , Elizabeth Taylor, Truman Capote y Halston estuvieron entre los invitados de la finca. ^{[ 196 ]} En 1972, Warhol planeó la presentación de Halston en la pasarela en los Premios Coty . ^{[ 197 ]} Aunque Warhol era considerado apolítico, participó en una exposición con el cartel Vote McGovern (1972) en un esfuerzo por recaudar fondos para la campaña presidencial de George McGovern en 1972. ^{[ 198 ] [ 199 ]} En octubre de 1972, la obra de Warhol se incluyó en la exposición inaugural del Museo de Arte del Sur de Texas en Corpus Christi, Texas . ^{[ 200 ]} Al mes siguiente, las serigrafías de Mao de Warhol debutaron en la Galería Leo Castelli en Nueva York. ^{[ 201 ]}

En noviembre de 1972, Warhol y su novio, Jed Johnson, con quien vivía, adquirieron un cachorro de perro salchicha al que llamaron Archie . ^{[ 202 ] [ 2 ]} Warhol adoraba a Archie y lo llevaba a todas partes: al estudio, a fiestas, a restaurantes y en viajes a Europa. ^{[ 6 ] [ 203 ]} Creó retratos de Johnson, Archie y Amos, un segundo perro salchicha que se unió a su familia unos años más tarde. ^{[ 1 ]} En 1974, la pareja se mudó a una casa adosada neogeorgiana en el 57 de East 66th Street en el barrio de Lenox Hill de Manhattan . ^{[ 204 ] [ 205 ]} Para entonces, la presencia pública de Warhol había aumentado significativamente debido a su asistencia a fiestas. En 1974, dijo: "Intento ir a todas partes con tanta frecuencia y a todas las fiestas para que se aburran de mí y dejen de escribir sobre mí". ^{[ 206 ]}

Warhol comenzó a viajar con más frecuencia a Europa durante este período y desarrolló un cariño especial por París después de filmar L'Amour (1972) en los alrededores de la ciudad. ^{[ 207 ]} Mantuvo un apartamento en la orilla izquierda del Sena , en la Rue du Cherche-Midi, que compartía con su representante Fred Hughes. ^{[ 208 ] [ 209 ]} Mientras estaba en París, Warhol y su círculo socializaban con miembros de la jet set de la ciudad , incluyendo a Karl Lagerfeld , Yves Saint Laurent , Loulou de la Falaise y Paloma Picasso . ^{[ 210 ] [ 211 ]} Este cambio de estilo de vida se ha atribuido en parte a Hughes, quien buscaba cultivar una imagen pública más refinada para Warhol y posicionar a la Factory como una presencia social y artística internacional. ^{[ 212 ]}

Warhol diseñó los decorados para el musical de Broadway Man on the Moon de John Philips de The Mamas & the Papas , que se estrenó en enero de 1975 en el Little Theatre de Nueva York. ^{[ 213 ]} En mayo de 1975, Warhol asistió a la cena de estado del presidente Gerald Ford en honor del sha de Irán , Mohammad Reza Pahlavi , en la Casa Blanca . ^{[ 214 ]} En septiembre de 1975, realizó una gira de presentación de su libro The Philosophy of Andy Warhol (From A to B & Back Again) por ocho ciudades de Estados Unidos , seguida de paradas en Italia, Francia e Inglaterra. ^{[ 215 ] [ 216 ]} En junio de 1975, el Museo de Arte de Baltimore organizó una importante exposición que mostraba obras de varios períodos de su carrera. ^{[ 217 ]}

En 1976, Warhol y el pintor Jamie Wyeth recibieron el encargo de pintar retratos mutuos por parte de la galería Coe Kerr en Manhattan. ^{[ 218 ]} Ese año, Warhol viajó a Irán para hacer un retrato de la emperatriz Farah Pahlavi . ^{[ 219 ]} Regresó a Oriente Medio en enero de 1977, cuando viajó a Kuwait para la inauguración de su exposición en Salat Al Funoon en Dahiyat Abdullah Al-Salem . ^{[ 220 ] [ 221 ]}

La apertura de Studio 54 en abril de 1977 marcó el comienzo de una nueva era en la vida nocturna de la ciudad de Nueva York. ^{[ 222 ] [ 223 ]} Warhol era un asiduo y a menudo se le veía de fiesta con sus amigos Halston, Bianca Jagger y Liza Minnelli . ^{[ 224 ] [ 225 ]} Por esta época, Warhol tomaba fotografías explícitas de hombres —a las que se refería como «paisajes»— para lo que se conoció como la serie Torsos y partes sexuales . ^{[ 226 ] [ 227 ]} La mayoría de los hombres eran gigolós y prostitutos que el amante de Halston, Victor Hugo , llevaba a la Factory . ^{[ 228 ] [ 229 ]} Esto causó tensión en la relación de Warhol con Johnson, quien no aprobaba su amistad con Hugo. ^{[ 230 ] [ 231 ]} "Cuando abrió Studio 54, las cosas cambiaron con Andy. Era Nueva York en el apogeo de su período más decadente, y yo no participé. Nunca me gustó ese ambiente, nunca me sentí cómodo. … Andy solo estaba perdiendo el tiempo, y era realmente molesto. … Simplemente se pasaba el tiempo con la gente más ridícula", dijo Johnson. ^{[ 232 ]}

En mayo de 1977, Warhol y el empresario Geoffrey Leeds anunciaron sus planes para el "Andy-Mat", un restaurante moderno estilo automat en Madison Avenue , Nueva York. ^{[ 233 ]} Diseñado como un espacio de autoservicio, el restaurante de 115 asientos iba a ofrecer comidas congeladas preelaboradas junto con artículos de lujo como champán, servidos a través de tubos neumáticos , y un personal de servicio entregaría los pedidos. ^{[ 233 ]} Warhol tuvo control artístico total sobre el diseño, incluyendo el logotipo, la cubertería y la decoración, con interiores que incorporaban motivos caprichosos e infantiles. ^{[ 233 ]} Los platos del menú, con precios entre 1 y 5,75 dólares, iban desde platos reconfortantes como el pastel de carne hasta postres y mini tortillas . Si bien el proyecto pretendía combinar la comida cotidiana con un espectáculo artístico y potencialmente expandirse internacionalmente, el restaurante nunca se concretó. ^{[ 233 ]}

En junio de 1977, Warhol fue invitado a una recepción especial en honor a los "Artistas Inaugurales" que habían contribuido con grabados a la campaña presidencial de Jimmy Carter . ^{[ 234 ]} Ese mismo año, el coleccionista de arte Richard Weisman le encargó a Warhol la creación de Atletas , diez retratos de los atletas más destacados de la época, para una exposición que se inauguró en la galería Coe Kerr de Nueva York en diciembre de 1977. ^{[ 235 ]}

En 1979, Warhol fundó una editorial, Andy Warhol Books, que era un sello editorial de Grosset & Dunlap . ^{[ 236 ]} En octubre de 1979, publicó el libro de fotografía Exposures . ^{[ 237 ]} Al mes siguiente, se embarcó en una gira de tres semanas para presentar el libro antes de que el Museo Whitney de Arte Estadounidense montara la exposición Andy Warhol: Retratos de los 70. [ ^{238 ] [ 239 ] [ 240 ] La exposición mostró los retratos que Warhol realizó por encargo durante esa década, entre ellos los de} Yves Saint Laurent, Gianni Agnelli , Marella Agnelli , David Hockney , Roy Lichtenstein, Brooke Hayward , Carolina Herrera , Mick Jagger y Liza Minnelli . ^{[ 241 ] [ 239 ]} La exposición recibió algunas críticas desfavorables; el crítico del New York Times , Hilton Kramer, comentó que el arte de Warhol "pertenece menos a la historia de la pintura que a la historia de la publicidad". ^{[ 242 ]}

En marzo de 1980, Warhol publicó sus memorias tituladas POPism: The Warhol'60s , un relato retrospectivo de su carrera en la década de 1960 y el entorno cultural de la Factory. ^{[ 243 ]} Ese año, su serie Diez retratos de judíos del siglo XX generó una amplia gama de reacciones, algunas de ellas muy críticas. ^{[ 244 ]} Warhol también cofundó la Academia de Arte de Nueva York en 1980, una institución dedicada a restaurar los enfoques tradicionales de la formación artística. ^{[ 245 ]} El también cofundador Stuart Pivar observó más tarde que « el modernismo se volvió aburrido [para Warhol]… Pero su plan general, lo que realmente creía, era que la era moderna estaba desapareciendo y que estábamos entrando en un período neoclásico ». ^{[ 246 ]}

Durante este período, Warhol desarrolló su serie Mitos (1981), reinterpretando iconos culturales como Mickey Mouse , Superman y el Tío Sam . ^{[ 247 ]} Su antigua fascinación por la fama y el glamour de Hollywood también persistió; una vez comentó: «Me encanta Los Ángeles. Me encanta Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero me encanta el plástico. Quiero ser plástico». ^{[ 248 ]} Tras el fin de su relación con Jed Johnson, su única relación sentimental duradera, Warhol experimentó un período de depresión y una importante pérdida de peso. ^{[ 249 ] [ 250 ]} Centró su atención en el modelaje, firmando con la Agencia Zoli en 1981, y posteriormente fue representado por Ford Models . ^{[ 251 ] [ 252 ]}

En 1981, Warhol colaboró ​​con Peter Sellars y Lewis Allen en un proyecto titulado A No Man Show , una producción teatral itinerante que presentaba un robot animatrónico de tamaño natural modelado a partir de Warhol. ^{[ 253 ]} Conocido como el Robot Andy Warhol , la figura fue diseñada para leer fragmentos de los diarios de Warhol como parte de la actuación, reflejando su interés de larga data en la mecanización y la autoría. ^{[ 254 ] [ 255 ]}

En 1982, Warhol creó una edición limitada de 100 retratos serigrafiados de la actriz Jane Fonda para apoyar la campaña a la Asamblea Estatal de California de su esposo, Tom Hayden . ^{[ 256 ]} Donadas a la campaña, las impresiones firmadas se vendieron por 2000 dólares cada una. ^{[ 256 ]}

En 1983, Warhol recibió el encargo de diseñar un cartel para conmemorar el centenario del Puente de Brooklyn , que presentó en la Exposición de Arte de Nueva York de ese año. ^{[ 257 ]} También produjo una serie de serigrafías de Especies en Peligro (1983) para Animales de Warhol: Especies en Riesgo , una exposición celebrada en abril de 1983 en el Museo Americano de Historia Natural de la ciudad de Nueva York. ^{[ 258 ]} Antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984 , Warhol participó en la campaña de carteles aportando la litografía Patinador de Velocidad (1983). ^{[ 259 ]}

Para 1984, Warhol se había afiliado con varios artistas jóvenes prolíficos, que dominaban el " mercado alcista " del arte neoyorquino de los años 80: Julian Schnabel , David Salle y otros llamados neoexpresionistas , así como miembros del movimiento transvanguardista en Europa, incluidos Francesco Clemente y Enzo Cucchi . También apoyó a artistas en la escena artística del centro de la ciudad como Jean-Michel Basquiat , Keith Haring , Kenny Scharf y Stefano Castronovo . ^{[ 260 ] [ 261 ]} En septiembre de 1985, la exposición conjunta de Warhol con Basquiat, Paintings , se inauguró con críticas negativas en la Galería Tony Shafrazi . ^{[ 262 ]} Ese mismo mes, a pesar de su aprensión, la serie de serigrafías de Warhol Reigning Queens (1985) se exhibió en la Galería Leo Castelli. ^{[ 263 ]} Más tarde ese año, colaboró ​​con Haring para diseñar el cartel del Festival de Jazz de Montreux de 1986 en Suiza, que también se utilizó para el Festival de Jazz de Montreux-Detroit de 1986 en Detroit. ^{[ 264 ]}

En abril de 1986, su serie Estatuas de la Libertad (1986) debutó en la Galerie Lavignes-Bastille de París, coincidiendo con el centenario de la Estatua de la Libertad . ^{[ 265 ]} Una de las pinturas apareció en la portada de la revista New York del 12 de mayo de 1986. ^{[ 266 ]} Ese mismo año, completó la serie Autorretratos (1986), que se estrenó en la galería Anthony d'Offay de Londres en julio de 1986, y Autos (1986), una serie de pinturas para Mercedes-Benz . ^{[ 267 ] [ 268 ]}

En enero de 1987, Warhol viajó a Milán para la inauguración de su exposición de la serie La Última Cena (1986) en el Palazzo delle Stelline. ^{[ 269 ]} Al mes siguiente, Warhol posó con el músico de jazz Miles Davis para el desfile de moda de Koshin Satoh en el Tunnel de Nueva York el 17 de febrero de 1987. ^{[ 270 ] [ 271 ]}

Los hermanos de Warhol llevaron su cuerpo de regreso a Pittsburgh, donde se realizó un velatorio con ataúd abierto en la funeraria Thomas P. Kunsak. ^{[ 277 ]} El ataúd de bronce macizo tenía rieles chapados en oro y tapicería blanca. Warhol vestía un traje de cachemir negro, una corbata de cachemir y una peluca de platino. ^{[ 278 ]} Fue colocado sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. ^{[ 279 ]} Una liturgia fúnebre de media hora en inglés y eslavo fue dirigida por Monseñor Peter Tay en la Iglesia Católica Bizantina del Espíritu Santo en el lado norte de Pittsburgh el 26 de febrero de 1987. ^{[ 280 ] [ 281 ]} Después de la liturgia, el ataúd, cubierto con rosas blancas y helechos espárrago , fue llevado al Cementerio Católico Bizantino de San Juan Bautista en Bethel Park , un suburbio al sur de Pittsburgh, donde Warhol fue enterrado cerca de sus padres. ^{[ 282 ]} El sacerdote dijo una breve oración junto a la tumba y roció agua bendita sobre el ataúd. Antes de que bajaran el ataúd, la amiga íntima de Warhol, Paige Powell, arrojó a su tumba ejemplares de los números de febrero y marzo de la revista Interview junto con un frasco de Beautiful Eau de Parfum de Estée Lauder . ^{[ 279 ] [ 283 ]}

El 1 de abril de 1987 se celebró un servicio conmemorativo en honor a Warhol en la Catedral de San Patricio en Manhattan. ^{[ 284 ]} Asistieron más de 2000 personas, incluyendo colaboradores de Warhol y numerosas celebridades como Raquel Welch , Debbie Harry , Liza Minnelli , Claus von Bülow y Calvin Klein , entre otros. ^{[ 285 ] [ 286 ]} Sus amigos John Richardson y Yoko Ono pronunciaron discursos fúnebres . ^{[ 286 ]} Posteriormente, se ofreció un almuerzo en el club nocturno Diamond Horseshoe, debajo del Hotel Paramount . ^{[ 287 ]}

En abril de 1987, el Departamento de Salud del Estado de Nueva York publicó un informe que indicaba que Warhol recibió una atención inadecuada por parte del Hospital de Nueva York desde su ingreso hasta las horas previas a su muerte. Esto incluía no realizar las pruebas preoperatorias adecuadas, administrarle antibióticos a los que pudo haber tenido una reacción alérgica, lo que le provocó una sobrehidratación, y no registrar con precisión su historial clínico en repetidas ocasiones. Según el informe, no hubo problemas con el procedimiento en sí. ^{[ 274 ]} En respuesta, el hospital despidió a la enfermera privada contratada para atender a Warhol y sancionó a la enfermera de planta encargada de supervisarla. ^{[ 288 ]} Sin embargo, el hospital alegó que las deficiencias de enfermería no fueron lo suficientemente graves como para causar la muerte de Warhol. ^{[ 288 ]}

En diciembre de 1991, la familia de Warhol demandó al hospital ante el Tribunal Supremo de Nueva York por atención médica inadecuada, ante el juez Ira Gammerman , alegando que la arritmia fue causada por una atención deficiente y una intoxicación hídrica . ^{[ 289 ]} El caso de negligencia médica se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; la familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada. ^{[ 290 ]}

Antes de su cirugía, los médicos esperaban que Warhol sobreviviera, aunque una reevaluación del caso unos treinta años después de su muerte mostró muchos indicios de que la cirugía de Warhol fue, de hecho, más arriesgada de lo que se pensaba inicialmente. En aquel momento se informó ampliamente que Warhol había muerto de una cirugía "rutinaria", aunque al considerar factores como su edad, antecedentes familiares de problemas de vesícula biliar, su herida de bala previa y su estado de salud en las semanas previas al procedimiento, el riesgo potencial de muerte tras la cirugía parecía haber sido significativo. ^{[ 291 ]}

Aunque Warhol es más conocido por su trabajo en grabado , particularmente en serigrafía, también fue un ilustrador y dibujante muy hábil. ^{[ 292 ]} Sus primeros dibujos en papel transmiten una sensación de facilidad e inmediatez, moldeada por la técnica de "línea difuminada" que él mismo desarrolló como estudiante en Carnegie Tech. ^{[ 293 ]} Warhol logró el efecto de línea difuminada a través de un proceso simple pero deliberado. Pegó con cinta adhesiva un dibujo a lápiz a una hoja de cartón Strathmore liso, trazó secciones de la imagen con tinta y, mientras la tinta aún estaba húmeda, presionó las hojas juntas para transferir el diseño. ^{[ 294 ]} Debido a que la tinta se secaba rápidamente, trabajó por etapas, levantando y volviendo a entintar el dibujo hasta que se transfirió toda la imagen, produciendo líneas irregulares y variables en un proceso similar al grabado rudimentario. ^{[ 45 ] [ 29 ]} Aceptaba las manchas y roturas accidentales creadas por este método, sin hacer correcciones, y a menudo aplicaba aguadas de pastel de los tintes del Dr. Ph. Martin ligeramente descentradas. ^{[ 294 ] [ 295 ]} A veces usaba fotografías para calcar sus dibujos. ^{[ 295 ]}

Su estilo de ilustración era reconocible al instante, marcado por una sofisticación informal a menudo descrita como una versión más ligera y lúdica de Ben Shahn . ^{[ 296 ]} Entre las obras más conocidas de sus inicios se encuentran sus ilustraciones de zapatos para I. Miller. ^{[ 52 ]} Algunos de sus dibujos personales fueron autopublicados en pequeños folletos, como Yum, Yum, Yum (con temática gastronómica), Ho, Ho, Ho (con temática navideña) y Shoes, Shoes, Shoes . Su libro de ilustraciones más aclamado por la crítica es A Gold Book , una colección de dibujos de jóvenes, que se distingue por el uso de pan de oro que decora sus páginas. ^{[ 297 ]} Los dibujos de sus últimos años demuestran la habilidad y la técnica que ha perfeccionado a lo largo de su carrera. ^{[ 292 ]}

A principios de la década de 1960, el movimiento Pop Art era una forma experimental que varios artistas adoptaban de forma independiente. Warhol, quien sería apodado el "Papa del Pop Art" y el "Rey del Pop", se volcó a este nuevo estilo, donde los temas populares podían formar parte de la paleta del artista. ^{[ 298 ] [ 299 ] [ 300 ]} Experimentó con su estilo artístico y técnicas pictóricas antes de convertirse en sinónimo del movimiento. Sus primeras pinturas presentan imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios, pintadas a mano con goteos de pintura. ^{[ 301 ]} Esos goteos emulaban el estilo de expresionistas abstractos como Willem de Kooning . ^{[ 301 ]} Sus primeras pinturas de Pop Art se exhibieron en abril de 1961, sirviendo como telón de fondo para el escaparate de la tienda departamental Bonwit Teller de Nueva York. ^{[ 302 ]}

En 1962, Warhol adoptó el proceso de serigrafía como técnica para crear pinturas con el fin de lograr un efecto más de "cadena de montaje". ^{[ 303 ]} Para este proceso, se ampliaba una fotografía y se transfería con pegamento a una malla de seda. ^{[ 304 ]} Luego, se aplicaba tinta sobre la pantalla con una espátula , pasando por las áreas sin sellar de la malla, transfiriendo así la imagen al lienzo. ^{[ 304 ]} Warhol tuvo varios asistentes a lo largo de su carrera, entre ellos Gerard Malanga , Ronnie Cutrone y Jay Shriver, quienes lo ayudaron a producir sus serigrafías, siguiendo sus instrucciones para crear diferentes variaciones. ^{[ 305 ] [ 208 ]}

Para su primera gran exposición en 1962, Warhol pintó sus famosas latas de sopa Campbell's, que según él había comido para el almuerzo durante 20 años. ^{[ 306 ]} Warhol comenzó a pintar objetos cotidianos como botellas de Coca-Cola , billetes de dólar , sellos de intercambio y temas más macabros como imágenes de suicidio , sillas eléctricas y accidentes automovilísticos, como en la serie Muerte y desastre (1962-1967). ^{[ 307 ]} También pintó retratos de íconos como Warren Beatty , Marilyn Monroe , Elizabeth Taylor y Jackie Kennedy. ^{[ 299 ]} Su obra se volvió popular y controvertida. ^{[ 308 ]} Warhol articuló una visión igualitaria de los bienes de consumo, señalando que productos como la Coca-Cola se compartían entre las clases sociales: "Puedes saber que el presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensa, tú también puedes beber Coca-Cola". ^{[ 309 ]}

A lo largo de la década de 1960, Warhol volvió repetidamente a Marilyn Monroe como tema, creando obras como Gold Marilyn Monroe (1962), imágenes en serie que incluyen Marilyn Diptych (1962), Flavor Marilyns (1962), llamadas así por su color y los sabores de los caramelos Life Savers . ^{[ 310 ]} En 1964, cuatro de sus nuevos lienzos más grandes de Marilyn fueron fotografiados por la artista de performance Dorothy Podber , dando como resultado Shot Marilyns . ^{[ 311 ]}

En 1967, Warhol fundó Factory Additions como su empresa de grabado y publicación, publicando carpetas de diez imágenes en ediciones de 250. ^{[ 312 ] [ 116 ]} En 1970, algunas de las películas de acetato utilizadas para producir algunas de las serigrafías de Warhol fueron llevadas a Europa, donde se utilizaron para crear una nueva serie de ediciones publicadas bajo el nombre de "Sunday B. Morning". ^{[ 313 ] [ 314 ]} Producidas en Bélgica utilizando las mismas referencias de color que las impresiones originales de Factory, las ediciones incluían versiones de las imágenes de Warhol de Marilyn Monroe , Flowers , Campbell's Soup I , Campbell's Soup Cans II y Dollar Bill . Aunque Warhol inicialmente firmó y numeró una edición de 250, posteriormente se distanció del proyecto tras disputas con colaboradores, y algunas impresiones fueron selladas con "Firma tu propia firma" o inscritas por Warhol con la frase "Esto no es mío, Andy Warhol". ^{[ 315 ]} Las primeras versiones llevaban sellos negros en el reverso, que posteriormente se cambiaron a tinta azul. ^{[ 316 ]}

En la década de 1970, Warhol evolucionó hacia el retrato, pintando retratos por encargo de celebridades y miembros de la alta sociedad. ^{[ 317 ] [ 240 ]} El último retrato que realizó en la antigua Factory en 33 Union Square West , en 1974, fue de su madre, Julia Warhola, quien había fallecido dos años antes. ^{[ 318 ]} En la nueva Factory en 860 Broadway , dejó atrás la pintura con los dedos y la complejidad gestual de sus obras de 1972-74 para adoptar un estilo más limpio y estilizado, reflejando el cambio del desorden del antiguo estudio a la apertura del nuevo. ^{[ 318 ]} Muchos de los retratos que Warhol produjo entre 1975 y 1976 comparten una apariencia suave y pastel , con ojos distantes bajo veladuras de azul celeste , menta o lavanda . Este estilo definió sus representaciones de Mick Jagger , Joe MacDonald, Roy Lichtenstein, Marilyn Karp, Marcia Weisman y Tina Freeman. ^{[ 318 ]}

Warhol no solo pintaba retratos por encargo, aunque algunas obras que no eran retratos todavía eran encargos de galeristas antes de que las comenzara. Su producción de estudio volvió a los niveles de mediados de los sesenta, con la misma intensidad y volumen. ^{[ 319 ]} Después de la serie de Mao (1972–73), creó Flores coloreadas a mano (1974), una carpeta de 10 grabados de flores, serigrafiados en negro y pintados a mano con acuarela . ^{[ 320 ] [ 321 ]} En 1975, Warhol completó la serie Damas y caballeros , seguida de Gatos y perros en 1976 y la serie Calaveras más tarde ese mismo año. ^{[ 319 ]} Posteriormente comenzó a trabajar en Martillo y hoz (1976–77). ^{[ 322 ]} En 1977, debutó con su serie Torsos y Atletas , y luego comenzó Oxidación (1977–78), también conocida como "pinturas de orina", que eran obras abstractas que Warhol creó exponiendo una capa de pintura metálica a la orina, y Sombras (1978–79). ^{[ 323 ] [ 324 ] [ 325 ]}

En 1979, Warhol recibió el encargo de pintar un BMW M1 versión de carreras del Grupo 4 para la cuarta entrega del proyecto BMW Art Car . ^{[ 326 ]} Inicialmente se le pidió que pintara un BMW 320i en 1978, pero el modelo del coche fue cambiado y no se clasificó para la carrera de ese año. ^{[ 327 ] [ 328 ] [ 329 ]} Warhol fue el primer artista en pintar directamente sobre el automóvil él mismo en lugar de dejar que los técnicos transfirieran un diseño de maqueta al coche. ^{[ 326 ]} Según se informa, tardó solo 23 minutos en pintar todo el coche. ^{[ 330 ]} Los pilotos de carreras Hervé Poulain , Manfred Winkelhock y Marcel Mignot condujeron el coche en las 24 Horas de Le Mans de 1979. ^{[ 326 ]}

En 1979, Warhol comenzó su serie Reversals and Retrospectives , retomando temas anteriores como Marilyn Monroe, Mao Zedong y sus imágenes de desastres. ^{[ 331 ]} Durante la década de 1980, el marchante de arte Ronald Feldman a menudo se encargó de los asuntos legales y de licencias relacionados con los proyectos de grabado y pintura de Warhol, trabajando estrechamente con Warhol y su gerente comercial Fred Hughes. ^{[ 332 ]} Feldman encargó varias carpetas, incluyendo Ten Portraits of Jews of the Twentieth Century (1980), Myths (1981) y Endangered Species (1983). ^{[ 333 ]}

En 1983, Warhol comenzó a colaborar con los artistas Jean-Michel Basquiat y Francesco Clemente. ^{[ 334 ] [ 335 ]} Warhol y Basquiat crearon una serie de más de 50 obras colaborativas de gran formato entre 1984 y 1985. ^{[ 336 ]} En sus colaboraciones, Warhol serigrafiaba o pintaba palabras, símbolos, titulares de periódicos o logotipos corporativos ampliados —como Paramount Pictures o General Electric— sobre el lienzo, que Basquiat luego reelaboraba con sus propias figuras, texto e imágenes expresionistas, añadiendo y quitando elementos a las composiciones de Warhol. ^{[ 337 ] [ 338 ]}

Al final de su carrera, el camuflaje se convirtió en un motivo recurrente en la obra de Warhol. ^{[ 339 ]} La paradoja de usar un patrón diseñado para ocultar su sujeto parece haberle atraído, ya que lo incorporó en varias series en 1986, incluyendo Estatuas de la Libertad , Autorretratos y La Última Cena , basada en La Última Cena de Leonardo da Vinci . ^{[ 340 ] [ 339 ]} En el momento de su muerte, Warhol estaba trabajando en varias carpetas de grabados, incluyendo Beethoven (1987), para una serie sobre compositores, y Moonwalk (1987), de una propuesta de historia de las series de televisión. ^{[ 341 ] [ 342 ]}

En 1985, Warhol utilizó ordenadores Amiga para generar arte digital, incluyendo el cortometraje You Are the One . ^{[ 343 ]} También hizo una demostración en directo por televisión con la cantante Debbie Harry como modelo. ^{[ 344 ]}

Las esculturas más conocidas de Warhol son sus Cajas Brillo : réplicas en serigrafía sobre madera de las grandes cajas de cartón de marca que se usaban para contener 24 paquetes de estropajos de jabón Brillo. ^{[ 345 ]} El diseño original de Brillo fue obra del artista comercial James Harvey . Las Cajas Brillo de Warhol formaban parte de una serie de obras de "cartones de supermercado" que también incluían cajas de ketchup Heinz y de zumo de tomate Campbell's. ^{[ 346 ]} Otras obras famosas incluyen las Nubes Plateadas : globos de mylar plateado con forma de almohada, rellenos de helio . Una Nube Plateada se incluyó en la exposición itinerante Air Art (1968-1969), comisariada por Willoughby Sharp . Warhol también adaptó Nubes para la pieza de danza RainForest (1968) del coreógrafo de vanguardia Merce Cunningham . ^{[ 347 ]}

La escultura invisible de Warhol , realizada en 1980, consistía en alarmas antirrobo colocadas alrededor del perímetro de una sala en The Factory y apuntando hacia un centro vacío. ^{[ 348 ]} Cuando un visitante entraba en el centro, todas las alarmas se activaban simultáneamente. Una versión de la escultura invisible, sin las alarmas antirrobo, se instaló en la discoteca Area de Nueva York en 1984 como parte de su temática "Arte". ^{[ 348 ]}

Durante la vida de Warhol, su obra tuvo inicialmente precios modestos. En 1965, los cuadros grandes de la serie Flores se vendían por aproximadamente 6000 dólares, mientras que las versiones más pequeñas estaban disponibles por tan solo 400 dólares. ^{[ 320 ]} Para la década de 1970, Warhol había establecido un lucrativo negocio de retratos, cobrando 25 000 dólares por un retrato por encargo, con una tarifa reducida de 40 000 dólares por dos retratos. ^{[ 240 ] [ 317 ]}

El mercado de Warhol comenzó a cobrar impulso en las subastas durante su vida. En 1970, Campbell's Soup Can with Peeling Label (1962) se vendió por 60.000 dólares en las galerías Parke-Bernet , el precio más alto jamás pagado en una subasta pública por una obra de un artista estadounidense vivo. ^{[ 349 ]} En 1978, 19 Cents (1962) se vendió por 95.000 dólares, estableciendo un nuevo récord de subasta para Warhol, después de haber sido adquirida originalmente por 1.300 dólares en 1962. ^{[ 324 ] [ 350 ]}

Tras la muerte de Warhol en 1987, el valor de su obra continuó aumentando significativamente, consolidándolo como uno de los artistas con mayor rendimiento constante en el mercado artístico mundial. Solo en 2014, las obras de Warhol generaron aproximadamente 569 millones de dólares en subastas, lo que representó más de una sexta parte del mercado artístico mundial de ese año. ^{[ 351 ]} A pesar de las caídas ocasionales, su mercado ha demostrado una resiliencia a largo plazo. La marchante de arte Dominique Lévy caracterizó el mercado de Warhol como "un sube y baja que sube", señalando que, si bien los precios fluctúan, cada pico y descenso sucesivo se produce a un nivel superior al anterior. Atribuyó este patrón a la continua afluencia de nuevos coleccionistas, observando que diferentes generaciones y grupos demográficos entran periódicamente en el mercado, impulsando una demanda renovada antes de estabilizarse y dar paso al siguiente ciclo de interés. ^{[ 352 ]}

Las imágenes de celebridades de Warhol alcanzan precios elevados, y Marilyn Monroe sigue siendo uno de sus sujetos más icónicos. En 1998, el industrial SI Newhouse Jr. compró Orange Marilyn (1964) en Sotheby's por 17,3 millones de dólares, estableciendo un nuevo récord en ese momento para el precio más alto pagado por una obra de Warhol. ^{[ 353 ]} Tras la muerte de Newhouse en 2017, el gestor de fondos de cobertura Kenneth C. Griffin habría comprado Orange Marilyn en una venta privada por aproximadamente 200 millones de dólares. ^{[ 354 ]}

El mercado de Warhol continuó fortaleciéndose en la década de 2000. En 2007, los coleccionistas Stefan Edlis y Gael Neeson vendieron Turquoise Marilyn (1964) al financiero Steven A. Cohen en una transacción privada valorada en 80 millones de dólares. ^{[ 355 ]} En mayo de 2007, Green Car Crash (Green Burning Car I) (1963) alcanzó los 71,1 millones de dólares en Christie's , mientras que Lemon Marilyn (1962) se vendió por 28 millones de dólares en la misma subasta. ^{[ 356 ]} En noviembre de 2009, 200 One Dollar Bills (1962) se vendió por 43,8 millones de dólares en Sotheby's . ^{[ 357 ]}

La serie de Elvis sigue estando entre los cuerpos de trabajo más importantes de Warhol; de las 22 versiones producidas, once se encuentran en colecciones de museos. ^{[ 103 ]} Eight Elvises (1963), que representa a Elvis Presley en una pose de pistolero , fue vendida privadamente en 2008 por Annibale Berlingieri por aproximadamente 100 millones de dólares. ^{[ 2 ]} Obras relacionadas también han alcanzado buenos resultados en subasta, incluyendo Double Elvis (Ferus Type) , que se vendió por 37 millones de dólares en Sotheby's en 2012, y Triple Elvis (Ferus Type) , que se vendió por 81,9 millones de dólares en Christie's en 2014. ^{[ 358 ] [ 359 ] [ 360 ]}

Los retratos de Elizabeth Taylor también han sido muy buscados. En 2007, Liz (Colored Liz) (1963), que perteneció al actor Hugh Grant , se vendió por 23,7 millones de dólares en Christie's. ^{[ 361 ] [ 362 ]} En noviembre de 2010, Men in Her Life (1962) se vendió por 63,4 millones de dólares en Phillips de Pury , mientras que Coca-Cola (4) (1962) se vendió por 35,3 millones de dólares en Sotheby's. ^{[ 363 ] [ 364 ]} En mayo de 2011, Liz No. 5 (Early Colored Liz) se vendió por 26,9  millones de dólares en Phillips. ^{[ 365 ]} En mayo de 2015, Silver Liz (1963, díptico) se vendió por 28 millones de dólares, mientras que Colored Mona Lisa (1963) alcanzó los 56,2 millones de dólares en Christie's. ^{[ 366 ] [ 367 ]}

Los autorretratos de Warhol también han tenido un gran éxito en las subastas. En mayo de 2010, un Autorretrato morado (1986) se vendió por 32,6 millones de dólares en Sotheby's. ^{[ 368 ]} En mayo de 2011, el primer Autorretrato de Warhol (1963-64) se vendió por 38,4 millones de dólares en Christie's, mientras que un Autorretrato rojo (1986) se vendió por 27,5 millones de dólares en la misma casa de subastas. ^{[ 369 ]}

Varias ventas importantes en la década de 2010 consolidaron aún más el estatus de Warhol como uno de los artistas más valiosos del mundo. En 2010, su obra se vendió por un total de $313 millones, lo que representa el 17% de todas las ventas de subastas contemporáneas. ^{[ 370 ]} En noviembre de 2013, el díptico de Warhol raramente exhibido Silver Car Crash (Double Disaster) (1963) se vendió por $105.4 millones en Sotheby's, estableciendo un nuevo récord de subasta para el artista en ese momento. ^{[ 371 ] [ 307 ]} Ese mismo mes, Coca-Cola (3) (1962) se vendió por $57.3 millones en Christie's. ^{[ 372 ]} En mayo de 2014, Race Riot (1963), se vendió por $62.9 millones y White Marilyn (1962), se vendió por $41 millones en Christie's. ^{[ 373 ]} El retrato de Marlon Brando de Warhol , Cuatro Marlons (1966), se vendió por 69,6 millones de dólares en Christie's en noviembre de 2014. ^{[ 374 ]} En julio de 2015, el lienzo pintado a mano de Warhol, Billete de un dólar (certificado de plata) (1962), alcanzó los 32,8 millones de dólares en Sotheby's. ^{[ 375 ]}

El mercado de Warhol continuó expandiéndose globalmente en la década de 2020. En marzo de 2022, Silver Liz (Ferus Type) se vendió por 2300 millones de yenes (18,9 millones de dólares) en la subasta de Shinwa, estableciendo un nuevo récord de subasta en Japón. ^{[ 376 ]} En mayo de 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares en Christie's, convirtiéndose en la obra de arte estadounidense más cara jamás vendida en una subasta. ^{[ 377 ]}

Emily y Burton Tremaine fueron de los primeros coleccionistas y partidarios más influyentes de Warhol. Adquirieron más de 15 de sus obras, incluyendo Marilyn Diptych (1962), que ahora forma parte de la colección de la Tate Modern de Londres, y A Boy for Meg (1962), que ahora se encuentra en la National Gallery of Art de Washington, D.C.; ambas fueron compradas directamente del estudio de Warhol en 1962. ^{[ 320 ] [ 324 ]} En agradecimiento por su apoyo y aliento, Warhol les dejó una vez una pequeña cabeza de Marilyn Monroe en el apartamento de los Tremaine en Nueva York como regalo de Navidad. ^{[ 378 ]}

Robert Scull y Ethel Scull también fueron mecenas importantes y de los primeros tiempos de la obra de Warhol. ^{[ 379 ]} Ethel Scull se convirtió en la protagonista del primer retrato que Warhol le encargó, Ethel Scull 36 Times (1963), que ahora forma parte de la colección del Museo Metropolitano de Arte. ^{[ 379 ]}

Entre 1963 y 1968, Warhol produjo más de 600 películas underground , incluyendo cortos en blanco y negro de Screen Tests , que ofrecían retratos silenciosos en primer plano de los visitantes de la Factory. ^{[ 383 ] [ 384 ]} Muchas de estas obras se estrenaron en el New Andy Warhol Garrick Theatre en Greenwich Village y en el 55th Street Playhouse en Midtown Manhattan . ^{[ 385 ] [ 386 ]}

Las " superestrellas " de Warhol eran un séquito de excéntricos bohemios y de la contracultura que aparecieron en las películas de Warhol desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, incluyendo a Baby Jane Holzer , Brigid Berlin , Ondine , Edie Sedgwick , Ingrid Superstar , Nico, International Velvet , Viva , Ultra Violet , Joe Dallesandro , Candy Darling , Holly Woodlawn , Jackie Curtis y Jane Forth . ^{[ 387 ] [ 388 ] [ 389 ]}

Las primeras películas experimentales de Warhol fueron estudios minimalistas sobre la duración y la vida cotidiana. Sleep (1964) documenta al poeta John Giorno durmiendo durante más de cinco horas; Kiss (1964) presenta una serie de parejas besándose; Eat (1964) muestra a Robert Indiana consumiendo un hongo en tiempo real; y Blow Job (1964) consiste en una sola toma continua del rostro de DeVeren Bookwalter durante un acto sexual implícito. ^{[ 390 ] [ 391 ] [ 392 ]} Por estos esfuerzos, Jonas Mekas otorgó a Warhol el Premio de Cine Independiente en 1964, llamando la atención sobre su creciente influencia en el cine de vanguardia. ^{[ 393 ]} NewsdayMike McGrady aclamó a Warhol como "el Cecil B. DeMille de los cineastas del Off-Hollywood". ^{[ 393 ]} The Village Voice lo llamó uno de los cineastas "más interesantes" de Nueva York. ^{[ 394 ]}

En 1964, Warhol también creó Batman Dracula , un homenaje no autorizado al héroe del cómic, proyectado solo en sus exposiciones. ^{[ 395 ]} La película nunca se terminó, pero se considera la primera representación de una película de Batman descaradamente camp . ^{[ 396 ]} Al año siguiente, estrenó Empire (1965), una toma estática de ocho horas del Empire State Building , y Vinyl (1965), una adaptación libre de la novela distópica La naranja mecánica de Anthony Burgess . Las películas de Warhol no tenían guion; animaba a los actores a improvisar sus diálogos. ^{[ 397 ]} Su película más célebre del período, Chelsea Girls (1966), utilizó de forma innovadora proyecciones duales de 16 mm que se ejecutaban simultáneamente con sonido alterno, convirtiéndose en la primera película underground de la década en lograr una amplia atención de la crítica. ^{[ 398 ] [ 392 ]} La última película de Warhol como director, Blue Movie (1969), protagonizada por Viva y Louis Waldon , fue controvertida por su contenido explícito y se considera una película emblemática en la Edad de Oro del Porno . ^{[ 399 ] [ 400 ] [ 401 ]}

Después de que Warhol sobreviviera a un tiroteo casi mortal en 1968, las responsabilidades cinematográficas se trasladaron cada vez más a su colaborador Paul Morrissey . ^{[ 159 ]} Morrissey orientó el cine de la marca Warhol hacia producciones más comerciales, narrativas y de explotación de serie B con Flesh (1968), Trash (1970) y Heat (1972), Andy Warhol's Dracula (1973) y Andy Warhol's Frankenstein (1974), protagonizada por Joe Dallesandro. ^{[ 159 ]} La última película producida por Warhol, Bad , protagonizada por Carroll Baker, fue dirigida por el novio de Warhol, Jed Johnson, quien había asistido a Morrissey en varias películas. ^{[ 402 ]} Después de que Warhol perdiera dinero con la película, abandonó la dirección cinematográfica hasta 1986, cuando adquirió los derechos de la exitosa novela de Tama Janowitz , Slaves of New York , con la intención de producir la adaptación cinematográfica . ^{[ 403 ] [ 404 ]}

La mayoría de las películas de Warhol fueron retiradas de circulación por él mismo y sus asociados, quienes gestionaban sus asuntos comerciales. En 1984, con la cooperación de Warhol, el Museo Whitney de Arte Estadounidense y el Museo de Arte Moderno iniciaron trabajos de restauración, y desde entonces las películas se han proyectado periódicamente en museos y festivales de cine. ^{[ 384 ]} En 2022, el Museo Andy Warhol lanzó The Warhol TV, una plataforma de streaming que ofrece contenido gratuito del museo, así como el alquiler de películas selectas de su colección. ^{[ 405 ]}

La obra de teatro de Warhol, Andy Warhol's Pork , se estrenó en el Teatro La MaMa de Nueva York en mayo de 1971 y se mantuvo en cartelera durante dos semanas. ^{[ 190 ]} En agosto de 1971, se llevó al Roundhouse de Londres para una temporada más larga. Pork se basó en conversaciones grabadas entre Brigid Berlin y Warhol. Berlin reproducía las cintas que Warhol había grabado de conversaciones telefónicas entre ella y su madre, la socialité Honey Berlin. ^{[ 406 ]} En 1974, Warhol diseñó la escenografía del musical Man on the Moon . ^{[ 213 ]}

En 1968, Warhol produjo un anuncio de televisión para los restaurantes Schrafft's en la ciudad de Nueva York, para un postre helado apropiadamente llamado "Underground Sundae". ^{[ 407 ]} Warhol soñaba con un especial de televisión sobre uno de sus temas favoritos : la Nada , al que llamaría Nothing Special . ^{[ 402 ]} Más adelante en su carrera produjo tres programas de televisión: Fashion (1979–80), Andy Warhol's TV (1980–83) y el programa de entrevistas de MTV Andy Warhol's Fifteen Minutes (1985–87). ^{[ 408 ]}  

En 1963, Warhol fundó The Druds , una banda de música noise de vanguardia de corta duración que contaba con miembros destacados de la comunidad neoyorquina de arte protoconceptual y arte minimalista. ^{[ 101 ]}

En 1965, Warhol adoptó a la banda The Velvet Underground , convirtiéndola en un elemento crucial del espectáculo de arte multimedia Exploding Plastic Inevitable . ^{[ 409 ]} Su participación con los músicos de The Velvet Underground fue impulsada por un deseo expreso de convertirse en productor musical. ^{[ 410 ] [ 411 ]} Warhol y Paul Morrissey actuaron como representantes de la banda, presentándoles a Nico, quien actuaría con la banda a petición de Warhol. ^{[ 412 ]} Mientras representaba a The Velvet Underground, Warhol los hacía vestir completamente de negro para actuar frente a las películas que él mismo presentaba. ^{[ 413 ]}

En 1966, "produjo" su primer álbum, The Velvet Underground & Nico , además de proporcionar la portada. Su participación real en la producción del álbum se limitó a pagar el tiempo de estudio. ^{[ 133 ]} Después del primer álbum de la banda, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, comenzaron a discrepar más sobre la dirección que debía tomar la banda, y Warhol fue despedido en 1967. ^{[ 414 ] [ 415 ]} En 1989, Reed y John Cale se reunieron por primera vez desde 1972 para escribir, interpretar, grabar y lanzar el álbum conceptual Songs for Drella , como tributo a Warhol. ^{[ 416 ]} En octubre de 2019, se informó del descubrimiento en un archivo del Museo Andy Warhol en Pittsburgh de una cinta de audio con música desconocida públicamente de Reed, basada en el libro de Warhol de 1975, The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again . ^{[ 417 ]}

Warhol diseñó muchas portadas de álbumes para varios artistas desde sus inicios como ilustrador en la década de 1950. Entre las portadas que diseñó se incluyen las de I'm Still Swinging (1955) de The Joe Newman Octet , Blue Lights, Vols. 1 y 2 (1958) de Kenny Burrell , This Is John Wallowitch!!! (1964) de John Wallowitch , Sticky Fingers (1971) y Love You Live (1977) de The Rolling Stones , The Academy in Peril (1972) de John Cale, Silk Electric (1982) de Diana Ross y Aretha (1986) de Aretha Franklin . ^{[ 418 ] [ 419 ]}

En 1984, Warhol codirigió el video musical " Hello Again " de The Cars , y apareció en el video como un camarero. ^{[ 420 ] [ 421 ]} En 1986, Warhol codirigió el video musical " Misfit " de Curiosity Killed the Cat e hizo un cameo en el video. ^{[ 422 ] [ 423 ]}

A partir de finales de la década de 1950, Warhol produjo varias carpetas sin encuadernar de su obra. En 1957, su libro encuadernado 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy fue impreso por Seymour Berlin. ^{[ 63 ]} Berlin también imprimió algunos de los otros libros autoeditados de Warhol, incluyendo A Gold Book (1957) y Wild Raspberries (1959). ^{[ 424 ] [ 425 ]} El libro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu marcó su "transición de artista comercial a artista de galería". ^{[ 426 ]} El título es un juego de palabras de Warhol sobre el título de À la recherche du temps perdu del autor francés Marcel Proust . ^{[ 426 ]} En un esfuerzo por generar trabajo, la mayoría de estos libros se imprimieron para ser regalados a la gente para llamar la atención sobre sus ilustraciones. ^{[ 64 ]}

Tras alcanzar la fama, Warhol publicó comercialmente varios libros:

• Índice de Andy Warhol (Libro) (1967, ISBN) 9780517566985Ofrecía un retrato de la escena de la Factory de Warhol, con fotografías de Warhol y su círculo, páginas desplegables, un globo plateado y un disco flexible con audio de las grabaciones de Warhol de Nico en conversación con el poeta René Ricard . También incluía tres entrevistas. ^{[ 427 ]}
• A, una novela (1968, ISBN) 978-0-8021-3553-7) es una transcripción literal —que contiene errores ortográficos y ruido de fondo escrito fonéticamente y murmullos— de grabaciones de audio de Ondine y varios amigos de Warhol socializando en la Factory y saliendo. ^{[ 428 ]}
• La filosofía de Andy Warhol (De la A a la B y de vuelta) (1975, ISBN) 978-0-15-671720-5) consiste en transcripciones y textos de Pat Hackett basados ​​en conversaciones telefónicas diarias y casetes de audio que Warhol le dio. ^{[ 429 ]} Los casetes contenían conversaciones con Brigid Berlin y Bob Colacello . ^{[ 430 ]}
• Exposiciones (1979, ISBN) 9780448128504) de Warhol y Colacello es un libro de fotografías de Warhol de sus amigos famosos con anécdotas.
• POPismo: Los años 60 de Warhol (1980, ISBN) 978-0-15-173095-7La exposición de Warhol y Hackett es una retrospectiva de la década de 1960 y del papel del arte pop.
• La América de Warhol (1985, ISBN) 978-0060960049) presenta fotografías de Warhol recopiladas a lo largo de una década de viajes, junto con anécdotas y reflexiones irónicas, a menudo inesperadamente profundas, que constituyen una peculiar carta de amor a los Estados Unidos. ^{[ 431 ]}
• El libro de fiestas de Andy Warhol (1988, ISBN) 0-517-56698-2) de Warhol y Hackett analiza sus hábitos de ir a fiestas y consejos sobre lo que hace que una fiesta sea genial. ^{[ 432 ]}
• Los diarios de Andy Warhol (1989, ISBN) 978-0-446-39138-2) es un diario dictado por Warhol a Hackett en conversaciones telefónicas diarias entre noviembre de 1976 y febrero de 1987, que ofrece un relato íntimo de su vida, círculo social, negocios y preocupaciones artísticas. ^{[ 429 ]}

En 1969, el artista Al Hansen lanzó la revista underground Kiss , que incluía una columna de Warhol. ^{[ 433 ]} Más tarde ese mismo año, Warhol cofundó Interview , que inicialmente se centró en la crítica cinematográfica antes de convertirse en una revista de cultura pop en 1972. ^{[ 434 ] [ 435 ]}

Warhol también produjo portadas para publicaciones importantes, como Time , Vogue y Vanity Fair . Para Time , creó obras de arte para artículos de portada como "Los adolescentes de hoy" (29 de enero de 1965), que presentaba una cuadrícula de siete retratos fotográficos; "Los Flying Fondas y cómo crecieron" (16 de febrero de 1970), que representaba a los actores Jane , Henry y Peter Fonda ; ^{[ 436 ]} "Por qué es un thriller" (19 de marzo de 1984), que retrataba a la estrella del pop Michael Jackson y que dio como resultado la pintura Michael Jackson (1984); ^{[ 437 ]} "A Estados Unidos le encanta escuchar a Lee" (1 de septiembre de 1985), que representaba a Lee Iacocca ; ^{[ 438 ]} y "Gotti a juicio" (19 de septiembre de 1986), que presentaba al jefe del crimen John Gotti . ^{[ 439 ]} Su trabajo en revistas también incluyó un retrato de la princesa Carolina de Mónaco para Vogue París (diciembre de 1983/enero de 1984) y el encargo de Vanity Fair al músico Prince para el artículo de noviembre de 1984 "Purple Fame", que dio como resultado Orange Prince (1984). ^{[ 440 ] [ 436 ]}

Warhol usó fotografías como base para sus pinturas serigrafiadas, y más tarde a menudo se basó en imágenes que él mismo tomó con una cámara Polaroid Big Shot . ^{[ 441 ] [ 442 ]} Durante las sesiones de retratos, Warhol solía tomar docenas de fotografías de su sujeto, y luego seleccionaba una que serviría de base para la pintura. ^{[ 443 ]} Warhol también era un fotógrafo ávido y usó la Polaroid SX-70 como cámara portátil en la década de 1970. ^{[ 444 ]} Utilizó principalmente una Minox 35 EL desde 1976 hasta su muerte en 1987 para producir un gran y espontáneo conjunto de fotografías de visitantes de la Factory, fiestas, amigos y celebridades. ^{[ 445 ] [ 446 ]} En un momento dado, Warhol llevaba consigo una grabadora portátil y una cámara a dondequiera que iba, grabando casi todo lo que se decía y se hacía. Se refería a la grabadora como su "esposa". ^{[ 309 ]} Algunas de estas grabaciones se convirtieron en la base de su obra literaria. También grabó entrevistas para la revista Interview y publicó regularmente sus fotos Polaroid en sus páginas. ^{[ 447 ]}

La fotografía de Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones tras la digitalización de su archivo, adquirido por la Universidad de Stanford en 2014 y que comprende aproximadamente 3600 hojas de contacto y 130 000 negativos. ^{[ 448 ]} Ese mismo año, el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island presentó Fotografías de Andy Warhol , que presenta más de 150 imágenes Polaroid y en blanco y negro. ^{[ 449 ]} Entre los eventos posteriores más destacados se encuentra Contact Warhol: Fotografía sin fin en el Cantor Arts Center de 2018 a 2019, que exploró el alcance de su archivo de hojas de contacto. ^{[ 450 ]} Del 30 de abril al 19 de octubre de 2026, el Museo Whitney de Arte Estadounidense presentará Andy Warhol: Álbum familiar , una exposición de 732 Polaroids tomadas entre 1972 y 1973 que retratan a la familia y amigos de Warhol. ^{[ 451 ]} Su obra fotográfica también ha aparecido en publicaciones como Andy Warhol: Polaroids 1958–1987 (2015). ^{[ 452 ]}

Basándose en su temprana carrera como ilustrador comercial y su relación con la cultura de las celebridades y el consumo, Warhol ayudó a tender un puente entre las bellas artes, la moda y el comercio. ^{[ 453 ]} Una vez comentó: «La moda es más arte que el arte mismo… Prefiero comprar un vestido y colgarlo en la pared que un cuadro». ^{[ 454 ]} A menudo descrito como un dandi moderno cuya autoridad «residía más sobre la presencia que sobre las palabras», Warhol se movía con fluidez entre el arte y la moda, creando escaparates para grandes almacenes, ilustraciones para Vogue y Harper's Bazaar , presentando un programa de televisión titulado Fashion e incluso trabajando como modelo. ^{[ 455 ] [ 456 ]}

En 1965, Warhol diseñó pieles para Coopchik-Forrest, y en 1966, participó en la moda de los vestidos de papel cuando Abraham & Straus de Brooklyn lo invitó a decorar vestidos de papel de Mars Manufacturing en la tienda. ^{[ 457 ] [ 136 ]} Durante el evento, serigrafió "FRAGILE" en un vestido usado por Nico —firmándolo " Dalí " en broma— e imprimió grandes plátanos en otro; ambos fueron donados posteriormente al Museo de Brooklyn . ^{[ 135 ]}

Varias de las "superestrellas" de Warhol también tuvieron éxito en el mundo de la moda, entre ellas Baby Jane Holzer, Donyale Luna , International Velvet, Carol LaBrie , Jane Forth y Donna Jordan , que trabajaron como modelos profesionales en las décadas de 1960 y 1970. ^{[ 458 ] [ 459 ] [ 460 ] [ 197 ]} Warhol también cultivó relaciones cercanas con figuras destacadas de la moda, entre ellas Diana Vreeland , Karl Lagerfeld , Yves Saint Laurent, Halston, Diane von Furstenberg , Calvin Klein y Gianni Versace . ^{[ 461 ] [ 462 ] [ 463 ] [ 456 ]} En 1972, colaboró ​​con Halston para los Premios Coty , y en 1997, el Museo Whitney de Arte Estadounidense montó The Warhol Look: Glamour, Style, Fashion , organizado por el Museo Andy Warhol, lo que subraya el impacto duradero de la moda en su legado artístico. ^{[ 197 ] [ 464 ] [ 465 ]}

Warhol vivió como un hombre gay antes del movimiento de liberación gay , pero a menudo ocultó su vida personal a la prensa. En la década de 1950, presentó dibujos homoeróticos de hombres desnudos a una galería, que fueron rechazados por ser demasiado explícitos. ^{[ 477 ] [ 478 ]} En su libro Popism , recordó que Emile de Antonio le explicó que su extravagancia al principio de su carrera lo diferenciaba de artistas que ocultaban su homosexualidad , como Jasper Johns y Robert Rauschenberg : «Eres demasiado extravagante y eso los molesta… los pintores importantes intentan parecer heterosexuales; tú exageras la extravagancia; es como una armadura para ti». ^{[ 72 ]} Warhol reflexionó: «Siempre me divertí mucho con eso… Ciertamente no era un tipo masculino por naturaleza, pero debo admitir que me esforcé por exagerar el otro extremo». ^{[ 479 ]}

Warhol expresó su identidad queer a través de muchas de sus obras de arte y películas en una época en que la homosexualidad en Estados Unidos estaba fuertemente estigmatizada y restringida legalmente. ^{[ 478 ]} En la década de 1960, produjo películas como Blow Job (1964), My Hustler (1965) y Lonesome Cowboys (1968), que abordaban abiertamente temas de sexualidad y deseo; varias de sus películas se proyectaron en cines pornográficos gay . ^{[ 480 ]} También creó numerosas pinturas y fotografías de desnudos masculinos. ^{[ 481 ]} Los críticos interpretan sus series Torsos (1977), Sex Parts (1978) y Oxidation (1977-78) como sus exploraciones más directas de la homosexualidad . ^{[ 481 ] [ 482 ]}

En 1980, Warhol declaró a la revista Forum que aún era virgen . ^{[ 483 ]} El exeditor de Interview , Bob Colacello, consideró esto plausible, sugiriendo que el poco sexo que Warhol había tenido era "una mezcla de voyeurismo y masturbación —para usar la palabra [de Warhol], abstracto " . ^{[ 484 ]} Sin embargo, esto entra en conflicto con el tratamiento hospitalario que Warhol recibió en 1960 por condilomas , una enfermedad de transmisión sexual , y con los testimonios de amigos que afirmaron haberlo visto tener relaciones sexuales o haberlo oído alardear de ello. ^{[ 485 ] [ 486 ]} Warhol sentía un amor romántico no correspondido por el diseñador de producción Charles Lisanby , quien más tarde recordó que Warhol había dicho que había tenido relaciones sexuales algunas veces, pero que las encontraba "desordenadas y desagradables". ^{[ 56 ] [ 486 ]}

La propia sugerencia de Warhol de que era asexual llevó a muchos a ver sus relaciones como platónicas. ^{[ 487 ]} Jay Johnson , cuyo hermano gemelo fue pareja de Warhol durante mucho tiempo, afirmó: «Le gustaba la idea de que lo consideraran un voyeur y que lo consideraran asexual. Esa era su mística». ^{[ 487 ]} Según Billy Name, quien fue brevemente amante de Warhol, «La idea que Andy tenía del sexo era tenerlo una o dos veces y acabar con ello; con Andy no se trataba de amor, sino de compañía». ^{[ 488 ] [ 107 ]}

Warhol se refería al fotógrafo Edward Wallowitch como su "primer novio". ^{[ 489 ]} Más tarde tuvo relaciones con el artista John Giorno , ^{[ 490 ]} el asistente de la Factory Philip Fagan, ^{[ 491 ]} el historiador de arte Robert Pincus-Witten , ^{[ 492 ]} el cineasta Danny Williams , ^{[ 493 ]} y los asociados de la Factory Richard Rheem y Rodney La Rod. ^{[ 494 ] [ 495 ]} Su relación más larga fue con Jed Johnson, quien lo cuidó después de que le dispararan, colaboró ​​con él en películas y más tarde alcanzó la fama como diseñador de interiores. ^{[ 487 ] [ 496 ]} "Funcionaron como marido y mujer, compartiendo una cama y una vida doméstica" durante 12 años. ^{[ 497 ]} El amigo íntimo de Warhol, Stuart Pivar, dijo que "no tuvo vida sexual después de Jed". ^{[ 498 ]} Después de Johnson, Warhol tuvo una relación con el ejecutivo de Paramount Pictures, Jon Gould , quien describió su relación como "asexual" y llamó a Warhol "voyeur". ^{[ 499 ] [ 500 ]} El asistente de la Factory, Sam Bolton, pasó tiempo con Warhol después de Gould y sostuvo que "no era asexual. Habría tenido sexo conmigo si se lo hubiera permitido. Era demasiado posesivo... Sabía que me consideraba su novio aunque no lo era". ^{[ 501 ] [ 502 ]}

Warhol era un católico ruteno practicante que colaboraba regularmente como voluntario en albergues para personas sin hogar y comedores sociales de iglesias en la ciudad de Nueva York. ^{[ 503 ] [ 286 ]} En 1980, viajó a la Ciudad del Vaticano para reunirse con el Papa Juan Pablo II en la Plaza de San Pedro . ^{[ 504 ]} Quienes lo conocían lo consideraban profundamente religioso. ^{[ 505 ] [ 503 ]} En 1966, su madre, Julia Warhola, lo describió como un "buen chico religioso" que asistía semanalmente a la misa dominical en la iglesia de San Pablo. ^{[ 7 ]} En su elogio fúnebre para Warhol, el historiador de arte John Richardson también describió su fe como devota y reveló que financió la educación de su sobrino en el seminario . ^{[ 286 ]}

El padre Sam Matarazzo, prior de Saint Vincent Ferrer en Manhattan, recordó más tarde que Warhol asistía a la iglesia dos o tres veces por semana, generalmente sentado o arrodillado en los bancos del fondo para evitar ser reconocido, aunque no se le vio comulgar ni confesarse . [ ^{506 ] Warhol} no visitaba iglesias desconocidas porque se sentía cohibido al persignarse a la manera ortodoxa y temía llamar la atención. ^{[ 507 ]} La pareja de Warhol, Jed Johnson, le preguntó una vez por qué rezaba, a lo que él respondió: «Dinero». ^{[ 508 ]} La periodista Maralyn Lois Polak le preguntó a Warhol si ser católico le ayudaba a «ser un mejor artista», y él respondió: «Sí». ^{[ 509 ]} Cuando le preguntaron cómo, bromeó: «No tuve que ir a un psiquiatra , podía ir a un sacerdote». ^{[ 509 ]}

Warhol fue conocido como el "Papa del Pop Art". ^{[ 298 ] [ 509 ]} Los temas religiosos aparecieron con frecuencia en su obra, incluyendo la película Imitación de Cristo (1967), Cruces (1982), Detalles de pinturas renacentistas (1984) y la serie La Última Cena (1986), que es el mayor conjunto de obras de temática religiosa de un artista estadounidense. ^{[ 510 ] [ 511 ] [ 340 ]} Se encontraron obras religiosas adicionales póstumamente en su patrimonio, reflejando la influencia de la iconografía cristiana oriental . ^{[ 503 ]} La exposición del Museo de Brooklyn de 2021-2022 Andy Warhol: Revelación exploró más a fondo el papel de la fe en su vida y arte. ^{[ 512 ]}

Warhol era un coleccionista voraz y se le describía como un " acumulador " que guardaba todo. ^{[ 513 ] [ 514 ]} A partir de 1974, creó sus Cápsulas del Tiempo , un proyecto conceptual de larga duración que consistía en 610 contenedores llenos de cartas, fotografías, recuerdos y objetos efímeros de su vida cotidiana. ^{[ 515 ]} Estos materiales, junto con artículos similares almacenados en su casa, fueron posteriormente trasladados al Museo Andy Warhol en Pittsburgh. ^{[ 515 ]}

La Factory de Warhol en el 860 de Broadway presentaba muebles Art Déco que había adquirido de segunda mano para su película L'Amour (1972). ^{[ 516 ] [ 517 ]} Tenía una extensa colección de arte popular , que fue el tema de la exposición Andy Warhol's Folk and Funk en el Museo de Arte Popular Americano en 1977, aunque la magnitud total de sus posesiones permaneció en gran parte desconocida durante su vida. ^{[ 518 ] [ 519 ]}

Warhol mantuvo su riqueza y posesiones en gran medida ocultas, guardando objetos de valor en lugares poco convencionales, como latas de galletas sobre el dosel de su cama y su colchón. ^{[ 508 ] [ 520 ]} Poseía coches de lujo, incluido un Rolls-Royce Silver Shadow , aunque no conducía. ^{[ 521 ] [ 522 ]} En 1974, Warhol y su novio, Jed Johnson, con quien vivía, se mudaron a una casa adosada en el 57 de East 66th Street , donde Johnson decoró los interiores con una mezcla de estilos neoclásico , art déco y victoriano , y mantuvo la casa organizada. ^{[ 523 ]} Tras la marcha de Johnson en diciembre de 1980, la casa adosada se llenó de las compras acumuladas de Warhol. ^{[ 524 ] [ 525 ]}

Warhol frecuentaba mercadillos y casas de subastas con el coleccionista Stuart Pivar , imaginando un espacio de venta y exhibición a gran escala llamado "Warhol Hall". ^{[ 525 ] [ 526 ]} Su colección era muy variada e incluía artefactos de nativos americanos , tarros para galletas , piedras preciosas , muebles antiguos y bellas artes. ^{[ 246 ] [ 526 ]} Poseía obras de artistas del siglo XIX, sus colegas y colaboradores, aunque evitaba exhibir su propio trabajo. ^{[ 508 ] [ 527 ] [ 523 ]} También acumuló una biblioteca personal de más de 1200 libros. ^{[ 528 ]} Tras la muerte de Warhol en 1987, su colección fue subastada en Sotheby's en 1988, dispersando casi 10 000 objetos y generando 25,3 millones de dólares durante la venta de 10 días. ^{[ 529 ] [ 530 ]} Posteriormente se descubrió otro alijo de joyas que se vendió por separado por 1,6 millones de dólares. ^{[ 531 ] [ 532 ]}

El testamento de Warhol estipulaba que toda su herencia —a excepción de modestos legados a su gerente y hermanos— se utilizara para establecer una fundación. ^{[ 547 ]} En 1987, se creó la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales para administrar su patrimonio y apoyar el arte visual contemporáneo, en particular el arte experimental. ^{[ 548 ]} Posteriormente, en 1995, la fundación creó la Junta de Autenticación de Arte Andy Warhol para evaluar las obras atribuidas a Warhol, aunque se disolvió en 2012 tras costosos litigios. ^{[ 549 ] [ 550 ]}

La fundación se encuentra entre las organizaciones que otorgan más subvenciones para las artes visuales en los Estados Unidos. ^{[ 551 ]} Ha donado más de 3000 obras al Museo Andy Warhol en Pittsburgh y supervisa la publicación del Catálogo Razonado de Andy Warhol , un catálogo académico en varios volúmenes de las pinturas y esculturas de Warhol. ^{[ 552 ] [ 553 ]}

Warhol apareció en varias películas durante su vida, incluyendo Dynamite Chicken (1971), The Driver's Seat ( 1974 ), Cocaine Cowboys ( 1979 ) y Tootsie ( 1982 ). ^{[ 554 ] [ 555 ] [ 556 ]} Tras su muerte, ha sido representado frecuentemente en el cine y otros medios. Los actores que han interpretado a Warhol incluyen a Crispin Glover en The Doors (1991), Jared Harris en I Shot Andy Warhol (1996), David Bowie en Basquiat (1996), Guy Pearce en Factory Girl (2006), Greg Travis en Watchmen (2009) y Cary Elwes en The Billionaire Boys Club (2017). ^{[ 557 ] [ 558 ] [ 559 ]} También ha aparecido como personaje en la ópera Jackie O de Michael Daugherty (1997), así como en representaciones cómicas y fantásticas, como Mark Bringelson en Austin Powers: International Man of Mystery (1997), Bill Hader en Men in Black 3 (2012), Tom Meeten en Noel Fielding's Luxury Comedy (2012) y Conan O'Brien en Weird: The Al Yankovic Story (2022). ^{[ 560 ] [ 561 ]}

En 2020, el actor Jared Leto confirmó que había sido elegido para interpretar a Warhol en la película biográfica Warhol , producida por Michael De Luca y escrita por Terence Winter , basada en el libro Warhol: The Biography de Victor Bockris . ^{[ 562 ] [ 563 ]}

• Andy Warhol y su clan (1970), un documental de 46 minutos del cineasta alemán Bert Koetter que explora la Factory de Warhol y los hábitats de varias de sus superestrellas. En 1971, se estrenó en cines del Reino Unido. ^{[ 564 ] [ 565 ]}
• Warhol (1973) es un documental de ITV del fotógrafo británico David Bailey . Inicialmente prohibido por los tribunales británicos por contener "material indecente", la película presenta entrevistas sinceras con el artista y sus colaboradores. ^{[ 566 ] [ 567 ]}
• Superstar: The Life and Times of Andy Warhol (1990), un documental de larga duración de Chuck Workman , se estrenó en el 40.º Festival Internacional de Cine de Berlín . ^{[ 568 ]}
• Absolut Warhola (2001) fue producida por el director polaco Stanislaw Mucha, y presenta a la familia de los padres de Warhol y su ciudad natal en Eslovaquia. ^{[ 569 ]}
• Andy Warhol: Un documental (2006) es un documental de dos partes de Ric Burns que se emitió en PBS como parte de laserie American Masters . ^{[ 570 ]} Ganó un premio Peabody en 2006. ^{[ 571 ]}
• Andy Warhol's People Factory (2008), un documental televisivo de tres partes dirigido por Catherine Shorr que incluye entrevistas con varios colaboradores de Warhol. ^{[ 572 ]}
• Los diarios de Andy Warhol (2022), una docuserie de Netflix de seis partesdirigida por Andrew Rossi que narra la vida de Warhol desde la perspectiva de sus diarios. ^{[ 573 ]}

Warhol hizo numerosas apariciones en televisión y adoptó con entusiasmo la publicidad, considerando ambas como extensiones de su compromiso artístico con los medios de comunicación de masas y la cultura de consumo. En 1955, Warhol creó fondos ilustrados para una actuación televisiva del director de orquesta de jazz Duke Ellington en el programa de CBS Music '55 . ^{[ 574 ]} Una de las primeras apariciones de Warhol en televisión ocurrió en 1963, cuando fue filmado en su estudio para el especial de CBS-TV "Exhibitions: Contemporary American Painters", un recorrido por artistas estadounidenses vivos trabajando en sus estudios. ^{[ 575 ] [ 576 ]}

En 1965, Warhol apareció con su musa Edie Sedgwick en The Merv Griffin Show . Durante la entrevista, Warhol habló poco —a menudo respondiendo con breves gestos o susurros— mientras que Sedgwick exponía sus ideas sobre el arte pop y su distanciamiento emocional de la expresión artística tradicional. ^{[ 577 ] [ 578 ]}

Warhol era un entusiasta de los patrocinios de productos. En 1969, apareció en dos comerciales de la campaña "When You Got It – Flaunt It" de Braniff International Airways , incluyendo uno junto al boxeador de peso pesado Sonny Liston . ^{[ 579 ]} Estos comerciales marcaron el comienzo de la participación activa de Warhol en la publicidad como una forma de performance pública. El primer contrato de patrocinio regular de Warhol llegó en 1973, cuando firmó un acuerdo con Pioneer Electronics . ^{[ 580 ]} La primera campaña presentaba a Warhol junto a su perro salchicha Archie, posando entre altavoces estéreo, tocadiscos y grabadoras de cinta bajo el titular "La sinfonía inacabada de Andy Warhol". ^{[ 580 ]}

En la década de 1980, Warhol se hizo cada vez más visible en la televisión. En 1981, Warhol apareció en la serie de la BBC Arena en un segmento junto a los escritores William S. Burroughs y Victor Bockris y más tarde ese año filmó un segmento para Saturday Night Live . ^{[ 581 ] [ 582 ]} Ese mismo año, apareció en un comercial de cintas Sony Beta , posando junto a un retrato de Marilyn para enfatizar la capacidad de la cinta para reproducir "color brillante y sombreado delicado". ^{[ 583 ]} Continuó apareciendo en comerciales para la cinta de video TDK en 1983 y Diet Coke en 1985. ^{[ 578 ]} En 1985, Warhol fue estrella invitada en el episodio 200 de The Love Boat , interpretando una versión ficticia de sí mismo, y promocionó la laca para el cabello Vidal Sassoon. ^{[ 584 ] [ 75 ]} En 1986, apareció en un anuncio impreso de la firma de inversión Drexel Burnham Lambert . ^{[ 585 ]}

Póstumamente, Warhol ha sido retratado en televisión por John Cameron Mitchell en Vinyl (2016) y por Evan Peters en American Horror Story: Cult (2017). ^{[ 586 ] [ 587 ]}

Warhol ha ejercido una influencia duradera en la música popular y en músicos de diversos géneros. Fue una inspiración clave para la banda de new wave y punk Devo , así como para el músico inglés David Bowie , quien grabó la canción " Andy Warhol " para su álbum de 1971, Hunky Dory . ^{[ 588 ]}

La vida y las experiencias de Warhol también inspiraron directamente obras específicas. Lou Reed escribió " Andy's Chest " en respuesta al tiroteo casi mortal de Warhol; aunque fue grabada por primera vez por The Velvet Underground en 1969, posteriormente se lanzó en una nueva versión en el álbum en solitario de Reed, Transformer (1972). ^{[ 414 ]} La banda de rock canadiense Triumph hizo referencia a Warhol en "Stranger in a Strange Land", de su álbum de 1984, Thunder Seven .

Durante su vida, Warhol también apareció en varios videos musicales, incluyendo " Hello Again " (1984) de The Cars , " Misfit " (1986) de Curiosity Killed the Cat y " I'm Not Perfect (But I'm Perfect for You) " (1986) de Grace Jones . ^{[ 589 ]} Su presencia cultural ha continuado más allá de su vida. En el video de 1995 de " Scream " de Michael Jackson y Janet Jackson , un autorretrato de Warhol se transforma en una pintura de salpicaduras de Jackson Pollock . ^{[ 590 ]}

Warhol ha sido objeto de numerosos libros, ^{[ 591 ]} incluyendo Warhol (1989) del biógrafo autorizado David Bourdon , ^{[ 592 ] [ 593 ]} Warhol: The Biography (1989) de Victor Bockris , ^{[ 594 ]} y las memorias de Bob Colacello Holy Terror: Andy Warhol Close Up (1990). ^{[ 595 ]} Biografías posteriores incluyen Andy Warhol (2001) de Wayne Koestenbaum , ^{[ 596 ]} y la exhaustiva Warhol (2020) de Blake Gopnik . ^{[ 597 ] [ 598 ] [ 599 ]}

Warhol también ha aparecido en medios populares, incluyendo la serie de cómics Miracleman , ^{[ 600 ] [ 601 ]} Becoming Andy Warhol (2016) de Nick Bertozzi , ^{[ 602 ]} y la novela gráfica Andy: The Life and Times of Andy Warhol (2018) de Typex . ^{[ 603 ]} También aparece en el videojuego Los Sims: Superstar (2003). ^{[ 604 ]}