Mujeres artistas

Existe una larga historia del arte cerámico en casi todas las culturas desarrolladas, y a menudo los objetos de cerámica son la única evidencia artística que queda de culturas desaparecidas, como la de la cultura Nok en África hace más de 3000 años. ^{[ 8 ]} Entre las culturas especialmente destacadas por su cerámica se incluyen la china , la cretense , la griega , la persa , la maya , la japonesa y la coreana , así como las culturas occidentales modernas. Hay evidencia de que la cerámica se inventó de forma independiente en varias regiones del mundo, incluyendo Asia Oriental, África Subsahariana, el Cercano Oriente y América. Se desconoce quiénes fueron los artesanos. ^{[ 9 ] [ 10 ]}

Los primeros registros de las culturas occidentales rara vez mencionan a individuos específicos, aunque las mujeres están representadas en todo el arte y algunas aparecen trabajando como artistas. Referencias antiguas de Homero , Cicerón y Virgilio mencionan los roles prominentes de las mujeres en los textiles, la poesía, la música y otras actividades culturales, sin discutir sobre artistas individuales. Entre los primeros registros históricos europeos sobre artistas individuales se encuentra el de Plinio el Viejo , quien escribió sobre varias mujeres griegas que fueron pintoras, incluyendo a Helena de Egipto , hija de Timón de Egipto, ^{[ 11 ] [ 12 ]} Algunos críticos modernos postulan que el Mosaico de Alejandro podría no haber sido obra de Filoxeno , sino de Helena de Egipto. Una de las pocas mujeres pintoras nombradas que pudieron haber trabajado en la Antigua Grecia, ^{[ 13 ] [ 14 ]} se dice que produjo una pintura de la batalla de Issos que colgaba en el Templo de la Paz durante la época de Vespasiano . ^{[ 15 ]} Otras mujeres incluyen a Timarete , Eirene , Kalypso , Aristarete , Iaia y Olympias. Si bien solo se conserva parte de su obra, en la cerámica griega antigua hay una hidria caputi en la Colección Torno de Milán . ^{[ 16 ]} Se atribuye al pintor de Leningrado de c. 460–450 a. C. y muestra a mujeres trabajando junto a hombres en un taller donde ambos pintaban jarrones. ^{[ 17 ]}

Durante aproximadamente tres mil años, las mujeres —y solo las mujeres— de Mithila han realizado pinturas devocionales de los dioses y diosas del panteón hindú. No es exagerado, entonces, afirmar que este arte es la expresión del aspecto más genuino de la civilización india. ^{[ 18 ]}

El arte geométrico Imigongo se originó en Ruanda , en África Oriental , y está asociado con el estatus sagrado de la vaca, que se remonta a siglos atrás. Evolucionó a partir de la mezcla de estiércol de vaca con ceniza y arcilla, y el uso de tintes naturales. La paleta se limita a los colores intensos de la tierra. Este arte se asocia tradicionalmente con las mujeres artistas, al igual que el elaborado arte de la cestería de la zona, con sus propios frisos regulares. ^{[ 19 ]}

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  Una escena del Tapiz de Bayeux que representa a Odón, obispo de Bayeux , reuniendo a las tropas del duque Guillermo durante la batalla de Hastings en 1066.
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  Herrado de Landsberg , Autorretrato de Hortus deliciarum , c. 1180
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  Hildegarda de Bingen , iluminación del "Hombre Universal" del Liber Divinorum Operum de Hildegarda , 1165
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  Hildegard von Bingen , Maternidad del Espíritu y el Agua , 1165, de Liber divinorum operum, Benediktinerinnenabtei Sankt Hildegard, Eibingen (bei Rüdesheim)

Entre los artistas del período medieval se encuentran Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade de Landsberg e Hildegard de Bingen . A principios de la Edad Media, las mujeres solían trabajar junto a los hombres. Las iluminaciones de manuscritos, los bordados y los capiteles tallados de la época demuestran claramente la presencia femenina en estas artes. Los documentos revelan que también se dedicaban a la elaboración de cerveza, la carnicería, el comercio de lana y la ferretería. Los artistas de la época, incluidas las mujeres, pertenecían a un pequeño grupo social cuyo estatus les permitía eximirse de estos trabajos más extenuantes. Las mujeres artistas solían pertenecer a dos clases sociales letradas: mujeres aristocráticas adineradas o monjas. Las mujeres de la primera categoría solían crear bordados y textiles; las de la segunda, iluminaciones.

En aquella época existían numerosos talleres de bordado en Inglaterra, especialmente en Canterbury y Winchester; el Opus Anglicanum , o bordado inglés, ya era famoso en toda Europa: un inventario papal del siglo XIII contabilizó más de doscientas piezas. Se presume que las mujeres fueron las principales responsables de esta producción.

En el siglo XIV, se documenta un taller real ubicado en la Torre de Londres , y es posible que existieran otros acuerdos anteriores. La iluminación de manuscritos nos permite conocer a muchas de las artistas destacadas del período medieval, entre ellas Ende , una monja española del siglo X; Guda , una monja alemana del siglo XII; y Claricia , una laica del siglo XII que trabajaba en un scriptorium bávaro. Estas mujeres, y muchas otras iluminadoras anónimas, se beneficiaron de la naturaleza de los conventos como principales centros de aprendizaje para las mujeres de la época y la opción más viable para las intelectuales.

En muchas partes de Europa, con las reformas gregorianas del siglo XI y el auge del feudalismo, las mujeres se enfrentaron a numerosas restricciones que no habían sufrido a principios de la Edad Media. Con estos cambios sociales, el estatus del convento también cambió. En las Islas Británicas, la conquista normanda marcó el inicio del declive gradual del convento como centro de aprendizaje y lugar donde las mujeres podían alcanzar el poder. Los conventos pasaron a estar subordinados a abades varones, en lugar de estar dirigidos por una abadesa, como había ocurrido anteriormente. En la Escandinavia pagana (en Suecia), la única maestra de runas históricamente confirmada , Gunnborga , trabajó en el siglo XI. ^{[ 21 ]}

En Alemania, sin embargo, bajo la dinastía otoniana , los conventos mantuvieron su posición como instituciones de aprendizaje. Esto podría deberse en parte a que a menudo estaban dirigidos y habitados por mujeres solteras de familias reales y aristocráticas. Por lo tanto, la obra más importante del final de la Edad Media escrita por mujeres tiene su origen en Alemania, como lo ejemplifican Herrade de Landsberg e Hildegarda de Bingen . Hildegarda de Bingen (1098-1179) es un ejemplo particularmente destacado de intelectual y artista medieval alemana. Escribió Las obras divinas de un hombre sencillo , La vida meritoria , sesenta y cinco himnos, una obra de teatro sobre milagros y un extenso tratado de nueve libros sobre las diferentes naturalezas de los árboles, las plantas, los animales, las aves, los peces, los minerales y los metales. Desde temprana edad, afirmó tener visiones. Cuando el Papado respaldó estas afirmaciones de la directora del convento, su posición como importante intelectual se consolidó. Las visiones se incorporaron a una de sus obras fundamentales en 1142, Scivias (Conoce los caminos del Señor) , que consta de treinta y cinco visiones que relatan e ilustran la historia de la salvación. Las ilustraciones de Scivias , como la primera, muestran a Hildegarda experimentando visiones sentada en el monasterio de Bingen . Se diferencian notablemente de otras creadas en Alemania durante el mismo período, ya que se caracterizan por colores brillantes, énfasis en la línea y formas simplificadas. Si bien es probable que Hildegarda no haya dibujado las imágenes, su carácter singular sugiere que fueron creadas bajo su atenta supervisión.

El siglo XII presenció el auge de las ciudades en Europa, junto con el auge del comercio, los viajes y las universidades. Estos cambios sociales también propiciaron transformaciones en la vida de las mujeres. A las mujeres viudas se les permitía dirigir los negocios de sus maridos. La Esposa de Bath en Los cuentos de Canterbury de Chaucer es un ejemplo de ello. Durante este período, también se les permitió formar parte de algunos gremios de artesanos . Los registros gremiales muestran que las mujeres fueron particularmente activas en la industria textil de Flandes y el norte de Francia. Los manuscritos medievales contienen numerosas anotaciones marginales que representan a mujeres con husos. En Inglaterra, las mujeres eran responsables de la creación del Opus Anglicanum , o ricos bordados para uso eclesiástico o secular en prendas de vestir y diversos tipos de tapices. Las mujeres también se involucraron más en la iluminación. Es probable que varias mujeres trabajaran junto a sus maridos o padres, entre ellas la hija de Maître Honoré y la hija de Jean le Noir . En el siglo XIII, la mayoría de los manuscritos iluminados se producían en talleres comerciales, y hacia finales de la Edad Media, cuando la producción de manuscritos se había convertido en una industria importante en ciertos centros, las mujeres parecían representar la mayoría de los artistas y escribas empleados, especialmente en París. El paso a la imprenta y a las técnicas de grabado en madera y aguafuerte , en las que las mujeres parecen haber tenido poca participación, representó un retroceso para el progreso de las mujeres artistas.

Mientras tanto, Jefimija (1349-1405), una noble serbia , viuda y monja ortodoxa , se dio a conocer no solo como poetisa que escribió un lamento por su hijo fallecido, Uglješa, sino también como hábil bordadora y grabadora. Su lamento por su amado hijo, que inmortalizó el dolor de todas las madres que lloran a sus hijos muertos, fue grabado en el reverso del díptico (icono de dos paneles que representa a la Virgen y el Niño) que Teodosije, obispo de Serres , había obsequiado al infante Uglješa en su bautismo. La obra de arte, ya valiosa por el oro, las piedras preciosas y las bellas tallas en sus paneles de madera, se volvió invaluable después de que el lamento de Jefimija fuera grabado en su reverso. ^{[ 22 ]}

In 15th-century Venice the daughter of the glass artist, Angelo Barovièr, was known to have been the artist behind a particular glass design from Venetian Murano. She was Marietta Barovier, a Venetian glass artist.^[23] Of fourteen specialist glass painters (pictori) documented between 1443 and 1516, she and Elena de Laudo were the only women.^[24] Seemingly several centuries had to elapse before women were able to pursue the medium in Glass art.

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  St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri), (Maria und das Jesuskind mit Frucht), c. 1440s. She is the patroness saint of artists.
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  Caterina van Hemessen, Self-portrait 1548
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  Sofonisba Anguissola, Self-Portrait, 1554
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  Esther Inglis, Portrait, 1595
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  Fede Galizia, Judith with the Head of Holofernes, 1596. The figure of Judith is believed to be a self-portrait.
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  Lavinia Fontana, Minerva Dressing, 1613, Galleria Borghese, Rome

Artists from the Renaissance era include Sofonisba Anguissola, Lucia Anguissola, Lavinia Fontana, Fede Galizia, Diana Scultori Ghisi, Caterina van Hemessen, Esther Inglis, Barbara Longhi, Maria Ormani, Marietta Robusti (daughter of Tintoretto), Properzia de' Rossi, Levina Teerlinc, Mayken Verhulst, and St. Catherine of Bologna (Caterina dei Vigri).^[25][26]

Este es el primer período de la historia occidental en el que varias artistas seculares femeninas alcanzaron renombre internacional. El auge de las mujeres artistas durante este período puede atribuirse a importantes cambios culturales. Uno de estos cambios provino de la Contrarreforma, que reaccionó contra el protestantismo y dio lugar a un movimiento hacia el humanismo , una filosofía que afirmaba la dignidad de todas las personas, que se convirtió en un elemento central del pensamiento renacentista y contribuyó a elevar el estatus de la mujer. ^{[ 6 ]} Además, la identidad del artista individual en general se consideró más importante. Artistas significativos de este período cuyas identidades se desconocen prácticamente dejan de existir. Dos textos importantes, Sobre las mujeres ilustres y La ciudad de las mujeres , ilustran este cambio cultural. Boccaccio , un humanista del siglo XIV, escribió De mulieribus claris (en latín, Sobre las mujeres ilustres ) (1335-1359), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó se encontraba la de Thamar (o Thmyris), una pintora de vasos de la antigua Grecia. Curiosamente, entre las iluminaciones de manuscritos del siglo XV de Sobre las mujeres ilustres , Thamar aparece representada pintando un autorretrato o quizás una pequeña imagen de la Virgen con el Niño. Christine de Pizan , una destacada escritora, retórica y crítica francesa de finales de la Edad Media, escribió El libro de la ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la que las mujeres independientes vivían libres de la calumnia de los hombres. En su obra incluyó a artistas reales, como Anastasia , considerada una de las mejores iluminadoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas propiciaron una mayor educación para las mujeres italianas.

La más notable de estas obras fue Il Cortegiano o El Cortesano del humanista italiano del siglo XVI Baldassare Castiglione . Esta obra enormemente popular afirmaba que hombres y mujeres debían ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo aceptable que las mujeres se dedicaran a las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del Renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue la más exitosa de estas aristócratas menores que primero se beneficiaron de la educación humanista y luego alcanzaron el reconocimiento como pintoras. ^{[ 27 ]} Anguissola , nacida en Cremona , fue tanto una pionera como un modelo a seguir para las futuras generaciones de mujeres artistas. ^{[ 6 ]} Las artistas que no eran mujeres nobles también se vieron afectadas por el auge del humanismo. Además de los temas convencionales, artistas como Lavinia Fontana y Caterina van Hemessen comenzaron a representarse a sí mismas en autorretratos, no solo como pintoras sino también como músicas y eruditas, destacando así su educación integral. Fontana se benefició de las actitudes ilustradas de su ciudad natal, Bolonia , donde la universidad había admitido a mujeres académicas desde la Edad Media. ^{[ 6 ]} Junto con el auge del humanismo, se produjo un cambio de artesanos a artistas. A diferencia de los artesanos anteriores, ahora se esperaba que los artistas tuvieran conocimientos de perspectiva, matemáticas, arte antiguo y el estudio del cuerpo humano. A finales del Renacimiento, la formación de los artistas comenzó a trasladarse del taller del maestro a la Academia , y las mujeres iniciaron una larga lucha, que no se resolvió hasta finales del siglo XIX, para obtener pleno acceso a esta formación. ^{[ 6 ]} El estudio del cuerpo humano requería trabajar con desnudos masculinos y cadáveres. Esto se consideraba un conocimiento fundamental para crear escenas grupales realistas. A las mujeres generalmente se les prohibía la formación con desnudos masculinos y, por lo tanto, se les impedía crear tales escenas. Este tipo de representaciones de desnudos eran necesarias para las composiciones religiosas de gran formato, que recibían los encargos más prestigiosos.

Aunque muchas mujeres aristocráticas tuvieron acceso a cierta formación artística, si bien sin la ventaja de dibujar figuras a partir de modelos masculinos desnudos, la mayoría optó por el matrimonio en lugar de una carrera artística. Este fue el caso, por ejemplo, de dos de las hermanas de Sofonisba Anguissola. Las mujeres reconocidas como artistas en este período eran monjas o hijas de pintores. De las pocas que surgieron como artistas italianas en el siglo XV, las que se conocen hoy en día están asociadas a conventos. Entre estas artistas que fueron monjas se encuentran Caterina dei Virgi , Antonia Uccello y Suor Barbara Ragnoni . Durante los siglos XV y XVI, la gran mayoría de las mujeres que alcanzaron cierto éxito como artistas eran hijas de pintores. Esto se debe probablemente a que pudieron formarse en los talleres de sus padres. Ejemplos de mujeres artistas formadas por sus padres incluyen a la pintora Lavinia Fontana , la retratista en miniatura Levina Teerlinc y la retratista Caterina van Hemessen . Las artistas italianas de este periodo, incluso aquellas formadas por sus familias, parecen algo inusuales. Sin embargo, en ciertas partes de Europa, sobre todo en el norte de Francia y Flandes, era más común que los hijos e hijas se dedicaran a la profesión de su padre. De hecho, en los Países Bajos, donde las mujeres gozaban de mayor libertad, hubo varias artistas durante el Renacimiento. Por ejemplo, los registros del Gremio de San Lucas en Brujas no solo muestran que admitían mujeres como miembros activas, sino que, en la década de 1480, el veinticinco por ciento de sus miembros eran mujeres (muchas probablemente trabajando como iluminadoras de manuscritos).

En la década de 2010, un frágil rollo de lienzo de 22 pies en Florencia llamó la atención de la filántropa Jane Fortune y la autora florentina Linda Falcone y su organización, Advancing Women Artists Foundation . ^{[ 6 ]} Cuatro años de restauración por un equipo liderado por mujeres revelan la obra de la autodidacta del siglo XVI, la Hermana Plautilla Nelli y la única mujer renacentista conocida que pintó La Última Cena . ^{[ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]} La obra se exhibió en el Museo Santa Maria Novella en Florencia en octubre de 2019. ^{[ 31 ]} A principios de 2020, AWA había patrocinado la restauración de 67 obras de artistas femeninas, desenterradas en colecciones florentinas. ^{[ 6 ]}

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  Artemisia Gentileschi , Autorretrato como intérprete de laúd , c. 1615–1617, Galerías Curtis, Minneapolis
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  Louise Moillon , La vendedora de frutas, 1631, Museo del Louvre.
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  Giovanna Garzoni , Naturaleza muerta con cuenco de limones, 1640, témpera sobre pergamino, Museo Getty , Pacific Palisades, Los Ángeles, California.
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  Rachel Ruysch , Naturaleza muerta con ramo de flores y ciruelas, óleo sobre lienzo, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , Bruselas.
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  Mary Beale , autorretrato, c. 1675–1680
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  Élisabeth Sophie Chéron , autorretrato, 1672
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  Josefa de Ayala (Josefa de Óbidos) , Naturaleza muerta , c. 1679, Santarém , Biblioteca Municipal

Los artistas de la época barroca incluyen: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Maria Theresa van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni ^{[ 25 ]} Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Josefa de Ayala más conocida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (hija de la coleccionista de arte Olimpia Aldobrandini ), ^{[ 32 ]} Luisa Roldán conocida como La Roldana, Rachel Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen y Elisabetta Sirani . Al igual que en el Renacimiento, muchas mujeres entre los artistas barrocos provenían de familias de artistas. Artemisia Gentileschi es un ejemplo de ello. Fue formada por su padre, Orazio Gentileschi , y trabajó junto a él en muchos de sus encargos. Luisa Roldán se formó en el taller de escultura de su padre, Pedro Roldán .

Las artistas de este periodo comenzaron a cambiar la forma en que se representaba a la mujer en el arte. Muchas de las mujeres que trabajaban como artistas en la época barroca no pudieron formarse con modelos desnudos, que siempre eran masculinos, pero estaban muy familiarizadas con el cuerpo femenino. Mujeres como Elisabetta Sirani crearon imágenes de mujeres como seres conscientes en lugar de musas distantes. Uno de los mejores ejemplos de esta novedosa expresión se encuentra en Judith decapitando a Holofernes de Artemisia Gentileschi , en la que Judith es representada como una mujer fuerte que determina y venga su propio destino. Letizia Treves, curadora de la exposición de Gentileschi de la National Gallery de Londres en 2020, comentó: «Es imposible verla sin pensar en Tassi violando a Gentileschi». ^{[ 33 ]} Los elementos del cuadro están «equilibrados con tal maestría que hablan de una pintora que priorizó el virtuosismo sobre la pasión». ^{[ 6 ]} Mientras que otros artistas, incluyendo a Botticelli y a la mujer más tradicional, Fede Galizia , representaron la misma escena con una Judith pasiva, en su tratamiento novedoso, la Judith de Gentileschi parece ser una actriz capaz en la tarea en cuestión. La acción es la esencia de la obra y otra pintura suya de Judith abandonando la escena. La naturaleza muerta surgió como un género importante alrededor de 1600, particularmente en los Países Bajos. Las mujeres estuvieron a la vanguardia de esta tendencia pictórica. Este género era particularmente adecuado para las mujeres, ya que podían acceder fácilmente a los materiales para la naturaleza muerta. En el norte, estas practicantes incluyeron a Clara Peeters , una pintora de banketje o piezas de desayuno, y escenas de artículos de lujo arreglados; Maria van Oosterwijk , la pintora de flores de renombre internacional; y Rachel Ruysch , una pintora de arreglos florales visualmente cargados. En otras regiones, la naturaleza muerta era menos común, pero hubo importantes artistas femeninas en este género, como Giovanna Garzoni , que creó arreglos vegetales realistas sobre pergamino, y Louise Moillon , cuyos bodegones de frutas destacaron por sus colores brillantes.

Influencers dentro de la era

Judith Leyster era hija de tejedores y la octava de nueve hijos. ^{[ 34 ]} No nació en una familia artística tradicional, pero su determinación de convertirse en pintora fue apoyada por su familia, y estudió pintura entre los 11 y los 16 años. ^{[ 34 ]} Durante su adolescencia, se estableció una conexión entre los Leyster y el pintor histórico Frans Peters de Grebber , quien entró en contacto con sus padres por su amor a sus telas bordadas. Leyster trabajó como su aprendiz durante años antes de abrir su propio estudio. ^{[ 34 ]} Finalmente, se convirtió en la primera mujer en unirse al Gremio de Harleem. ^{[ 35 ]} Su obra mostraba técnicas vigorosas y exuberantes que no se veían en muchas artistas femeninas de la época, y se consideraba masculina, como la de Artemisia Gentileschi . ^{[ 36 ]} Después de su muerte, la obra de Leyster fue ignorada por muchos durante más de dos siglos antes de que se la incluyera en los estudios históricos. ^{[ 34 ]}

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  Elisabeth Vigée-Le Brun (1755–1842), Autorretrato , c. 1780, uno de los muchos que pintó para la venta.
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  Rosalba Carriera (1675-1757), Autorretrato , 1715
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  Ulrika Pasch , Autorretrato , c. 1770
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  Anne Vallayer-Coster , Atributos de la música , 1770
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  Anna Dorothea Therbusch , Autorretrato , 1777
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  Angélica Kauffman , Literatura y pintura , 1782, Casa Kenwood
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  Marie-Gabrielle Capet , Autorretrato , 1783
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  Anna Rajecka , Retrato de Ignacy Potocki , 1784
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  Adélaïde Labille-Guiard , Autorretrato con dos alumnos , Marie-Gabrielle Capet y Marie-Marguerite Carreaux de Rosemond 1785, Museo Metropolitano de Arte
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  Marguerite Gérard , Primeros pasos , óleo sobre lienzo, 45,5 x 55  cm, c. 1788
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  Dos damas de Sakaki Hyakusen

Artists from this period include Rosalba Carriera,^[37]Maria Cosway, Marguerite Gérard, Angelica Kauffman, Adélaïde Labille-Guiard, Giulia Lama, Mary Moser, Ulrika Pasch, Adèle Romany, Anna Dorothea Therbusch, Anne Vallayer-Coster, Elisabeth Vigée-Le Brun, Marie-Guillemine Benoist and Anna Rajecka, also known as Madame Gault de Saint-Germain.

In many countries of Europe, the Academies were the arbiters of style. The Academies also were responsible for training artists, exhibiting artwork, and, inadvertently or not, promoting the sale of art. Most Academies were not open to women. In France, for example, the powerful Academy in Paris had 450 members between the 17th century and the French Revolution, and only fifteen were women. Of those, most were daughters or wives of members. In the late 18th century, the French Academy resolved not to admit any women at all. The pinnacle of painting during the period was history painting, especially large scale compositions with groups of figures depicting historical or mythical situations. In preparation to create such paintings, artists studied casts of antique sculptures and drew from male nudes. Women had limited, or no access to this Academic learning, and as such there are no extant large-scale history paintings by women from this period. Some women made their name in other genres such as portraiture. Elisabeth Vigee-Lebrun used her experience in portraiture to create an allegorical scene, Peace Bringing Back Plenty, which she classified as a history painting and used as her grounds for admittance into the academy. After the display of her work, it was demanded that she attend formal classes, or lose her license to paint. She became a court favourite, and a celebrity, who painted over forty self-portraits, which she was able to sell.^[27]

En Inglaterra, dos mujeres, Angelica Kauffman y Mary Moser , fueron miembros fundadoras de la Real Academia de las Artes de Londres en 1768. Kauffmann ayudó a Maria Cosway a ingresar en la academia. Aunque Cosway alcanzó el éxito como pintora de escenas mitológicas, ambas mujeres mantuvieron una posición algo ambivalente en la Real Academia, como lo demuestra el retrato grupal de los académicos de la Real Academia de Johan Zoffany, que ahora forma parte de la Colección Real . En él, solo los hombres de la academia están reunidos en un gran estudio de artista, junto con modelos masculinos desnudos. Por razones de decoro, debido a la presencia de los modelos desnudos, las dos mujeres no aparecen como presentes, sino como retratos en la pared. ^{[ 38 ]} El énfasis en el arte académico en los estudios del desnudo durante la formación siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de las actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media que se convertían en artistas. Tras estas tres mujeres, ninguna se convirtió en miembro de pleno derecho de la academia hasta Laura Knight en 1936, y las mujeres no fueron admitidas en las escuelas de la academia hasta 1861. A finales del siglo XVIII, se produjeron importantes avances para las artistas. En París, el Salón, la exposición de obras fundada por la academia, se abrió a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres exhibir su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres eran aceptadas con mayor frecuencia como alumnas por artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze .

Entre las artistas femeninas de principios del siglo XIX se encuentran Marie-Denise Villers , especializada en retratos; Constance Mayer , que pintó retratos y alegorías; Marie Ellenrieder , conocida principalmente por sus pinturas religiosas al estilo nazareno ; y Louise-Adéone Drölling , que siguió los pasos de su padre y su hermano mayor como pintora y dibujante.

En la segunda mitad del siglo, Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale y Maria Zambaco ^{[ 39 ]} fueron mujeres artistas del movimiento prerrafaelita . También fueron influenciadas por los prerrafaelitas Evelyn De Morgan y la activista y pintora Barbara Bodichon .

Impressionist painters Berthe Morisot, Marie Bracquemond, and the Americans, Mary Cassatt and Lucy Bacon, became involved in the French Impressionist movement of the 1860s and 1870s. American Impressionist Lilla Cabot Perry was influenced by her studies with Monet and by Japanese art in the late 19th century. Cecilia Beaux was an American portrait painter who also studied in France. Apart from Anna Bilińska, Olga Boznańska is considered the best-known of all Polish women artists, and was stylistically associated with Impressionism.

Rosa Bonheur was the best-known female artist of her time, internationally renowned for her paintings of animals.^[40]Elizabeth Thompson (Lady Butler), perhaps inspired by her life-classes of armoured figures at the Government School, was one of the first women to become famous for large history paintings, specializing in scenes of military action, usually with many horses, most famously Scotland Forever!, showing a cavalry charge at Waterloo.

Kitty Lange Kielland was a Norwegian landscape painter.

Elizabeth Jane Gardner was an American academic painter who was the first American woman to exhibit at the Paris Salon. In 1872 she became the first woman to ever win a gold medal at the Salon.

In 1894, Suzanne Valadon was the first woman admitted to the Société Nationale des Beaux-Arts in France. Anna Boch was a Post-Impressionist painter, as was Laura Muntz Lyall, who exhibited at the 1893 World Columbian Exposition in Chicago, Illinois, and then in 1894 as part of the Société des artistes français in Paris.

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  Marie Ellenrieder, Self-portrait as a Painter, 1819
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  Mary Cassatt, Tea, 1880, oil on canvas, 25½ × 36¼ in., Museum of Fine Arts, Boston
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  Maria Bashkirtseva, In the Studio, 1881, oil on canvas, 74 × 60.6 in, Dnipro State Art Museum
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  Suzanne Valadon, Self-portrait, 1883
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  Berthe Morisot, L'Enfant au Tablier Rouge, 1886, American Art Museum
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  Jeanna Bauck, The Danish Artist Bertha Wegmann Painting a Portrait, late 19th century
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  Anna Bilińska , Una negra , 1884, Museo Nacional de Varsovia
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  Olga Boznańska , Niña con crisantemos , 1894, Museo Nacional de Cracovia.
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  Rosa Bonheur , La feria de caballos , 1853-1855, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York.
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  Elizabeth Thompson , Restos de un ejército , 1879, Tate . Se especializó en escenas militares.
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  Honō (焔, Llama), 1918. Museo Nacional de Tokio por Uemura Shōen

Eleanor Coade (1733-1821) se hizo famosa en la Inglaterra georgiana por fabricar estatuas neoclásicas , decoraciones arquitectónicas y ornamentos de jardín hechos de Lithodipyra o piedra Coade durante más de 50 años, desde 1769 hasta su muerte. ^{[ 41 ]} Lithodipyra ("piedra cocida dos veces") era una cerámica de gres moldeada, duradera y resistente a la intemperie, de alta calidad . Las estatuas y elementos decorativos de esta cerámica aún lucen casi como nuevos. Coade no inventó la "piedra artificial", pero probablemente perfeccionó tanto la receta de la arcilla como el proceso de cocción. Combinó una fabricación de alta calidad y un gusto artístico, junto con habilidades empresariales, comerciales y de marketing, para crear los productos de piedra de gran éxito de su época. Produjo cerámica para la Capilla de San Jorge en Windsor , el Pabellón Real de Brighton , Carlton House en Londres y el Real Colegio Naval de Greenwich . ^{[ 41 ]}

Eleanor Coade desarrolló su propio talento como modeladora, exhibiendo alrededor de 30 esculturas de temas clásicos en la Sociedad de Artistas entre 1773 y 1780, según consta en su catálogo de expositores de la época. ^{[ 42 ]} Tras su muerte, su cerámica Coade se utilizó para las reformas del Palacio de Buckingham y por destacados escultores en sus obras monumentales, como el León de South Bank (1837) de William Frederick Woodington en el Puente de Westminster , Londres . La estatua se realizó en partes separadas y se selló sobre un marco de hierro.

El siglo produjo sus escultoras en Oriente, Seiyodo Bunshojo (1764–1838) una talladora de netsuke japonesa y escritora de haikus . ^{[ 43 ] [ 44 ]} Era hija de Seiyodo Tomiharu . ^{[ 44 ]} Su obra se puede ver en el Museo de Arte Walters . ^{[ 45 ]} Mientras que en Occidente, estaban: Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (hija de Jan Matejko ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (también medallista ), Camille Claudel , Enid Yandell y Edmonia Lewis . Lewis, una artista afroamericana de origen ojibwe - haitiano de Nueva York, comenzó sus estudios de arte en el Oberlin College . Su carrera como escultora comenzó en 1863. Estableció un estudio en Roma, Italia , y exhibió sus esculturas de mármol por toda Europa y Estados Unidos. ^{[ 46 ]}

Constance Fox Talbot podría ser la primera mujer en tomar una fotografía. ^{[ 47 ]} Más tarde, Julia Margaret Cameron y Gertrude Kasebier se hicieron muy conocidas en el nuevo medio de la fotografía , donde no había restricciones tradicionales ni formación establecida que las limitara. Sophia Hoare , otra fotógrafa británica, trabajó en Tahití y otras partes de Oceanía .

En Francia, cuna de la fotografía, solo existía Geneviève Élisabeth Disdéri (c. 1817–1878). En 1843, se casó con el fotógrafo pionero André-Adolphe-Eugène Disdéri , asociándose con él en su estudio de daguerrotipos de Brest desde finales de la década de 1840. ^{[ 48 ]} Después de que su esposo partiera a París en 1852, Geneviève continuó dirigiendo el taller sola. Se la recuerda por sus 28 vistas de Brest, principalmente arquitectónicas, que se publicaron como Brest et ses Environs en 1856. ^{[ 49 ]} En 1872, se mudó a París, abriendo un estudio en la Rue du Bac donde posiblemente fue asistida por su hijo Jules. Los listados comerciales indican que continuó operando su estudio hasta su muerte en un hospital de París en 1878. ^{[ 50 ]} Fue una de las primeras fotógrafas profesionales del mundo, activa poco después de la alemana Bertha Beckmann y las suecas Brita Sofia Hesselius y Marie Kinnberg .

Durante ese siglo, el acceso a las academias y a la formación artística formal se amplió para las mujeres en Europa y América del Norte. La Escuela de Diseño del Gobierno Británico, que más tarde se convirtió en el Real Colegio de Arte , admitió mujeres desde su fundación en 1837, pero solo en una "Escuela Femenina" que recibía un trato algo diferente, con clases de "naturaleza viva" que consistían durante varios años en dibujar a un hombre con una armadura.

Las Escuelas de la Real Academia finalmente admitieron mujeres a partir de 1861, pero inicialmente las estudiantes solo dibujaban modelos con ropas. Sin embargo, otras escuelas en Londres, incluida la Slade School of Art desde la década de 1870, eran más liberales. A finales de siglo, las mujeres pudieron estudiar la figura desnuda, o casi desnuda, en muchas ciudades de Europa Occidental y América del Norte. La Sociedad de Artistas Femeninas (ahora llamada Sociedad de Mujeres Artistas ) se fundó en 1855 en Londres y ha organizado exposiciones anuales desde 1857, cuando se mostraron 358 obras de 149 mujeres, algunas usando un seudónimo. ^{[ 51 ]} Sin embargo, una mujer a la que se le negó la educación superior o especializada y que aun así "rompió el molde", fue la naturalista, escritora e ilustradora Beatrix Potter (1866-1943). ^{[ 52 ]}

Lee Miller redescubrió la solarización ^{[ 66 ]} y se convirtió en un fotógrafo de alta costura. Dorothea Lange documentó la Depresión. Berenice Abbott creó imágenes de arquitectura y celebridades conocidas, Margaret Bourke-White creó las fotografías industriales que aparecieron en la portada y en el artículo principal de la primera revista Life . Diane Arbus basó su fotografía en los marginados de la sociedad dominante. Las obras de Graciela Iturbide trataron sobre la vida mexicana y el feminismo, mientras que Tina Modotti produjo "iconos revolucionarios" de México en la década de 1920. ^{[ 67 ]} El trabajo fotográfico de Annie Leibovitz fue sobre el rock and roll y otras figuras de celebridades. Otras mujeres que rompieron el techo de cristal han incluido: Eve Arnold , Marilyn Silverstone e Inge Morath de Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss y Xyza Cruz Bacani .

La década de 1970 fue una década generativa para el arte pionero en otros aspectos. Fue un momento decisivo en cuanto a la relación del arte con los medios de comunicación de masas. Una fotógrafa destacada fue Cindy Sherman . Formó parte de un grupo de artistas llamado la « Generación de las Imágenes », cuya obra exploraba esta relación. Su trabajo está dirigido a un público que ha crecido no solo con el cine y la publicidad, sino también con la televisión como parte de su realidad.  Barbara Kruger , otra figura clave de la Generación de las Imágenes , comenzó a utilizar técnicas publicitarias y de diseño gráfico para explorar el poder en el contexto de las estructuras consumistas y patriarcales. El movimiento feminista que coincidió con el surgimiento de estas artistas abordó cuestiones relacionadas con la emancipación de la mujer, en particular los derechos reproductivos y la sexualidad. Estas cuestiones han vuelto a cobrar protagonismo en medio del retroceso de los derechos legales sobre la autonomía corporal de las mujeres en algunos países occidentales. ^{[ 68 ]}

Las mujeres artistas gráficas e ilustradoras, como la excepcional dibujante de cómics Claire Bretécher , han hecho una valiosa contribución a su campo. ^{[ 69 ]} A mayor escala, entre los diseñadores teatrales han sido notables los siguientes: Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Änggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbour , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenport , Kirsten Dehlholm , Victorina Durán , Lauren Elder , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave-Dickerson , Karen TenEyck y Donyale Werle .

Mary Carroll Nelson fundó la Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), cuyos miembros artistas siguen la tradición de Emil Bisttram y el Transcendental Painting Group, así como la de Morris Graves de la Pacific Northwest Visionary Art School. En la década de 1970, Judy Chicago creó The Dinner Party , una obra muy importante del arte feminista . Helen Frankenthaler fue una pintora expresionista abstracta y estuvo influenciada por Jackson Pollock . Lee Krasner también fue una artista expresionista abstracta , casada con Pollock y alumna de Hans Hofmann . Elaine de Kooning fue alumna y posteriormente esposa de Willem de Kooning , y fue una pintora figurativa abstracta . Anne Ryan fue una artista del collage. Jane Frank , también alumna de Hans Hofmann , trabajó con técnicas mixtas sobre lienzo. En Canadá, Marcelle Ferron fue una exponente del automatismo .

Desde la década de 1960, el feminismo impulsó un gran aumento del interés por las artistas y su estudio académico. Destacan las contribuciones de las historiadoras del arte Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , la curadora Jasia Reichardt y otras. Algunas historiadoras del arte, como Daphne Haldin, han intentado corregir el desequilibrio de las historias centradas en los hombres mediante la recopilación de listas de artistas mujeres, aunque muchos de estos esfuerzos permanecen inéditos. ^{[ 70 ]} Figuras como Artemisia Gentileschi y Frida Kahlo emergieron de la relativa oscuridad para convertirse en iconos feministas . Las Guerilla Girls , un grupo anónimo de mujeres formado en 1985, fueron "la conciencia del mundo del arte". Denunciaron la indiferencia y las desigualdades de género y raza, especialmente en el mundo del arte. Las Guerilla Girls crearon numerosos carteles para llamar la atención, generalmente con humor, de la comunidad, con el fin de generar conciencia y promover el cambio. En 1996, Catherine de Zegher comisarió una exposición de 37 grandes artistas femeninas del siglo XX. La exposición, Inside the Visible , que viajó desde el ICA de Boston al Museo Nacional de Mujeres en las Artes de Washington, la Whitechapel de Londres y la Galería de Arte de Australia Occidental en Perth, incluyó obras de artistas desde la década de 1930 hasta la de 1990, entre las que destacan Claude Cahun , Louise Bourgeois , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum y la aclamada Magdalena Abakanowicz, que utilizó textiles en sus instalaciones, ^{[ 71 ]} entre otras.

Los textiles femeninos estaban anteriormente relegados a la esfera privada y asociados con la domesticidad en lugar de ser reconocidos como arte. Existía la exigencia de que el arte demostrara un «genio artístico», asociado a la masculinidad; cuando los textiles se consideraban funcionales, no se los consideraba arte. ^{[ 72 ]} Esto llevó a que las mujeres evitaran técnicas asociadas con la feminidad, desde los textiles hasta el uso de líneas delicadas o ciertos colores «femeninos», porque no querían ser llamadas artistas femeninas. ^{[ 73 ]} Sin embargo, en años más recientes, esta situación se ha cuestionado y los textiles se han utilizado para crear arte que representa las experiencias y luchas femeninas. La obra de Parker, «The Subversive Stitch», muestra cómo las feministas subvierten el bordado para hacer declaraciones feministas y desafiar la idea de que los textiles solo deben asociarse con la domesticidad y la feminidad. ^{[ 74 ]} Michna sostiene que desafiar las prácticas artísticas que excluyen a las mujeres expone la política y el sesgo de género del arte tradicional y ayuda a romper las divisiones patriarcales y basadas en la clase social. ^{[ 75 ]} Estas formas de expresión tradicionalmente femeninas se utilizan ahora para empoderar a las mujeres; desarrollar conocimientos y recuperar habilidades tradicionales de las mujeres que la sociedad había devaluado previamente. ^{[ 76 ]}

Véase también activismo artesanal .

El resurgimiento a finales del siglo XIX de la creación de objetos de arte cerámico en Japón y Europa se conoce como cerámica de estudio , aunque abarca la escultura y también las teselas , los cubos de mosaico que se remontan a Persia en el tercer milenio a. C. Varias influencias contribuyeron al surgimiento de la cerámica de estudio: la cerámica artística en la obra de los hermanos Martin y William Moorcroft , el movimiento Arts and Crafts , la Bauhaus y el redescubrimiento de la cerámica artesanal tradicional y la excavación de grandes cantidades de cerámica Song en China. ^{[ 10 ]}

Las principales tendencias en la cerámica de estudio británica del siglo XX están representadas tanto por hombres como por mujeres: Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie y Hans Coper . Leach (1887-1979) estableció un estilo de cerámica, la vasija ética , fuertemente influenciado por las formas chinas, coreanas, japonesas e inglesas medievales. Su estilo dominó la cerámica de estudio británica a mediados del siglo XX. La influencia de Leach se difundió particularmente a través de su libro A Potter's Book ^{[ 77 ]} y el sistema de aprendizaje que implementó en su taller de cerámica en St Ives, Cornualles .

Otros artistas de la cerámica ejercieron influencia a través de sus puestos en las escuelas de arte. Dora Billington (1890-1968) estudió en la Escuela de Arte de Hanley, trabajó en la industria de la cerámica y llegó a ser jefa del departamento de cerámica en la Escuela Central de Artes y Oficios . Trabajó con técnicas que Leach no utilizaba, como la loza vidriada con estaño , e influyó en ceramistas como William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie y Margaret Hine . ^{[ 78 ] [ 79 ]}

Desde la década de 1960, una nueva generación de ceramistas, influenciada por la Escuela de Arte de Camberwell y la Escuela Central de Arte y Diseño, entre las que se incluyen Alison Britton , Ruth Duckworth y Elizabeth Fritsch , comenzó a experimentar con objetos cerámicos abstractos, variando los efectos de superficie y esmalte, lo que le valió el reconocimiento de la crítica. La obra de Elizabeth Fritsch está representada en importantes colecciones y museos de todo el mundo. Además, la reputación de los ceramistas británicos ha atraído talento internacional y ha dado a conocer a artistas destacados en este campo. Entre ellos se encuentran la india Nirmala Patwardhan , la keniana Magdalene Odundo y la iraní Homa Vafaie Farley .

Al igual que en Gran Bretaña, la cerámica fue fundamental para el movimiento Arts and Crafts de Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. Charles Fergus Binns , primer director de la Escuela Estatal de Cerámica y Arcilla de Nueva York en la Universidad de Alfred , fue una figura clave. Algunos ceramistas estadounidenses adoptaron el enfoque de los movimientos emergentes de cerámica artística en Gran Bretaña y Japón. Artistas de todo el mundo y de Europa que llegaron a Estados Unidos contribuyeron a la apreciación pública de la cerámica como forma de arte, entre ellos Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer y Gertrude y Otto Natzler . Entre los ceramistas más destacados de Estados Unidos se encuentran Otto y Vivika Heino , Beatrice Wood y Amber Aguirre . 

Mientras tanto, en los menguantes bosques primarios de la región de los Grandes Lagos africanos en el Valle del Rift , hay un pueblo que se aferra a su ancestral modo de vida de cazadores-recolectores. Son los Batwa , uno de los pueblos más marginados del mundo, cuyas mujeres (y algún que otro hombre) continúan la costumbre centenaria de elaborar cerámica que se ha utilizado como trueque con los campesinos y pastores de la región. Sus vasijas varían desde sencillas hasta ricamente decoradas. ^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ]}

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  Mujeres Batwa con cerámica tradicional
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  Jarrón hecho por Lucie Rie
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  Pájaro de cerámica de Margaret Hine , década de 1950. Gres vidriado con decoración de esgrafiado .
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  Maceta hecha a mano por Elizabeth Fritsch.
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  La olla bruñida de Magdalene Odundo
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  Título: "Atrapada" Año: 2015 por Beth Cavener Stichter