Modernismo

El modernismo surgió de la revuelta del Romanticismo contra los efectos percibidos de la Revolución Industrial y los valores burgueses . El crítico literario Gerald Graff sostiene: «El motivo fundamental del modernismo fue la crítica del orden social burgués del siglo XIX y su visión del mundo; los modernistas, portando la antorcha del Romanticismo». ^{[ d ] [ 45 ] [ 46 ]}

Si bien JMW Turner (1775-1851), uno de los pintores paisajistas más notables del siglo XIX, perteneció al movimiento romántico , su trabajo pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera «se anticipó a los impresionistas franceses » y, por lo tanto, al modernismo, «al romper con las fórmulas convencionales de representación; aunque, a diferencia de ellos, creía que sus obras siempre debían expresar temas históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos significativos». ^{[ 47 ]} Sin embargo, los modernistas criticaron la creencia de los románticos de que el arte sirve como una ventana a la naturaleza de la realidad. Argumentaron que, dado que cada espectador interpreta el arte desde su propia perspectiva subjetiva, este nunca puede transmitir la verdad metafísica última que buscaban los románticos. No obstante, los modernistas no rechazaron por completo la idea del arte como un medio para comprender el mundo. Para ellos, era una herramienta para desafiar y perturbar el punto de vista del espectador, en lugar de un medio directo para acceder a una realidad superior. ^{[ 48 ]}

En el contexto de la Revolución Industrial (aproximadamente 1760-1840), las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por vapor , especialmente el desarrollo de los ferrocarriles que comenzó en Gran Bretaña en la década de 1830, ^{[ 49 ]} y los avances subsiguientes en física, ingeniería y arquitectura a los que condujeron. Un logro importante de la ingeniería del siglo XIX fue el Crystal Palace , el enorme pabellón de exposiciones de hierro fundido y vidrio plano construido para la Gran Exposición de 1851 en Londres. ^{[ 50 ]} El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de la ciudad, incluyendo la estación King's Cross (1852) ^{[ 51 ]} y la estación Paddington (1854). ^{[ 52 ]} Estos avances tecnológicos se extendieron al extranjero, dando lugar a estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) ^{[ 53 ]} y la Torre Eiffel (1889), esta última rompió todas las limitaciones anteriores sobre la altura que podían alcanzar los objetos hechos por el hombre. ^{[ 54 ]} Si bien tales proezas de ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas, la experiencia humana del tiempo misma se vio alterada con el desarrollo del telégrafo eléctrico en 1837, ^{[ 55 ]} así como con la adopción de la " hora estándar " por parte de las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845, un concepto que se adoptaría en todo el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años. ^{[ 56 ]}

A pesar de los continuos avances tecnológicos, las ideas de que la historia y la civilización eran inherentemente progresivas y que tales avances siempre eran buenos fueron objeto de crecientes críticas en el siglo XIX. Surgieron argumentos que sostenían que los valores del artista y los de la sociedad no solo eran diferentes, sino que a menudo se oponían, y que los valores sociales vigentes eran contrarios al progreso; por lo tanto, la civilización no podía avanzar en su forma actual. A principios de siglo, el filósofo Schopenhauer (1788-1860) ( El mundo como voluntad y representación , 1819/20) puso en tela de juicio el optimismo previo. ^{[ 57 ]} Sus ideas tuvieron una importante influencia en pensadores posteriores, incluido Friedrich Nietzsche (1844-1900). ^{[ 58 ]} De manera similar, Søren Kierkegaard (1813–1855) ^{[ 58 ]} y Nietzsche ^{[ 59 ] : 120} ambos rechazaron posteriormente la idea de que la realidad pudiera entenderse a través de una lente puramente objetiva, un rechazo que tuvo una influencia significativa en el desarrollo del existencialismo y el nihilismo .

Alrededor de 1850, la Hermandad Prerrafaelita (un grupo de poetas, pintores y críticos de arte ingleses) comenzó a desafiar las tendencias dominantes de la Inglaterra victoriana industrial en "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". ^{[ 60 ] : 815} Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar las vidas de las clases trabajadoras urbanas en las ciudades industriales de rápida expansión de Gran Bretaña. ^{[ 60 ] : 816} El crítico de arte Clement Greenberg describió a la Hermandad Prerrafaelita como protomodernistas: «Los protomodernistas fueron, precisamente, los prerrafaelitas (e incluso antes que ellos, como proto-protomodernistas, los nazarenos alemanes ). Los prerrafaelitas prefiguraron a Manet (1832-1883), con quien la pintura modernista comienza definitivamente. Actuaron movidos por la insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su época, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz». ^{[ 61 ]}

Dos de los pensadores más importantes de mediados del siglo XIX fueron el biólogo Charles Darwin (1809-1882), autor de El origen de las especies por selección natural (1859), y el politólogo Karl Marx (1818-1883), autor de El capital (1867). A pesar de provenir de campos diferentes, ambas teorías amenazaron el orden establecido. La teoría de la evolución por selección natural de Darwin socavó la certeza religiosa y la idea de la singularidad humana ; en particular, la noción de que los seres humanos están impulsados ​​por los mismos instintos que los "animales inferiores" resultó difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora . ^{[ 62 ]} Mientras tanto, los argumentos de Marx sobre las contradicciones fundamentales del sistema capitalista y la falta de libertad de los trabajadores condujeron a la formulación de la teoría marxista . ^{[ 63 ]}

El arte africano tuvo una influencia importante en el arte modernista, que se inspiró en su interés por la representación abstracta. ^{[ 64 ] [ 65 ]}

Los historiadores del arte han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell argumentó que el modernismo comenzó en la década de 1870 cuando la continuidad metafórica (u ontológica ) comenzó a ceder ante lo discreto con el corte de Dedekind del matemático Richard Dedekind (1831-1916) y la termodinámica estadística de Ludwig Boltzmann (1844-1906) . ^{[ 15 ]} Everdell también creía que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-1886 con el desarrollo del divisionismo por parte del artista postimpresionista Georges Seurat , los "puntos" utilizados para pintar Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte . Por otro lado, el crítico de arte visual Clement Greenberg llamó al filósofo alemán Immanuel Kant (1724–1804) "el primer modernista verdadero", ^{[ 67 ]} aunque también escribió, "Lo que se puede llamar con seguridad modernismo surgió a mediados del siglo pasado, y bastante localmente, en Francia, con Charles Baudelaire (1821–1867) en la literatura y Manet en la pintura, y quizás también con Gustave Flaubert (1821–1880), en la narrativa. (Fue un tiempo más tarde, y no tan localmente, que el modernismo apareció en la música y la arquitectura)." ^{[ 61 ]} Las flores del mal ( Les Fleurs du mal ) del poeta Baudelaire y Madame Bovary del autor Flaubert se publicaron en 1857. El ensayo de Baudelaire " El pintor de la vida moderna " (1863) inspiró a los jóvenes artistas a romper con la tradición e innovar nuevas formas de representar su mundo en el arte.

A partir de la década de 1860, dos enfoques en las artes y las letras se desarrollaron por separado en Francia. El primero fue el impresionismo , una escuela de pintura que inicialmente se centró en obras realizadas al aire libre ( en plein air ) y no en estudios. ^{[ 68 ]} Las pinturas impresionistas intentaron transmitir que los seres humanos no ven objetos, sino la luz misma. La escuela ganó adeptos a pesar de las divisiones internas entre sus principales exponentes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados de la muestra comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno , los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en espacios comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, programándolas para que coincidieran con el Salón oficial. En 1863, el Salón de los Rechazados , creado por el emperador Napoleón III , exhibió todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría eran de estilos estándar, pero de artistas menos talentosos, la obra de Manet atrajo la atención y abrió las puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el simbolismo , que los historiadores literarios consideran que comenzó con Charles Baudelaire e incluyó a poetas posteriores como Arthur Rimbaud (1854-1891) con Une Saison en Enfer ( Una temporada en el infierno , 1873), Paul Verlaine (1844-1896), Stéphane Mallarmé (1842-1898) y Paul Valéry (1871-1945). Los simbolistas "enfatizaron la prioridad de la sugerencia y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita", y estaban especialmente interesados ​​en "las propiedades musicales del lenguaje". ^{[ 69 ]}

Se puede decir que el cabaret , que dio origen a muchas de las artes del modernismo, incluyendo los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con la apertura de la Sociedad de Artes Incoherentes y el Gato Negro en Montmartre . ^{[ 70 ]}

Las teorías de Sigmund Freud (1856-1939), Krafft-Ebing y otros sexólogos fueron influyentes en los inicios del modernismo. La primera obra importante de Freud fue Estudios sobre la histeria (con Josef Breuer , 1895). Un elemento central del pensamiento freudiano es la idea de la primacía del inconsciente en la vida mental, según la cual toda la realidad subjetiva se basaba en las interacciones entre las pulsiones e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción freudiana de los estados subjetivos implicaba un inconsciente repleto de impulsos primarios y contrapesos autoimpuestos derivados de los valores sociales. ^{[ 60 ] : 538}

Las obras de Friedrich Nietzsche (1844–1900) fueron otro precursor importante del modernismo, ^{[ 72 ]} con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la " voluntad de poder " ( Wille zur macht ), eran de importancia central: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con la 'voluntad de poder', es decir, con un instinto de crecimiento y durabilidad." ^{[ 73 ] [ 74 ]} Henri Bergson (1859–1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo científico, el tiempo cronológico y la experiencia humana directa y subjetiva del tiempo. ^{[ 59 ] : 131} Su trabajo sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX", especialmente en aquellos modernistas que utilizaron la técnica del " flujo de conciencia ", como Dorothy Richardson , James Joyce y Virginia Woolf (1882–1941). ^{[ 75 ]} También importante en la filosofía de Bergson fue la idea del élan vital , la fuerza vital, que «provoca la evolución creativa de todo». ^{[ 59 ] : 132} Su filosofía también otorgaba gran valor a la intuición , aunque sin rechazar la importancia del intelecto. ^{[ 59 ] : 132}

Entre los precursores literarios importantes del modernismo se encuentran escritores de renombre como Fiódor Dostoievski (1821-1881), cuyas novelas incluyen Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); ^{[ 76 ]} Walt Whitman (1819-1892), quien publicó la colección de poemas Hojas de hierba (1855-1891); y August Strindberg (1849-1912), especialmente sus obras de teatro posteriores, incluyendo la trilogía A Damasco (1898-1901), Un sueño (1902) y La sonata de los fantasmas (1907). También se ha sugerido a Henry James como un precursor significativo del modernismo en obras tan tempranas como Retrato de una dama (1881). ^{[ 77 ]}

Del choque de ideales derivados del Romanticismo y el intento de encontrar una forma de que el conocimiento explicara lo aún desconocido, surgió la primera oleada de obras modernistas en la primera década del siglo XX. Si bien sus autores las consideraban extensiones de las tendencias artísticas existentes, estas obras rompieron con la concepción implícita que el público general tenía del arte: que los artistas eran intérpretes y representantes de la cultura y las ideas burguesas. Entre estos hitos "modernistas" se incluyen el final atonal del Segundo Cuarteto de Cuerdas de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky a partir de 1903, que culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo El Jinete Azul en Múnich en 1911, y el auge del fauvismo y las innovaciones del cubismo en los estudios de Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque y otros, entre 1900 y 1910.

Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición mediante la adopción de técnicas como la repetición, la incorporación, la reescritura, la recapitulación, la revisión y la parodia en nuevas formas. ^{[ a ] ​​[ b ]}

T.S. Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, entre ellos:

[A menudo encontraremos que no solo las mejores, sino también las partes más singulares de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos, sus antepasados, afirman su inmortalidad con mayor vigor. ^{[ 79 ]}

Sin embargo, la relación entre el modernismo y la tradición fue compleja, como indica el crítico literario Peter Child: «Existían tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, temor a lo nuevo y deleite ante la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación». ^{[ 8 ]}

Un ejemplo de cómo el arte modernista puede aplicar tradiciones antiguas al tiempo que incorpora nuevas técnicas se encuentra en la música del compositor Arnold Schoenberg . Por un lado, rechazó la armonía tonal tradicional , el sistema jerárquico de organización de obras musicales que había guiado la composición musical durante al menos un siglo y medio. Schoenberg creía haber descubierto una forma totalmente nueva de organizar el sonido basada en el uso de series de doce notas . Sin embargo, si bien esta era, en efecto, una técnica totalmente nueva, sus orígenes se remontan a la obra de compositores anteriores como Franz Liszt , ^{[ 80 ]} Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss y Max Reger . ^{[ 81 ] [ 82 ]}

En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse causaron mucha controversia y atrajeron grandes críticas con su rechazo de la perspectiva tradicional como medio para estructurar las pinturas, ^{[ 83 ] [ 84 ]} aunque el impresionista Claude Monet ya había sido innovador en su uso de la perspectiva. ^{[ 85 ]} En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon , Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen ( Asesino, esperanza de las mujeres ), la primera obra de teatro expresionista (producida con escándalo en 1909), y Arnold Schoenberg componía su Cuarteto de cuerdas n.° 2 en fa sostenido menor (1908), su primera composición sin un centro tonal.

Una influencia primordial que condujo al cubismo fue la representación de la forma tridimensional en las últimas obras de Paul Cézanne , que se exhibieron en una retrospectiva en el Salón de Otoño de 1907. ^{[ 86 ]} En el arte cubista, los objetos se analizan, se descomponen y se reensamblan en una forma abstracta; en lugar de representar los objetos desde un solo punto de vista, el artista representa el sujeto desde múltiples puntos de vista para representarlo en un contexto más amplio. ^{[ 87 ]} El cubismo se dio a conocer al público general por primera vez en 1911 en el Salón de los Independientes de París (celebrado del 21 de abril  al 13 de junio). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger y Roger de La Fresnaye se exhibieron juntos en la Sala 41, provocando un «escándalo» del que surgió el cubismo y se extendió por todo París y más allá. También en 1911, Kandinsky pintó Bild mit Kreis ( Cuadro con círculo ), que más tarde llamó la primera pintura abstracta. ^{[ 88 ] : 167} En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) manifiesto cubista importante, Du "Cubisme" , publicado a tiempo para el Salon de la Section d'Or , la mayor exposición cubista hasta la fecha. En 1912 Metzinger pintó y expuso su encantadora La Femme au Cheval (Mujer con caballo) y Danseuse au Café ( Bailarina en un café ) . Albert Gleizes pintó y expuso su Les Baigneuses (Las bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons ( La trilla de la cosecha ). Esta obra, junto con La Ville de Paris ( Ciudad de París ) de Robert Delaunay , fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista de antes de la guerra. ^{[ 89 ]}

En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, liderados por Ernst Ludwig Kirchner , formaron Die Brücke (El Puente) en la ciudad de Dresde . ^{[ 90 ]} Esta fue posiblemente la organización fundadora del movimiento expresionista alemán , aunque no usaron la palabra en sí. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas con ideas afines formó Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) en Múnich. ^{[ 91 ]} El nombre provenía de la pintura Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky de 1903. Entre sus miembros estaban Kandinsky , Franz Marc , Paul Klee y August Macke . Sin embargo, el término «expresionismo» no se consolidó hasta 1913. ^{[ 88 ] : 274} Aunque inicialmente fue principalmente un movimiento artístico alemán, ^{[ e ]} predominante en la pintura, la poesía y el teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no eran alemanes. Además, hubo escritores expresionistas de narrativa en prosa, así como escritores expresionistas de habla no alemana, y, si bien el movimiento había declinado en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo obras expresionistas posteriores.

El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpuso con otros 'ismos' importantes del período modernista: con el futurismo , el vorticismo , el cubismo, el surrealismo y el dadaísmo ". ^{[ 93 ]} Richard Murphy también comenta: "[La] búsqueda de una definición que lo abarque todo es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes", como el novelista Franz Kafka , el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin , fueron simultáneamente los antiexpresionistas más vociferantes. ^{[ 94 ] : 43} Lo que, sin embargo, puede decirse es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania en reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los medios centrales por los cuales el expresionismo se identifica como un movimiento de vanguardia, y por el cual marca su distancia de las tradiciones y la institución cultural como un todo es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de representación". ^{[ 94 ] : 43} Más explícitamente: los expresionistas rechazaron la ideología del realismo. ^{[ 94 ] : 43–48 [ 95 ]} Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables fueron Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen . Se inspiraron en el dramaturgo sueco August Strindberg y en el actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos . El Asesino, la esperanza de las mujeres, de Oskar Kokoschka , fue la primera obra completamente expresionista para el teatro, estrenada el 4 de julio de 1909 en Viena . ^{[ 96 ]} La extrema simplificación de los personajes a tipos míticos , los efectos corales, el diálogo declamatorio y la intensidad aumentada se convertirían en características de las obras expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue El hijo , de Walter Hasenclever, publicada en 1914 y estrenada en 1916. ^{[ 97 ]}

El futurismo es otro movimiento modernista. ^{[ 98 ]} En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de F.T. Marinetti . Poco después, un grupo de pintores ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo y Gino Severini ) firmaron conjuntamente el Manifiesto Futurista . Inspirados en el famoso « Manifiesto Comunista » de Marx y Engels (1848), estos manifiestos proponían ideas destinadas a provocar y a reunir seguidores. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta se limitaban, en ese momento, en gran medida a «revistas pequeñas» con tiradas muy reducidas. El primitivismo y el pesimismo modernistas eran controvertidos, y la corriente principal en la primera década del siglo XX aún se inclinaba hacia la fe en el progreso y el optimismo liberal.

Los artistas abstractos , tomando como ejemplos a los impresionistas, así como a Paul Cézanne (1839-1906) y Edvard Munch (1863-1944), partieron de la premisa de que el color y la forma , y ​​no la representación del mundo natural, constituían las características esenciales del arte. ^{[ 100 ]} El arte occidental , desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se había sustentado en la lógica de la perspectiva y en el intento de reproducir una ilusión de realidad visible. Las artes de culturas distintas a la europea se habían vuelto accesibles y mostraban al artista formas alternativas de describir la experiencia visual. A finales del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales de todos los ámbitos de la cultura occidental de la época. ^{[ 101 ]} Wassily Kandinsky , Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en redefinir el arte como la disposición del color puro. El uso de la fotografía, que había vuelto obsoleta gran parte de la función representativa del arte visual, influyó fuertemente en este aspecto del modernismo. ^{[ 102 ]}

Los arquitectos y diseñadores modernistas , como Frank Lloyd Wright ^{[ 103 ]} y Le Corbusier , ^{[ 104 ]} creían que la nueva tecnología hacía obsoletos los antiguos estilos de construcción. Le Corbusier pensaba que los edificios debían funcionar como "máquinas para vivir", análogas a los automóviles, que él veía como máquinas para viajar. ^{[ 105 ]} Así como los automóviles habían reemplazado al caballo, el diseño modernista debía rechazar los antiguos estilos y estructuras heredados de la Antigua Grecia o la Edad Media . Siguiendo esta estética de la máquina , los diseñadores modernistas generalmente rechazaban los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales utilizados y las formas geométricas puras. ^{[ 106 ]} El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el Edificio Wainwright , un edificio de oficinas de 10 pisos terminado en 1891 en San Luis, Misuri , Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. ^{[ 107 ]} El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956–1958) suele considerarse la cúspide de esta arquitectura modernista de rascacielos. ^{[ 108 ]} Muchos aspectos del diseño modernista persisten en la corriente principal de la arquitectura contemporánea , aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, la cita histórica y el dramatismo espacial.

En 1913 —año de Las ideas del filósofo Edmund Husserl , del átomo cuantizado del físico Niels Bohr , de la fundación del imagismo por Ezra Pound , del Armory Show en Nueva York y de la "primera ópera futurista" de Mikhail Matyushin en San Petersburgo— , otro compositor ruso, Igor Stravinsky , compuso La consagración de la primavera , un ballet que representa el sacrificio humano y cuya partitura musical está repleta de disonancias y ritmos primitivos. Su estreno en París causó gran revuelo. En aquella época, si bien el modernismo aún se consideraba "progresista", veía cada vez más las formas tradicionales y las estructuras sociales como obstáculos para el progreso y redefinía al artista como un revolucionario, comprometido con el derrocamiento de la sociedad en lugar de con su ilustración. También en 1913, tuvo lugar en Francia un acontecimiento menos violento: la publicación del primer volumen de la importante saga novelística de Marcel Proust, En busca del tiempo perdido (1913-1927) . A menudo se presenta como un ejemplo temprano de un escritor que utiliza la técnica del flujo de conciencia , pero Robert Humphrey comenta que Proust «se centra únicamente en el aspecto reminiscente de la conciencia» y que «recuperaba deliberadamente el pasado con el propósito de comunicarlo; por lo tanto, no escribió una novela de flujo de conciencia». ^{[ 109 ]}

El flujo de conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en utilizarlo plenamente en su cuento "Leutnant Gustl" ("None but the brave") (1900). ^{[ 110 ]} Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarlo, en los primeros volúmenes de su serie de novelas Pilgrimage (1915-1967). ^{[ f ]} Otros novelistas modernistas asociados con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulises (1922) e Italo Svevo en La concienza di Zeno (1923). ^{[ 112 ]}

Sin embargo, con el estallido de la Gran Guerra de 1914-1918 (Primera Guerra Mundial) y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y se sembraron dudas sobre las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del statu quo anterior parecía evidente para una generación que había visto morir a millones de personas luchando por migajas de tierra: antes de 1914, se argumentaba que nadie lucharía en una guerra así, dado su elevado coste. El nacimiento de la era de la máquina, que había transformado radicalmente las condiciones de la vida cotidiana en el siglo XIX, había cambiado ahora la naturaleza de la guerra. El carácter traumático de la experiencia reciente alteró las premisas básicas, y una representación realista de la vida en las artes parecía insuficiente ante la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras . La idea de que la humanidad estuviera progresando moralmente de forma constante parecía ahora ridícula frente a la matanza sin sentido descrita en obras como la novela de Erich Maria Remarque , Sin novedad en el frente (1929). Por lo tanto, la visión de la realidad propia del modernismo, que antes de la guerra era un gusto minoritario, se generalizó en la década de 1920.

En la literatura y las artes visuales, algunos modernistas buscaron desafiar las expectativas principalmente para hacer su arte más vívido o para obligar al público a tomarse la molestia de cuestionar sus propias preconcepciones. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura de consumo , que se desarrolló en Europa y América del Norte a finales del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes intentan hacer productos que sean comercializables apelando a las preferencias y los prejuicios, los altos modernistas rechazan tales actitudes consumistas para socavar el pensamiento convencional. ^{[ 113 ]} El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde y Kitsch . ^{[ 114 ]} Greenberg etiquetó los productos de la cultura de consumo como « kitsch », porque su diseño simplemente buscaba tener el máximo atractivo, eliminando cualquier característica difícil. Para Greenberg, el modernismo formó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de la cultura de consumo moderna como la música popular comercial , Hollywood y la publicidad. ^{[ 115 ]} Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.

Algunos modernistas se consideraban parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, tras la Revolución de 1917 , se produjo inicialmente un florecimiento de la actividad cultural de vanguardia, entre la que se encontraba el futurismo ruso . ^{[ 116 ]} Sin embargo, otros rechazaron la política convencional, así como las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía mayor importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se consideraban apolíticos. Otros, como T.S. Eliot , rechazaron la cultura popular de masas desde una postura conservadora. Algunos incluso sostienen que el modernismo en la literatura y el arte funcionó para sostener una cultura elitista que excluía a la mayoría de la población. ^{[ 114 ]}

El surrealismo , que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema del modernismo, o "la vanguardia del modernismo". ^{[ 117 ]} La palabra "surrealista" fue acuñada por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra de teatro Les Mamelles de Tirésias , escrita en 1903 y estrenada en 1917. ^{[ 118 ]} Entre los principales surrealistas se encuentran Paul Éluard , Robert Desnos , ^{[ 119 ]} Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró y Marcel Duchamp . ^{[ 120 ]}

En 1930, el modernismo se había ganado un lugar en el ámbito político y artístico, aunque para entonces el modernismo en sí mismo había cambiado.

El modernismo continuó evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932, el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moisés y Aarón , una de las primeras óperas en utilizar la técnica dodecafónica, ^{[ 121 ]} Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica , su condena cubista del fascismo , ^{[ 122 ]} mientras que en 1939 James Joyce amplió aún más los límites de la novela moderna con Finnegans Wake . También en 1930 el modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar trabajos, influenciados por el modernismo, de jóvenes escritores y humoristas como Dorothy Parker , ^{[ 123 ]} Robert Benchley , EB White , SJ Perelman y James Thurber , entre otros. ^{[ 124 ]} Perelman es muy apreciado por sus relatos cortos humorísticos que publicó en revistas en las décadas de 1930 y 1940, sobre todo en The New Yorker , que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. ^{[ 125 ]} Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en anuncios y logotipos, un ejemplo temprano de los cuales, de 1916, es el famoso logotipo del metro de Londres diseñado por Edward Johnston . ^{[ 126 ]}

Uno de los cambios más visibles de este período fue la incorporación de nuevas tecnologías a la vida cotidiana de la gente común en Europa Occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil —y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y convivir con ellos— generaron un cambio social. ^{[ 127 ]} El tipo de momento disruptivo que solo unos pocos conocían en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada a los corredores de bolsa de 1890 pasó a formar parte de la vida familiar, al menos en la clase media norteamericana. Asociados a la urbanización y a los cambios en las costumbres sociales, también llegaron las familias más pequeñas y las relaciones entre padres e hijos.

Otra fuerte influencia en esta época fue el marxismo . Tras el aspecto generalmente primitivista/irracionalista del modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial (que para muchos modernistas excluía cualquier apego a soluciones meramente políticas) y el neoclasicismo de la década de 1920 (representado de forma más célebre por T.S. Eliot e Igor Stravinsky , que rechazaba las soluciones populares a los problemas modernos), el auge del fascismo , la Gran Depresión y la marcha hacia la guerra contribuyeron a radicalizar a una generación. Bertolt Brecht , W.H. Auden , André Breton , Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista de marxismo. Sin embargo, también hubo modernistas explícitamente de «derecha», como Salvador Dalí , Wyndham Lewis , T.S. Eliot, Ezra Pound , el autor neerlandés Menno ter Braak y otros. ^{[ 128 ]}

Se siguieron creando importantes obras literarias modernistas en las décadas de 1920 y 1930, incluidas más novelas de Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil y Dorothy Richardson . ^{[ 129 ]} La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus obras principales aparecieron en las décadas de 1920, 1930 y principios de la década de 1940. Otros dos importantes dramaturgos modernistas que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca . El amante de Lady Chatterley de D.H. Lawrence se publicó de forma privada en 1928, mientras que otro hito importante para la historia de la novela moderna fue la publicación de El sonido y la furia de William Faulkner en 1929. En la década de 1930, además de otras obras importantes de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce . Está escrito en un lenguaje en gran medida idiosincrásico , que consiste en una mezcla de elementos léxicos del inglés estándar y neologismos multilingües y palabras compuestas , que intenta recrear la experiencia del sueño y los sueños. ^{[ 130 ]} En poesía, T.S. Eliot, E.E. Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista en inglés suele considerarse un fenómeno estadounidense, con figuras destacadas como Ezra Pound, T.S. Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , H.D. y Louis Zukofsky , también hubo importantes poetas modernistas británicos, como David Jones , Hugh MacDiarmid , Basil Bunting y W.H. Auden . Entre los poetas modernistas europeos se encuentran Federico García Lorca , Anna Ajmátova , Constantino Cavafis y Paul Valéry .

El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética . En 1930 se estrenó la ópera La nariz del compositor Dimitri Shostakovich (1906–1975) , en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, incluyendo música folclórica , canción popular y atonalidad. Entre sus influencias se encontraba la ópera Wozzeck (1925 ) de Alban Berg (1885–1935 ), que «había causado una tremenda impresión en Shostakovich cuando se estrenó en Leningrado». ^{[ 131 ]} Sin embargo, a partir de 1932 el realismo socialista comenzó a desplazar al modernismo en la Unión Soviética, ^{[ 132 ]} y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su Cuarta Sinfonía. ^{[ 133 ]} Alban Berg escribió otra ópera modernista significativa, aunque incompleta, Lulu , que se estrenó en 1937. El Concierto para violín de Berg se interpretó por primera vez en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores enfrentaron dificultades en este período.

En Alemania, Arnold Schoenberg (1874-1951) se vio obligado a huir a Estados Unidos cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo modernista atonal y a su ascendencia judía. ^{[ 134 ]} Sus obras principales de este período son un Concierto para violín , Op. 36 (1934/36), y un Concierto para piano , Op. 42 (1942). Schoenberg también compuso música tonal en este período con la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n.° 2 en mi bemol menor, Op. 38 (comenzada en 1906, terminada en 1939). ^{[ 134 ]} Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881–1945) produjo varias obras importantes, incluyendo Música para cuerdas, percusión y celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas (1939), Cuarteto de cuerdas n.° 5 (1934) y n.° 6 (su último, 1939). Pero él también partió a los Estados Unidos en 1940, debido al auge del fascismo en Hungría. ^{[ 134 ]} Igor Stravinsky (1882–1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), Sinfonía en do mayor (1940) y Sinfonía en tres movimientos (1945). Él también emigró a los Estados Unidos debido a la Segunda Guerra Mundial . Olivier Messiaen (1908-1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y fue encarcelado en Stalag VIII-A por los alemanes, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps («Cuarteto para el fin de los tiempos»). El cuarteto se estrenó en enero de 1941 ante un público de prisioneros y guardias penitenciarios. ^{[ 135 ]}

En la pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión , el modernismo estuvo marcado por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus , De Stijl , el dadaísmo , el expresionismo alemán y pintores modernistas y maestros del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard, así como por las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky , que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando el estallido de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Estados Unidos, el modernismo se manifestó en la pintura de la Escena Americana y los movimientos de realismo social y regionalismo , que contenían comentarios políticos y sociales, dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros alcanzaron gran prominencia. El modernismo se define en Latinoamérica por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado , y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo , iniciaron un renacimiento de las artes en la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.

Diego Rivera es quizás más conocido por el público en general por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas, Nelson Rockefeller, descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera, y la obra inacabada fue finalmente destruida por el personal de Rockefeller. ^{[ 136 ]} Las obras de Frida Kahlo se caracterizan a menudo por sus crudas representaciones del dolor. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo cual es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. ^{[ 137 ]} Los temas cristianos y judíos también se representan con frecuencia en su obra; combinó elementos de la tradición religiosa mexicana clásica, que a menudo eran sangrientos y violentos. ^{[ 138 ]} Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura. ^{[ 139 ]}

El activismo político fue una parte importante de la vida de David Siqueiros, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estaba profundamente arraigado en la Revolución Mexicana . ^{[ 140 ]} El período de la década de 1920 a la de 1950 se conoce como el Renacimiento Mexicano, y Siqueiros participó activamente en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. ^{[ 141 ]} El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.

Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas vinculados al surrealismo, incluido Pablo Picasso . ^{[ 142 ]} El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. ^{[ 143 ]} Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica, de gran formato, para conmemorar los horrores del bombardeo. ^{[ 144 ]}

Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y a lo largo de los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de la Escena Americana , en la obra de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. ^{[ 145 ]} Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. ^{[ 146 ]} No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles del arte estadounidense. La escena se inspiró en un restaurante de Greenwich Village . Hopper comenzó a pintarla inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . ^{[ 147 ]} Después de este evento hubo una gran sensación de tristeza en el país, una sensación que se retrata en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y dentro ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los otros, sino que están perdidos en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper. ^{[ 148 ]}

American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930 que retrata a un granjero con una horca y a una mujer joven frente a una casa de estilo gótico carpintero ; es una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX . ^{[ 149 ]} Los críticos de arte tuvieron opiniones favorables sobre la pintura; al igual que Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron que la pintura pretendía ser una sátira de la vida rural en los pequeños pueblos. ^{[ 150 ]} Así, se la vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson de 1919, Main Street de Sinclair Lewis de 1920y The Tattooed Countess de Carl Van Vechten en la literatura. ^{[ 151 ]} Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura pasó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.

La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que el poder nazi aumentaba en Alemania y en toda Europa del Este. El término «arte degenerado» fue adoptado por el régimen nazi en Alemania para referirse a prácticamente todo el arte moderno. ^{[ 152 ]} Este tipo de arte fue prohibido por ser antialemán o de naturaleza bolchevique judía , y aquellos identificados como artistas degenerados fueron sometidos a sanciones. Estas incluían el despido de sus puestos docentes, la prohibición de exponer o vender su arte y, en algunos casos, la prohibición total de producir arte. « Arte degenerado» fue también el título de una exposición organizada por los nazis en Múnich en 1937. ^{[ 153 ]} El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos emigraron a América. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. ^{[ 154 ]} En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de jóvenes y prometedores pintores modernistas, liderados por Arshile Gorky , Willem de Kooning y otros, comenzaba a alcanzar la madurez artística. ^{[ 155 ]}

El retrato que Arshile Gorky hizo de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura figurativa, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham , Gorky creó composiciones figurativas abstractas y de formas biomórficas que, hacia la década de 1940, evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. La obra de Gorky parece ser un análisis minucioso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar sentimientos y la naturaleza. ^{[ 156 ]}

El énfasis del modernismo en la libertad de expresión , la experimentación, el radicalismo y el primitivismo ignora las expectativas convencionales. En muchas formas artísticas, esto a menudo significaba sorprender y alienar al público con efectos extraños e impredecibles, como en las combinaciones inquietantes de motivos del surrealismo o el uso de la disonancia extrema y la atonalidad en la música modernista. En la literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas o caracterizaciones inteligibles en las novelas, o la creación de poesía que desafiaba una interpretación clara. Dentro de la Iglesia Católica , el espectro del protestantismo y Martín Lutero influía en las inquietudes sobre el modernismo y la noción de que la doctrina se desarrolla y cambia con el tiempo. ^{[ 157 ]}

Desde 1932, el realismo socialista comenzó a desplazar al modernismo en la Unión Soviética, ^{[ 132 ]} donde previamente había respaldado el futurismo y el constructivismo rusos , principalmente bajo la filosofía autóctona del suprematismo .

El gobierno nazi de Alemania consideraba el modernismo narcisista y absurdo, además de «judío» (véase Antisemitismo ) y «negro». ^{[ 158 ]} Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de enfermos mentales en una exposición titulada « Arte Degenerado ». Las acusaciones de «formalismo» podían conllevar el fin de una carrera, o algo peor. Por esta razón, muchos modernistas de la generación de posguerra se sentían el baluarte más importante contra el totalitarismo, el « canario en la mina de carbón », cuya represión por parte de un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que las libertades individuales estaban amenazadas. Louis A. Sass comparó la locura, específicamente la esquizofrenia , con el modernismo de una manera menos fascista, al señalar sus narrativas disyuntivas, imágenes surrealistas e incoherencia compartidas. ^{[ 159 ]}

El término « Teatro del Absurdo » se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana carece de significado o propósito y, por lo tanto, toda comunicación se desmorona. La construcción lógica y la argumentación dan paso a un discurso irracional e ilógico y a su conclusión final: el silencio. ^{[ 171 ]} Si bien existen precursores importantes, como Alfred Jarry (1873-1907), el Teatro del Absurdo se considera generalmente que comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett .

El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960, "Teatro del Absurdo". Relacionó estas obras basándose en un tema amplio del absurdo, de manera similar a como Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, " El mito de Sísifo" . ^{[ 172 ]} El absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre ante un mundo aparentemente sin sentido, y/o el hombre como una marioneta controlada o amenazada por fuerzas externas invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de ellas: comedia burda, a menudo similar al vodevil , mezclada con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas obligados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; diálogos llenos de clichés, juegos de palabras y sinsentidos; tramas cíclicas o absurdamente extensas; o bien una parodia o un rechazo del realismo y del concepto de la " obra bien hecha ".

Entre los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo se incluyen Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (1937-2025), Alexander Vvedensky ( 1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936–2011) y Edward Albee (1928–2016).

Durante finales de la década de 1940, el enfoque radical de Jackson Pollock hacia la pintura revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. ^{[ 173 ]} Hasta cierto punto, Pollock comprendió que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte en sí misma. ^{[ 174 ]} Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace arte. ^{[ 175 ]} Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas comprendieron que el proceso de Jackson Pollock —colocar lienzo crudo sin tensar en el suelo donde podía ser atacado desde los cuatro lados usando materiales artísticos e industriales; gotear y lanzar madejas lineales de pintura; dibujar, teñir y pincelar; usar imágenes y no imágenes— esencialmente hizo estallar la creación artística más allá de cualquier límite anterior. ^{[ 176 ]} El expresionismo abstracto, en general, amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte. ^{[ 177 ]}

Los demás expresionistas abstractos siguieron el ejemplo de Pollock con sus propios avances. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos y otros abrieron las puertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió. Sin embargo, las reinterpretaciones del arte abstracto realizadas por historiadoras del arte como Linda Nochlin , ^{[ 178 ]} Griselda Pollock ^{[ 179 ]} y Catherine de Zegher ^{[ 180 ]} muestran de manera crítica que las mujeres artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno fueron ignoradas por los relatos oficiales de su historia.

Henry Moore (1898-1986) emergió tras la Segunda Guerra Mundial como el escultor más destacado de Gran Bretaña. ^{[ 181 ]} Fue conocido principalmente por sus esculturas monumentales semiabstractas de bronce, ubicadas en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, representando típicamente a madres e hijos o figuras reclinadas, generalmente sugiriendo el cuerpo femenino, a excepción de una etapa en la década de 1950 en la que esculpió grupos familiares. Estas esculturas suelen estar perforadas o contener espacios huecos.

En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes, incluyendo una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. ^{[ 182 ]} Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron en una línea similar, con varias retrospectivas importantes que tuvieron lugar en todo el mundo, en particular una exposición destacada en el verano de 1972 en los jardines del Forte di Belvedere con vistas a Florencia . A finales de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año que presentaban su obra. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años exactos después de que el equipo de físicos liderado por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena controlada y autosostenida, se presentó Energía Nuclear de Moore. ^{[ 183 ] [ 184 ]} También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente El hombre entra en el cosmos (1980), que fue encargado para reconocer el programa de exploración espacial . ^{[ 185 ]}

La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, entre los que se incluyen Francis Bacon (1909-1992), Lucian Freud (1922-2011), Frank Auerbach (1931-2024), Leon Kossoff (1926-2019) y Michael Andrews (1928-1995), ha recibido un amplio reconocimiento internacional. ^{[ 186 ]}

Francis Bacon fue un pintor figurativo británico de origen irlandés conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. ^{[ 187 ]} Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero sobre fondos planos y anodinos. Bacon comenzó a pintar a principios de sus veinte años, pero trabajó solo esporádicamente hasta mediados de sus treinta. Su gran éxito llegó con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión, que selló su reputación como un cronista singularmente sombrío de la condición humana. ^{[ 188 ]} Su producción puede describirse, a grandes rasgos, como una sucesión de secuencias o variaciones sobre un mismo motivo; comenzando con las cabezas masculinas aisladas en habitaciones en la década de 1940, los papas gritando a principios de la década de 1950, y los animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas a mediados y finales de la década de 1950. A estas les siguieron sus variaciones modernas de la crucifixión en formato de tríptico a principios de la década de 1960. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, Bacon produjo principalmente retratos de amigos de una compasión conmovedora. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y se centró en temas y motivos relacionados con la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente vilipendiado y aclamado. ^{[ 189 ]}

Lucian Freud fue un pintor británico de origen alemán, conocido principalmente por sus retratos y pinturas de figuras con empaste denso , considerado por muchos el artista británico más destacado de su época. ^{[ 190 ] [ 191 ] [ 192 ] [ 193 ]} Sus obras se caracterizan por su penetración psicológica y por su examen, a menudo inquietante, de la relación entre artista y modelo. ^{[ 194 ]} Según William Grimes de The New York Times , «Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como Niña con perro blanco (1951-1952), ^{[ 195 ]} Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que despojaba al retratado de su fachada social. Gente común —muchos de ellos sus amigos— miraba con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerable a la implacable inspección del artista». ^{[ 190 ]}

En la pintura abstracta de las décadas de 1950 y 1960, varias nuevas tendencias, como la pintura de bordes duros y otras formas de abstracción geométrica, comenzaron a aparecer en los estudios de los artistas y en los círculos de la vanguardia radical como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica cuando comisarió una influyente exposición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte de todo Estados Unidos en 1964. La pintura de campos de color , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica ^{[ 196 ]} emergieron como nuevas tendencias radicales.

Sin embargo, a finales de la década de 1960, el postminimalismo , el arte procesual y el Arte Povera ^{[ 197 ]} también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaban tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento postminimalista, y en el arte conceptual temprano . ^{[ 197 ]} El arte procesual, inspirado por Pollock, permitió a los artistas experimentar y utilizar una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo, aplasticidad y espacio real. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , Ronnie Landfield , Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra , Pat Lipsky , Sam Gilliam , Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que dio origen al apogeo del arte de finales de la década de 1960. ^{[ 198 ]}

En 1962, la Galería Sidney Janis montó Los Nuevos Realistas , la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte del norte de la ciudad de Nueva York. ^{[ 199 ]} Janis montó la exposición en un local de la calle 57 cerca de su galería. La muestra tuvo un gran impacto en la Escuela de Nueva York , así como en la escena artística mundial en general. ^{[ 200 ]} Anteriormente en Inglaterra, en 1958 , Lawrence Alloway utilizó el término "Arte Pop" para describir pinturas asociadas con el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. ^{[ 201 ]} Este movimiento rechazó el Expresionismo Abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico en favor de un arte que representaba la cultura de consumo material, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. ^{[ 202 ]} Las primeras obras de David Hockney y las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (quien creó la innovadora I was a Rich Man's Plaything , 1947 ^{[ 203 ]} ) se consideran ejemplos seminales del movimiento. ^{[ 201 ]} Mientras tanto, en la escena del centro de Nueva York, en las galerías de la calle 10 del East Village , los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su tienda, y la Green Gallery en la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist . Más tarde, Leo Castelli exhibió las obras de otros artistas estadounidenses, incluidas las de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. ^{[ 199 ]} Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes con sentido del humor, y artistas pop como Claes Oldenburg , Andy Warhol y Roy Lichtenstein , cuyas pinturas reproducen el aspecto de los puntos Ben-Day , una técnica utilizada en la reproducción comercial. ^{[ 202 ]}

El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente en las artes visuales y la música , en los que los artistas pretenden exponer la esencia o identidad de un sujeto eliminando todas las formas, características o conceptos no esenciales. ^{[ 204 ]} El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que se utilizan los elementos más simples y menos numerosos para crear el máximo efecto. ^{[ 205 ]}

Como movimiento específico en las artes, se identifica con desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en las décadas de 1960 y principios de 1970. Artistas prominentes asociados con este movimiento incluyen a Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt y Frank Stella . ^{[ 206 ]} Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y a menudo se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas . A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich , ^{[ 207 ]} la Bauhaus y Piet Mondrian ) que rechazó la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies del expresionismo abstracto y el espíritu de la época emocional y las polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción . El minimalismo sostenía que la extrema simplicidad podía capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas maneras: como precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. Desde esta última perspectiva, el minimalismo inicial produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas, como Robert Morris, cambiaron de rumbo a favor del movimiento antiformista .

Hal Foster , en su ensayo «El quid del minimalismo» [ ^{208 ] ,} examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y, a la vez, superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. ^{[ 208 ]} Argumenta que el minimalismo no es un «callejón sin salida» del modernismo, sino un «cambio de paradigma hacia prácticas posmodernas que continúan desarrollándose hoy en día». ^{[ 208 ]}

Postminimalismo

A finales de la década de 1960, Robert Pincus-Witten ^{[ 197 ]} acuñó el término « posminimalismo » para describir el arte derivado del minimalismo que tenía connotaciones contextuales y de contenido que el minimalismo rechazaba. Pincus-Witten aplicó el término a la obra de Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra y a la nueva obra de antiguos minimalistas como Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va y otros. Otros minimalistas, como Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken y otros, continuaron produciendo pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.

Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos minimalistas o postminimalistas, y se les ha asociado la etiqueta de "posmoderno".

El modernismo mantuvo una relación tensa con las formas musicales populares (tanto en la forma como en la estética), al tiempo que rechazaba la cultura popular. ^{[ 218 ]} A pesar de esto, Stravinsky empleó lenguajes del jazz en piezas como "Ragtime" de su obra teatral de 1918, Histoire du Soldat , y el Ebony Concerto de 1945. ^{[ 219 ]}

En la década de 1960, a medida que la música popular comenzó a adquirir importancia cultural y a cuestionar su estatus como entretenimiento comercial, los músicos comenzaron a buscar inspiración en la vanguardia de la posguerra . ^{[ 220 ]} En 1959, el productor musical Joe Meek grabó I Hear a New World (1960), que Jonathan Patrick de Tiny Mix Tapes llama un "momento seminal tanto en la historia de la música electrónica como del avant-pop [...] una colección de viñetas pop oníricas, adornadas con ecos dub y tentáculos sónicos distorsionados por la cinta" que serían ignoradas en gran medida en ese momento. ^{[ 221 ]} Otras producciones tempranas de Avant-pop incluyeron la canción de los Beatles de 1966 " Tomorrow Never Knows ", que incorporó técnicas de música concreta , composición de vanguardia, música india y manipulación de sonido electroacústico en un formato pop de 3 minutos, y la integración por parte de The Velvet Underground de las ideas minimalistas y de música drone de La Monte Young , poesía beat y arte pop de la década de 1960. ^{[ 220 ]}

La continuación del expresionismo abstracto, la pintura de campos de color , la abstracción lírica , la abstracción geométrica , el minimalismo , el ilusionismo abstracto , el arte procesual , el arte pop , el posminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX, tanto en pintura como en escultura, se extendió durante la primera década del siglo XXI y constituye nuevas direcciones radicales en esos medios. ^{[ 222 ] [ 223 ] [ 224 ]}

A principios del siglo XXI, artistas consagrados como Sir Anthony Caro , Lucian Freud , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Agnes Martin , Al Held , Ellsworth Kelly , Helen Frankenthaler , Frank Stella , Kenneth Noland , Jules Olitski , Claes Oldenburg , Jim Dine , James Rosenquist , Alex Katz , Philip Pearlstein , y artistas más jóvenes como Brice Marden , Chuck Close , Sam Gilliam , Isaac Witkin , Sean Scully , Mahirwan Mamtani , Joseph Nechvatal , Elizabeth Murray , Larry Poons , Richard Serra , Pat Lipsky , Joel Shapiro , Tom Otterness , Joan Snyder , Ross Bleckner y otros continuaron produciendo pinturas y esculturas vitales e influyentes.