Escultura

Los primeros ejemplos indiscutibles de escultura pertenecen a la cultura auriñaciense , que se desarrolló en Europa y el suroeste de Asia y estuvo activa a principios del Paleolítico Superior . Además de producir algunas de las primeras pinturas rupestres conocidas , los habitantes de esta cultura desarrollaron herramientas de piedra finamente elaboradas, fabricando colgantes, brazaletes, cuentas de marfil y flautas de hueso, así como figurillas tridimensionales. ^{[ 23 ] [ 24 ]}

El Löwenmensch  de 30 cm de altura hallado en la zona de Hohlenstein Stadel, en Alemania, es una figura antropomórfica mitad león, mitad humana, tallada en marfil de mamut lanudo . Su antigüedad se ha datado entre 35 000 y 40 000 años antes del presente, lo que lo convierte, junto con la Venus de Hohle Fels , en uno de los ejemplos de escultura más antiguos conocidos y cuya datación no ha sido refutada. ^{[ 25 ]} 

Gran parte del arte prehistórico que ha sobrevivido consiste en pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas femeninas de Venus como la Venus de Willendorf (24-26 000  a. C.) encontradas en Europa central. ^{[ 26 ]} El Reno Nadador de hace unos 13 000 años es una de las mejores de varias tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico Superior , aunque son superadas en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. ^{[ 27 ]} Dos de las esculturas prehistóricas más grandes se pueden encontrar en las cuevas de Tuc d'Audobert en Francia, donde hace unos 12-17 000 años un maestro escultor usó una herramienta de piedra similar a una espátula y los dedos para modelar un par de grandes bisontes en arcilla contra una roca caliza. ^{[ 28 ]}

Con el inicio del Mesolítico en Europa, la escultura figurativa se redujo considerablemente, ^{[ 29 ]} y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad del Bronce . ^{[ 30 ]}

Desde el antiguo Cercano Oriente , el Hombre de Urfa, de piedra y de tamaño mayor que el natural, procedente de la actual Turquía , data de alrededor del 9000 a. C., y las Estatuas de Ain Ghazal de entre el 7200 y el 6500 a. C. Estas últimas, procedentes de la actual Jordania , están hechas de yeso de cal y cañas, y miden aproximadamente la mitad del tamaño natural; hay 15 estatuas, algunas con dos cabezas una al lado de la otra, y 15 bustos. Pequeñas figuras de arcilla de personas y animales se encuentran en numerosos yacimientos del Cercano Oriente, pertenecientes al Neolítico Precerámico , y representan el inicio de una tradición más o menos continua en la región.

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  Löwenmensch , procedente de Hohlenstein-Stadel , actualmente en el Museo de Ulm , Alemania , es la estatuilla antropomórfica animal-humana más antigua conocida , de la época auriñaciense  , con una antigüedad aproximada de 35.000 a 40.000  años .
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  Adorante de la cueva de Geißenklösterle , Alemania , c.  35-40 000  años antes del presente.
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  Caballo salvaje de la cueva de Vogelherd, Alemania , c.  33-35 000  años antes del presente.
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  Venus de Laussel, c.  27.000  años antes del presente, una talla del Paleolítico Superior, Museo de Burdeos, Francia.
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  Hiena reptante, c.  12.000–17.000  años antes del presente, marfil de mamut , hallada en La Madeleine , Francia.
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  Renos nadadores, c. 13.000 años AP, hembra y macho nadadores – período Magdaleniense tardío , encontrados en Montastruc, Tarn et Garonne, Francia.
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  Hombre de Urfa , en el Museo de Şanlıurfa ; arenisca, 1,80 metros, c. 9.000 a. C.
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  El carro solar de Trundholm , quizás entre 1800 y 1500 a. C.; este lado está dorado , el otro es "oscuro".
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  Figura de dogū del período Jōmon , primer milenio a. C., Japón.

El primer estilo distintivo de la escultura griega antigua se desarrolló en el período cicládico de la Edad del Bronce Temprana (III milenio a. C.), donde las figuras de mármol, generalmente femeninas y pequeñas, se representan en un estilo geométrico elegantemente simplificado. La postura más típica es la de pie con los brazos cruzados al frente, pero también se muestran otras figuras en diferentes posturas, incluyendo una figura compleja de un arpista sentado en una silla. ^{[ 47 ]}

Las culturas minoica y micénica posteriores desarrollaron aún más la escultura, bajo la influencia de Siria y otras regiones, pero es en el período Arcaico tardío , alrededor del 650 a. C., cuando se desarrolló el kouros . Se trata de grandes estatuas de jóvenes desnudos de pie, encontradas en templos y tumbas, con la kore como su equivalente femenino vestido, con elaborados peinados; ambas presentan la « sonrisa arcaica ». Parece que cumplían diversas funciones, quizás representando a veces deidades y otras veces a la persona enterrada en una tumba, como en el caso del Kouros de Kroisos . Están claramente influenciados por los estilos egipcio y sirio, pero los artistas griegos estaban mucho más dispuestos a experimentar dentro del estilo.

Durante el siglo VI a. C., la escultura griega se desarrolló rápidamente, volviéndose más naturalista y con poses de figuras mucho más activas y variadas en escenas narrativas, aunque todavía dentro de convenciones idealizadas. Se añadieron frontones esculpidos a los templos , incluido el Partenón en Atenas, donde los restos del frontón de alrededor del 520 a. C. que utilizaba figuras de bulto redondo se utilizaron afortunadamente como relleno para nuevos edificios después del saqueo persa en el 480 a. C., y se recuperaron a partir de la década de 1880 en buen estado de conservación. Otros restos significativos de escultura arquitectónica provienen de Paestum en Italia, Corfú , Delfos y el Templo de Afaya en Egina (gran parte ahora en Múnich ). ^{[ 48 ]} La mayoría de las esculturas griegas originalmente incluían al menos algo de color; el Museo Ny Carlsberg Glyptotek en Copenhague, Dinamarca, ha realizado una extensa investigación y recreación de los colores originales. ^{[ 49 ] [ 50 ]}

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  Estatua cicládica, 2700-2300 a. C. Cabeza de figura femenina, 27 centímetros de altura . 
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  Figurilla femenina cicládica, c. 2500–2400 a. C. , 41,5 cm (16,3 pulgadas) de altura.  
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  Micenas, 1600-1500 a. C. Ritón de plata con cuernos de oro y roseta en la frente.
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  Kouros de Nueva York de tamaño natural , c. 590-580 a. C., Museo Metropolitano de Arte.
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  La " Esfinge de Naxia " de Delfos , 570-560 a. C., la figura mide 222 cm (87 pulgadas) de alto.  
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  Kore de peplo , c. 530 a. C., Atenas , Museo de la Acrópolis.

Clásico

Existen menos restos originales de la primera fase del período clásico, a menudo denominada estilo severo ; las estatuas exentas se realizaban ahora mayoritariamente en bronce, que siempre tuvo valor como chatarra. El estilo severo abarcó desde alrededor del año 500 en relieves hasta aproximadamente el 480 en estatuas, y poco después hasta alrededor del 450. Las posturas relativamente rígidas de las figuras se suavizaron, y las posiciones de giro asimétricas y las vistas oblicuas se hicieron comunes y se buscaron deliberadamente. Esto se combinó con una mejor comprensión de la anatomía y la estructura armoniosa de las figuras esculpidas, y la búsqueda de la representación naturalista como objetivo, algo que no había estado presente anteriormente. Las excavaciones en el Templo de Zeus, Olimpia, desde 1829, han revelado el mayor grupo de restos, de alrededor del año 460, muchos de los cuales se encuentran en el Louvre . ^{[ 51 ]}

El período "Clásico Alto" duró solo unas pocas décadas, desde aproximadamente el 450 hasta el 400, pero tuvo una influencia trascendental en el arte y conserva un prestigio especial, a pesar del número muy limitado de obras originales que se conservan. Las obras más conocidas son los mármoles del Partenón , tradicionalmente (desde Plutarco ) ejecutados por un equipo liderado por el escultor griego antiguo más famoso , Fidias , activo desde aproximadamente el 465 hasta el 425, quien en su época fue más famoso por su colosal estatua crisoelefantina de Zeus en Olimpia (c. 432), una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo , su Atenea Parthenos (438), la imagen de culto del Partenón , y Atenea Promachos , una colosal figura de bronce que se encontraba junto al Partenón; todas estas obras se han perdido, pero se conocen a través de numerosas representaciones. También se le atribuye la creación de algunas estatuas de bronce de tamaño natural conocidas solo por copias posteriores cuya identificación es controvertida, incluido el Hermes Ludovisi . ^{[ 52 ]}

El estilo del Alto Clasicismo continuó desarrollando el realismo y la sofisticación en la figura humana, y mejoró la representación de los drapeados (vestimentas), utilizándolos para realzar el impacto de las poses dinámicas. Las expresiones faciales solían ser muy contenidas, incluso en las escenas de combate. La composición de grupos de figuras en relieves y frontones combinaba complejidad y armonía de una manera que tuvo una influencia permanente en el arte occidental. El relieve podía ser muy alto, como en la ilustración del Partenón que se muestra a continuación, donde la mayor parte de la pierna del guerrero está completamente separada del fondo, al igual que las partes faltantes; un relieve tan alto hacía que las esculturas fueran más susceptibles a los daños. ^{[ 53 ]} El estilo del Clasicismo Tardío desarrolló la estatua femenina desnuda de pie, supuestamente una innovación de Praxíteles , y desarrolló poses cada vez más complejas y sutiles que resultaban interesantes al ser vistas desde diferentes ángulos, así como rostros más expresivos; ambas tendencias se llevarían mucho más lejos en el período helenístico. ^{[ 54 ]}

Helenístico

El período helenístico se fecha convencionalmente a partir de la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C., y termina con la conquista final de los territorios griegos centrales por Roma en el 146 a. C. o con la derrota final del último estado sucesor restante del imperio de Alejandro después de la batalla de Actium en el 31 a. C., que también marca el fin de la Roma republicana . ^{[ 55 ]} Por lo tanto, es mucho más largo que los períodos anteriores e incluye al menos dos fases principales: un estilo "pergamino" de experimentación, exuberancia y cierta sentimentalidad y vulgaridad, y en el siglo II a. C. un retorno clasicista a una simplicidad y elegancia más austeras; más allá de tales generalizaciones, la datación suele ser muy incierta, especialmente cuando solo se conocen copias posteriores, como suele ser el caso. El estilo inicial de Pérgamo no estaba especialmente asociado con Pérgamo , de la que toma su nombre, pero los reyes muy ricos de ese estado fueron de los primeros en coleccionar y copiar escultura clásica, y también encargaron muchas obras nuevas, incluido el famoso Altar de Pérgamo, cuya escultura se encuentra ahora principalmente en Berlín y que ejemplifica el nuevo estilo, al igual que el Mausoleo de Halicarnaso (otra de las Siete Maravillas), el famoso Laocoonte y sus hijos en los Museos Vaticanos , un ejemplo tardío, y el original de bronce del Galo moribundo (ilustrado arriba), que sabemos que formaba parte de un grupo encargado para Pérgamo alrededor del 228 a. C., del cual el Galo Ludovisi también era una copia. El grupo llamado el Toro Farnesio , posiblemente un original de mármol del siglo II, es aún más grande y complejo, ^{[ 56 ]}

La escultura helenística amplió enormemente la variedad de temas representados, en parte como resultado de una mayor prosperidad general y del surgimiento de una clase muy adinerada con grandes casas decoradas con esculturas. Sin embargo, sabemos que algunos ejemplos de temas que parecen más apropiados para el hogar, como niños con animales, se ubicaban en templos u otros lugares públicos. Para un mercado de decoración doméstica mucho más popular, existían las figurillas de Tanagra y las de otros centros donde se producían pequeñas figuras de cerámica a escala industrial, algunas religiosas, pero otras que representaban animales y damas elegantemente vestidas. Los escultores adquirieron mayor destreza técnica para representar expresiones faciales que transmitían una amplia gama de emociones, así como para retratar individuos de diferentes edades y razas. Los relieves del Mausoleo son bastante atípicos en este sentido; la mayoría de las obras eran exentas, y las composiciones grupales con varias figuras que se podían apreciar desde todos los ángulos, como el Laocoonte y el grupo de Pérgamo que celebra la victoria sobre los galos, se popularizaron, habiendo sido poco comunes hasta entonces. El Fauno Barberini , que muestra a un sátiro tendido y dormido, presumiblemente después de haber bebido, es un ejemplo de la relajación moral de la época y de la disposición a crear esculturas grandes y costosas de temas que no alcanzan el nivel heroico. ^{[ 57 ]}

Tras las conquistas de Alejandro, la cultura helenística dominó las cortes de la mayor parte del Cercano Oriente y de algunas zonas de Asia Central , siendo cada vez más adoptada por las élites europeas, especialmente en Italia, donde las colonias griegas controlaban inicialmente la mayor parte del sur. El arte y los artistas helenísticos se difundieron ampliamente y tuvieron una influencia particularmente fuerte en la creciente República Romana y en su encuentro con el budismo en las extensiones más orientales del territorio helenístico. El enorme sarcófago de Alejandro , hallado en Sidón (actual Líbano), probablemente fue realizado allí a principios de este periodo por artistas griegos expatriados para un gobernador persa helenizado. ^{[ 58 ]} La riqueza de la época propició un aumento considerable en la producción de esculturas de lujo de pequeño formato, incluyendo gemas y camafeos grabados, joyería y objetos de oro y plata.

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  Los Bronces de Riace , figuras de bronce muy raras recuperadas del mar, c. 460–430
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  Hermes y el infante Dioniso , posiblemente un original de Praxíteles , siglo IV.
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  Dos elegantes damas, figurillas de cerámica, 350–300
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  Estatuilla de bronce de un caballo, finales del siglo II - siglo I a. C. Museo Metropolitano de Arte
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  La Victoria Alada de Samotracia , c. 190 a. C. , Museo del Louvre.
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  Venus de Milo , c. 130 –100 a. C., griego , el Louvre
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  Laocoonte y sus hijos , griego ( período helenístico tardío ), posiblemente una copia, entre el 200 a. C. y el 20 d. C., mármol blanco , Museo Vaticano.
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  Leochares , Apolo Belvedere , c. 130-140 d. C. Copia romana de un original griego de bronce de 330-320 a. C. Museos Vaticanos.

La escultura renacentista propiamente dicha suele considerarse que comienza con el famoso concurso para las puertas del Baptisterio de Florencia en 1403, del cual se conservan los modelos de prueba presentados por el ganador, Lorenzo Ghiberti , y Filippo Brunelleschi . Las puertas de Ghiberti aún se conservan, pero sin duda fueron eclipsadas por su segundo par para la otra entrada, las llamadas Puertas del Paraíso , que lo llevaron de 1425 a 1452, y son composiciones clasicistas deslumbrantemente seguras con profundidades de relieve variadas que permiten fondos extensos. ^{[ 82 ]} Los años intermedios vieron al asistente inicial de Ghiberti, Donatello, desarrollarse con estatuas seminales, incluyendo sus Davids en mármol (1408-09) y bronce (década de 1440), y su estatua ecuestre de Gattamelata , así como relieves. ^{[ 83 ]} Una figura destacada en el período posterior fue Andrea del Verrocchio , más conocido por su estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni en Venecia; ^{[ 84 ]} Su alumno Leonardo da Vinci diseñó una escultura equina en 1482, El caballo para Milán , pero solo logró hacer un modelo de arcilla de 7,3 m (24 pies) que fue destruido por arqueros franceses en 1499, y sus otros ambiciosos planes escultóricos nunca se completaron. ^{[ 85 ]} 

El período estuvo marcado por un gran aumento en el mecenazgo de la escultura por parte del Estado para el arte público y por parte de los ricos para sus hogares; especialmente en Italia, la escultura pública sigue siendo un elemento crucial en la apariencia de los centros históricos de las ciudades. La escultura de las iglesias se trasladó mayoritariamente al interior, al tiempo que los monumentos públicos exteriores se hicieron comunes. La escultura de retrato, generalmente en bustos, se popularizó en Italia alrededor de 1450, con el napolitano Francesco Laurana especializándose en mujeres jóvenes en poses meditativas, mientras que Antonio Rossellino y otros representaban con mayor frecuencia a hombres de negocios de rostro nudoso, pero también a niños pequeños. ^{[ 86 ]} La medalla de retrato inventada por Pisanello también representaba a menudo a mujeres; las plaquetas en relieve fueron otra nueva forma pequeña de escultura en metal fundido.

Miguel Ángel fue un escultor activo desde aproximadamente 1500 hasta 1520, y sus grandes obras maestras, incluyendo su David , la Piedad , Moisés y las piezas para la tumba del papa Julio II y la capilla de los Médici, no pudieron ser ignoradas por los escultores posteriores. Su icónico David (1504) presenta una pose de contrapposto , tomada de la escultura clásica. Se diferencia de las representaciones anteriores del tema en que David es representado antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En lugar de ser mostrado victorioso, como lo hicieron Donatello y Verocchio, David luce tenso y listo para la batalla. ^{[ 87 ]}

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  Lorenzo Ghiberti , panel del Sacrificio de Isaac de las puertas del Baptisterio de Florencia ; vista oblicua aquí
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  Luca della Robbia , detalle de Cantoria , c. 1438 , Museo dell'Opera del Duomo , Florencia
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  Donatello , David, c. 1440 , Museo del Bargello , Florencia
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  Donatello , Judit y Holofernes , c. 1460 , Palacio Vecchio , Florencia
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  Francesco Laurana , busto femenino (elenco)
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  Verrocchio , Tomás el incrédulo , 1467–1483, Orsanmichele , Florencia
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  Miguel Ángel , David , c. 1504 , Galería de la Academia , Florencia
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  Miguel Ángel , Esclavo moribundo , c. 1513–1516

Como en la pintura, la escultura manierista italiana temprana fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que superara el logro del Alto Renacimiento , que en escultura significaba esencialmente Miguel Ángel, y gran parte de la lucha por lograrlo se desarrolló en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, junto al David de Miguel Ángel . Baccio Bandinelli tomó el proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero no fue mucho más popular que ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con "un saco de melones", aunque tuvo un efecto duradero al introducir aparentemente por primera vez paneles en relieve en el pedestal de las estatuas. Como otras obras suyas, y de otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que lo habría hecho Miguel Ángel. ^{[ 88 ]} El Perseo de bronce con la cabeza de Medusa de Cellini es sin duda una obra maestra, diseñado con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, pero es ciertamente manierista en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. ^{[ 89 ]} Originalmente orfebre, su famoso salero de oro y esmalte (1543) fue su primera escultura y muestra su talento en su máxima expresión. ^{[ 90 ]} Como muestran estos ejemplos, el período amplió la gama de temas seculares para obras de gran formato más allá de los retratos, con figuras mitológicas especialmente favorecidas; anteriormente, estas se encontraban principalmente en obras de pequeño formato.

Las pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionistas , a menudo con temas mitológicos y desnudos, fueron una forma popular del Renacimiento en la que Giambologna , originario de Flandes pero afincado en Florencia, sobresalió a finales de siglo, creando también esculturas de tamaño natural, dos de las cuales se incorporaron a la colección de la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes ejemplos alargados de la figura serpentinata , a menudo de dos figuras entrelazadas, que resultaban interesantes desde todos los ángulos. ^{[ 91 ]}

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  Puerta superior de estuco en Fontainebleau , probablemente diseñada por Primaticcio , quien pintó el recuadro ovalado, década de 1530 o 1540.
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  Benvenuto Cellini , Perseo con la cabeza de Medusa , 1545-1554
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  Giambologna , Sansón matando a un filisteo , alrededor de 1562
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  Giambologna , El rapto de las sabinas , 1583, Florencia, Italia, 4,1  m de altura, mármol.

En la escultura barroca, los grupos de figuras adquirieron una nueva importancia, y había un movimiento dinámico y una energía en las formas humanas: giraban en espiral alrededor de un vórtice central vacío o se extendían hacia el espacio circundante. La escultura barroca a menudo tenía múltiples ángulos de visión ideales y reflejaba una continuación general del movimiento renacentista que se alejaba del relieve para crear escultura tridimensional, diseñada para ser colocada en el centro de un gran espacio; las elaboradas fuentes como la Fontana dei Quattro Fiumi de Bernini (Roma, 1651) o las de los Jardines de Versalles eran una especialidad barroca. El estilo barroco se adaptaba perfectamente a la escultura, con Gian Lorenzo Bernini como la figura dominante de la época en obras como El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652). ^{[ 92 ]} Gran parte de la escultura barroca añadía elementos extraescultóricos, por ejemplo, iluminación oculta o fuentes de agua, o fusionaba escultura y arquitectura para crear una experiencia transformadora para el espectador. Los artistas se consideraban parte de la tradición clásica, pero admiraban la escultura helenística y la romana posterior, en lugar de la de los períodos más "clásicos" tal como se perciben hoy en día. ^{[ 93 ]}

La Reforma Protestante puso fin casi por completo a la escultura religiosa en gran parte del norte de Europa, y aunque la escultura secular, especialmente los bustos de retratos y los monumentos funerarios , continuó, la Edad de Oro holandesa no tiene un componente escultórico significativo fuera de la orfebrería. ^{[ 94 ]} En parte como reacción directa, la escultura fue tan prominente en el catolicismo romano como a finales de la Edad Media. Las estatuas de gobernantes y la nobleza se hicieron cada vez más populares. En el siglo XVIII, gran parte de la escultura continuó con líneas barrocas; la Fontana di Trevi no se terminó hasta 1762. El estilo rococó se adaptaba mejor a las obras más pequeñas y, posiblemente, encontró su forma escultórica ideal en la porcelana europea temprana y en los esquemas decorativos de interiores en madera o yeso, como los de los interiores domésticos franceses y las iglesias de peregrinación austriacas y bávaras . ^{[ 95 ]}

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  Santa Verónica, obra de Francesco Mochi (1640), Basílica de San Pedro
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  Bust of Louis XIV, 1686, by Antoine Coysevox
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  Pierre Paul Puget, Perseus and Andromeda, 1715, Musée du Louvre
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  Franz Anton Bustelli, RococoNymphenburg Porcelain group

The Neoclassical style that arrived in the late 18th century gave great emphasis to sculpture. Jean-Antoine Houdon exemplifies the penetrating portrait sculpture the style could produce, and Antonio Canova's nudes the idealist aspect of the movement. The Neoclassical period was one of the great ages of public sculpture, though its "classical" prototypes were more likely to be Roman copies of Hellenistic sculptures. In sculpture, the most familiar representatives are the Italian Antonio Canova, the Englishman John Flaxman and the Dane Bertel Thorvaldsen. The European neoclassical manner also took hold in the United States, where its pinnacle occurred somewhat later and is exemplified in the sculptures of Hiram Powers. ^[96]

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  Jean-Antoine Houdon, Bust of Benjamin Franklin, 1778, Metropolitan Museum of Art
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  John Flaxman, Memorial in the church at Badger, Shropshire, c.1780s
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  Bertel Thorvaldsen: Jason and the Golden Fleece (1803)
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  Hiram Powers, 1851, The Greek Slave, Yale University Art Gallery

Greco-Buddhist art is the artistic manifestation of Greco-Buddhism, a cultural syncretism between the Classical Greek culture and Buddhism, which developed over a period of close to 1000 years in Central Asia, between the conquests of Alexander the Great in the 4th century BCE, and the Islamic conquests of the 7th century CE. Greco-Buddhist art is characterized by the strong idealistic realism of Hellenistic art and the first representations of the Buddha in human form, which have helped define the artistic (and particularly, sculptural) canon for Buddhist art throughout the Asian continent up to the present. Though dating is uncertain, it appears that strongly Hellenistic styles lingered in the East for several centuries after they had declined around the Mediterranean, as late as the 5th century CE. Some aspects of Greek art were adopted while others did not spread beyond the Greco-Buddhist area; in particular the standing figure, often with a relaxed pose and one leg flexed, and the flying cupids or victories, who became popular across Asia as apsaras. Greek foliage decoration was also influential, with Indian versions of the Corinthian capital appearing.^[97]

The origins of Greco-Buddhist art are to be found in the Hellenistic Greco-Bactrian kingdom (250–130 BCE), located in today's Afghanistan, from which Hellenistic culture radiated into the Indian subcontinent with the establishment of the small Indo-Greek kingdom (180–10 BCE). Under the Indo-Greeks and then the Kushans, the interaction of Greek and Buddhist culture flourished in the area of Gandhara, in today's northern Pakistan, before spreading further into India, influencing the art of Mathura, and then the Hindu art of the Gupta empire, which was to extend to the rest of South-East Asia. The influence of Greco-Buddhist art also spread northward towards Central Asia, strongly affecting the art of the Tarim Basin and the Dunhuang Caves, and ultimately the sculpted figure in China, Korea, and Japan.^[98]

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  Obverse of a coin of Demetrius I of Bactria, who reigned circa 200–180 BCE and invaded Northern India
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  Gandhara frieze with devotees, holding plantain leaves, in purely Hellenistic style, inside Corinthian columns, 1st–2nd century CE. Buner, Swat, Pakistan. Victoria and Albert Museum
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  Fragment of the wind god Boreas, Hadda, Afghanistan.
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  Stucco Buddha head, once painted, from Hadda, Afghanistan, 3rd–4th centuries
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  Gandhara Poseidon (Ancient Orient Museum)
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  The Buddhist gods Pancika (left) and Hariti (right), 3rd century, Takht-i-Bahi, Pakistan
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  Taller Buddha of Bamiyan, c.547 CE, in 1963 and in 2008 after they were dynamited and destroyed in March 2001 by the Taliban in Afghanistan

Chinese ritual bronzes from the Shang and Western Zhou dynasties come from a period of over a thousand years from c.1500 BCE, and have exerted a continuing influence over Chinese art. They are cast with complex patterned and zoomorphic decoration, but avoid the human figure, unlike the huge figures only recently discovered at Sanxingdui.^[99] The spectacular Terracotta Army was assembled for the tomb of Qin Shi Huang, the first emperor of a unified China from 221 to 210 BCE, as a grand imperial version of the figures long placed in tombs to enable the deceased to enjoy the same lifestyle in the afterlife as when alive, replacing actual sacrifices of very early periods. Smaller figures in pottery or wood were placed in tombs for many centuries afterwards, reaching a peak of quality in Tang dynasty tomb figures.^[100] The tradition of unusually large pottery figures persisted in China, through Tang sancai tomb figures to later Buddhist statues such as the near life-size set of Yixian glazed pottery luohans and later figures for temples and tombs. These came to replace earlier equivalents in wood.

Native Chinese religions do not usually use cult images of deities, or even represent them, and large religious sculpture is nearly all Buddhist, dating mostly from the 4th to the 14th century, and initially using Greco-Buddhist models arriving via the Silk Road. Buddhism is also the context of all large portrait sculpture; in total contrast to some other areas, in medieval China even painted images of the emperor were regarded as private. Imperial tombs have spectacular avenues of approach lined with real and mythological animals on a scale matching Egypt, and smaller versions decorate temples and palaces.^[101]

Small Buddhist figures and groups were produced to a very high quality in a range of media,^[102] as was relief decoration of all sorts of objects, especially in metalwork and jade.^[103] In the earlier periods, large quantities of sculpture were cut from the living rock in pilgrimage cave-complexes, and as outside rock reliefs. These were mostly originally painted. In notable contrast to literati painters, sculptors of all sorts were regarded as artisans and very few names are recorded.^[104] From the Ming dynasty onwards, statuettes of religious and secular figures were produced in Chinese porcelain and other media, which became an important export.

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  A bronze ding from late Shang dynasty (13th century–10th century BCE)
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  A tomb guardian usually placed inside the doors of the tomb to protect or guide the soul, Warring States period, c.3rd century BCE
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  Lifesize calvalryman from the Terracotta Army, Qin dynasty, c.3rd century BCE
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  Gold stag with eagle's head, and ten further heads in the antlers. An object inspired by the art of the Siberian Altai mountain, possibly Pazyryk, unearthed at the site of Nalinggaotu, Shenmu County, near Xi'an, China.^[105] Possibly from the "Hun people who lived in the prairie in Northern China". Dated to the 4th-3rd century BCE,^[105] or Han dynasty period.^[106]Shaanxi History Museum.^[106]
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  Tomb figure of dancing girl, Han dynasty (202 BCE—220 CE)
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  Bronze cowrie container with yaks, from the Dian Kingdom (4th century BCE – 109 BCE) tradition of the Western Han
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  Northern Wei dynastyMaitreya (386–534)
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  Tang dynasty tomb figure in sancai glaze pottery, horse and groom (618–907)
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  Seated Buddha, Tang dynasty c. 650.
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  A wooden Bodhisattva from the Song dynasty (960–1279)
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  Chinese jade Cup with Dragon Handles, Song dynasty, 12th century
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  Blue underglaze statue of a man with his pipe, Jingdezhen porcelain, Ming Wanli period (1573–1620)
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  GuanyinBodhisattva in Blanc de Chine (Dehua porcelain), by He Chaozong, Ming dynasty, early 17th century
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  A Chinese guardian lion outside Yonghe Temple, Beijing, Qing dynasty, c.1694

Towards the end of the long NeolithicJōmon period, some pottery vessels were "flame-rimmed" with extravagant extensions to the rim that can only be called sculptural,^[107] and very stylized pottery dogū figures were produced, many with the characteristic "snow-goggle" eyes. During the Kofun period of the 3rd to 6th century CE, haniwa terracotta figures of humans and animals in a simplistic style were erected outside important tombs. The arrival of Buddhism in the 6th century brought with it sophisticated traditions in sculpture, Chinese styles mediated via Korea. The 7th-century Hōryū-ji and its contents have survived more intact than any East Asian Buddhist temple of its date, with works including a Shaka Trinity of 623 in bronze, showing the historical Buddha flanked by two bodhisattvas and also the Guardian Kings of the Four Directions.^[108]

Jōchō is said to be one of the greatest Buddhist sculptors not only in Heian period but also in the history of Buddhist statues in Japan. Jōchō redefined the body shape of Buddha statues by perfecting the technique of "yosegi zukuri" (寄木造り) which is a combination of several woods. The peaceful expression and graceful figure of the Buddha statue that he made completed a Japanese style of sculpture of Buddha statues called "Jōchō yō" (Jōchō style, 定朝様) and determined the style of Japanese Buddhist statues of the later period. His achievement dramatically raised the social status of busshi (Buddhist sculptor) in Japan.^[109]

In the Kamakura period, the Minamoto clan established the Kamakura shogunate and the samurai class virtually ruled Japan for the first time. Jocho's successors, sculptors of the Kei school of Buddhist statues, created realistic and dynamic statues to suit the tastes of samurai, and Japanese Buddhist sculpture reached its peak. Unkei, Kaikei, and Tankei were famous, and they made many new Buddha statues at many temples such as Kofuku-ji, where many Buddha statues had been lost in wars and fires.^[110]

Almost all subsequent significant large sculpture in Japan was Buddhist, with some Shinto equivalents, and after Buddhism declined in Japan in the 15th century, monumental sculpture became largely architectural decoration and less significant.^[111] However sculptural work in the decorative arts was developed to a remarkable level of technical achievement and refinement in small objects such as inro and netsuke in many materials, and metal tosogu or Japanese sword mountings. In the 19th century there were export industries of small bronze sculptures of extreme virtuosity, ivory and porcelain figurines, and other types of small sculpture, increasingly emphasizing technical accomplishment.

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  'Flame-style' vessel, Neolithic Jōmon period; c.2750 BCE; earthenware with carved and applied decoration; height: 61 cm, diameter: 55.8 cm
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  Dogū with "snow-goggle" eyes, 1000–400 BCE
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  6th-century haniwa figure
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  Kongo Rishiki (Guardian Deity) at the Central Gate of Hōryū-ji
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  Taishakuten Śakra, 839, Tō-ji
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  Muchaku by Unkei, 1212, Kōfuku-ji, National Treasure
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  Tsuba sword fitting with a "Rabbit Viewing the Autumn Moon", bronze, gold and silver, between 1670 and 1744
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  Izumiya Tomotada, netsuke in the form of a dog, late 18th century
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  Eagle by Suzuki Chokichi, 1892, Tokyo National Museum

The first known sculpture in the Indian subcontinent is from the Indus Valley civilization (3300–1700 BCE), found in sites at Mohenjo-daro and Harappa in modern-day Pakistan. These include the famous small bronze female dancer and the so-called Priest-king. However, such figures in bronze and stone are rare and greatly outnumbered by pottery figurines and stone seals, often of animals or deities very finely depicted. After the collapse of the Indus Valley civilization there is little record of sculpture until the Buddhist era, apart from a hoard of copper figures of (somewhat controversially) c.1500 BCE from Daimabad.^[112] Thus the great tradition of Indian monumental sculpture in stone appears to begin, relative to other cultures, and the development of Indian civilization, relatively late, with the reign of Asoka from 270 to 232 BCE, and the Pillars of Ashoka he erected around India, carrying his edicts and topped by famous sculptures of animals, mostly lions, of which six survive.^[113] Large amounts of figurative sculpture, mostly in relief, survive from Early Buddhist pilgrimage stupas, above all Sanchi; these probably developed out of a tradition using wood that also embraced Hinduism.^[114]

The pink sandstone Hindu, Jain and Buddhist sculptures of Mathura from the 1st to 3rd centuries CE reflected both native Indian traditions and the Western influences received through the Greco-Buddhist art of Gandhara, and effectively established the basis for subsequent Indian religious sculpture.^[114] The style was developed and diffused through most of India under the Gupta Empire (c.320–550) which remains a "classical" period for Indian sculpture, covering the earlier Ellora Caves,^[115] though the Elephanta Caves are probably slightly later.^[116] Later large-scale sculpture remains almost exclusively religious, and generally rather conservative, often reverting to simple frontal standing poses for deities, though the attendant spirits such as apsaras and yakshi often have sensuously curving poses. Carving is often highly detailed, with an intricate backing behind the main figure in high relief. The celebrated bronzes of the Chola dynasty (c.850–1250) from south India, many designed to be carried in processions, include the iconic form of Shiva as Nataraja,^[117] with the massive granite carvings of Mahabalipuram dating from the previous Pallava dynasty.^[118]

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  The "Dancing Girl" of Mohenjo-daro, 3rd or 2nd millennium BCE
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  Ashoka Pillar, Vaishali, Bihar, c.250 BCE
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  Didarganj Yakshi. Uncertain date, but it has the fine Mauryan polish associated with Mauryan art
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  Stupa gateway at Sanchi, c.100 CE or perhaps earlier, with densely packed reliefs
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  Buddha from Sarnath, 5th–6th century CE
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  The Colossal trimurti at the Elephanta Caves
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  Rock-cut temples at Ellora
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  Jain shrine with Rishabhanatha, Parshvanatha, Neminatha, and Mahavira, 6th century
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  Hindu, Chola period, 1000
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  Typical medieval frontal standing statue of Vishnu, 950–1150
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  Khajuraho Temple
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  Marble Sculpture of female yakshi in typical curving pose, c.1450, Rajasthan
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  Gopuram of the Thillai Nataraja Temple, Chidambaram, Tamil Nadu, densely packed with rows of painted statues
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  Sculpture of Guardian at the entrance of the Mandapam of Sri Jalagandeeswarar Temple, Vellore, Tamil Nadu

9th-century Khmer lintel

The sculpture of the region tends to be characterised by a high degree of ornamentation, as seen in the great monuments of Hindu and Buddhist Khmer sculpture (9th to 13th centuries) at Angkor Wat and elsewhere, the enormous 9th-century Buddhist complex at Borobudur in Java, and the Hindu monuments of Bali.^[119] Both of these include many reliefs as well as figures in the round; Borobudur has 2,672 relief panels, 504 Buddha statues, many semi-concealed in openwork stupas, and many large guardian figures.

In Thailand and Laos, sculpture was mainly of Buddha images, often gilded, both large for temples and monasteries, and small figurines for private homes. Traditional sculpture in Myanmar emerged before the Bagan period. As elsewhere in the region, most of the wood sculptures of the Bagan and Ava periods have been lost.

Traditional Anitist sculptures from the Philippines are dominated by Anitist designs mirroring the medium used and the culture involved, while being highlighted by the environments where such sculptures are usually placed on. Christian and Islamic sculptures from the Philippines have different motifs compared to other Christian and Islamic sculptures elsewhere. In later periods Chinese influence predominated in Vietnam, Laos and Cambodia, and more wooden sculpture survives from across the region.

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  One of the AnitistMaitum anthropomorphic pottery from Sarangani, Philippines c.5 BC – 370 AD
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  Relief sculpture from Borobudur temple, Indonesia, c.760–830
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  VairocanaBuddha from Borobudur temple, Indonesia, c.760–830
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  Bronze Avalokiteshvara of Chaiya torso from Chaiya, Southern Thailand, Srivijayan art, c.8th century
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  Bronze Avalokiteshvara from Bidor, Perak, Malaysia, c.8th-9th century
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  The AnitistAgusan image from Agusan del Sur, Philippines, 9th-10th century
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  Vishnu from Prasat Rup Arak, Kulen, Khmer art, Cambodia, c.800–875
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  An Anitistsarimanok sculpture from Lanao, Philippines
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  An Islamic sculpture of a buraq, southern Philippines
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  Head of Jayavarman VII, Khmer art, Cambodia, c.late 12th century
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  Buddha in Ananda Temple, Bagan, Myanmar, c.1105
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  Stone bas-relief of apsaras from Bayon temple, Cambodia, c.1200
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  PrajnaparamitaSinghasari art, East Java, Indonesia, c.13th century
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  Phra Achana, Wat Si Chum, Big Buddha image in Sukhothai, Thailand, c.14th century
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  "the Buddha calling the earth to witness", The Buddha's hands are in the bhūmisparsa mudrā (subduing Māra) position. Ho Phra Kaeo temple, Vientiane, Laos

The creation of sculptures in Ethiopia and Eritrea can be traced back to its ancient past with the kingdoms of Dʿmt and Aksum. Christian art was established in Ethiopia with the conversion from paganism to Christianity in the 4th century CE, during the reign of king Ezana of Axum.^[125] Christian imagery decorated churches during the Asksumite period and later eras.^[126] For instance, at Lalibela, life-size saints were carved into the Church of Bet Golgotha; by tradition these were made during the reign of the Zagwe ruler Gebre Mesqel Lalibela in the 12th century, but they were more likely crafted in the 15th century during the Solomonic dynasty.^[127] However, the Church of Saint George, Lalibela, one of several examples of rock cut architecture at Lalibela containing intricate carvings, was built in the 10th–13th centuries as proven by archaeology.^[128]

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  Stone statue from Addi-Galamo, Tigray Province, 6th–5th century BCE
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  A jar spout from the early Kingdom of Aksum
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  The Obelisk of Axum, 4th century CE
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  A processional cross, Zagwe dynasty, 12th century
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  One of the seven life-size saints carved into the wall of the Church of Bet Golgotha, Lalibela, 15th century (traditionally believed to have been made during the reign of Gebre Mesqel Lalibela)^[127]

In ancient Sudan, the development of sculpture stretches from the simple pottery of the Kerma culture beginning around 2500 BCE to the monumental statuary and architecture of the Kingdom of Kush, its last phase—the Meroitic period—ending around 350 CE (with its conquest by Ethiopia's Aksum).^[129][130] Beyond pottery items, the Kerma culture also made furniture that contained sculptures, such as gold cattle hoofs as the legs of beds.^[129] Sculpture during the Kingdom of Kush included full-sized statues (especially of kings and queens), smaller figurines (most commonly depicting royal servants), and reliefs in stone, which were influenced by the contemporary ancient Egyptian sculptural tradition.^[131][132]

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  A ceramic jug of the Kerma culture
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  A shabti of the Nubian King Taharqa, from a pyramid of Nuri, Sudan, Twenty-fifth Dynasty of Egypt, 690–664 BCE
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  Statue of the Kushite Pharaoh Aspelta, Napata period (c. 620–580 BCE)
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  Column and elephant - part of the temple complex in Musawwarat es-Sufra, 3rd century BCE
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  Traces of paint on a relief depicting Prince Arikhankharer smiting his enemies, from the Meroitic period of the Kingdom of Kush, early 1st century CE
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  Relief of a ruler, a Candace of Meroë named Kandake Amanitore, 1st century CE

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  Olmec Baby Figure 1200–900 BCE
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  Olmec Jadeite Mask 1000–600 BCE
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  Olmec Colossal Head No. 3 1200–900 BCE
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  La Mojarra Stela 1 2nd century CE
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  Chalchiuhtlicue from Teotihuacán 200–500 CE
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  Teotihuacan mask 200–600 CE
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  Teotihuacan- Detail of the Temple of the Feathered Serpent 200–250 CE
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  A funerary urn in the shape of a "bat god" or a jaguar, Oaxaca, 300–650 CE
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  Moche portrait vessel with stirrup spout, Peru, 100 BCE–700 CE
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  K'inich Janaab Pakal I of Palenque, Maya, 603–683 CE
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  Ahkal Mo' Naab III Of Palenque, 8th century CE
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  Upakal K'inich 8th century CE, Palenque
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  Jaina Island type figure (Mayan) 650–800 CE
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  Classic Veracruz culture face 600–900 CE
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  Atlante from Tula, c.1000 CE
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  Double-headed serpent, Turquoise, red and white mosaic on wood, Aztec (possibly) Mixtec, c.1400–1521,

In North America, wood was sculpted for totem poles, masks, utensils, War canoes and a variety of other uses, with distinct variation between different cultures and regions. The most developed styles are those of the Pacific Northwest Coast, where a group of elaborate and highly stylized formal styles developed forming the basis of a tradition that continues today. In addition to the famous totem poles, painted and carved house fronts were complemented by carved posts inside and out, as well as mortuary figures and other items. Among the Inuit of the far north, traditional carving styles in ivory and soapstone are still continued.^[135]

The arrival of European Catholic culture readily adapted local skills to the prevailing Baroque style, producing enormously elaborate retablos and other mostly church sculptures in a variety of hybrid styles.^[136] The most famous of such examples in Canada is the altar area of the Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, which was carved by peasant habitant labourers. Later, artists trained in the Western academic tradition followed European styles until in the late 19th century they began to draw again on indigenous influences, notably in the Mexican baroque grotesque style known as Churrigueresque. Aboriginal peoples also adapted church sculpture in variations on Carpenter Gothic; one famous example is the Church of the Holy Cross in Skookumchuck Hot Springs, British Columbia.

The history of sculpture in the United States after Europeans' arrival reflects the country's 18th-century foundation in Roman republican civic values and Protestant Christianity. Compared to areas colonized by the Spanish, sculpture got off to an extremely slow start in the British colonies, with next to no place in churches, and was only given impetus by the need to assert nationality after independence. American sculpture of the mid- to late-19th century was often classical, often romantic, but showed a bent for a dramatic, narrative, almost journalistic realism. Public buildings during the last quarter of the 19th century and the first half of the 20th century often provided an architectural setting for sculpture, especially in relief. By the 1930s the International Style of architecture and design and art deco characterized by the work of Paul Manship and Lee Lawrie and others became popular. By the 1950s, traditional sculpture education would almost be completely replaced by a Bauhaus-influenced concern for abstract design. Minimalist sculpture replaced the figure in public settings and architects almost completely stopped using sculpture in or on their designs. Modern sculptors (21st century) use both classical and abstract inspired designs. Beginning in the 1980s, there was a swing back toward figurative public sculpture; by 2000, many of the new public pieces in the United States were figurative in design.

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  Robert Gould Shaw Memorial by Augustus Saint-Gaudens, 1884–1897
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  Frederic Remington, The Bronco Buster, 1895, cast 1918. Metropolitan Museum of Art
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  Paul Manship, Dancer and Gazelles, 1916, Smithsonian American Art Museum, Washington, DC
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  Daniel Chester French, Abraham Lincoln (1920) in the Lincoln Memorial, Washington, D.C.
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  Gertrude Vanderbilt Whitney, Buffalo Bill - The Scout, 1924, commemorating Buffalo Bill in Cody, Wyoming
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  Gutzon Borglum and his son, Lincoln Borglum, Mount Rushmore, 1927–1941. L–R, George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt, and Abraham Lincoln.
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  Lee Lawrie, The Sower, 1928 Art Deco relief on Beaumont Tower, Michigan State University
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  The K'alyaan Totem Pole of the Tlingit Kiks.ádi Clan, erected at Sitka National Historical Park to commemorate the lives lost in the 1804 Battle of Sitka

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  Richard Long, South Bank Circle, 1991 Tate Liverpool, England
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  Jean-Yves Lechevallier, Fettered wing. 1991
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  Rachel Whiteread, Judenplatz Holocaust Memorial, Vienna, 2000
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  Anish Kapoor, Turning the World Upside Down, Israel Museum, 2010
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  Guardians of Time, light sculpture by Manfred Kielnhofer at the Light Art Biennale Austria 2010
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  The Spire of Dublin officially titled the Monument of Light, stainless steel, 121.2 metres (398 feet), the world's tallest sculpture

Some modern sculpture forms are now practiced outdoors, as environmental art and environmental sculpture, often in full view of spectators. Light sculpture, street art sculpture and site-specific art also often make use of the environment. Ice sculpture is a form of ephemeral sculpture that uses ice as the raw material. It is popular in China, Japan, Canada, Sweden, and Russia. Ice sculptures feature decoratively in some cuisines, especially in Asia. Kinetic sculptures are sculptures that are designed to move, which include mobiles. Snow sculptures are usually carved out of a single block of snow about 6 to 15 feet (1.8 to 4.6 m) on each side and weighing about 20–30 tons. The snow is densely packed into a form after having been produced by artificial means or collected from the ground after a snowfall. Sound sculptures take the form of indoor sound installations, outdoor installations such as aeolian harps, automatons, or be more or less near conventional musical instruments. Sound sculpture is often site-specific. Art toys have become another format for contemporary artists since the late 1990s, such as those produced by Takashi Murakami and Kid Robot, designed by Michael Lau, or hand-made by Michael Leavitt (artist).^[146]