Historia del cine

A finales del siglo XIX, varios inventores como Wordsworth Donisthorpe , Louis Le Prince , William Friese-Greene y los hermanos Skladanowsky desarrollaron dispositivos capaces de capturar y proyectar imágenes en movimiento. Las escenas de estos experimentos servían principalmente para demostrar la tecnología en sí y solían filmarse con familiares, amigos o el tráfico en movimiento como sujetos. ^{[ 20 ]}

El cine, tal como se conoce hoy en día, fue inventado en Lyon por Auguste y Louis Lumière . El 26 de diciembre de 1894, un artículo del Lyon républicain informó que los hermanos Lumière estaban trabajando en la creación de un nuevo kinetógrafo . La patente de su nuevo invento, el " cinematógrafo ", fue presentada el 13 de febrero de 1895 en el INPI , y posteriormente, el 22 de marzo, los hermanos realizaron su primera proyección pública en París. ^{[ 21 ] [ 22 ]} La primera proyección comercial tuvo lugar el 28 de diciembre de 1895, consistió en diez películas y duró aproximadamente 20 minutos. El programa consistió principalmente en películas de actualidad, como Obreros saliendo de la fábrica Lumière, como documentos veraces del mundo, pero el espectáculo también incluyó la comedia escenificada L'Arroseur Arrosé . ^{[ 23 ]} La demostración más avanzada de proyección cinematográfica hasta el momento, el Cinématographe fue un éxito instantáneo, generando un promedio de 2500 a 3000 francos diarios a finales de enero de 1896. ^{[ 13 ]} Después de la primera proyección, el orden y la selección de películas cambiaron con frecuencia. ^{[ 17 ]}

Los principales intereses comerciales de los hermanos Lumière eran la venta de cámaras y equipos cinematográficos a exhibidores, no la producción de películas. A pesar de esto, cineastas de todo el mundo se inspiraron en el potencial del cine a medida que los exhibidores llevaban sus espectáculos a nuevos países. Esta era del cine, denominada por el historiador cinematográfico Tom Gunning como "el cine de atracciones", ofrecía una forma relativamente barata y sencilla de brindar entretenimiento a las masas. En lugar de centrarse en las historias, argumenta Gunning, los cineastas se basaban principalmente en la capacidad de deleitar al público mediante el "poder ilusorio" de ver secuencias en movimiento, tal como lo hicieron en la era del Kinetoscopio que la precedió. ^{[ 24 ]} A pesar de esto, se produjo una experimentación temprana con el cine de ficción (tanto en el cine documental como en otros géneros). Las películas se proyectaban principalmente en espacios temporales, en carpas de exhibidores ambulantes en ferias o como números cómicos en programas de vodevil. ^{[ 25 ]} Durante este período, antes de que el proceso de posproducción estuviera claramente definido, se permitió a los exhibidores ejercer su libertad creativa en sus presentaciones. Para mejorar la experiencia de los espectadores, algunas proyecciones fueron acompañadas por músicos en vivo en una orquesta, un órgano de teatro, efectos de sonido en vivo y comentarios del presentador o proyeccionista. ^{[ 26 ] [ 27 ]}

Los experimentos en edición cinematográfica, efectos especiales, construcción narrativa y movimiento de cámara realizados durante este período por cineastas en Francia, Inglaterra y Estados Unidos influyeron en el establecimiento de una identidad para el cine en adelante. Tanto en los estudios Edison como Lumière, narrativas libres como la película de Edison de 1895, Washday Troubles, establecieron dinámicas de relaciones breves y tramas simples. ^{[ 28 ]} En 1896, se estrenó La Fée aux Choux ( El hada de las coles ) . Dirigida y editada por Alice Guy , la historia es posiblemente la primera película narrativa de la historia, así como la primera película dirigida por una mujer. ^{[ 29 ]} Ese mismo año, la Edison Manufacturing Company estrenó The May Irwin Kiss in May con gran éxito financiero. La película, que presentaba el primer beso en la historia del cine, dio lugar a los primeros llamamientos conocidos a la censura cinematográfica . ^{[ 30 ]}

Otro productor cinematográfico pionero fue el Departamento Limelight de Australia . Fundado en 1898, fue operado por el Ejército de Salvación en Melbourne , Australia. El Departamento Limelight producía material evangelístico para el Ejército de Salvación, incluyendo diapositivas desde 1891, además de realizar trabajos para el sector privado y el gobierno. Durante sus diecinueve años de funcionamiento, el Departamento Limelight produjo alrededor de 300 películas de diversa duración, convirtiéndose en uno de los mayores productores cinematográficos de su época. En 1904, el Departamento Limelight produjo una película de Joseph Perry titulada Bushranging in North Queensland , considerada la primera película sobre bandoleros.

En sus inicios, el cine rara vez fue reconocido como una forma de arte por los presentadores o el público. Considerado por la clase alta como una forma de entretenimiento barato, "vulgar" y "de baja categoría", las películas atraían principalmente a la clase trabajadora y a menudo eran demasiado cortas para tener un gran potencial narrativo. ^{[ 31 ]} Los anuncios iniciales promocionaban las tecnologías utilizadas para proyectar películas en lugar de las películas en sí. A medida que los dispositivos se familiarizaron con el público, su potencial para capturar y recrear eventos se explotó principalmente en forma de noticieros y documentales. ^{[ 32 ]} Durante la creación de estas películas, los cineastas a menudo recurrían a valores estéticos establecidos por formas de arte anteriores, como el encuadre y la colocación intencional de la cámara en la composición de la imagen. ^{[ 33 ]} En un artículo de 1955 para The Quarterly of Film Radio and Television, el productor e historiador de cine Kenneth Macgowan afirmó que la puesta en escena y recreación intencional de eventos para noticieros "llevó la narración a la pantalla". ^{[ 34 ]}

Con la publicidad de tecnologías cinematográficas sobre el contenido, los documentales comenzaron inicialmente como una "serie de vistas" que a menudo contenía tomas de lugares hermosos y animados o actos escénicos. ^{[ 33 ]} Tras el éxito de su proyección de 1895, los hermanos Lumière fundaron una compañía y enviaron camarógrafos por todo el mundo para capturar nuevos temas para su presentación. Después de que el director de fotografía filmaba las escenas, a menudo exhibía sus grabaciones localmente y luego las enviaba de vuelta a la fábrica de la compañía en Lyon para hacer copias duplicadas para la venta a quien las quisiera. ^{[ 35 ]} En el proceso de filmar documentales, especialmente aquellos de eventos reales, los cineastas descubrieron y experimentaron con múltiples técnicas de cámara para adaptarse a su naturaleza impredecible. ^{[ 36 ]} Debido a la corta duración (a menudo una sola toma) de muchos documentales, los registros de catálogo indican que las compañías productoras se comercializaban a los exhibidores promocionando múltiples documentales con temas relacionados que podían comprarse para complementarse entre sí. Los exhibidores que compraban las películas a menudo las presentaban en un programa y proporcionaban acompañamiento hablado para explicar la acción en pantalla al público. ^{[ 33 ]}

El primer público de pago para una película se reunió en el Madison Square Garden para ver una representación escenificada que pretendía ser una pelea de boxeo filmada por Woodville Latham utilizando un dispositivo llamado Eidoloscopio el 20 de mayo de 1895. Por encargo de Latham, el inventor francés Eugene Augustin Lauste creó el dispositivo con la colaboración de William Kennedy Dickson y diseñó un mecanismo que llegó a conocerse como el bucle de Latham , que permitía tiempos de reproducción continuos más largos y era menos abrasivo para la película de celuloide. ^{[ 37 ]}

En los años siguientes, las proyecciones de documentales y noticiarios resultaron rentables. En 1897, se estrenó La pelea Corbett-Fitzsimmons . La película era una grabación completa de un combate de boxeo por el campeonato mundial de peso pesado en Carson City, Nevada . Generó más ingresos en taquilla que en venta de entradas y fue la película más larga producida hasta entonces. Es probable que el público se sintiera atraído en masa por la película de Corbett-Fitzsimmons porque James J. Corbett (también conocido como Gentleman Jim) se había convertido en un ídolo de matinée desde que interpretó una versión ficticia de sí mismo en una obra de teatro. ^{[ 38 ]}

A partir de 1910, se exhibieron noticieros periódicos que pronto se convirtieron en una forma popular de informarse antes de la llegada de la televisión . La expedición británica a la Antártida al Polo Sur fue filmada para los noticieros, al igual que las manifestaciones sufragistas que se desarrollaban simultáneamente. F. Percy Smith fue un pionero del documental sobre la naturaleza que trabajaba para Charles Urban cuando fue pionero en el uso de la técnica de lapso de tiempo y la microcinematografía en su documental de 1910 sobre el crecimiento de las flores. ^{[ 39 ] [ 40 ]} 

Con el auge mundial del cine, más países se unieron a Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos en la producción cinematográfica a gran escala. En Italia, la producción se distribuyó entre varios centros; Turín fue el primer gran centro de producción cinematográfica, y Milán y Nápoles vieron nacer las primeras revistas de cine. ^{[ 79 ]} En Turín, Ambrosio fue la primera compañía en el sector en 1905 y se mantuvo como la más grande del país durante este período. Su rival más importante fue Cines en Roma, que comenzó a producir en 1906. La gran fortaleza de la industria italiana residía en las epopeyas históricas, con grandes elencos y escenarios grandiosos. Ya en 1911, La Caduta di Troia ( La caída de Troya ) , de Giovanni Pastrone , causó gran impresión en todo el mundo, y le siguieron producciones aún mayores como Quo Vadis? (1912), que duraba 90 minutos, y Cabiria de Pastrone de 1914, que duraba dos horas y media. ^{[ 80 ]}

Las compañías italianas también tenían una fuerte presencia en la comedia física, con actores como André Deed , conocido localmente como "Cretinetti" y en otros lugares como "Foolshead" y "Gribouille", que alcanzó fama mundial con sus gags casi surrealistas.

El país productor de cine más importante del norte de Europa hasta la Primera Guerra Mundial fue Dinamarca . ^{[ 80 ] [ 81 ]} La compañía Nordisk fue fundada allí en 1906 por Ole Olsen , un feriante, y después de un breve período imitando los éxitos de los cineastas franceses y británicos, en 1907 produjo 67 películas, la mayoría dirigidas por Viggo Larsen, con temas sensacionales como Den hvide Slavinde (La esclava blanca) , Isbjørnejagt (La caza del oso polar) y Løvejagten (La caza del león) . Hacia 1910, nuevas compañías danesas más pequeñas comenzaron a unirse al negocio, y además de hacer más películas sobre la trata de blancas , aportaron otros temas nuevos. El más importante de estos hallazgos fue Asta Nielsen in Afgrunden (El abismo) , dirigida por Urban Gad para Kosmorama. Esto combinaba circo, sexo, celos y asesinato, todo ello plasmado con gran convicción, e impulsó a otros cineastas daneses a seguir por este camino. Para 1912, las compañías cinematográficas danesas se multiplicaban rápidamente. ^{[ 80 ]}

La industria cinematográfica sueca era más pequeña y tardó más en arrancar que la danesa. Allí, Charles Magnusson , camarógrafo de noticiarios para la cadena de cines Svenskabiografteatern , comenzó a producir películas de ficción para ellos en 1909, dirigiendo él mismo varias de ellas. La producción aumentó en 1912, cuando la compañía contrató a Victor Sjöström y Mauritz Stiller como directores. Al principio imitaban los temas favoritos de la industria cinematográfica danesa, pero para 1913 ya producían obras propias, sorprendentemente originales, que tuvieron mucho éxito comercial. ^{[ 80 ]}

Rusia inició su industria cinematográfica en 1908 con Pathé, que rodó allí algunas obras de ficción, y posteriormente con la creación de compañías cinematográficas rusas por Aleksandr Drankov y Aleksandr Khanzhonkov . La compañía Khanzhonkov se convirtió rápidamente en la mayor productora cinematográfica rusa y lo siguió siendo hasta 1918. ^{[ 80 ]}

En Alemania, Oskar Messter había estado involucrado en la producción cinematográfica desde 1896, pero no produjo un número significativo de películas por año hasta 1910. Cuando comenzó el auge mundial del cine, él, y las pocas personas más en la industria cinematográfica alemana, continuaron vendiendo copias de sus propias películas directamente, lo que los puso en desventaja. Fue solo cuando Paul Davidson , propietario de una cadena de cines, trajo a Asta Nielsen y Urban Gad a Alemania desde Dinamarca en 1911, y estableció una compañía productora, Projektions-AG "Union" ( PAGU ), que comenzó el cambio al alquiler de copias. ^{[ 80 ]} Messter respondió con una serie de películas más largas protagonizadas por Henny Porten, pero aunque estas tuvieron éxito en el mundo de habla alemana, no fueron particularmente exitosas internacionalmente, a diferencia de las películas de Asta Nielsen. Otro de los productores de cine alemanes en crecimiento justo antes de la Primera Guerra Mundial fue la sucursal alemana de la compañía francesa Éclair , Deutsche Éclair. Esta empresa fue expropiada por el gobierno alemán y se convirtió en DECLA al estallar la guerra. Sin embargo, en conjunto, los productores alemanes solo controlaban una pequeña parte del mercado alemán en 1914.

Contrariamente a la afirmación de que las películas estadounidenses dominaron los mercados europeos desde mediados de la década de 1910, la industria cinematográfica francesa siguió siendo líder mundial hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en julio de 1914. En 1913, las películas francesas ocupaban el 85 % de las pantallas en todo el mundo, y Pathé, por sí sola, representaba alrededor del 50 % del mercado global a través de su extensa red de filiales, producción y canales de distribución. Gaumont también ocupaba una posición importante a nivel internacional, superando a menudo a los estudios estadounidenses. Fueron únicamente las perturbaciones causadas por la guerra las que permitieron a las compañías estadounidenses convertirse gradualmente en líderes mundiales del cine. ^{[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]}

Las nuevas técnicas cinematográficas introducidas en este período incluyen el uso de iluminación artificial, efectos de fuego e iluminación de clave baja (es decir, iluminación en la que la mayor parte del encuadre está oscura) para realzar la atmósfera durante las escenas siniestras. ^{[ 80 ]}

También se perfeccionó la continuidad de la acción entre planos, como en Le Cheval emballé (El caballo desbocado) (1907) de Pathé, donde se utiliza el montaje paralelo entre acciones paralelas . D.W. Griffith también comenzó a utilizar el montaje paralelo en la película The Fatal Hour , realizada en julio de 1908. Otro avance fue el uso del plano subjetivo , utilizado por primera vez en 1910 en Back to Nature de Vitagraph . Los planos de inserción también se utilizaron con fines artísticos; la película italiana La mala planta (La planta maligna) , dirigida por Mario Caserini , tenía un plano de inserción de una serpiente deslizándose sobre la "planta maligna". Para 1914, en la industria cinematográfica estadounidense se consideraba ampliamente que el montaje paralelo era más útil en general porque permitía eliminar las partes poco interesantes de la acción que no contribuían al desarrollo del drama. ^{[ 86 ]}

En 1909, el formato de 35 mm se convirtió en el calibre de película cinematográfica reconocido internacionalmente. ^{[ 47 ]}

A medida que las películas se alargaban, se recurría a guionistas especializados para simplificar las historias más complejas, derivadas de novelas u obras de teatro, y adaptarlas a un formato que pudiera caber en un solo rollo. Los géneros comenzaron a utilizarse como categorías; la división principal era entre comedia y drama, pero estas categorías se subdividieron aún más. ^{[ 80 ]}

Los intertítulos con líneas de diálogo comenzaron a usarse sistemáticamente a partir de 1908, ^{[ 87 ]} como en An Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won de Vitagraph . El diálogo se insertó finalmente en medio de la escena y se generalizó hacia 1912. La introducción de los títulos de diálogo transformó la narrativa cinematográfica. Cuando los títulos de diálogo se insertaron siempre en una escena justo después de que un personaje comenzara a hablar, y luego se realizó un corte al personaje justo antes de que terminara de hablar, se obtuvo algo que era, en efecto, el equivalente a una película sonora actual . ^{[ 80 ]}

Los años de la Primera Guerra Mundial fueron un período de transición complejo para la industria cinematográfica. La exhibición de películas pasó de programas cortos de un rollo a largometrajes. Las salas de exhibición se hicieron más grandes y comenzaron a cobrar precios más altos. ^{[ 80 ]}

En Estados Unidos, estos cambios provocaron la ruina de muchas compañías cinematográficas, con la excepción de Vitagraph. La producción cinematográfica comenzó a trasladarse a Los Ángeles durante la Primera Guerra Mundial. Universal Film Manufacturing Company se fundó en 1912 como empresa matriz. Entre las nuevas compañías participantes se encontraban Jesse Lasky Feature Play Company y Famous Players, ambas fundadas en 1913 y posteriormente fusionadas en Famous Players–Lasky . El mayor éxito de estos años fue El nacimiento de una nación (1915) de David Wark Griffith . A este éxito le siguió Intolerancia (1916), aún mayor, pero, debido a la alta calidad de las películas producidas en Estados Unidos, el mercado para sus filmes era elevado. ^{[ 80 ]}

En Francia, la producción cinematográfica se paralizó debido a la movilización militar general del país al comienzo de la guerra. Aunque la producción se reanudó en 1915, fue a menor escala, y las compañías más importantes se retiraron gradualmente. La producción cinematográfica italiana se mantuvo mejor, aunque las llamadas "películas de divas", protagonizadas por mujeres atormentadas, fueron un fracaso comercial. En Dinamarca, la compañía Nordisk aumentó tanto su producción en 1915 y 1916 que no pudo vender todas sus películas, lo que provocó una fuerte caída en la producción danesa y el fin de la importancia de Dinamarca en el panorama cinematográfico mundial. ^{[ 80 ]}

La industria cinematográfica alemana se vio seriamente debilitada por la guerra. El productor de cine más importante de la época fue Joe May , quien realizó una serie de thrillers y películas de aventuras durante los años de la guerra, pero Ernst Lubitsch también alcanzó gran renombre con una serie de comedias y dramas de gran éxito. ^{[ 80 ]}

En esta época, los estudios se oscurecían para evitar que la filmación se viera afectada por los cambios de luz solar. Esto se reemplazó con reflectores y focos. La adopción generalizada del iris para iniciar y finalizar las escenas se popularizó en este período. Esta es la revelación de una película filmada en una máscara circular, que se agranda gradualmente hasta expandirse más allá del encuadre. Se utilizaron otras ranuras de formas, incluyendo aperturas verticales y diagonales. ^{[ 80 ]}

Una nueva idea tomada de la fotografía fija fue el " enfoque suave ". Esto comenzó en 1915, con algunas tomas que se desenfocaban intencionalmente para lograr un efecto expresivo, como con Mary Pickford en Fanchon the Cricket . ^{[ 80 ]}

Fue durante este período cuando comenzaron a consolidarse los efectos de cámara destinados a transmitir los sentimientos subjetivos de los personajes en una película. Estos podían realizarse ahora como planos subjetivos ( POV ), como en *The Story of the Glove * (1915) de Sidney Drew , donde un plano tembloroso, filmado con cámara en mano, de una puerta y su cerradura representa el punto de vista de un hombre ebrio. El uso de imágenes anamórficas (en el sentido general de forma distorsionada) aparece por primera vez en estos años cuando Abel Gance dirigió *La Folie du Docteur Tube* (La locura del Dr. Tube) . En esta película, el efecto de una droga administrada a un grupo de personas se sugería filmando las escenas reflejadas en un espejo deformante , como los de las ferias. ^{[ 80 ]}

Los efectos simbólicos heredados de la tradición literaria y artística convencional continuaron apareciendo en algunas películas durante estos años. En *The Avenging Conscience* (1914) de D. W. Griffith, el título "El nacimiento del pensamiento maligno" precede a una serie de tres planos del protagonista mirando una araña y hormigas devorando un insecto. El arte y la literatura simbolistas de principios de siglo también tuvieron un efecto más general en un pequeño número de películas realizadas en Italia y Rusia. La aceptación pasiva de la muerte como resultado de la pasión y los anhelos prohibidos fue una característica principal de este arte, y los estados de delirio, representados extensamente, también fueron importantes. ^{[ 80 ]}

El uso de planos insertados , es decir, primeros planos de objetos distintos a los rostros, ya había sido establecido por la escuela de Brighton, pero se utilizaban con poca frecuencia antes de 1914. Es realmente con La conciencia vengadora de Griffith que comienza una nueva fase en el uso del plano insertado. ^{[ 80 ]} Además de los planos insertados simbólicos ya mencionados, la película también hizo un uso extensivo de numerosos primeros planos de manos agarradas y pies golpeando el suelo como medio para enfatizar esas partes del cuerpo como indicadores de tensión psicológica. ^{[ 87 ]}

Las tomas atmosféricas son planos que no contienen a ninguno de los personajes de la historia, ni son planos subjetivos desde la perspectiva de alguno de ellos. Un ejemplo temprano es la película El orgullo del clan (1917), dirigida por Maurice Tourneur , en la que se muestra una serie de planos de olas rompiendo contra una costa rocosa para ilustrar la dura vida de los pescadores. Nelson: La historia del héroe naval inmortal de Inglaterra (1919), de Maurice Elvey , presenta una secuencia simbólica que pasa de una imagen del káiser Guillermo II a un pavo real y, finalmente, a un acorazado. ^{[ 87 ]}

Para 1914, el cine de continuidad era el modo establecido del cine comercial. Una de las técnicas avanzadas de continuidad implicaba una transición precisa y fluida de una toma a otra. ^{[ 80 ]} El corte a diferentes ángulos dentro de una escena también se consolidó como una técnica para diseccionar una escena en tomas en las películas estadounidenses. ^{[ 87 ]} Si la dirección de la toma cambia en más de noventa grados, se denomina corte de ángulo inverso. ^{[ 88 ]} La figura principal en el desarrollo completo del corte de ángulo inverso fue Ralph Ince en sus películas, como La chica correcta y Su amor fantasma . ^{[ 87 ]}

El uso de estructuras de flashback continuó desarrollándose en este período, siendo la forma habitual de entrar y salir de un flashback mediante una disolución. La obra de Vitagraph Company , *The Man That Might Have Been* ( William J. Humphrey , 1914), es aún más compleja, con una serie de ensoñaciones y flashbacks que contrastan el paso real del protagonista por la vida con lo que podría haber sido si su hijo no hubiera muerto.

Después de 1914, se empezó a utilizar el montaje paralelo entre acciones paralelas , más en las películas estadounidenses que en las europeas. El montaje paralelo se empleaba para conseguir nuevos efectos de contraste, como la secuencia de montaje paralelo en El coro susurrante (1918) de Cecil B. DeMille , en la que un marido supuestamente muerto tiene un encuentro amoroso con una prostituta china en un fumadero de opio, mientras que, simultáneamente, su esposa, ajena a todo, se vuelve a casar en la iglesia. ^{[ 87 ]} 

El teñido de las películas mudas también ganó popularidad durante estos períodos. El tinte ámbar indicaba el día o una noche con iluminación intensa; los tintes azules, el amanecer o una noche con poca luz; los tintes rojos, escenas de fuego; los tintes verdes, una atmósfera misteriosa; y los tintes marrones (también conocidos como tonos sepia ) se usaban generalmente para largometrajes en lugar de escenas individuales. * El nacimiento de una nación * (1915) de D. W. Griffiths ; *El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde* (1920) de John S. Robertson ; y * El gabinete del Dr. Caligari * (1920) de Robert Wiene son algunos ejemplos notables de películas mudas teñidas. ^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

El fotodrama de la creación , estrenado en 1914, fue el primer guion importante en incorporar sonido sincronizado, película en movimiento y diapositivas en color. ^{[ 92 ]} Hasta 1927, la mayoría de las películas se producían sin sonido. Este período se conoce comúnmente como ladel cine mudo . ^{[ 93 ] [ 94 ]}

La tendencia general en el desarrollo del cine, liderada desde Estados Unidos, fue hacia el uso de los nuevos recursos fílmicos para la expresión del contenido narrativo de las historias, combinándolos con las estructuras dramáticas estándar ya empleadas en el teatro comercial. D. W. Griffith gozaba del mayor prestigio entre los directores estadounidenses de la industria, debido a la emoción dramática que transmitía al público a través de sus películas. Cecil B. DeMille , en su obra El tramposo (1915), expuso los dilemas morales de sus personajes de una manera más sutil que Griffith. DeMille también estaba más en contacto con la realidad de la vida estadounidense contemporánea. Maurice Tourneur también fue muy valorado por la belleza visual de sus películas, junto con la sutileza en el manejo de la fantasía, al tiempo que era capaz de obtener un mayor naturalismo de sus actores en los momentos adecuados, como en La locura de una chica (1917). ^{[ 80 ]}

Sidney Drew fue el pionero en el desarrollo de la «comedia educada», mientras que la comedia física fue perfeccionada por Fatty Arbuckle y Charles Chaplin , quienes comenzaron en la compañía Keystone de Mack Sennett . Redujeron el ritmo frenético habitual de las películas de Sennett para que el público pudiera apreciar la sutileza y la delicadeza de sus movimientos, así como la astucia de sus gags. Para 1917, Chaplin también estaba introduciendo tramas más dramáticas en sus películas y mezclando la comedia con el sentimentalismo. ^{[ 80 ]}

En Rusia, Yevgeni Bauer plasmó en el cine, de una manera única, una interpretación pausada e intensa, combinada con matices simbolistas. ^{[ 80 ]}

En Suecia, Victor Sjöström realizó una serie de películas que combinaban las realidades de la vida de las personas con su entorno de una manera impactante, mientras que Mauritz Stiller llevó la comedia sofisticada a un nuevo nivel. ^{[ 80 ]}

En Alemania, Ernst Lubitsch se inspiró en la obra teatral de Max Reinhardt , tanto en la comedia burguesa como en el espectáculo, y aplicó esto a sus películas, culminando en Die Puppe ( La muñeca ), Die Austernprinzessin ( La princesa de las ostras ) y Madame Dubarry . ^{[ 80 ]}

Al comienzo de la Primera Guerra Mundial , el cine francés e italiano era el más popular a nivel mundial. La guerra supuso una interrupción devastadora para las industrias cinematográficas europeas.

A lo largo de la primera mitad del siglo XX, los artistas cinematográficos continuaron aprendiendo a trabajar con cámaras y a crear ilusiones mediante el espacio y el tiempo en sus tomas. Esta nueva forma de creatividad abrió las puertas a un nuevo grupo de personas que alcanzaron el estrellato, entre ellas David W. Griffith, quien se hizo famoso con su película de 1915, El nacimiento de una nación . En 1920, se produjeron dos cambios importantes en la industria cinematográfica: la introducción del sonido y la creación de los sistemas de estudios. En la década de 1920, los talentos que habían trabajado de forma independiente comenzaron a unirse a los estudios y a colaborar con otros actores y directores. En 1927, se estrenó El cantante de jazz , que trajo el sonido a la industria cinematográfica.

El cine alemán , marcado por aquellos tiempos, vivió la era del movimiento cinematográfico expresionista alemán . Berlín fue su centro, con el Filmstudio Babelsberg . ^{[ 99 ] [ 95 ]} Las primeras películas expresionistas compensaron la falta de presupuestos generosos mediante el uso de escenografías con ángulos sumamente irreales y geométricamente absurdos, junto con diseños pintados en paredes y suelos para representar luces, sombras y objetos. Las tramas e historias de las películas expresionistas a menudo trataban sobre la locura, la demencia , la traición y otros temas "intelectuales" derivados de las experiencias de la Primera Guerra Mundial. Películas como El gabinete del Dr. Caligari (1920), Nosferatu (1922) y M (1931) tuvieron una gran influencia internacional que aún se puede reconocer en las obras de cineastas, diseñadores de juegos y artistas actuales. ^{[ 100 ]}

Películas como Metropolis (1927) y Woman in the Moon (1929) crearon en parte el género de las películas de ciencia ficción ^{[ 101 ]} y Lotte Reiniger se convirtió en una pionera de la animación, produciendo largometrajes animados como The Adventures of Prince Achmed , la película animada europea más antigua que se conserva.

Muchos directores, actores, guionistas y otros profesionales alemanes y afincados en Alemania emigraron a Estados Unidos cuando los nazis llegaron al poder, lo que dio a Hollywood y a la industria cinematográfica estadounidense la ventaja definitiva en su competencia con otros países productores de cine. ^{[ 102 ]}

La industria estadounidense, o "Hollywood", como se la empezó a conocer tras establecer su nuevo centro geográfico en California , alcanzó la posición que ha mantenido, más o menos, desde entonces: fábrica de películas para el mundo, que exporta su producto a la mayoría de los países del planeta.

En la década de 1920, Estados Unidos alcanzó la que sigue siendo su era de mayor producción, produciendo un promedio de 800 largometrajes anuales, ^{[ 103 ]} o el 82% del total mundial (Eyman, 1997). Las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton , las aventuras de capa y espada de Douglas Fairbanks y los romances de Clara Bow , por citar solo algunos ejemplos, hicieron que los rostros de estos intérpretes fueran conocidos en todos los continentes. La norma visual occidental que se convertiría en el montaje de continuidad clásico se desarrolló y exportó, aunque su adopción fue más lenta en algunos países no occidentales sin fuertes tradiciones realistas en el arte y el drama, como Japón .

Este desarrollo fue contemporáneo al crecimiento del sistema de estudios y su principal método publicitario, el sistema de estrellas , que caracterizó al cine estadounidense durante las décadas siguientes y sirvió de modelo para otras industrias cinematográficas. El control eficiente y centralizado de los estudios sobre todas las etapas de su producción permitió un nuevo y creciente nivel de lujo y sofisticación técnica. Al mismo tiempo, la rigidez comercial del sistema y su enfoque en el escapismo glamuroso desalentaron la audacia y la ambición más allá de cierto grado, siendo un claro ejemplo la breve pero legendaria carrera como director del iconoclasta Erich von Stroheim a finales de la década de 1910 y principios de la de 1920.

En 1924, Sam Goldwyn , Louis B. Mayer y Metro Pictures Corporation crean MGM . ^{[ 47 ]}

During late 1927, Warners released The Jazz Singer, which was mostly silent but contained what is generally regarded as the first synchronized dialogue (and singing) in a feature film;^[104] however, this process was actually accomplished first by Charles Taze Russell in 1914 with the lengthy film The Photo-Drama of Creation. This drama consisted of picture slides and moving pictures synchronized with phonograph records of talks and music. The early sound-on-disc processes such as Vitaphone were soon superseded by sound-on-film methods like Fox Movietone, DeForest Phonofilm, and RCA Photophone. The trend convinced the largely reluctant industrialists that "talking pictures", or "talkies", were the future. A lot of attempts were made before the success of The Jazz Singer, that can be seen in the List of film sound systems. And in 1926, Warner Bros. debuts the film Don Juan with synchronized sound effects and music.^[47]

The change was remarkably swift. By the end of 1929, Hollywood was almost all-talkie, with several competing sound systems (soon to be standardized). Total changeover was slightly slower in the rest of the world, principally for economic reasons. Cultural reasons were also a factor in countries like China and Japan, where silents co-existed successfully with sound well into the 1930s, indeed producing what would be some of the most revered classics in those countries, like Wu Yonggang's The Goddess (China, 1934) and Yasujirō Ozu's I Was Born, But... (Japan, 1932). But even in Japan, a figure such as the benshi, the live narrator who was a major part of Japanese silent cinema, found his acting career was ending.

El sonido afianzó aún más el control de los grandes estudios en numerosos países: el enorme coste de la transición abrumó a los competidores más pequeños, mientras que la novedad del sonido atrajo a un público mucho mayor para los productores que se mantuvieron. En el caso de Estados Unidos, algunos historiadores atribuyen al sonido el haber salvado el sistema de estudios de Hollywood frente a la Gran Depresión (Parkinson, 1995). Así comenzó lo que hoy se conoce como la "Edad de Oro de Hollywood", que se refiere aproximadamente al período que comienza con la introducción del sonido hasta finales de la década de 1940. El cine estadounidense alcanzó su apogeo de glamour eficientemente fabricado y atractivo global durante este período. Los actores más destacados de la época son considerados hoy estrellas clásicas del cine, como Clark Gable , Katharine Hepburn , Humphrey Bogart , Greta Garbo y la mayor estrella de taquilla de la década de 1930, la actriz infantil Shirley Temple .

Desde el punto de vista creativo, la rápida transición fue difícil, y en cierto modo, el cine retrocedió brevemente a las condiciones de sus inicios. A finales de los años 20 predominaron las películas sonoras estáticas y teatrales, mientras los artistas, tanto delante como detrás de la cámara, lidiaban con las estrictas limitaciones de los primeros equipos de sonido y su propia incertidumbre sobre cómo utilizar el nuevo medio. Muchos actores, directores y guionistas teatrales se adentraron en el cine, ya que los productores buscaban personal con experiencia en la narración basada en diálogos. Muchos de los principales cineastas y actores del cine mudo no lograron adaptarse y vieron sus carreras gravemente truncadas o incluso terminadas.

Este período incómodo fue bastante breve. 1929 fue un año decisivo: William Wellman con Chinatown Nights y The Man I Love , Rouben Mamoulian con Applause , Alfred Hitchcock con Blackmail (el primer largometraje sonoro británico), fueron algunos de los directores que aportaron mayor fluidez al cine sonoro y experimentaron con el uso expresivo del sonido (Eyman, 1997). En esto, ambos se beneficiaron de los avances técnicos en micrófonos y cámaras, y los impulsaron aún más, así como de las capacidades de edición y postproducción de sonido (en lugar de grabar todo el sonido directamente en el momento del rodaje).

Las películas sonoras enfatizaron y beneficiaron a diferentes géneros en mayor medida que las mudas. Lo más obvio es que nació el musical ; el primer musical de estilo clásico de Hollywood fue The Broadway Melody (1929), y el género encontraría a su primer gran creador en el coreógrafo y director Busby Berkeley ( 42nd Street , 1933, Dames , 1934). En Francia, el director vanguardista René Clair hizo un uso surrealista de la canción y el baile en comedias como Under the Roofs of Paris (1930) y Le Million (1931). Universal Pictures comenzó a estrenar películas de terror gótico como Drácula y Frankenstein (ambas de 1931). En 1933, RKO Pictures estrenó la película clásica de "monstruos gigantes" de Merian C. Cooper, King Kong . La tendencia prosperó mejor en la India , donde la influencia del drama tradicional de canciones y bailes del país hizo del musical la forma básica de la mayoría de las películas sonoras (Cook, 1990); Prácticamente inadvertido para el mundo occidental durante décadas, este cine popular indio se convertiría, no obstante, en el más prolífico del mundo. ( Véase también Bollywood ) .

En esta época, las películas estadounidenses de gánsteres como Little Caesar y The Public Enemy de Wellman (ambas de 1931) se hicieron populares. El diálogo pasó a tener prioridad sobre la comedia física en las comedias de Hollywood: las rápidas y ingeniosas bromas de The Front Page (1931) o It Happened One Night (1934), los dobles sentidos sexuales de Mae West ( She Done Him Wrong , 1933), o el discurso sin sentido, a menudo subversivamente anárquico, de los hermanos Marx ( Duck Soup , 1933). Walt Disney , que anteriormente había estado en el negocio de los cortometrajes de dibujos animados, incursionó en los largometrajes con el primer largometraje de animación en inglés, Snow White and the Seven Dwarfs , estrenado por RKO Pictures en 1937. 1939, un año importante para el cine estadounidense, trajo películas como The Wizard of Oz y Gone with The Wind .

Aproximadamente el 80 por ciento de las películas de las décadas de 1890 a 1920 tenían color. ^{[ 105 ]} Muchas utilizaban baños de tinte para teñir películas monocromáticas , algunas tenían los marcos pintados a mano en múltiples colores transparentes, y desde 1905 existía un proceso mecanizado de estarcido ( Pathécolor ).

Kinemacolor , el primer proceso cinematográfico en color de éxito comercial, produjo películas en dos colores (rojo y cian) desde 1908 hasta 1914.

El proceso de color natural de tres tiras de Technicolor se introdujo con gran éxito en 1932 con el cortometraje animado de Walt Disney ganador del Premio de la Academia, " Flores y árboles ", dirigido por Burt Gillett . Inicialmente, Technicolor se utilizó principalmente para musicales como " El mago de Oz " (1939), en películas de época como " Las aventuras de Robin Hood " y en animación. Poco después de que la televisión se popularizara a principios de la década de 1950, el color se convirtió prácticamente en el estándar para las películas de cine.

El afán de propaganda bélica contra la oposición propició un renacimiento en la industria cinematográfica británica, con dramas bélicos realistas como 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) y la célebre película naval de Noël Coward y David Lean, In Which We Serve ( 1942), que ganó un premio Óscar especial . Estas coexistieron con películas más extravagantes como The Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) y A Matter of Life and Death (1946), de Michael Powell y Emeric Pressburger , así como la película de Laurence Olivier de 1944 , Henry V , basada en la obra histórica de Shakespeare . El éxito de Snow White and the Seven Dwarfs permitió a Disney producir más largometrajes de animación como Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).

El inicio de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial también trajo consigo una proliferación de películas tanto de patriotismo como de propaganda. Las películas de propaganda estadounidenses incluyeron Viaje desesperado (1942), La señora Miniver (1942), Para siempre y un día (1943) y Objetivo, Birmania! (1945). Entre las películas estadounidenses notables de los años de la guerra se encuentran la antinazi Vigilancia en el Rin (1943), con guion de Dashiell Hammett ; La sombra de una duda (1943), dirigida por Hitchcock con guion de Thornton Wilder ; la película biográfica de George M. Cohan , Yankee Doodle Dandy (1942), protagonizada por James Cagney , y la inmensamente popular Casablanca , con Humphrey Bogart . Bogart protagonizaría 36 películas entre 1934 y 1942, incluyendo El halcón maltés (1941) de John Huston , una de las primeras películas consideradas un clásico del cine negro . En 1941, RKO Pictures estrenó Ciudadano Kane, dirigida por Orson Welles . A menudo se la considera la mejor película de todos los tiempos. Sentó las bases del cine moderno, ya que revolucionó la narrativa cinematográfica.

Las restricciones de la guerra también propiciaron un interés por temas más fantásticos. Entre ellos se encontraban los melodramas británicos de Gainsborough (como El hombre de gris y La malvada dama ) y películas como Here Comes Mr. Jordan , Heaven Can Wait , I Married a Witch y Blithe Spirit . Val Lewton también produjo una serie de películas de terror de bajo presupuesto, atmosféricas e influyentes, entre las que destacan Cat People , Isle of the Dead y The Body Snatcher . Probablemente, en esa década también surgieron las llamadas " películas para mujeres ", como Now, Voyager , Random Harvest y Mildred Pierce, en la cima de su popularidad.

En 1946, RKO Radio estrenó ¡ Qué bello es vivir!, dirigida por el cineasta de origen italiano Frank Capra . Los soldados que regresaban de la guerra inspirarían películas como Los mejores años de nuestra vida , y muchos de los que trabajaban en la industria cinematográfica habían servido en algún puesto durante la guerra. Las experiencias de Samuel Fuller en la Segunda Guerra Mundial influirían en sus películas, en gran parte autobiográficas, de décadas posteriores, como El gran Red One . El Actors Studio fue fundado en octubre de 1947 por Elia Kazan , Robert Lewis y Cheryl Crawford , y ese mismo año Oskar Fischinger filmó Motion Painting No. 1 .

En 1943, Ossessione se proyectó en Italia, marcando el inicio del neorrealismo italiano . Entre las películas más importantes de este género durante la década de 1940 se encuentran Ladrón de bicicletas , Roma, ciudad abierta y La tierra trema . En 1952 se estrenó Umberto D , considerada generalmente la última película de este tipo.

A finales de la década de 1940, en Gran Bretaña, los estudios Ealing se embarcaron en su serie de célebres comedias, entre las que se incluyen Whisky Galore!, Passport to Pimlico , Kind Hearts and Coronets y The Man in the White Suit , y Carol Reed dirigió sus influyentes thrillers Odd Man Out , The Fallen Idol y The Third Man . David Lean también se estaba convirtiendo rápidamente en una figura importante del cine mundial con Brief Encounter y sus adaptaciones de Dickens, Great Expectations y Oliver Twist , y Michael Powell y Emeric Pressburger experimentarían lo mejor de su colaboración creativa con películas como Black Narcissus y The Red Shoes .

Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial en la década de 1940, la década siguiente, la de 1950, marcó una "época dorada" para el cine mundial no angloparlante , ^{[ 108 ] [ 109 ]} especialmente para el cine asiático . ^{[ 110 ] [ 111 ]} Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante esta década, incluyendo Tokyo Story (1953) de Yasujirō Ozu , La trilogía de Apu (1955–1959) y Jalsaghar (1958) de Satyajit Ray , Ugetsu (1954) y Sansho the Bailiff (1954) de Kenji Mizoguchi , Awaara (1951) de Raj Kapoor , Floating Clouds (1955) de Mikio Naruse , Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) de Guru Dutt , y las películas de Akira Kurosawa Rashomon (1950), Ikiru (1952), Los siete samuráis (1954) y Trono de sangre (1957). ^{[ 110 ] [ 111 ]}

Durante la «Edad de Oro» del cine japonés en la década de 1950, películas exitosas incluyeron Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958) de Akira Kurosawa , así como Historia de Tokio (1953) de Yasujirō Ozu y Godzilla (1954) de Ishirō Honda . ^{[ 112 ]} Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Los siete samuráis de Kurosawa ha sido adaptado varias veces al cine occidental , como Los siete magníficos (1960) y Batalla más allá de las estrellas (1980), y también ha inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y La puerta de China (1998). Rashomon también fue adaptado como The Outrage (1964) e inspiró películas con métodos narrativos del " efecto Rashomon ", como The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). The Hidden Fortress también fue una inspiración para Star Wars (1977) de George Lucas . Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . ^{[ 110 ]} El cine japonés se convirtió más tarde en una de las principales inspiraciones del movimiento del Nuevo Hollywood de las décadas de 1960 a 1980.

Durante la "Edad de Oro" del cine indio en la década de 1950, se producían 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias ganaban mayor reconocimiento a través de festivales de cine internacionales . Una de las más famosas fue La trilogía de Apu (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa, ^{[ 113 ]} Martin Scorsese , ^{[ 114 ] [ 115 ]} James Ivory , ^{[ 116 ]} Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , ^{[ 117 ]} Steven Spielberg , ^{[ 118 ] [ 119 ]} Carlos Saura , ^{[ 120 ]} Jean-Luc Godard , ^{[ 121 ]} Isao Takahata , ^{[ 122 ]} Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson ^{[ 123 ]} y Danny Boyle ^{[ 124 ]} influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado las salas de cine de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una enorme deuda con la trilogía de Apu". ^{[ 125 ]} La técnica cinematográfica de iluminación indirecta de Subrata Mitra también tiene su origen en la trilogía de Apu . ^{[ 126 ]} Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt , ^{[ 110 ]} Ritwik Ghatak , ^{[ 111 ]} Mrinal Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . ^{[ 127 ]}

El cine de Corea del Sur también experimentó una «Edad de Oro» en la década de 1950, que comenzó con el tremendamente exitoso remake de Chunhyang-jon (1955) del director Lee Kyu-hwan. ^{[ 128 ]} Ese mismo año se estrenó Yangsan Province del director Kim Ki-young , marcando el inicio de su carrera. Tanto la calidad como la cantidad de la producción cinematográfica aumentaron rápidamente a finales de la década de 1950. Películas surcoreanas, como la comedia de Lee Byeong-il de 1956, Sijibganeun nal (El día de la boda) , comenzaron a ganar premios internacionales. En contraste con el comienzo de la década de 1950, cuando solo se producían 5 películas por año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. ^{[ 129 ]}

La década de 1950 también fue una "Edad de Oro" para el cine filipino , con el surgimiento de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que se producían muchas películas anualmente y varios talentos locales comenzaron a obtener reconocimiento en el extranjero. Entre los directores filipinos más destacados de la época se encontraban Gerardo de Leon , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . ^{[ 130 ] [ 131 ]}

La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de salas de cine en todo el mundo como consecuencia de los confinamientos. Muchas películas cuyo estreno estaba previsto para principios de la década de 2020 sufrieron retrasos, y otras se estrenaron en plataformas de streaming con escaso o nulo tiempo en cines. Esta época fue testigo de una profunda transformación en la forma en que se producen, distribuyen y consumen las películas a nivel mundial. La pandemia aceleró la transición hacia el streaming como principal medio de distribución cinematográfica. ^{[ 144 ]} La industria cinematográfica se adaptó y produjo obras notables que reflejaron la dinámica cambiante de la época.